jueves, 24 de febrero de 2011

CANCIONES FAVORITAS. Turn, turn, turn.



TURN, TURN, TURN.
Pete Seeger.






El segundo disco de The Byrds fue la confirmación de un sonido inédito hasta ese momento y consistía en la afortunada mezcla de la música "folk" y el rock, en lo que los críticos llamaron el folk-rock y que este quinteto patentaría y haría clásico.

El repertorio estaba formado por composiciones de Gene Clark, compositor principal del grupo, David Crosby y piezas del icono del folk, Pete Seeger y la nueva y gran revelación en este género, Bob Dylan, el disco fue producido por Terry Melcher, para el sello discográfico Columbia.

La esencia del sonido "Byrd" se basaba en el uso sencillo pero tumultuoso de las guitarras que se alternaban los acordes, los "riffs" y las líneas melódicas, combinadas con los efectos vocales, plagados de coros y alternativas entre un cantante solista y otro, el resto del éxito de esta banda, estaba en las letras y los temas que abordaban, la naturaleza, el amor, la armonía, la vida de la gente común y las reflexiones críticas sobre todo esto.

La canción que da título al álbum, Turn! Turn! Turn!, fue compuesta por Pete Seeger, pero la letra fue tomada del Libro del Eclesiastés, que forma parte del Antiguo Testamento y consiste en una serie de consejos de sabia prudencia, impregnados de la idea del plan predeterminado de Dios para la humanidad, que no permite ser transgredido, haber musicalizado este texto, redundó en un gran éxito para esta pieza que en los tiempos que vivía, resultaba de gran belleza y profundidad filisófica.


Cambia! Cambia! Cambia!


Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para nacer, un momento para morir
un momento para sembrar, un momento para cosechar
un momento para matar, un momento para curar
un momento para reir, un momento para llorar.

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para construir, un momento para destruir
un momento para bailar, un momento para sollozar
un momento para lanzar piedras, un momento para juntarlas

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para amar, un momento para odiar
un momento para la guerra, un momento para la paz
un momento en que puedes abrazar, un momento para contenerse

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para ganar, un momento para perder
un momento para rasgar, un momento para coser
un momento para amar, un momento para odiar
un momento para la paz, te juro que no es demasiado tarde.

Traducción: Ariel Martínez.



Turn! Turn! Turn!


To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to be born, a time to die
A time to plant, a time to reap
A time to kill, a time to heal
A time to laugh, a time to weep

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to build up,a time to break down
A time to dance, a time to mourn
A time to cast away stones, a time to gather stones together

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time of love, a time of hate
A time of war, a time of peace
A time you may embrace, a time to refrain from embracing

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to gain, a time to lose
A time to rend, a time to sew
A time to love, a time to hate
A time for peace, I swear its not too late


The Byrds - Turn! Turn! Turn!
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martes, 22 de febrero de 2011

RESEÑA

Ratatat en Voilà Antara

Un día más y se cumplirá una semana del concierto. Entonces esta reseña ya no es nada actual; sin embargo, no quería dejar pasar la oportunidad de escribir sobre este gran evento y mi primer concierto del año.

Hace ya bastante tiempo, a comienzos de éste blog había escrito algo acerca del gran dúo de New York y hace más que esperaba ver una de sus presentaciones en vivo. Mi sueño se cumplió gracias a que Ratatat cayó a México a promocionar su álbum del año pasado, LP4 continuación del LP3 del 2008.

Lo primero que conviene es hablar del lugar. Aunque lejos del centro (y más de mi hogar), el Voilà es un espacio bien bonito, claramente pensado para conciertos, con buen sonido, iluminación y buena distribución, de cualquier lado se puede ver y escuchar bastante bien. Lo que no convendría mencionar es la ya costumbre de encontrar personas que más que a un concierto parece asisten a una pasarela o a cualquier evento de la alta sociedad, tache para ellos y no serán mencionados jamás.

Luego del set bastante malón del Antiguo Automata Mexicano, el dúo de Brooklyn entró al pequeño escenario, casi a obscuras, con dos grandes tambores al frente y enmarcados por dos grandes muros de acrílico, a darle con Bob Gandhi, del LP4. Yo no he escuchado el nuevo disco pero me dí cuenta luego luego que, si bien mantienen el ya clásico sonido, no temen experimentar con percusiones, beats que trascienden la clásica percusión hiphopera tan presente en los primeros discos e incluso quitar un poco de presencia a la muy presente e indispensable guitarra. Tendré que escuchar con atención el LP4 y darle más detalles sobre esto.

Cuando comenzó Mirando la emoción ya era bastante, en esa rola ya se nota bastante el poder de la guitarra Mike Stroud y la importancia de ésta en el sonido de Ratatat. La guitarra sonaba increíble, bien fuerte como debe de ser en un concierto de rock y los beats de Evan Mast sonaban igual de potentes, más pesados que en estudio, ahora sí, claros beats de Hip-Hop. De pronto me sentía en un concierto de rap, con guitarras en lugar de MC's.

Sin hablar mucho con el público, el par de barbones greñudos le dieron duro a sus instrumentos durante poco más de una hora. No hablaron pero sus instrumentos dijeron todo, el lenguaje se reflejaba claramente en las pantallas a los costados. Esas paredes daban cuenta de lo que produce el sonido de Ratatat; desde imaginar a un par de barrocos modernos dándole a los intrumentos de cuerda, medusas fluorescentes nadando en un mar de obscuridad, o las chispas que provocan la guitarra cuando se le rasca con toda la fuerza. Lo anterior, claro, hasta que la iluminación falló y los visuales dejaron de verse.

Ratatat es un dueto bastante poderoso cuyo sonido se aprecia mil veces mejor en directo. Es harto recomendable su show en vivo, lleno de poder, rápido pero conciso y pleno. Una verdadera experiencia. Si tiene la oportunidad de verlos no lo dude! Si no, al menos échele una oreja a sus discos, todos son de excelente calidad.

En YouTube topé este video del concierto. Loud Pipes, la imagen no es muy buena pero el sonido es bastante decente. Enjoy!

viernes, 18 de febrero de 2011




miércoles, 16 de febrero de 2011

LAS DAMAS DEL ROCK. Julie Dricoll.


JULIE DRISCOLL. A KIND OF LOVE IN 1967 - 1971.





Hace poco encontré este disco de la fabulosa Julie Driscoll, con las grabaciones que hizo con Brian Auger y Trinity, la agrupación con la que su voz lucía en todo su esplendor, un tecladista fuera de serie, Auger y la base rítmica de la mencionada Trinidad.

Driscoll, mujer divina consentida de este blog, es una de las grandes cantantes de rock, blues y soul de fines de los sesentas y principios de los setentas, con una voz extraordinaria y un gran feeling, junto con Lydia Pense, Grace Slick y Janis Joplin, formaba parte de una generación de grandes cantantes blancas de la música negra.

En esta recopilación, aparecen composiciones de Auger y Julie, además de covers muy bien logrados: This wheels of fire de Dylan, Season of the witch, de Donovan y Light my fire de The Doors son tres joyas que no te puedes perder.

La lista completa de las canciones de esta antología son:

  1. I know you love me not.
  2. If you should ever leave me.
  3. Save me (Part 1).
  4. This wheels of fire.
  5. A kind of love in.
  6. In and out.
  7. Black cat.
  8. Tramp.
  9. Breack it up.
  10. Why (am I treated so bad).
  11. Season of the witch.
  12. The road to Cairo.
  13. Shadows of you.
  14. Indian rope man.
  15. Take me to the water.
  16. A word about colour.
  17. Flesh failures.
  18. Light my fire.
  19. Save the country.
  20. Walk down.
  21. A new awakening.
Aquí se descarga el disco.

martes, 15 de febrero de 2011

MÁS DESPEDIDAS

LCD Soundsystem y The White Sripes

Hace un par de semanas, con tan sólo tres días de diferencia, dos grandes de la música contemporánea anunciaron su final. Dos grandes proyectos que, por diversas razones, lograron la difícil trascendencia en un mundo musical saturado: LCD Soundsystem y The White Stripes.

LCD Soundsystem. Estos muchachos surgieron allá por el 2001 y son parte de esa camada de artistas electrónicos que liderearon la transición del género luego de que las leyendas noventeras como Chemical Brothers desaparecieran un poco de la escena. James Murphy (líder de la banda) y compañía colaboraron al revival de la electrónica al introducir elementos punk y combinarlos con el otro revival que comenzaba a gestarse: el del disco. Así que a LCD Sounsystem los catalogaron como Dance-Punk y pegaron fuerte, editaron tres discos y algunos EP's y singles. Murphy también tuvo la gracia de fundar su propia disquera junto con Tim Goldsworthy; DFA Records se anotó grandes puntos al editar discos de The Rapture, Hot Chip, Hercules & Love Affair, The Juan MacLean y otros más. Además LCD Soundsystem fue parte de la explosión de la electrónica de New York al mundo, poniendo, una vez más, a esa ciudad en boca y oídos de todos.
El 5 de febrero, LCD Soundsystem anunció su fin.
La primer rola de LCD Soundsystem que escuché, una de sus mejores, la más conocida, la enorme tributo, su primer hit: Daft Punk Is Playing At My House; reflejo perfecto del sonido de éstos newyorkinos, Dance-Punk con letras irónicas y divertidas. El sueño de todo joven músico hecho realidad.




The White Stripes. Tres días antes, el genial dúo de Detroit publicaba lo propio en su sitio web. 13 años de carrera, 6 discos y numerosas nominaciones a premios importantes y hasta un par de Grammys, Meg y Jack White dijeron adiós. Qué se puede decir de este par? Pionerísimos de otro revival, el del rock. Cuando todos lo daban por muerto, Jack y Meg le entraron al blues, al garage, apostaron por el minimalismo. Guitarra y batería fue todo lo que necesitaron para ganarse al mundo y hacerlo volver de nuevo a ese género ya tan difícil de definir, eso y la siempre misteriosa duda respecto a su relación de esposos, primos, novios, hermanos? Creadores de uno de los mejores discos de la década de los 2miles, Elephant. Un maestro de la guitarra y la composición y una mala baterista, gran combinación. Lástima.
Jolene, una de mis favoritas del dúo de Detroit, excelente muestra de las capacidades de Jack White, guitarra, voz y dramatismo, muestra de lo único que se necesita para ser genial.



Dos grandes, una época y sonidos extremos. Muestra del estado de la música actual. Lástima que dejen de existir, seguiremos esperanzados al reencuentro, siempre pasa.

lunes, 14 de febrero de 2011

ROCK MEXICANO. Chac Mool.




CHAC MOOL.
"Sueños de Metal".
1981.



Para principios de los ochentas, el panorama había cambiado sustancialmente en el rock mexicano, los heróicos rockers "preavandáricos", incomprendidos y marginados, por una sociedad ultraconservadora y los "post-avandáricos" aún más heróicos, marginados, incomprendidos y reprimidos, ya eran historia o leyenda (como la canción de Le Orme) y ya había roqueros que ejercían la profesión con sentida dignidad, como sus padres y abuelos, pero sin el sentimiento de mártires de aquellos.

Los roqueros jóvenes en los setentas, ya estaban trabajando en las disqueras grandes y se encargaban de producir discos como este y eso tenía la ventaja de una producción hecha por gente conectada con el rock, conocedora del rock y amante del rock, tal era el caso de José Xavier Návar y Paco Rosas, quienes contaban además con el respaldo de Polygram, transnacional del disco que podía poner a su disposición todos los recursos necesarios para hacer una grabación totalmente profesional, sin el aire romántico de "lo hicimos como pudimos", pero con una indiscutible mejor calidad.


Haz click en la imagen para ampliarla.


Y para cerrar el triángulo, estaba el factor principal, una banda sólida, con sus conceptos muy claros, excelentes instrumentistas y compositores correctos que sin descubrir el hilo negro ni pretender ser los campeones de la experimentación hacían un rock en la línea del "progresivo", como se entendía en esos tiempos, influencias del rock italiano, de grupos ingleses como King Crimson y Yes, del "kraut" y su tendencia a la electrónica y hasta de Jethro Tull, cuando Jorge Reyes, sin duda el más talentoso de la banda hacía sus solos de flauta.

Además de Reyes, desaparecido recientemente y muy extrañado, estaban en la banda de músicos que ya habían tocado en otras agrupaciones, Carlos Alvarado, aficionado a la música electrónica y el "progresivo" en general, tocando todo tipo de teclados; Armando Suárez, en bajo y mandolina; Mauricio Bieletto como cantante, sin cualidades extraordinarias pero sí, suficientes; Carlos Castro en percusiones varias; un grupo de coristas y una orquesta de cuerdas, es decir, lo necesario para hacer un disco de rock progresivo con calidad mundial.


El compositor principal era Jorge Reyes, pero había un intento por hacer creación colectiva con la participación de Suárez como coautor, destacan "Kandahar" y "Sombras de la Noche", por ser piezas largas que permiten el desarrollo más claro de un concepto, la exhibición de las cualidades técnicas y emotivas de los músicos y la creación de ambientes, requisito idispensable del rock progresivo en la época. La lista de canciones que componen el álbum es:

Paranoia.
(J. Reyes / A. Suárez).
Kandahar.
(J. Reyes / A. Suárez / C. Castro.)
Brillo de luna.
(J. Reyes ).
Que buena razón.
(J. Reyes).
Libertad.
A. Suárez.
Sombras de la noche.
J. Reyes.)


Aquí se descarga el disco.




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miércoles, 9 de febrero de 2011

EN MEMORIA DE EUGENIO TOUSSAINT.


ANTONIO ZEPEDA Y EUGENIO TOUSSAINT.
"Paisajes".
1993.



Hoy desperté con la noticia de que Eugenio Toussaint, ya no está con nosotros, que falleció el día de ayer a los 56 años de edad y esta entrada es una forma de reconocerle por su carrera musical, pero sobre todo porque es un músico con el que fui tropezando una y otra vez en mis búsquedas musicales desde que era un veinteañero igual que él y que por esa razón se ha ido convirtiendo en un personaje entrañable. Mi primer encuentro con él fué a mediados de los setentas, cuando escuché su disco con Blue Note, primer trío de jazz del que formó parte y desde entonces lo he encontrado en su grupo más representativo "Sacbé", con sus hermanos, haciendo arreglos en discos de la Nopalera, apoyando a Cecilia, su hermana en sus discos, encontrando sus obras en discos de las más prestigiadas orquestas sinfónicas del país, en el disco "Alma Mexicana" gan promovido el año pasado y en esta grabación sui generis con el etnomúsico Antonio Zepeda, una prueba más de que a Eugenio le llamaba la atención toda la música, hizo rock, jazz y música sinfónica. como sus queaceres principales, pero toda su vida fue un buscador de rutas nuevas.



Paisajes, es una muy bien lograda mezcla de música étnica, lo más cercana que se puede a la música prehispánica, con el jazz y la música electrónica, la base de toda la sonoridad aquí contenida, está en las percusiones tradicionales de Zepeda y los teclados electrónicos de Toussaint, enmarcadas en estructuras francamente jazzísticas, sin complicaciones, extensas dotaciones instrumentales ni un ejército de músicos, los dos creadores lograron una obra, rica, disfrutable, sin grandilocuencias, y tan sólo poniendo en ella lo que les gusta a los dos. El video que acompaña a esta entrada no tiene que ver con "Paisajes", pero nos sirve para recordar al hacedor de bellezas sonoras que desde ayer, sólo podrá ser escuchado en sus grabaciones.

Aquí se descarga el disco.







sábado, 5 de febrero de 2011

DISCO

Love And Death. Ebo Taylor

Hace muy poco tiempo, en una de mis constantes excursiones musicales, me topé (algo tarde) con una gran sorpresa directamente desde África.
Ebo Taylor viene siendo una especie de leyenda viviente en su natal Ghana y ahora en, practicamente, todo el mundo. Este muchacho de 74 años ha rifado en el mundo musical desde los 50s y 60s, época en la que se volvió figura en Ghana. Después de compartir con varias bandas, Ebo se alzó en las filas musicales de Ghana destancando como un gran compositor y un frontman natural.
En 1962, Taylor fue a Londres a estudiar y conocer los elementos del jazz para incorporarlos a la música que ya venía haciendo y desarrollar sus habilidades musicales y el recurso de la improvisación. Ya de vuelta en Ghana, este maestro se dedico a producir, componer y hacer discos junto a otros músicos del país. El resultado fue una fusión del Afrobeat de Fela Kuti, sonidos de Ghana, jazz, funk y soul que pegó con todo durante los 70s y 80s.
A Ebo Taylor le pasó algo parecido a los músicos cubanos del Buena Vista Social Club. Luego de estar presente en gran cantidad de compilaciones de Afrobeat, la gente comenzó a demandar sus discos en solitario y su popularidad regresó. Taylor aprovechó su renovada fama y decidió lanzar el año pasado un discazo con versiones nuevas de sus viejos éxitos y nuevas composiciones. Recuperando todo el estilo Afrobeat, género que no debe perderse, según el propio Ebo, con los elementos improvisados del jazz y rodeado de la Academia del Afrobeat, un colectivo de grandes músicos europeos y ghanéses establecidos en Berlin.
Con Love And Death, Ebo Taylor vuelve por lo que le pertenece. Disco y tour europeo incluído. Un ejemplo de perseverancia y de cómo se debe de hacer música. Consiga el Love And Death, no se arrepentirá.

viernes, 4 de febrero de 2011

TRES VERSIONES DE UNA CLÁSICA. Susie Q.




SUSIE Q.
(Dale Hawkins).


El autor de la famosa canción.

Compuesta en los cincuentas por el "rocabiliero" Dale Hawkins, nacido en Louisiana, hecho que está implícito en el ritmo de la canción, se hizo popular de inmediato, además de la versión del autor se hicieron muchas otras, pero la más conocida y la que vendió más copias es la de Creedence Clearwater Revival, pero antes de que la grabara la célebre banda sureña, ya había sido "covereada" por otros famosos como Johnny Rivers, el "Nicho Hinojosa del rock 'n' roll" que vivía de grabar covers de las piezas más exitosas y en el otro lado del charco, la banda inglesa que mejor conocía la música norteamericana fuera esta blues, rock 'n' roll o country, también hizo su versión, ¿que de quién hablo?, por supuesto que de sus satánicas majestades The Rolling Stones.

Creo recordar que en México, algún grupo hizo una versión en castellano, pero no estoy seguro, el caso es que esta canción llamó mi atención cuando la escuché con los Rolling, pero después me quedé con la favorita de todos, la de John Fogerty y compañía, así que aquí están incluidas estas dos favoritas de su servidor y la del autor, además de la letra que no es nada del otro mundo palabras simples y sin rebuscamientos en una Silly love song, como la canción de McCartney.



SUSIE Q.

Oh Susie Q,
Oh Susie Q,
Oh Susie Q, baby I love you, Susie Q.

I like the way you walk,
I like the way you talk,
I like the way you walk, I like the way you talk, Susie Q.


You say that you'll be true,
You say that you'll be true,
You say that you'll be true, baby I love you, Susie Q.

You say that you'll be mine,
You say that you'll be mine,
You say that you'll be mine, baby all the time, Susie Q.


Oh Susie Q,
Oh Susie Q,
Oh Susie Q baby I love you, Susie Q.

I like the way you walk,
I like the way you talk,
I like the way you walk, I like the way you talk, Susie Q.

Oh Susie Q,
Oh Susie Q,
Oh Susie Q baby I love you, Susie Q.






Dale Hawkins - Susie Q
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