DISCOS DE 1971. Moving waves.

FOCUS

"Moving Waves"

1971

Focus era una banda holandesa encasillada en el Rock Progresivo y también identificada con las bandas alemanas, Thijs Van Leer fue siempre su figura más visible, fundó el grupo en 1969 con Jan Akkerman su pareja en la composición de la música que los hizo conocidos en todo el mundo.

El famoso "Moving Waves" su segundo disco, es una de sus grandes obras, ya reconocida como pieza maestra y clásica del Rock Progresivo, la característica distintiva de Focus fue siempre que sus discos eran casi totalmente instrumentales con influencia muy marcada de la música sinfónica, no es gratuito que los integrantes de la banda eran músicos con formación "clásica", a diferencia de su primera grabación, "Moving... o "Focus II" como también es conocida, presentó a una banda madura, con su rumbo muy claro, una calidad sobresaliente y una fusión fina y equilibrada de Rock, Música Sinfónica e incluso Jazz, pues resulta que Pierre van der Linden era un músico muy influido por el Jazz.

"Hocus Pocus" la pieza con la que abre el disco se convirtió en el primero y más importante éxito de Focus, la vocalización de estilo tirolés que incluyó  Thijs Van Leer fue del todo inusual en el Rock e hizo que la audición de la obra empezara dirigiendo a los escuchas a una sorpresa tras otra, de modo que rockers, degustadores de la música "culta", vanguardistas y jazzistas se sintieron atraídos por un disco de esta naturaleza que aglutinaba a públicos muy variados. 

 

LOS DISCOS DE 1969. Monster Movie.

THE CAN.
"Monster Movie"
1969.

Y a propósito de debuts discográficos y sobre el krautrock, como les dió por llamar al rock irreverente alemán de principios de los setentas a los orgullosos ingleses, resulta conveniente reescuchar el disco con que inició su carrera, otro de los símbolos de este rock germánico que se atrevió a desafiar la hegemonia británico-estadounidense, el grupo de Colonia que en principio se llamaba "The Can" y que después quedó solamente en Can.

A Can la formaron Irmin Schmidt y Holger Czukay, tecladista y bajista respectivamente, y después incorporaron a Jaki Liebezeit como baterista, resultando pieza fundamental de la banda y quien llevaba la dirección de la música que tendía mucho a la improvisación propia del jazz, a partir de los tiempos que marca la percusión, el complemento lo hicieron: Michael Karoli en la guitarra y el cantante gringo Malcom Mooney, los gustos musicales de cada uno eran de lo más diversos y estas influencias al juntarse determinaron las características del sonido Can que en el año de 1969 era toda una novedad.

Las mencionadas influencias iban desde Stockhausen, músico admirado por los dos fundadores, el free jazz que era lo que había estado tocando Liebezeit y la parte roquera que aportó Karolli, el resultado final de la mezcla y compenetración de estas tendencias fue una música muy extraña y desafiante, mucho menos experimental que la de sus coetáneos Tangerine Dream, Amon Düül o Faust, en el sentido de la utilización de sonidos electrónicos o instrumentos exóticos, pero igualmente inovador en la rítmica y en la forma de cantar que era una anticipación clavada del futuro punk.

Una forma de abordar la grabación puede ser sin sacarla de su contexto, es decir, volver a 1969 y escucharlo en ese año para descubrir semejanzas y diferencias con otras músicas que se estaban haciendo en el momento o se iban a hacer posteriormente: el primer track empieza evocando a Pink Floyd, pero a un Pink Floyd más parco, más áspero, sin la melodiosidad y exhuberancia sónica de los ingleses, pero a medida que avanza la pieza, las percusiones toman la batuta y adquieren un marcado aire minimalista e hipnótico, los instrumentos acatan esta dirección y la versificación y el canto se muestran con la violencia del punk, ese género futuro que le gritaba su traición a los rockstars de los setentas.

El segundo registro, parece influenciado por el blues y The Doors, la forma de cantar de Mooney es muy a lo Morrison, mientras que un largo "solo" de guitarra que dura toda la pieza, hace algo parecido a las florituras de Manzarek con el órgano en la leyenda angelina, pero nuevamente las percusiones se vuelven protagonistas y la pieza va en un crescendo de mucha intensidad en donde percusión y solo instrumental son el marco para la virulencia del que canta y de lo que canta.

El tercer track, podría haber sido firmado por los Pistols, los Ramones, Clash o The Germs, es "punketo" de principio a fin, pero si estamos en 1969, nos suena también a The Who y por supuesto que a Velvet Underground y así termina el "lado A", volteamos la tortilla y nos encontramos con algo insólito que ya empezaban a hacer otros, sus paisanos de Amon II en su disco del mismo año, por ejemplo, una larga pieza-sinfonía que abarca todo el lado del acetato y que va desarrollando distintos "movimientos" con distintas tónicas, ambientes e intenciones: el acento que hoy llamamos punk al principio, el electrónico-experimental, en seguida, un tercer pasaje muy cargado al rock-blues, y al final, solos alternados de cada instrumentista con el fondo de unas percusiones plirítmicas, muy al estilo del free jazz.

Hoy podría ser un disco muy escuchado en otras partes, para el auditorio actual no presenta casi nada novedoso, pero si eres amante de los documentos musicales por sí solos o los que nutren una visión de época y un contexto histórico, este es un imprescindible, por su significado para el rock alemán, por lo novedoso en su momento y por las aportaciones que hizo a futuras bandas y formas de hacer el rock, si tu interés es este último, como el caso de tu servidor, búscalo sin tregua, la edición que yo encontré es de 2008, muy reciente y muy fácil de conseguir.

MÁS "KRAUT". Soundtracks de Can.

CAN.
"Soundtracks"
1970.

El segundo disco de Can, fue hecho por encargo y bajo presión, por una parte, la compañía disquera quería pronto el segundo álbum, para aprovechar la buena acogida que tuvo el primero y la expectativa que despertaba el siguiente y como la banda no tenía el suficiente material acabado y a la altura de sus propias exigencias, decidieron incluir música que habían grabado para varias películas de tipo experimental hechas por artistas "underground", del círculo que ellos frecuentaban.

El hecho de que fuera música por encargo en la que, por supuesto que intervienen el gusto y las necesidades del que hace el pedido y el hecho de que fuera música para cine, es decir, para un lenguaje estético específico, cambiaron las reglas del quehacer artístico y eso marcó una gran diferencia entre "Monster Movie" y esta obra, a menudo despreciada y etiquetada como "menor" en la historia de Can.

Pero aparte de estos factores externos, hubo uno en las entrañas de la banda que también marcó una diferencia notable y fue el cambio de vocalista, Malcom Mooney abandonó la banda y en su sustitución llegó Damo Suzuki, venido de otro mundo, culturalmente hablando, con otras nociones de la melodía y el ritmo, además de la misma utilización de las diversas posibilidades de la voz.



"Soundtracks" muestra con gran claridad el peso de este cambio porque contiene dos piezas cantadas por Mooney y cinco con la voz de Suzuki, quien se convirtió en factor protagónico en este y los siguientes tres discos de la banda, demostrando que tan importante era la forma de cantar en este grupo. Como en otros discos, hay una pieza maratónica que es la más brillante, más impactante, sólida y mejor lograda en general, ideal para el desarrollo de ambientes y formas de ir construyendo estructuras sonoras, "Mother Sky", corre bajo la dirección de las repetitivas y muy complejas percusiones de Liebezeit como fondo opaco y enérgico para los colores y matices que van plasmando la voz de Suzuki y la guitarra de Karoli, muy cercana al estilo de Gilmore, la siempre presente influencia de Pink Floyd que tuvo la banda, mientras que Schmidt, va dejando pinceladas discretas que resaltan porque contrastan la virulencia de voz y guitarra.

Puesto que no fue concebido como una unidad, se nota que cada pieza fue pensada para un fin distinto, ejemplo, las tres primeras, son muy "inglesas" y especialmente muy influidas por Pink Floyd en primer lugar y en menor medida por Procol Harum, hay esas mismas combinaciones de melodiosidad, con experimentación y fuerza, la razón, forman parte del mismo soundtrack; la cuarta estación trae consigo un cambio radical, es una pieza oscura, opaca a propósito y se pudo ver a la larga que estaba en un tono intermedio entre el sonido de Monster Movie y el de Tago Mago.

El quinto track es de una película distinta a las dos anteriores y además es uno de los que grabó Mooney antes de renunciar y esta totalmente en la sintonía del disco debut, después viene la mencionada "Mother Sky", que fue hacha para una cuarta película y se termina con la otra pieza que tiene la voz de Mooney y que corresponde a otro film distinto a los anteriores y se sale de todos los esquemas que Can hubiera ensayado antes, suena como una pieza de John Cale y muestra otra de las influencias fundamentales de la agrupación, Velvet Underground.

Aquí se descarga el disco.

EL "KRAUTROCK". Amon Düül II.

AMON DÜÜL II.

"Phallus Dei"

1969.

Amon Düül II es el más famoso de los tres grupos con el mismo nombre y junto con Tangerine Dream y Popol Vuh, los emblemas del rock alemán para el resto del mundo, la historia de por qué existen tres grupos con el mismo nombre es la siguiente: en la segunda década de los años sesentas se formaron en las principales ciudades alemanas comunas juveniles que tenían como referencia las comunas hippies norteamericanas, pero sin el ingenuo romanticismo de éstas, los hijos del flower power, sólo estaban descubriendo que el american way of life, no era el paraíso y creían que se podía construir y más aún, estaban seguros de estar construyéndolo; en cambio los jóvenes alemanes, estaban seguros de que el paraíso no era posible, diez años antes había terminado la Segunda Guerra Mundial con todos sus horrores y no concebían ni la más mínima fe en la humanidad.

Por esta razón las comunas alemanas estaban muy politizadas, desalentadas y sin esperanza, sus ideas eran de un radicalismo extremo y sus concepciones estéticas iban por el mismo camino, para darse una idea del pensamiento revolucionario de estos jóvenes, baste con decir que de la comuna de donde salieron los Amon, salieron también los fundadores de la Fracción del Ejército Rojo, el grupo que tuvo al estado alemán en extrema preocupación con sus actos violentos que pretendían la destrucción total para empezar de nuevo.

En una de estas comunas artistico-políticas, nació el primer Amon Düül, conocido así a secas y con una inclinación musical hacia la sicodelia, de la misma comuna surgió el segundo Amon, banda de gran creatividad que no tenía fronteras genéricas, empiezan con compositores de música contemporánea del tipo de Varése y Stockhausen, artistas experimentales aficionados a la exploración de sonidos y estructuras sónicas; pasan por la sicodelia y el rock progresivo inglés e incorporan los sonidos e ideas musicales más insólitas de todo el movimiento "Kraut".

Desaparecido el Amon II, tuvieron un resurgimiento cuando algunos exmiembros de Amon Düül II, formaron otra vez la banda, sólo que ahora en el Reino Unido, de allí que se les identifiquen con el agregado UK, para distinguirlos de sus antecesores, esta es la razón de la existencia de tres bandas hermanas pero diferentes con el mismo nombre.

Pero el asunto que nos ocupa es presentar el disco debut de Amon Düül II, llamado "Falo de Dios" en latín, irreverente desde el título y mucho más en los conceptos musicales que en la época en que se hizo el álbum, fueron un acontecimiento excepcional, aunque ya existieran Yes, Pink Floyd o Procol Harum por hablar de grupos ingleses considerados en la línea de la exploración extrema y en ese mismo año se diera a conocer "Hot Rats" de Frank Zappa, la aparición de Phallus alertaba sobre los alcances futuros del rock alemán.

La trascendente obra tiene como su eje principal la pieza homónima del álbum, una extensa sinfonía que empieza declarando su filia a la música de compositores que destacaron a principios del siglo XX, cuando el arte clásico estaba sufriendo una gran revolución: Varése, Stockhausen y Stravinski, son buenos ejemplos de esta corriente, continúa con un segundo movimiento muy roquero y sicodélico, pasa por paisajes progresivos y termina mezclado todo esto y otros elementos a lo largo de distintas etapas, en el LP original, esta píeza ocupaba todo un lado del disco, "Livin' the Blues" de Canned Heat y del mismo año, también tenía piezas que ocupaban todo un lado del disco y esto empezaba a hacerse común.

El segundo lado del disco original, estaba compuesto por cuatro piezas de duración "normal", donde estalla el kraut en toda su rudeza y su crudeza, ese sonido salvaje que empezaba a caractrizar el rock teutón aparece como manifiesto estético-político que reclama la destrucción de lo viejo, la purificación del fuego y pasado el apocalipsis, la reconstrucción de todo, frente a esta avalancha de violento sonido, Pink Floyd o Yes sonaban dulces e ingenuos y sólo Faust era más radical que ellos.

Con el tiempo este debut se ha convertido en disco de culto para quienes lo conocieron en el momento de su develación y los que nos enteramos después de su existencia y lo hemos perseguido como cazador a presa y al fin ha caído en nuestras manos, de modo que ahora queremos compartirlo junto con nuestras reflexiones al respecto.

Aquí se descarga el disco.

ROCK ALEMÁN. Faust.

FAUST.
"Faust / So Far".
2000.

Faust era la banda más subersiva de toda la invasión "kraut", más anticonvencional, irreverente, políticamente incorrecta y experimental que sus coetáneos y compatriotas, eran los más politizados y los más cultos, por lo tanto estaban al tanto de las vanguardias artísticas: el absurdo, el dadá, la música concreta, el minimalismo, la anarquía, pero también las novedades del rock inglés y norteamericano.

Ya el nombre de la agrupación artística revelaba la cultura e intelectualidad de sus miembros, Fausto, el legendario personaje germánico de quien se dice que vendió su alma al diablo y que protagoniza la obra cumbre del escritor más importante de la literatura alemana, Goethe y retomó Thomas Mann, premio Nobel en 1929 ¿para que no quedaran dudas de que su obra era alemana e iba a contracorriente?



Faust relizó cuatro álbums en estudio, entre 1971 y 1975, después se reunieron muchos años después y como producto de esto hay nuevas grabaciones pero el Faust legendario, el del impulso primitivo y el grito contracultural está en los dos primeros discos, que fueron editados juntos en CD, hace 10 años, aunque las grabaciones originales datan de 1971 y 1972.

La fórmula de Faust en estas dos grabaciones está basada en la impulsión y erupción de ideas musicales, reunidas casi sin pensar, además de experimentaciones extremas con montajes, tratamientos especiales y trucos que hacían con las cintas grabadas, también son notables las manipulaciones electrónicas, todo dentro de estructuras musicales de las más diversas procedencias, de modo que el conjunto de ambos álbums resulta alucinante y tortuoso, para nada accesible al primer contacto auditivo y esto puede ser un reto o un obstáculo, de acuerdo a la mentalidad del escucha.

Si has seguido a los grupo de la invasión bárbara germánica, este disco es imprescindible en tu colección y si no conoces a Faust, no hay más que pensar, esta edición es la mejor puerta de entrada al mundo desquiciado y alucinante de una banda alemana de ¿rock? de principios de los setentas, un momento histórico fundamental en la historia del género musical más universal del siglo pasado.

Aquí se descarga el disco.