martes, 31 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. Thick as a Brick.



JETHRO TULL.
"Thick as a Brick".
1972.




Siempre me ha extrañado que a los discos de Jethro Tull los consideren filoprogresivos, porque creo que la banda de Ian Anderson, es totalmente original, sui generis e inetiquetable, a menos que la etiqueta diga: "Jethro Tull", pero cuando escuché con detenimiento "Thick as a Brick", entendí como, por facilidad y por este solo disco, le pegaron la etiqueta.

Dicen los historiadores que a Anderson le disgustaban los discos pretensiosos y excesivamente trabajados con ideas robadas de la música sinfónica, de cámara o incluso de la ópera que hacían algunos grupos estrellas del rock progresivo y que una vez rasguñados en la superficie, resultaban huecos y poco inteligentes y parece que el ejemplo preciso de este tipo de grabaciones eran los de Rick Wakeman y algunos de su banda base, Yes.

Resulta además que el disco de estudio inmediatamente anterior, el multicelebrado "Aqualung", fue calificado por los críticos, como un álbum conceptual y Anderson rechazó publicamente esa clasificación, acusó a los reseñadores de ignorantes y decidió hacer un disco verdaderamente conceptual y al mismo tiempo burlarse de los pesados y pretensiosos discos de muchas bandas "progresivas".

Así nació el concepto de "Thick as a Brick", una historia única y una única pieza musical, que tenía de texto el largo poema escrito (supuestamente) por el niño genio de 8 años llamado Gerald Bostock, quien había adquirido notoriedad al ser descalificado en forma ilegal y vergonzosa de un concurso de poesía y en su poema hacía reflexiones acerca de ser niño y las desventuras e inconvenientes de crecer, una disertación sobre la niñez y el ser adulto.

Cuando se inquiría a Anderson acerca de si la historia de Bostock era real o ficticia, éste no respondía y por mucho tiempo cultivó la duda sobre la existencia o no del niño genio que escandalizó a los jueces con su poesía perversa, de este modo la larga suite con duración de poco más de 40 minutos se presentaba como el verdadero "disco conceptual" contra el truco de juntar canciones que supuestamente conforman todas una misma historia (al fin que todo tiene relación con todo).

Al final la pretendida burla de Ian Anderson para los discos grandotes que no grandiosos, los excesos y barroquismos para ridiculizar a sus compañeros de profesión, resultaron una obra maestra del rock en general y del progresivo en su primera incursión al género, el problema fue que Anderson no era un simulador, sino un músico genial y además se le olvidó ampliar la dotación instrumental con los instrumentos más exóticos (muy común en el "progre"), recurrió solo a lo que la banda usaba y dominaba virtuosamente: flauta, guitarras acústicas y eléctricas, violín, sax, piano, órgano, bajo eléctrico y percusiones.

También estaban la influencias de siempre: el folk, el rock básico, el jazz y la música de cámara, evocados tan sabiamente que se adherían al sonido "Jethro" sin resanarlo o ampliarlo, solamente para enriquecerlo, no es gratuito que ese sound, sea uno de los más originales del rock, sin seguidores ni copiadores, único e irrepetible.







lunes, 30 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. Ziggy Stardust.


DAVID BOWIE.
"The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars".
1972.


A menudo considerado el disco más representativo del glam, el que lo sintetiza y expone sonido a sonido, letra a letra y actitud, con mucha más frecuencia nominado como la insuperable obra maestra de Bowie, "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", nombre completo del conocidísimo "Ziggy Srtardust", no puede faltar en una antología del año 1972, ni en una de la década setentera, bueno, ni en una de la historia del rock.

Cuarto disco de David Bowie, que no de David Jones, como apareció en su primera grabación y de algún modo, continuación de "The Man Who Sold the World" de 1970, que era un disco muy cercano a lo que se dió en llamar "discos conceptuales", en su registro del '72, Bowie desarrolla a lo largo del disco, la historia de Ziggy Stardust, un rockstar llegado del espacio y con apariencia andrógina, una síntesis de la propia personalidad de Bowie en el momento, convertido en estrella del espectáculo roquero, máximo representante del glam junto con Bolan y aficionado a la literatura de anticipación, el arte futurista y los relatos de ciencia-ficción.

Aprovechando estas tres vertientes de inspiración (rock, estética glam y futurismo), Bowie elaboró una historia de ciencia- ficción, con un mundo al borde de la destrucción, extraterrestres encantadores y amenazantes arribando a una Tierra decadente y caótica, al mismo tiempo, hace un retrato de la escena del rock en esos días, convertido en espectáculo de masas, negocio por demás jugoso, hijos de la clase obrera transformados en millonarios por obra y gracia del rock y todos los vicios y riesgos de todo lo que crece desmedidamente.

El estilo lírico de Bowie, consistente en "flachazos" sucesivos que van configurando imágenes, metáforas y figuras poéticas que enriquecen a la imagen global, sazonada de acidez y sentido crítico, su voz, extraordinariamente versátil: a veces festiva, otras angustiada o serena, pero en todo momento llena de pasión y emoción, la voz de uno de los grandes vocalistas del rock de todos los tiempos, pero aspecto opacado por los talentos como compositor y hombre-espectáculo del gran camaleón.

Y por último la música, canciones rayanas en la perfección, melodías y arreglos que se antojan únicos para cada texto e imposibles de sustituir por otras, equilibrio entre sencillez y elaboración extrema, con la dotación instrumental casi básica del rock: guitarras, bajo, batería, piano y sax, este último ejecutado por el propio Bowie, para aquellos que no sepan que el sax es el instrumento que estudió y mejor domina; el piano y guitarra líder a cargo del nunca suficientemente reconocido Mick Ronson, que en esos momentos era sin duda el mejor guitarrista del rock británico (con el perdón de Dios-Clapton) y aspirante al trono universal tras la desaparición de Hendrix.

El resto de los que hicieron el disco eran: Trevor Bolden en el bajo, exacto, creativo e indispensable en el sound global y Mick Woodmansey en los tambores, los dos héroes anónimos, junto con Dana Gillespie, la dama que hace los coros en "It Ain't Easy" y por si todo esto no fuera suficiente para conformar uno de los más grandes discos de la historia, la portada también podría competir entre las más creativas, vistosas y completas de todos los tiempos.













viernes, 27 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. Roxy Music.

ROXY MUSIC.
"Roxy Music".
1972.




"Roxy Music" de la banda del mismo nombre, es considerado por las crónicas y la Historia, como una de las "óperas primas", más inovadoras, impactantes e influyentes de la historia del Rock y fue el resultado de una minuciosa y paciente planeación de Bryan Ferry, su ideólogo y diseñador, Ferry era un estudiante de arte, inclinado a la pintura, la escultura y la cerámica que ganaba algo de dinero, más frecuente y sustancioso que el que le producía vender una obra o dar una clase, cantando con una banda semiprofesional de "soul", género que a principios de los setentas enloqueció a un sector importante de la juventud inglesa.

Después de graduarse en una de esas universidades inglesas que enseñan arte, Bryan se dió cuenta de que iba a ser muy difícil vivir de la pintura o la cerámica, así que se aplicó a perfeccionar sus conocimientos musicales, especialmente la ejecución del piano que ya conocía medianamente, después, bajo la influencia de diversas concepciones artísticas vanguardistas, empezó a componer canciones y a imaginar como sonarían, de modo que se dedicó a buscar a los músicos que entendieran y compartieran sus ideas.

Y así armó Roxy Music (el nombre ya se salía de lo común) con algunos ajustes hasta quedar así: Ferry, voz y piano; Graham Simpson, antiguo compañero de banda de Bryan, bajo; Andrew Makay, aficionado a la música electrónica, y ejecutante de oboe y sax; Brian Eno, lunático de tiempo completo y experimentador con el novedoso sintetizador; Paul Thompson, batería y el sorprendente Phil Manzanera como guitarrista.

Ninguno de ellos había hecho carrera ni medianamente exitosa con alguna otra banda y sus historias eran bastante disímiles, sus acercamientos a la música con poco en común, pero tenían al orquestador que encontraría las soluciones, puentes y elementos cohesionadores, el primero de ellos, todas las canciones que tocaban y grabaron en su primer disco eran de su autoría.

Los ingredientes para la novedosa mezcla eran, más o menos: rock cincuentero, sicodelia, extraños sonidos "espaciales", voz elegante y dramatizada y un sax con clara influencia sinfónica y jazzística, las letras de Ferry, desgarradoras, fantasiosas, futuristas o románticas, el coctel, tuvo un gran éxito en el Reino Unido, fue el disco más importante del año y varias de sus piezas estuvieron en las listas de popularidad, el single "Virginia Plain" se vendió como pan caliente y se escuchó hasta la saciedad en la radio.

En contraste, Roxy Music el disco, pasó inadvertido en "la tierra prometida", los Estados Unidos de América, tierra que Ferry soñaba conquistar y la gira que hicieron a fines del año como "teloneros" de grupos mucho más conocidos, sólo les trajo incomprensión y descortesías del "bárbaro" público norteamericano, regresaron desolados a su patria, tendrían que pasar algunos meses para que la calidad indiscutible de ésta banda histórica fuera reconocida en todo el orbe.











miércoles, 25 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. The Slider.



T. REX.
"The Slider".
1972.




Marc Bolan era un joven talentoso, eso saltaba a la vista, pero también era ambicioso y no estaba en el Rock para ser uno más, tener unos cuantos éxitos y desaparecer del mapa discográfico y de la memoria del auditorio, un día encontró una fórmula bastante original que le permitía distinguirse del montón, su boogie sicodélico, sazonado con atractivos coros, extrañas percusiones y guitarras electrizantes, fue el vehículo que lo hizo famoso y a su banda Tyrannosaurus Rex, la más notable curiosidad en la escena londinense de los últimos años de la década sesentera.

De 1968 al '70, grabaron tres álbumes siendo en realidad un dueto formado por Bolan y Steve Peregrin Took en percusiones variadas y exóticas, más compañía de ocasión, a partir de 1970, Bolan despidió a Took y reclutó a Mickey Finn, para hacer su cuarto disco, después acortó el nombre del grupo a T. Rex y el despegue inició.

Los setentas fueron los mejores y peores años para Bolan: los mejores porque se volvió rockstar de primera línea y dejó huella indeleble en la historia del rock inglés, los peores, porque murió en 1977, en un accidente de tránsito, pero cinco años atrás, en 1972, la "T.Rexmanía" estaba en su apogeo en las dos orillas del Atlántico y Bolan inspiraba a muchos jóvenes roqueros, en éste contexto apareció en el verano del citado año: "The Slider", grabado en París y Copenague, bajo el cuidado y producción de Tony Visconti, quien ya había desempeñado ese "rol" en los primeros discos de la banda.

The Slider se convirtió en uno de los álbums más vendidos del año en U.K y U.S.A., "Telegram Sam" y "Metal Guru", llegaron ambas al primer lugar de ventas en Reino Unido, pero eran sólo las piezas comerciales, el disco tenía muchas sorpresas: baladas tiernas y lánguidas, además de canciones inequivocamente roqueras, propietarias de una gran energía y las típicas letras de Bolan, decadentes, sórdidas, corrosivas y metafóricas.

En "The Slider" se conjugan y equilibran las dos principales cualidades de la banda: la maestría para crear piezas de orfebrería sónica y la espontáneidad que no permitía demasiado refinamiento ni detallismo, se dice que nunca hacían más de tres tomas para grabar una pieza, pero haya sido como haya sido, resulta que inmediatamente fue un clásico, condición que se consolidó con el paso del tiempo y hasta hoy, sigue siendo emblema del "glam rock" y de la música de rock setentera. 

Si te interesa poseer ésta joya de colección, se recomienda la edición de 2002 que consta de dos CDs, uno con "The Slider" y el otro con "Rabbit Fighter" o el "Slider alternativo", con piezas que quedaron fuera y tomas alternas de las que sí se incluyeron, es un lujo, pero si eres fan de Bolan, de T. Rex, del Glam Rock, roquero irredento o simple melómano, te lo mereces.












martes, 24 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. Transformer.

LOU REED.
"Transformer".
1972.





Luego de abandonar a la banda que lo hizo conocido, la que había moldeado y hecho crecer a su entero gusto, para que a la hora del debut discográfico Warhol le impusiera a Nico, Lou Reed, dejó New York, que también lo tenía decepcionado y le traía malos recuerdos para trasladarse a Londres, e intentar desde allá relanzar su carrera y redefinir su camino.

En el Reino Unido grabó el primer disco a su nombre con canciones sobrantes que no tuvieron cabida en los discos del Velvet, ni siquiera tenía una banda fija y a su gusto, el resultado fue poco menos que intrascendente, sin embargo, cuando el panorama era desalentador, apareció un admirador de Lou, que estaba en la cima del éxito, con una racha que parecía inacabable de cuatro discos, extraordinarios, inovadores y además exitosos.

El "alumno" de Reed, era la superestrella del rock inglés, el personaje más notable del espectáculo "glam" que marcaba la vanguardia de la música en esos años tempranos de la década setentera, era David Bowie, quien lo animó a hacer un segundo disco producido por él y su guitarrista inseparable, el que tenía mucho más que ver de lo que la gente creía, en la originalidad del sonido "bowiano", el virtuoso de la guitarra de nombre Mick Ronson.
La pareja Bowie-Ronson sabía muy bien como hacer discos de arte, que además fueran capaces de conquistar a diversos sectores de oyentes y sólo alentaron al talento de Reed para que produjera sus canciones ácidas y decadentes, provocadoras e iconoclastas, extravagantes y crudas, a la habitual austeridad de Lou en la producción, la dotaron de arreglos vocales memorables, entramados sónicos producido por las guitarras y un sax, que hicieron la magia de crear uno de los grandes discos de los setentas, que supo captar el espíritu de la época y se volvió en obra emblemática del "glam", tan controvertido y a la vez tan influyente enla historia del rock.


 


 


 

 

 



lunes, 23 de enero de 2012

LOS DISCOS DE 1972. Exile on Main Street.


THE ROLLING STONES.
"Exile on Main Street".
1972.



Existen alrededor del mundo, decenas de miles de bandas de rock, buscando un nombre espectacular, un look que los distinga y diga que son rockers, luchando por conseguir un sonido que les haga un lugar en el rock y de ser posible en su historia; se buscan nuevos caminos, se hacen todo tipo de fusiones, de revivals, y están a disposición del explorador sónico, miles de opciones de los más extraños nombres y procedencias, pero a pesar de la abundancia y a pesar de la accesibilidad, en medio de la vorágine, se extraña la vieja actitud roquera, la que no se adquiría por pose y estatus, la actitud rollingstone, la que está en en los discos de "sus satánicas majestades" y en muy alta concentración en "Exile on Main Street".

Exile...mi disco más recurrente de los Rolling se grabó en la Villa de Keef, en el sur de Francia, durante doce meses los Stones se recluyeron, con sus instrumentos, un montón de nuevas canciones y tres amigos notables que le dieron un sonido especial, digamos que le dieron cuerpo, a través de capas de entramado que fortalecieron el sonido rolling, sin cambiarlo un ápice, los conspícuos amigos de sus satánicas, eran Bobby Keys en sax, Jim Price en trompeta y el compañero de muchas aventuras musicales, Nicky Hopkins, en el piano.

La producción fue de Jimmy Miller, quien también tocó percusiones y la portada es un diseño de Robert Frank, famoso fotoperiodista de la época, curiosamente, los Stones consideran a "Exile on Main Street", un disco de pedacería, de compromiso y abjuran de él, no aparece en el álbum doble, una sola canción que se haya vuelto clásica ni que se vendiera como gran éxito y sin embargo, muchos fans, lo consideramos la quintaescencia del "rollingstonismo". 















jueves, 19 de enero de 2012

GRANDES CANCIONES DE 1972.

GRANDES CANCIONES DE 1972.






Para recordar a 1972 y el contexto musical-roquero, ésta muestra de grandes canciones editadas en el transcurso del año, algunas fueron éxitos comerciales completos: Starman, Do it Again, Heart of Gold, Metal Guru o Virginia Plain, son ejemplos de piezas que asaltaron el top teen de las listas, aunque no necesariamente fueron exitosas en ese año.

También están las grandes suites, de los grupos progresivos: Genesis, Jethro Tull o Yes y canciones que tal vez no estén en las listas históricas, pero que al dueño de éste espacio le gustan: Eternal Caravan..., O Caritas y Perfect Day son de ese grupo, así que, querido lector(a), te invitamos a la nostalgia, el placer y la revaloración de éstas piezas de gran diseño y ejecución.






































martes, 17 de enero de 2012

GRANDES AÑOS DEL ROCK. 1972.



GRANDES AÑOS DEL ROCK.
1972.




1972 fue el eco y coda de la increíble productividad y creatividad del extraordinario año anterior en el Rock, con una mención especial para el progresivo que comtribuyó a la lista de discos históricos con: "Close to the Edge" de Yes, "Foxtrot" de Genesis, "Obscured by Clouds" de Pink Floyd, "Three Friends" de Giantle Giant y "Trilogy" de Emerson, Lake and Palmer.


Close...se grabó con la formación estelar de Yes: Anderson, Squire, Howe, Wakeman y Bruford, y contiene la famosa suite que da nombre al disco, todo un lado del LP original, con grandes demostraciones de virtuosísmo; Foxtrot, cuarto disco de Genesis, está situado en la época del despegue de la banda, no sólo hablando de la creatividad y maestría de Gabriel y compañía, sino también porque Genesis se estaba convirtiéndo en una banda que vendía muchos discos logrando la casi imposible fusión de arte y comercialidad, de él destaca "Supper's ready", que ocupaba un lado completo del disco, música de rock con estructuras y complejidad sinfónicas.

Oscured...la segunda banda sonora que hacía Pink Floyd, sirvió como momento de reflexión y alto en el camino, antes de crear una de sus grandes obras "The Dark Side of the Moon", la estructura del disco está determinada por las necesidades de Schroeder, director del film, quien indicó temática y momentos en que se incluía música y aunque muchos lo consideren obra menor, es una de esas joyas que se van descubriendo poco a poco; Three Friends, con sus juegos corales, el viejo truco del álbum "conceptual" que narra historias y una instrumentación propositiva y atrevida, se hizo un clásico inmediato del rock progresivo y Trilogy, que es una de las obras maestras de Emerson, Lake and Palmer, son todas joyas con diversos brillos que compartieron espacio y tiempo, todos de bandas inglesas y del mencionado '72.

También hubo debuts sobresalientes como "Can't buy a Thrill" de Steely Dan, primer paso en la excepcional carrera de este dúo ampliado en las grabaciones que creó un Rock-Jazz muy original; y el primer disco de Roxy Music, otra banda creadora de un sonido único y que también haría historia e inmortalidad; y por supuesto, que no podían fallar los clásicos de todos los tiempos, álbums inmortales e indispensables en la historia roquera: "Ziggy Stardust" de Bowie, Caravanserai de Santana, "Exile on Main Street" de los Rolling, "Harvest" de Neil Young, "So Far" de Faust, "Sometimes in New York City" de Lennon, "The Slider" de T Rex, "Thick as a brick" de Jethro Tull, y "Transformer" de Lou Reed, son parte de éste grupo de masterpieces.

También se editaron en ese año: "Feedback", el último de los cinco grandes discos seguidos que hizo Spirit; "Gumbo", uno de esos discos sin desperdicio que hace el Dr. John; "Hot August Night", el memorable concierto de Neil Diamond; otro "en vivo" memorable que es, "Rare Earth Live", con el grupazo blanco de música negra que grababa en Motown y para completar la lista de discos en vivo del año; Janis, John Mayall, Procol Harum, J,Geils Band y Cream editaron discos en directo que ya son historia con varias reediciones.

Otro grupo progresivo que hacía fama y buena música, Caravan sacó su "Waterloo Lily" y Frank Zappa, editó en el mismo año dos memorables "Waka/Jawaka" y el inmenso "Grand Wazzo", uno de los grandes instrumentales del rock y para completar la lista de discos del '72, que conozco y gusto, "Catch Bull at Four" de Cat Stevens, "Everybody's in Showbiz" de Kinks, "Mardi Gras" de Creedence Clearwater Revival y "Saint Dominique's Preview" de Van Morrison.

La lista completa de mis discos favoritos de ese año es la siguiente, si recuerdas otros discos memorables, comentalos para hacer una lista más completa y un panorama musical mejor.
















  1.   Can’t buy a thrill. STEELY DAN.
  2.   Caravanserai. SANTANA.
  3. Catch bull at four. CAT STEVENS.
  4. Close to the edge. YES.
  5. Demons and wizardz. URIAH HEEP.
  6.  Everybody’s in showbiz. THE KINKS.
  7.   Exile on Main St. THE ROLLING STONES.
  8.   Feedback. SPIRIT.
  9. First taste of sin. COLD BLOOD.
  10. Foghat. FOGHAT.
  11.   Foxtrot. GENESIS.
  12. Full House. J. GEILS BAND.
  13.  Gumbo. DR. JOHN.
  14. Harvest. NEIL YOUNG.
  15.  Hot August night. NEIL DIAMOND.
  16.  In concert. JANIS JOPLIN.
  17.  In concert. RARE EARTH
  18.  Jazz blues fusion. JOHN MAYALL.
  19.  Live Cream, Volume II. CREAM
  20.  Live in concert with the Edmonton Orchestra. PROCOL HARUM.
  21. Living in the past. JETHRO TULL
  22. Magician's birthday. URIAH HEEP.
  23.  Mardi Gras. CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL.
  24.  Obscured by clouds. PINK FLOYD.
  25. Pink Moon. NICK DRAKE.
  26.  Powerglide. NEW RIDERS OF THE PURPLE SAGE.
  27. Psychonaut. BRAINTICKET.
  28. Rare Earth in concert. RARE EARTH.
  29.  Roxy Music. ROXY MUSIC.
  30.  Saint Dominic’s preview. VAN MORRISON.
  31. Second wind. BRIAN AUGER'S OBLIVION EXPRESS.
  32.  So far. FAUST.
  33. Sometime in New York City. JOHN LENNON.
  34. A Tab in the ocean. NEKTAR.
  35. Talking Book. STEVIE WONDER.
  36.  The grand Wazoo. FRANK ZAPPA.
  37.  The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars. DAVID BOWIE.
  38.  The slider. T. REX.
  39. The Magician's Birthday. URIAH HEEP.
  40.  Thick as a brick. JETHRO TULL.
  41. Three friends. GENTLE GIANT.
  42. Transformer. LOU REED.
  43. Trilogy. EMERSON,LAKE AND PALMER.
  44.  Waka/ Jawaka. FRANK ZAPPA.
  45.  Waterloo Lily. CARAVAN.
  46. 1 Record. BIG STAR








































miércoles, 11 de enero de 2012

LAS FAVORITAS DE PETER.


PETER GABRIEL.
"Scratch my Back".
2010.


 

Cuando el escucha se adentra en la obra de algún músico de tal modo que descifra las estructuras creadas por el artista, descubre sus ingenios, conoce sus rutas y logra un disfrute pleno de la creación artística, pude ser que se pregunte, frente al gusto por la música que se escucha ¿qué le gustará escuchar a...?

Hay músicos que tienen las influencias a flor de piel, se perciben de inmediato y se hace la conexión sin rodeos, pero hay otros, los creadores de estilos sui generis, los inconfundibles, los que fundan paradigmas, tienen tan bien asimiladas sus influencias y subordinadas al propio estilo, que éstas son muy difíciles de descubrir, un caso de estos es Peter Gabriel, el genio musical que no dudo será un histórico y las futuras generaciones reconocerán como uno de los grandes creadores de estructuras sónicas de los siglos XX y XXI.

Escuchando a Gabriel (con gran placer, por cierto), muchas veces me he preguntado ¿qué música le gustará a Don Peter?, la respuesta, o al menos una respuesta parcial, está en el álbum doble grabado en 2010, bautizado como "Scratch my back", que muy literalmente sería "Rasguño en mi espalda" pero que también significa "Grabado en mi pasado" y que es el muchas veces pospuesto, álbum de covers, que siempre quiso registar el artista británico.

En él están trece canciones que, según el propio Gabriel, son el resultado de un proceso de reescritura, para no caer en el típico cover inmediatamente identificable, todas las piezas sufren una "gabrielización" y si lo escuchamos distraidamente, bien puede pasar por el disco de Gabriel con sus nuevas composiciones, a mí, me lo regalaron y al escucharlo, reconocía frases, ciertas melodías me rsultaban familiares y al revisar los créditos, me di cuenta de que son canciones que no compuso Peter Gabriel.

El repertorio consta de canciones de David Bowie (Heroes), una versión más que se suma a las ya excepcionales que hay, Paul Simon, Elbow, para que se vea que no se quedó viviendo en el pasado, Los Talkin Heads, Lou Reed, una versión genial de "My Body is a Cage" de Arcade Fire, Randy Newman, Neil Young, Rdiohead y otros, si te gustan los discos de covers, si te gustan los discos de covers reelaborados y si te gusta la música de Peter Gabriel, este es el disco que debes regalarte, los arreglos misteriosos y oscuros, tocando el minimalismo y la voz maleable de Gabriel crean una situación magnética.