LOS DISCOS DEL '71. Chicago II.

CHICAGO.
"Chicago II".

El disco debut de Chicago, "Chicago Transit Authority", fue todo un acontecimiento, el género inaugurado por grupos como Electric Flag y Blood, Sweat and Tears, con una base de blues y rock, más arreglos jazzísticos con alientos metal, conocido como jazz-rock, se estaba conviertiéndo en una importante corriente musical, productora de grandes bandas y grandes discos y ese álbum con que debutó el grupo que tuvo que abreviar su nombre a solamente Chicago, había llevado a niveles de alto refinamiento la naciente escuela.

El segundo trabajo discográfico de Chicago sigue la línea del primero, que consiste en elaborar una música popular, basada en el blues y la rítmica roquera, pero incorporando elementos de la música "culta", entendiéndose por ésta, el jazz y la música sinfónica y nadie como los integrantes de Chicago en sus primeros discos para lograr el objetivo en forma más que equilibrada.



En Chicago II, hay de todo y para todos, piezas muy roqueras, otras muy cargadas al blues, pasajes jazzeros sin discusión e intentos por incorporar las estructuras de la música sinfónica al rock y el resultado es otro disco disfrutable de la primera a la última nota, fue el primer registro de Chicago que se editó en México, con programación radiofónica de piezas muy comerciales y de excelente calidad como :"Make me smile", "Colour my world" y "25 or 6 to 4", que son piezas muy accesibles pero no simples en su concepción, arreglo y ejecución.

Pero también hay obras maestras como "Fancy Colors", con su inicio blusero y la entrada repentina de una canción con ritmo entre roquero y caribeño, para después seguir intercalando ritmos y géneros en forma magistral; también están la bella "Poem for the people" y la ambiciosa pero muy lograda "It better end soon", ejemplos aislados que forman parte de un todo con mucha coherencia y fidelidad a una idea y un estilo.

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LOS DISCOS DEL '71. Grateful Dead.

GRATEFUL DEAD.
"Grateful Dead". 1971.

Otro grupo fundamental para el rock ácido y el representante más conspícuo de su espíritu, rebelde, alucinado, antimaterial y comunitario, era Grateful Dead "el muerto", como le llaman sus aún numerosos seguidores. los deadheads, que los seguían por todo el país a donde fueran a tocar, constituyendo a la fanaticada más fiel que haya existido en la historia del rock.

Sus mienbros provenían de diversos ámbitos: Ron McKernan, del blues; Bill Kreutzman, del jazz; Phil Lesh de la música sinfónica y Jerry García del folk-rock y ésta variedad de géneros y conocimientos que tenían los Grateful, hicieron del grupo una banda muy ecléctica, pero también muy rica en ritmos, timbres y formas de ejecución instrumental en un sonido global que abarcaba: blues, rock, folk, jazz, bluegrass y country.



A fines de los sesentas se trasladaron a San Francisco y formaron parte del movimiento denominado según sus matices acid rock, "sonido costa oeste" o rock sicodélico, por su ligazón muy estrecha con las experiencias alucinatorias utilizando LSD, se dice que los conciertos de Grateful Dead en Haight -Ashbury, eran viajes ácidos colectivos, porque se repartían "ácidos" al por mayor entre la concurrencia además de que los músicos acudían a la cita debidamente "hasta la madre" de ácido lisérgico, creándose una experiencia colectiva de tipo místico.

En 1971, "el verano del amor", aún estaba fresco en el recuerdo y los Festivales de Monterey y Woodstock, en los que participó "el muerto" aún resonaban en los oídos de la generación del amor, se grabó éste disco muy representativo del sonido de la banda, con sus características mezclas de géneros, sus largos jams aptos para la improvisación al estilo del jazz y el sonido de la sicodelia que por autonomasia era el de Grateful Dead, si quieres introducirte en el rock sicodélico, esta es la puerta indicada, la emblemática e histórica banda que dejó de existir hasta 1995 con la muerte de su líder, el siempre carismático Jerry García.

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LOS DISCOS DEL '71. Quicksilver.

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE.
"Quicksilver"
1971.

El rock ácido, el sonido costa oeste o el rock sicodélico, matices de un movimiento con tiempo y lugar en San Francisco Cal. y fines de los años sesentas más principios de la década posterior, es uno de los momentos más ricos y creativos de la historia roquera y uno de los que más he explorado y gustado, entre los grupos que nutrieron este movimiento tengo preferencia por tres que son: Jefferson Airplane, Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service.

El primero que descubrí fue éste último, con las audiciones de "Vibraciones", mi programa radiofónico favorito a principios de los setentas y con la adquisición de "Shady Grove" un disco que me asombró y cambió mi forma de escuchar la música, por eso es que, desde mis años adolescentes Quicksilver es un grupo que me resulta entrañable, al que le rindo una especie de culto y uno de mis preferidos de toda la vida.



Hasta donde llega mi discernimiento, hay tres sounds, diferentes en los discos del Quick: el de "Happy Trails", que es el que más tiene en común con los otros grupos de la "Costa Oeste", o el más cercano a la definición de "rock ácido"; el de "Shady Grove", oscuro y fascinante, con la huella definitoria de Nicky Hopkins y todos los demás, que de algún modo definen "el sonido Quicksilver", con esa densa "pared sonora" que hacían las guitarras, los hirientes solos de guitarra que hacían John Cipollina y Gary Duncan, así como el canto por parte de los dos guitarristas, muy característicos del grupo y los juegos corales, complejos e impresionantes.

Lo demás era, la mezcla del folk, el rock and roll, los sonidos de la sicodelia y el blues en amalgama perfecta, éste disco de 1971, es casi el último de Quicksilver en plenitud de energía y cualidades creativas, después vendría uno más del año siguiente que no conozco y la disolución temporal de la banda que sólo volvió a grabar un disco bastante irregular y poco inspirado en 1975 y por supuesto que en la revisión del año '71, era indispensable una grabación de la banda histórica del Servicio de Mensajeros Mercurio.


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LOS DISCOS DEL '71. American Pie.

DON McLEAN.
"American Pie"
1971.

"American Pie" es una de esas canciones en extremo afortunadas, hecha en un estilo entre blues, country y rock-pop, con espacios amplios para utilizar una métrica no siempre regular, pero muy ad hoc a la historia hecha con metáforas y alegorías que remiten a una especie de historia del rock, desde el día "en que la música murió", en 1959, cusndo Buddy Holly y Ritchie Valens, murieron en un accidente aéreo, en ese entonces McLean, tenía trece años y quedó muy impresionado por el suceso.

Fue una clásica instantánea que de inmediato llegó al número 1 de las listas, creó un aura de misterio a su alrededor con respecto a su interpretación y cuando se le preguntó a su autor ¿qué significaban todas esas metáforas y referencias amplias y vagas?, contestó: "significa que nunca más tendré que trabajar" y hasta la fecha vive de las regalías que le dejan este garbanzo de libra que un día salió de su inspiración y que con el tiempo llegó a ser considerada la número cinco de la selección llamada "canciones del siglo", por su importancia en la cultura y la sociedad norteamericana.



El estruendoso éxito de "American Pie", ensombreció al resto del disco, que pasó a ser en la mentalidad colectiva de público y críticos, el relleno del LP, en el que sólo valía la pena la famosa de famosas, pero una revisión desprejuiciada permite descubrir otras piezas de exelente hechura, "Vincent" dedicada a Van Gogh, y segundo single que también alcanzó el número 1 de las listas, es un claro ejemplo.

Otra pieza notable y poco apreciada, es "Crossroads" y en general en todas, hay historias interesantes e inteligentes, narradas al modo de los cantantes folk del momento, no en vano McLean tenía como ídolo musical a Pete Seeger y admirtaba a gente como Dylan y Leonard Cohen, el resultado un álbum de folk-rock, agradable con letras bien pensadas y un super éxito de todos los tiempos, después de éste, nunca más pudo Mc Lean igualar su impacto.

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LOS DISCOS DEL '71. Tupelo Honey.

VAN MORRISON.
"Tupelo Honey"
1971.

George Ivan Morrison, creció escuchando jazz, country y blues, en los discos que su papá llevaba a Dublín, ciudad natal de Van Morrison, nombre con el que lo conoce la historia, el progenitor del icono irlandeés del rock, el soul, el R&B y otras manifestaciones de la música negra norteamericana, viajaba a Estados Unidos y regresaba con bellos trofeos que alimentaban su pasión por la música.

Y como suele suceder, el hijo heredó la pasión paterna y la llevó más allá que su antecesor, dedicándose desde muy joven a la música. En la película "The Commitments" de Alan Parker (sí, el director de "Pink Floyd the Wall" y "Fame"), el protagonista Jimmy Rabbitte, forma una banda de soul en Dublín y tras una serie de peripecias y contrariedades consigue armar su grupo musical, para empezar el entrenamiento, les pone un video de James Brown y les explica que ese es su ideal de música que quiere tocar, sus recién reclutados compañeros le preguntan ¿qué tenemos que ver nosotros con eso? y él contesta: los irlandeses somos los negros de Europa, los dublineses somos los negros de Irlanda y los de éste barrio, somos los negros de Dublín.



Ésta historia, podría ser la de Van Morrison, un apasionado de la mencionada música, quien desde los doce años empezó su aprendizaje musical que lo llevó a tocar guitarra, sax y piano, hasta que en 1964 tuvo a su primer grupo exitoso "Them" con grabaciones clásicas como "Gloria" "Here comes the night" o "Baby please don't go", en '67, inició carrera de solista en 1967 y Tupelo fué su quinto disco como Van Morrison.



Para la mayoría de los críticos, no alcanza la altura de "Astral Weeks", su obra maestra ni la elegancia, emoción y formas exquisitas de "Moondance", pero mantiene el nivel de calidad sobresaliente que hay en todos los discos del cantante blanco que canta la música negra de forma insuperable, con perdón de Burdon y Cocker (también británicos, por cierto), en Tupelo, como en toda la obra de Van Morrison hay piezas de excelente construcción, instrumentistas con gran oficio y amor a la música que hacen y la voz conmovedora del dublinés que se codea con los grandes jefes de piel oscura del blues y el soul, tal vez el único blanco con características similares a las de el, sea ese otro maestro blanco del blues llamado Dr John.


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LOS DISCOS DEL '71. Ram.

PAUL McCARTNEY.
"Ram".
1971.

La separación de los Beatles, trajo la posibilidad del análisis de las partes, la introspectiva y mística que aportaba Harrison, la rebelde y atormentada de Lennon y la irremediablemente feliz y melodiosa de Paul, por supuesto que cuando apareció un álbum de Paul post-beatle tan colmado de canciones bonitas, contagiosas y reconfortantes como Ram, los medios lo aclamaron, la crítica exigente lo calificó de complaciente y comercial y muchos beatleómanos, corroboramos que Paul "el beatle bonito", se entregaría de lleno a los brazos de la comercialidad, significara lo que significara esto y se iría convirtiéndo poco a poco, en un producto hueco para pasar el momento y desecharlo después.

Pero el tiempo nos llevó a otros contextos, nos amplió horizontes y nos enriqueció las ideas, entonces, escuchamos "Ram", con oídos menos desprejuiciados y fue revelándose una obra atemporal, de extraordinaria factura y ejemplo de como hacer colecciones de canciones variadas, construidas con gran inspiración y arregladas con exactitud, sin nada de más ni de menos.



Por supuesto que lo que más destaca, es la gran habilidad de Sir Paul para crear melodías inmortales con una inspiración que entonces parecía inagotable, abrevando en la música popular inglesa y en todo el rock y blues existentes en el momento, pero también con el oído puesto en la música sinfónica y el jazz, de modo que "Ram" es un abanico de historias, ritmos, tímbres instrumentales, melodías bonitas y armonías sencillas pero asombrosas, de un artista que hacía canciones de las que a todos les gustan, no por necesidad de vender, sino porque es lo que le gusta hacer y lo hace excepcionalmente bien.

No es necesario decir que, la mitad o tal vez más de la mitad de las canciones de "Ram", estuvieron en las alturas de las listas de popularidad y se volvieron clásicas de la discografía macartyana, y tal vez sólo "Band on the run", resultó tan exitoso como éste disco emblemático.

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LOS DISCOS DEL '71. The Cry of Love.

JIMI HENDRIX.
"The Cry of Love"
1971.

Jimi Hendrix empezó a grabar el que quería fuera un álbum doble en 1969 y siguió conformando el proyecto hasta el año siguiente, mismo en que falleció cuando corría el mes de Septiembre, entonces el productor Eddie Kramer y Mitch Michell, hicieron una selección de lo grabado, la mezcla y toda la postproducción para lanzar "The cry of love" como álbum póstumo del genio de la guitarra, después en 1997 se publicó "First rays of the new rising sun" que era el título elegido por Jimmi para su doble LP, como ahora sí, el disco póstumo de Hendrix y el año pasado se hizo una compilación de grabaciones "inéditas" y otra vez se anunció como el disco póstumo.

En su disco anterior "Band of Gypsys", sus compañeros de la Experiencia fueron sustituidos por Buddy Miles y Billy Cox, el trío legendario estaba en crisis y Noel Redding había dejado al grupo, así que la compañía de Hendrix para esta grabación es una mezcla de la Experiencia y la Banda de gitanos, está Mitchell en la batería y Billy Cox en el bajo, lo demás lo hacía Jimi y no necesitaba más músicos, todas las composiciones, los arreglos y los increíbles sonidos de su guitarra completaron el álbum que tuvo muy buen recibimiento de crítica y público y llegó a las alturas de las listas de ventas.


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LOS DISCOS DEL '71. The Real Thing.

TAJ MAHAL. "The Real Thing"
1971.

Este disco registra una presentación del gran jefe blusero Taj Mahal en el legendario Filmore East con toda la fuerza y pasión que posee este músico nacido en New York en el año de 1942 y que desde muy chavo se interesó en el jazz y posteriormente ese interés lo llevó a su gran pasión que es el blues.

Taj Mahal quien nació llamándose Henry Saint Claire Fredericks, canta y toca el blues, pero también hace investigaciones musicológicas en un afán por preservar el blues tradicional, al tiempo que es también un explorador de nuevos sonidos y estructuras musicales en su labor de compositor, además del blues, ha incursionado en el jazz, la música country y el soul.



En esta histórica presentación, se acompañó de una banda numerosa y de mucha capacidad, formada por un gran cuerpo de ejecutantes de alientos-metal, tubas, sax, trompetas , trombones y flauta; bajo y guitarra eléctricas, piano, batería y congas, además de la armónica de Taj, su voz y su guitarra acústica y todos estos instrumentos son ejecutados con precisión, feeling y maestría (haz click en la ilustración de arriba para ver detalles).

La mayoría de las composiciones son de Mr. Fredericks quien completa su repertorio con homenajes a otros grandes del género: Blind Willie Johnson y Sleepy John Estes en una sesión deliciosa que por fortuna quedó registrada para la posteridad y disfrute de las nuevas generaciones.

En esta joyita se puede escuchar una gama muy variada de formas de abordar el blues, empezando con Fishin' Blues, Taj ejecutando su guitarra acústica con gran maestría como único acompañamiento de su voz en esta canción tradicional proveniente del blues rural, también hay piezas donde lucen en todo su esplendor los arreglos de metales, Ain't Gwine to Whistle Dixie, es un buen ejemplo, un largo jam al estilo del jazz donde se muestran, por turnos, todos los instrumentos.

Pon especial atención a Sweet Mama Janisse, blues enérgico y movido con un arreglo sui generis de metales y el requinto acústico del Taj, seguida por Going up to the Country and Paint... que aumenta la energia y la euforia para que descienda con una pieza lenta y melancólica, triste triste como el blues, y así entre altas y bajas de estados de ánimo, que no de calidad, se llega a Tom and Sally Drake, que se va por el lado country, para luego pasar al más puro soul y a estas alturas, no sabes si continuar o regresarte para perpetuar el disfrute.pero la única forma de que sepas de que estamos hablando está a la mano.


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LOS DISCOS DEL '71. Teaser and the Firecat.

CAT STEVENS.
"Teaser and the Firecat".
1971.

Y en el '71 también Cat Stevens, el orfebre de la canción, también enriqueció el panorama musical con otro de sus exquisitos álbums de rock.pop, "Teaser and the Firecat", deliciosa colección de joyas de las que acostumbraba labrar con minuciosidad y elegancia, Teaser, venía precedido por mi favorito, el enigmático y un tanto oscuro "Mona Bone Jakon", que para su servidor es una obra maestra, una cátedra de como hacer canciones perfectas en un álbum perfecto y por "Tea for the Tillerman", más festivo y colorido, pero conteniendo la misma maestría del artesano musical que parecía nunca fallar al escoger donde poner un instrumento u otro, un coro u otro o un cambio de ritmo.

Por lo tanto, el nuevo disco del sorprendente Cat, creó expectativas difíciles de alcanzar, pues parecía demasiado complicado hacer no, un disco superior a los mencionados, pero sí al menos del mismo nivel y Stevens lo consiguió, con una serie de piezas, trabajadas con inspiración y oficio de las cuales, la mitad se volvieron clásicos instantáneos y el resto fueron ocupando su lugar de inmortales e inolvidables con el tiempo, además de las muy conocidas "Peace train" y "Morning has broken", hay canciones conmovedoras como "If I laugh", otras emotivas como "Changes IV" y las bellísimas "How can I tell you", "The wind" y "Moonshadow" que en total conforman un conjunto lleno de belleza y sensibilidad.

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LOS DISCOS DEL '71. The Allman Brothers Band at Filmore East.

THE ALLMAN BROTHERS BAND.
"At Filmore East".
1971.

La banda de los hermanos Allman es considerada una de las creadoras del "rock sureño", la otra es Lynyrd Skynyrd, ambas crearon un sonido muy original con influencias inocultables de la musica del sur gringo, pero a la vez con furte influencia del blues y los sonidos poderosos del rock, y se formó en Florida en 1969, sus promotores eran los hermanos Greg Y Duane, el primero dotado compositor y cantante sobresaliente y el segundo un guitarrista fuera de serie que se disputaba los honores de ser el mejor guitarrista de rock del mundo con las figuras de la época, que eran entre otros Hendrix y Clapton.

Pocas bandas blancas lograron tal maestría para tocar el blues y otras vertientes de la música negra y esto hizo a los Allman, alcanzar muy pronto una fama difundida que los entronizaba como uno de los grupos de rock norteamericanos más importantes de la historia y por supuesto la mejor de su época y su consagración definitiva se dió con éstas presentaciones en el Filmore East donde se muestra que todo lo que se escuchaba en sus discos de estudio era limpio y sin truco alguno, sólo producto de la maestría de los Allman y virtuosos compañeros.

En esas presentaciones, expusieron a la crítica, sobre todo blues clásicos, tocados impecablemente y algunas composiciones de los Allman y de Dickey Betts, el otro guitarrista de la banda que tocada el slide como dios, destaca "Whipping Post", una larga pieza de blues-jazz que ocupaba todo un lado del disco LP y en donde se constatan con toda nitidez las grandes cualidades musicales de la superbanda de blues-rock-jazz-country que eran los entrañables Allman que siguen en activo pero sin el virtuoso Duane que se fue de ésta mundo a muy temprana edad, pero dejó testimonios de grandeza como el del segundo video que acompaña a esta entrada.


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LOS DISCOS DEL '71. Welcome to the canteen.

TRAFFIC.
"Welcome to the Canteen".
1971.

Estaba ante el problema de tener dos discos de Traffic, una de mis bandas favoritas de toda la vida, del mismo año que estoy revisando, "The Low Spark of High-Heeled Boys" grabación de estudio con piezas no incluidas en otros discos y "Welcome to the Canteen", discazo en vivo de la super banda que reunía a varios de los mejores músicos ingleses de rock en el Reino Unido, me decidí por Welcome...porque es un gran disco y porque era justo incluir algún directo en la revisión.

En él aparece una de las alineaciones más destacadas de la historia de Traffic, tan llena de vaivenes, idas y regresos, incorporaciones y deserciones, para esta presentación en vivo, realizada en Julio del mencionado año, en Londres, estaba la formación original del grupo: Steve Winwood en guitarra, teclados y voz; Chris Wood en sax y flauta: Jim Capaldi en batería y Dave Mason en la guitarra, pero además se unieron al grupo Rick Grech, el de Family y Blind Faith, Jim Gordon el de Derek and the Dominos y muchos discos memorables y "Reebop" Kwaku Baah en percusiones varias.



Con este equipazo, enfrentaron al monstruo de las mil cabezas en una tarde memorable que por fortuna quedo registrada magnetofónicamente para mostrar un ejemplo de perfección: repertorio clásico perfectamente escogido; ejecución del mismo, virtuosa, emotiva y perfecta y una grabación sin mácula, rayando en la perfección, un gran clásico de la discografía traficana y por qué no, un clásico entre las grabaciones en vivo de toda la historia.

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