GRANDES DISCOS DE 1967. Los mejores discos de 1967.

15 GRANDES DISCOS DE 1967

1967 fue un año extraordinario para el rock, una gran cantidad de factores coyunturales, lo hicieron un año histórico e incluso para muchos cronistas e historiadores, es el mejor año de la historia del Rock, el año que produjo la mayor cantidad de álbumes de altísima calidad; año en el que aparecieron una mayor cantidad de discos que se hicieron clásicos y por si fuera poco, el año en el que apareció el abanico más rico y colorido de propuestas innovadoras.

Al interior del mismo Rock, confluyeron dos fenómenos que hicieron que el género no volviera a ser el de antes, por un lado del Atlántico, el formidable desarrollo del rock británico con bases en el Blues clásico y con su aportación arraigada en una antigua y rica tradición musical, inmensamente más rica que la norteamericana que produjo grupos, propuestas, discos y piezas asombrosas entonces y aún celebradas ahora.  
De este lado del mundo, en la Unión Americana, también hubo creaciones notables: Jefferson Airplane grabó su tercer disco "After Bathing at Baxter's", considerado como una obra maestra de la sicodelia; Buffalo Springsfield realizó su segundo disco, llamado "Again", consolidando a la banda como revolucionadores del Folk-rock; Janis Joplin hizo su debut discográfico, Canned Heat también inicio carrera grabando; los neoyorkinos Blues Magoos, editaron "Electric Comic Book" su segundo disco, con un sonido también muy influenciado por la sicodelia, pero conservando su estilo "garagero"; Love, la banda genial que tuvo siempre poco reconocimiento realizó su segunda producción, "Forever changes", una cátedra más de como hacer rock sicodélico, que influyó  muchas otras bandas.

THE VELVET UNDERGROUND AND NICO (THE VELVET UNDERGROUND). Los líderes de Velvet John Cale y Lou Reed, eran dos músicos poco comunes en la escena del rock, Cale refinado y culto, con una cultura y preparación musicales muy firmes y ricas; Reed un tipo desquiciado que entendía su mundo y su momento como pocos y al entenderlo lo retrataba en una música primigenia, virulenta y directa, la combinación de ambos talentos y visiones de su arte, era el sello distintivo de la banda.
Mucho se ha escrito sobre la imposición de Nico, la cantante alemana cercana al círculo de Warhol como cantante de Velvet, para su álbum debut y del disgusto de Reed que nunca aceptó la imposición y nunca simpatizó con Nico, al contrario de Cale que fue el artífice principal de los discos que la alemana grabó como solista posteriormente.
Pero el caso es que a la furia de Reed, la sabiduría musical de Cale y la voz "oscura" y fría de Nico, hicieron una combinación especial, no apreciada  en su momento, pero reivindicada y convertida en objeto de culto con el tiempo, un disco extraño y fascinante que no se parecía a nada de lo que se hizo en ese año ni se había hecho antes.

DAYS OF FUTURED PASSED. (MOODY BLUES). Después de colocar dos "singles" en el mercado y hacer algunas giras, grabaron su primer L.P. con muy poco éxito, luego vino una recomposición en la alineación y se inició el proyecto de su segundo disco, que es el que nos ocupa, por sus influencias y formación, por sus inquietudes y por los aires que soplaban y empezaban a caracterizar a una época, los miembros de The Moody Blues, decidieron abrir nuevas rutas, otras formas de componer alejadas del Rock simple y del Pop, instrumentos poco comunes en el género y fusión de géneros musicales que nadie creía posibles.

Y además resultó que a alguien en la empresa discográfica, se le ocurrió que sería buena idea hacer y grabar una versión Rock de la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Dvorack y pensó con acierto que los Moody eran la única banda en el Reino Unido que podía hacerlo, el resultado no tuvo que ver con la famosa Sinfonía, que sólo sirvió de inspiración para la creación de uno de los primeros discos de Rock Sinfónico de la historia.

"Days of future passed" fue pionero en varios aspectos: uno de los primeros discos conceptuales, con un tema que va desarrollándose a lo largo de toda la obra y que era el paso de un día hasta que llega la noche; uno de los primeros discos de Rock Sinfónico; tal vez el primero que incluía textos recitados que reforzaban la historia y uno de los primeros discos en que se utilizó el mellotrón, ese arcaico antecedente de los sintetizadores.

SURREALISTIC PILLOW (JEFFERSON AIRPLANE). Los Jefferson habían estado destacando dentro del movimiento flower power y ya eran uno de los grupos más identificados con él, y por lo tanto eran de los creadores del género, en esta segundo disco lo refinaron y llevaron a su máxima evolución al grado de que para muchos críticos, historiadores y cronistas, es "el disco de la sicodelia", el que mejor sintetiza las características estéticas, ideológicas e históricas de la música sicodélica, el Rock ácido y el sonido Costa Oeste, nombres distintos que se le dieron a distintos matices de este movimiento contracultural de finales de los años sesentas del siglo pasado.

También tiene el honor de ser considerado "el disco del Verano del Amor" algo así como su banda sonora, no sólo por su vigencia en el momento, sino porque toda la música y lírica del disco son el retrato más vivo de dicho suceso, hay muchos discos identificados con el movimiento hippie, con la cultura sicodélica, con el rock ácido y con el más amplio "sonido Costa Oeste", pero ninguno tan ligado en el imaginario colectivo como este.

THE DOORS (THE DOORS) Este también es del 67, otro disco clásico imprescindible en cualquier discoteca roquera que se respete, quien haya vivido en esos años, recordará el impacto producido por The Doors en el mundo de la música con un sonido hipnótico, que no sólo producía Morrison con su voz y el fabuloso timing que poseía para ir soltando las frases o para sostener un ambiente de tensión que de pronto estallaba en catarsis, también estaba el órgano de Manzarek, sus texturas y sus solos muy cercanos al virtuosismo de los músicos del Jazz y por si estos dos no fueran suficientes para hacer una música absolutamente seductora para oídos expertos o principiantes, estaba Krieger, el que sabía más de música y tenía en su cerebro, un panorama más completo e imaginativo de los sonidos, las estructuras posibles de armar y el conocimiento de diversos géneros que podía traducir al lenguaje de su guitarra.

La música de este cuarteto angelino rompió géneros, trascendió el ámbito musical e invadió el literario, y fue en ese momento, el único grupo americano que podía enfrentar a las bandas británicas que dominaban el ambiente y los mercados, su primer disco que aquí comentamos, tiene varios títulos de "el mejor", es considerado el disco más importante del grupo, uno de los mejores debuts de la historia roquera, uno de los grandes discos del año en cuestión, compitiendo con una cantidad increíble de obras maestras de todos los tiempos y está en las listas diversas que se hacen de las mejores cien grabaciones de la historia.

NO WAY OUT (THE CHOCOLATE WATCHBAND) Los críticos y reseñadores dicen que eran una banda garagera, con el aire amateur ad hoc de la etiqueta: espontaneidad, cierto descuido y desenfado, gusto por lo que se hace, mucha emoción y romanticismo; pero también es obvio que estaban muy influidos por el Blues, los sonidos sicodélicos (¿quién no, en ese momento y lugar?) y por la "ola inglesa", especialmente por los Rolling Stones (¿cuántas bandas de esa época y de siempre han sido seducidas por esa influencia?

Antes de grabar, se dieron a conocer por sus presentaciones en vivo donde tocaban canciones poco conocidas de las bandas británicas y muchas de estas piezas las hicieron populares ellos, al grado que mucha gente las asociaba más con Chocolate que con sus creadores, como muchas otras agrupaciones, tuvieron conflictor, envidias y egos encontrados y como muchas otras, tuvieron una corta vida, pero en esa partícula de tiempo cósmico dejaron testimonios de su proyecto musical, ideológico y contracultural, su disco debut es el más conocido y es otra de las joyas ignoradas mucho tiempo y revaloradas cuando el conjunto ya no existía, y en una antología del año 1967, no desentonan y sí aportan para entender el panorama general del histórico año.

  

THE GRATEFUL DEAD (GRATEFUL DEAD).  Esta es la banda que representa más ampliamente el concepto del Rock Ácido, surgida y encumbrada por los hippies en San Francisco, Cal. la cuna de ese movimiento y de los conciertos de rock concebidos como ceremonias casi religiosas en donde músicos y oyentes nadaban en ácido lisérgico, la droga mágica de los hijos del flower power.
La grabación que hoy presentamos en sociedad, es el debut discográfico del "Muerto" en la que ya aparecían los que serían los elementos constitutivos del sello de la banda: dos baterías, piezas maratónicas (para suscitar la catarsis) y solos de guitarra también larguísimos, ejecutados por el líder "muerto" Jerry Garcia y una amalgama de rock, blues, jazz, música ranchera y folk, el disco es histórico, no sólo por ser el debut de una banda histórica sino porque también podría llamarse, parafraseando a Miles Davis, "Birth of the Acid Rock".

SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND (THE BEATLES)  UN antecedente de su grabación, es el hartazgo al que habían llegado los cuatro de Liverpool, de las presentaciones en vivo y la decisión de abandonarlas para siempre para concentrarse en cuerpo y alma a las grabaciones de estudio, una coincidencia más fue que tenían al productor perfecto para un proyecto así, George Martin, genio de la experimentación sónica en el estudio, y este no es un dato irrelevante, puesto que el trabajo de Martin creando "efectos especiales", representa un alto porcentaje en el carácter revolucionario del álbum y en su desbordante creatividad.
Todas estas circunstancias, más el signo de los tiempos, la erupción de imaginación que produjo la sicodelia y toda la música joven que se hacía en esos momentos, se conjuntaron para crear esta indiscutible obra maestra del arte universal, clásica en forma inmediata, señaladora de nuevos caminos, representativa de una época, documento histórico y objeto entrañable para millones de personas que de una u otra forma lo incorporamos a nuestra vida y nuestra historia personal.

DISRAELI GEARS (CREAM) Es uno de los álbums fundamentales en la música popular,  "Disraeli Gears" del trío que también hizo historia con el nombre de Cream, un ejemplo muy claro del sonido del grupo, una muestra de lo que aportaba cada quien y de la conjunción casi mágica que se dió entre estos rockers célebres, la voz de Bruce es el elemento que en principio resalta, no era una voz espectacular, no le llegaba ni a los talones a Plant o a Daltrey, por ejemplo, pero era la voz ad hoc, para la alucinante música de Cream, tanto virtuosísmo instrumental, necesitaba de una voz discreta.

Es una obra maestra que cuenta con: la conjunción perfecta del bajo de Bruce y la guitarra de Clapton, el primero, vibrante y contundente, la segunda, virtuosa e hiriente, con esas notas de una agudeza extraordinaria y sus ráfagas de sonido, esto es ya, extraordinario pero no todo, lo mejor está en donde menos se imagina, donde menos suele estar, en la batería que en el caso presente, es la batería de Ginger Baker que no era de este mundo o al menos no del mundo del rock ni del occidental, porque Ginger dejó muy atrás a los redobladores de tambores que eran en general los bateristas roqueros y poseía un sentido polirítmico, más de los africanos que de un inglés, en él se puede ver en forma por demás didáctica, esta genialidad de Baker que era y será el mejor baterista de la historia del rock y que me perdonen Moon y Bonham, para seguir con las comparaciones odiosas.

YOUNGER THAN YESTERDAY (THE BYRDS)  Los tres antecesores de esta cuarta entrega, habían sido exitosos por diversas razones, por la novedosa mezcla de folk y rock en "Mr. Tambourine Man", por la expansión del sonido de la banda a espacios inexplorados en "Turn, Turn, Turn!" y por haber hecho la gran obra maestra del folk-rock-sicodélico en "Fifth Dimension", de modo que ¿faltaba algo por hacer?
Younger...es asombroso, parece nuevo e inédito, pero en realidad es recapitulación y síntesis de lo hecho antes, sólo que refinado, retocado y sublimado, tiene a la sátira de la fama del roquero en un rock clásico e impecable, una de las grandes versiones a una rola de Dylan, considerada entre las grandes canciones de la historia "My Back Pages", un homenaje beatle "Have You Seen her Face"; bellas piezas de orfebrería musical, con sonidos extraños como piedras preciosas en el lugar adecuado: "Renaissance Fair"y "Mind Gardens" pertenecen a esta categoría, countryrocks de impecable factura como "Time Between" y "The Girl Withuot Name" y las típicas canciones byrdeanas.

 

AFTER BATHING AT BAXTER'S (JEFFERSON AIRPLANE) El disco muestra al sonido Jefferson en plenitud, Grace esta más divina que nunca, algo hay en su voz en este disco que la distingue de los otros y los demás elementos, que constituían ese sonido, se habían abierto y expandido, las guitarras, los coros, el manejo de ritmos y tiempos, más la magia que siempre tuvo esta banda, que estaba en estado de gracia en el centro de la marea hippie y oficiando sus ritos sagrados.

Pero además de eso After Bathing...es uno de esos álbums conceptuales o temáticos, como solía llamárseles, una suite que abarcaba todo el disco y abordaba el momento histórico que ellos mismos vivían, la brecha generacional, la revolución juvenil, la oposición a la guerra y el amor como la respuesta, aparecen como una cosmogonía, la visión del mundo de la generación del flower power.

Su antecedente es otro álbum de culto del aeroplano "Surrealistic Pillow", pleno de excelentes canciones, pero con predominio de la vena folk y las piezas más convencionales y After... es una especie de ruptura y continuidad, a partir de aquí el sound de la banda adquirió una consistencia y originalidad nunca imitadas.

VANILLA FUDGE (VANILLA FUDGE)  Nacida en el emblemático año de 1967, el año de Sgt. Pepper's Lonely, Their Satanic Majestic, Disraeli Gears, el álbum debut de los Doors y muchos más, es esta una grabación que también ilustra la capacidad expansiva de la música sicodélica, al tiempo que es otra de las obras maestras del género.
Sus creadores eran los miembros de una banda norteamericana de la costa este, en el lado opuesto de donde se estaba produciendo la revolución ácida del rock y el sonido San Francisco, también para ellos este era su disco debut y es una maravilla porque tiene la característica de ser prácticamente un disco de covers, una verdadera cátedra de como transformar canciones de otros en obras maestras propias, incluye dos de los Beatles, la anodina "Ticket to Ride", convertida en pieza mayor y la grandiosa Eleanor Rigby, resaltada.
De manera que el disco debut de los neoyorquinos Vanilla Fudge, es una pieza de colección, para los amantes de la sicodelia, roqueros de corazón, nostálgicos y melómanos en general.

SAFE AS MILK  (CAPTAIN BEEFHEART AND HIS MAGIC BAND).  En principio salta a la vista el eclecticismo del álbum: blues, boogie, rock, experimentaciones, dominio absoluto de varios géneros, con predominio del rock que es como el hilo conductor, el que cohesiona a los otros géneros que se aprecian y resaltan, pero uno nunca pierde la idea de que se está frente a un disco de rock que corte a corte va develando sorpresas inesperadas.

La primera de ellas es "Sure 'nuff 'n yes I do"", blues de impecable ejecución, con un vocalista (el propio Beefheart) que no les pide nada a los bluesmen más destacados, esto te hace pensar que vas a escuchar un disco de este género y de pronto entra "Zig zag wanderer", un rock muy a la inglesa con continuación en "Call on me", otro rock muy de la época y con fuerte influencia del rock británico, cuando ya te estas acomodando en tu "zona de confort", llega "Dropout Boogie", una extraña canción que te rompe todo el esquema, te inquieta y hasta puede que te irrite, si eres explorador irredento te entusiasmas porque estás en zona de riesgo, "I'm glad" confirma la tendencia, una pieza soul con extrañas vocalizaciones que la hacen desconcertante.

AGAIN (BUFFALO SPRINGSFIELD).  Con su primer disco, colocaron una pieza entre los diez primeros lugares de popularidad y esto le dió alas a la banda, desde afuera se veía que tenían futuro, desde adentro, la lucha entre Stills y Young era cada vez más áspera, realidad que no era del todo mala, porque la competencia condujo a que hicieran un segundo disco de impecable factura, lleno de recursos estructurales, rítmicos e instrumentales; la mezcla perfecta de folk y rock en gran equilibrio y piezas compuestas por uno u otro de los tres compositores, pero ninguna en coautoría, signo inequívoco de la discordia.
Pero si cada uno compuso sus canciones solo y se encargaba de cantarlas, en los arreglos y ejecución de instrumentos hay un espíritu de colectividad extraordinario, cosas extrañas que suelen pasar, hay un sonido fino y colorido, mezcla de guitarras acústicas y eléctricas en gran armonía y las voces del cantante solista, según el caso, y los coros logran un efecto igual de luminoso y efectivo para llegar al oído.

FOREVER CHANGES (LOVE). Lee fue el Fundador de la, por mucho tiempo menospreciada banda Love, y junto con Bryan MacLean, el creador de este disco considerado, uno de los más importantes de su década y de toda la historia del rock, obra maestra de la música sicodélica, con una base de instrumentos no eléctricos e inclusión de cuerdas e instrumentos de aliento metal, propios de la música sinfónica.
En su momento no causó gran impacto entre el público, había demasiadas novedades deslumbrantes y "Forever Changes" era uno de esos discos que van descubriendo sus aciertos y genialidades después de ser escuchados innumerables veces, no llegó ni a los cien mejores en las listas en Norteamérica, aunque el oído aristocrático de los británicos, lo llevó hasta el puesto 30.
Si Sgt. Pepper te parece un disco complejo y recargado hasta el barroquismo, "intelectual" y deslumbrante, síntesis de genialidad y belleza, espera a escuchar "Forever Changes" y después hablamos.

MR. FANTASY (TRAFFIC) Mr. Fantasy a diferencia de muchos de los grandes discos del año, no está orientado a la sicodelia ni es una obra maestra del género, está dominado por la influencia soul y blusera de Winwood, pero incorporó además, finos toques de Jazz aportados por Wood y sus instrumentos de viento; Mason colaboró varias composiciones y la parte "folk" del disco y Capaldi estaba inspirado como compositor y participó en casi todas las piezas en ese rubro.

El omnipresente Steve Winwood, con sus 19 años de edad, participó en 7 de las diez piezas como compositor, cantó, hizo arreglos y tocó varios instrumentos, pero no hizo solo el disco, esta es una de las características de esta obra inmortal, que a pesar del avasallador protagonismo de Steve, sus compañeros no son comparsas, hay una aportación de igual importancia de cada uno de ellos en cualquier rubro: todos tienen un peso importante en las elaboradas composiciones, Capaldi, Winwood y Mason, son voz líder en diversos momentos, todos hicieron coros y tocaron más de una decena de instrumentos entre los cuatro.

PROCOL HARUM (PROCOL HARUM).La deslumbrante belleza de su canción emblemática, opacó al resto de su álbum debut y de su obra posterior, pues fue lanzada como single meses antes que el LP, "A whiter shade of pale", llegó de inmediato al sitio más alto de popularidad en el Reino Unido y a los primeros cinco de la Unión Americana y a pesar de la enorme importancia y calidad de por lo menos, sus cuatro primeros discos, Procol Harum nunca más tuvo un disco o una canción exitosa y diez años después de su creación, la banda desapareció.
El tiempo ha revalorado a este grupo histórico y a su ópera prima como innovadores y una conjunción de extraordinarios músicos que crearon un sonido muy original y único, inetiquetable porque hicieron rock sinfónico, se anticiparon al dark, pusieron algunas de las bases inamovibles del Rock progresivo británico y combinaron a la perfección la finura del rock que venía: progresivo y sinfónico, con la sicodelia y además con un sonido hard que aportaba Trower.