CANCIONES FAVORITAS. Supón.

"Supón"

Autor e Intérprete: Silvio Rodríguez

1987

 

En 1982 en el disco "Coco loco" de Diego Verdaguer apareció esta canción extraordinaria que no parecía escrita por él, ni por Amanda Miguel, ni Graciela Carballo, habituales compositores de todo lo que Diego cantaba y grababa, la pieza no mencionaba al autor y sólo registraba que era una adaptación de Verdaguer y Anahí, al tiempo se supo que el autor era Silvio Rodríguez y no había aparecido grabada antes, fué hasta 1987 cuando en Chile se publicó la antología de Silvio llamada "Memorias" y allí estaba la pieza grabada por el ignorado compositor.

Verdaguer nunca aclaró las razones por las que no dió el crédito debido a Rodríguez,  pero como era más conocido Diego, mucha gente se hizo seguidora de esta canción creyendo que era la obra maestra del argentino o un momento increíble de lucidez, es justo aunque sea treinta años después, otorgar honor a quien honor merece.

"Supón" o la "Canción del torpe" tiene la misma idea de "Tratado de impaciencia" de Joaquín Sabina, grabada en "Inventario" de 1978, en ambas se narra una historia imaginaria, de esas que nos inventamos todos cuando una persona nos atrae mucho y no sabemos que hacer más que imaginar una situación perfecta donde vamos a tener el final más feliz posible.

Una pieza poco conocida y muy difícil de conseguir en grabaciones físicas como las que queremos los desfasados, las imágenes que sugiere Silvio son bellas y entrañables, cosas de la vida real que nos hacen olvidar el extraño mundo en el que vivimos, por decir lo más amable. 

 

SUPÓN.
 
Supón que en un trabajo productivo
te encuentro en tu pañuelo singular
y luego de ese instante decisivo,
supón que no te dejo de mirar.

Supón que tanto tu fulgor persigo
que aplasto un surco y tengo mi sermón,
que corto un fruto tierno, que me olvido
de mi sombrero bienhechor
y no reparo en el calor
de la hora en que se prende el sol
supón que agua al fin te pido
y supón que ya eres mi canción.

Supón que me presento como amigo,
que te pregunto nombre y profesión,
que miro al suelo y digo que ha llovido
u otro comentario sin razón.

Supón que me has mirado comprensiva
pero no tienes nada que agregar.
Supón que entonces hablo de la vida
como queriendo aparentar
que tengo mucho que contar,
que soy un tipo original.
Supón que ríes divertida
y supón que ya eres mi canción.

Supón que hay una tarde para el cine
y que he llegado una hora después,
porque la ruta extraña en la que vine
no era para acá, sino al revés.

Supón que la pantalla te ilumina,
que rompe y que sujeta tu perfil.
Supón tu mano un ave recogida,
y un cazador, sin más fusil
que un dedo tímido, va a abrir
el sí o el no del porvenir.
Supón que no eres sorprendida
y supón que ya eres mi canción.

Supón que la fortuna es nuestra amiga
y que de tres a cinco puede ser.
Tu padre parte, fumo yo en la esquina:
la puerta, contraseña y tú, mujer.

Supón que entro y que nos abrazamos.
Supón que todo está por agotar:
es la primera vez que nos amamos.
Pero supón que hablo sin parar,
supón que el tiempo viene y va,
supón que sigo viriginal.
Supón que no nos desnudamos
y supón que ya eres mi canción.

CANCIONES FAVORITAS. Dance me to the end of love.

"Dance me to the end of love"

Autor e intérprete: Leonard Cohen

1985

Recordar esta bella canción es recordar a Leonard Cohen, el poeta, cantante, compositor de canciones y novelista que acaba de fallecer a los 82 años, Cohen junto con Joni Mitchell y Neil Young fueron parte de la vida de muchos y muchas que crecimos en los años setenta con el Rock de compañía, de entre todos los que hacían canciones y con el tiempo, supimos que los tres canadienses se cocían aparte junto con unos pocos letristas excepcionales de la Unión Americana: Dylan, Patti Smit, Lou Reed, Laurie Anderson y algún otro que no recuerde ahora.

Cohen llegó tarde a la música, en 1967 a los 33 años con su primero y clásico disco "Songs of Leonard Cohen", cuando ya había publicado sus poemas desde 1954, es decir que su primera vocación era la poesía y la literatura en general, la música lo proyectó y lo hizo famoso, así sus textos fueron conocidos por quienes no lo leían pero si escuchaban sus canciones, desde entonces y hasta la actualidad Cohen no dejó de escribir y hacer canciones, su disco póstumo fue hacho como una despedida, tal como Bowie en este mismo año.

Esta canción es de 1985, con ella iniciaba "Various positions", y es una de mis favoritas, poesía y canción amorosa impecable y bella, el amor desde un momento de baile con imágenes conmovedoras y bellas, como si el mundo en el que vivimos fuera bello, emicionante y lleno de amor, la fantasía que muchos soñamos y que lo más probable es que no veremos.  

"BAILA CONMIGO, HASTA QUE EL AMOR TERMINE".

Baila conmigo hasta tu belleza con un violín ardiente
Baila conmingo a través del pánico hasta que esté seguro
Elévame como a una rama de olivo y sé la paloma que me lleve a casa.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta que el amor termine.

Oh, déjame ver tu belleza cuando los espectadores se hayan ido.
Déjame sentirte moviéndote como lo hacían en Babilonia.
Muéstrame lentamente los únicos límites que conozco.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta que el amor termine.

Baila conmigo hasta la boda, ahora, baila y baila.
Baila conmigo tiérnamente, un tiempo interminable.
Ambos estamos bajo nuestro amor, los dos arriba
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta que el amor termine.
 
Baila conmigo por los niños que preguntan si pueden nacer
Baila conmigo entre las cortinas que nuestros besos han gastado.
Levanta una carpa protectora ahora, aunque cada hilo esté roto.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta que el amor termine.

Baila conmigo hasta tu belleza con un violín ardiente
Baila conmingo a través del pánico hasta que esté seguro
Tócame con tu mano desnuda o hazlo con tu guante
Baila conmigo hasta el fin del amor
Baila conmigo hasta que el amor termine. 
Baila conmigo hasta el fin del amor.





"DANCE ME TO THE END OF LOVE"

Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Lift me like an olive branch and be my homeward dove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.

Oh let me see your beauty when the witnesses are gone
Let me feel you moving like they do in Babylon
Show me slowly what I only know the limits of
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.
 
Dance me to the wedding now, dance me on and on
Dance me very tenderly and dance me very long
We're both of us beneath our love, we're both of us above
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.
 
Dance me to the children who are asking to be born
Dance me through the curtains that our kisses have outworn
Raise a tent of shelter now, though every thread is torn
Dance me to the end of love.
 
Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic till I'm gathered safely in
Touch me with your naked hand or touch me with your glove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love 

DISCOS FAVORITOS. Tempest.

BOB DYLAN

"Tempest"

2012

Si escuchaste "Love and Theft" de 2001, esa joya discográfica del premio Nobel de este año y te quedaste con las ganas de escucharlo eternamente, en 2006 vino "Modern times" otra fina obra de orfebrería musical y teníamos a un Dylan una vez más resucitado, reciclado y reinventándose de nuevo, esos dos discos deliciosos de un Bob Dylan nadando como pez en el agua, con los géneros que le encantan y conoce como su vida: Blues, Country y Folk con sus inevitables aires roqueros fueron el antecedente del que vamos a comentar hoy.

Fue grabado en los estudios Groove Master en California para su sello eterno Columbia con su banda de gira en los últimos tiempos y David Hidalgo de Los Lobos quien tocó guitarra, acordeón y tres, la guitarrita cubana que le gustó a Dylan para incluirla en las grabaciones, no vendió tanto como sus discos de 2009 pero tuvo una recepción favorable de la crítica que consideró a "Tempest" como uno más de sus grandes trabajos junto a otros consagrados de su carrera, las letras de las canciones tienen como característica la oscuridad entre sus acostumbrados textos siempre impactantes.

DISCOS FAVORITOS. Songs for Drella.

LOU REED Y JOHN CALE

"Songs for Drella"

1990

Hace tres años falleció Lou Reed, su inesperada muerte después de una cirugía cuando tenía 71 años de edad dejó al mundo del Rock huérfano de uno de sus padres, el artículo sobre su disco dedicado a Warhol tras su fallecimiento junto con John Cale es un recuerdo del tercer aniversario de su partida.

 

Desde 1972 Lou Reed y John Cale no habían hecho ningún trabajo juntos, contando de la separación de Velvet Underground y que cada uno tomara rumbos distintos, en 1987 falleció Andy Warhol y los reunió este acontecimiento, la muerte de su mentor de juventud inspiró la idea de homenajear o reconocer o lo que sea al personaje extraño y fascinante al que debían tanto.

El disco es uno de esos llamados "conceptuales" porque narran una historia y todas las piezas están comunicadas por el mismo asunto, personaje o biografía, la nueva colaboración de los dos ex Velvet mezcló los talentos de ambos extrañados durante muchos años y compusieron quince canciones que hablan de Warhol desde distintas perspectivas y visiones de quienes lo conocieron muy bien a él y a otros personajes del entorno del artista.

El título "Songs for Drella" es lo mismo que "Canciones para Andy Warhol" porque Drella es un sobrenombre de Andy conocido por la gente cercana a él, es una combinación de Drácula y Cinderella (Cenicienta) de modo que si uno no sabe eso jamás se imagina que es un disco dedicado a Warhol, antes de grabar las piezas se presentaron en distintos foros en 1989, Reed tocó guitarra y cantó, Cale tocó teclados, viola y también cantó, no hay arreglos complejos y creativos al estilo de Cale sino el sonido crudo y directo de Lou, después de la grabación del álbum Cale juró no volver a trabajar con Reed, una vez más había desacuerdos y incompatibilidades entre los dos geniales artistas, nada fuera de lo normal.

La lista completa de las canciones es:

1. Small Town: 2:04
2. Open House: 4:18
3. Style It Takes: 2:54
4. Work: 2:38
5. Trouble with Classicists: 3:42
6. Starlight: 3:28
7. Faces and Names: 4:12
8. Images: 3:31
9. Slip Away (A Warning): 3:05
10. It Wasn't Me: 3:30
11. I Believe: 3:18
12. Nobody But You: 3:46
13. A Dream"- 6:33
14. Forever Changed: 4:52
15. Hello It's Me: 3:13

CANCIONES CONTRA EL SILENCIO. Mondo in MI 7a.

MONDO IN MI 7a

Autores: Celentano, Mogol, Beretta, Del Prete y Mariano

Intérprete: Adriano Celentano

 

La canción que compuso Adriano Celentano sobre la letra de Mogol, Beretta y Del Prete, se llama "Mundo en Mi séptima" porque tiene un solo acorde que con el arreglo de Detto Mariano se convirtió en un gran éxito del año 1966, tiene esa simpleza que por alguna razón resulta una obra inmortal.

La principal virtud de la canción está en el texto que seguramente en la época era una canción de protesta, una de esas que denuncian, reclaman y claman un cambio, con su debido ingrediente de esperanza y solidaridad amorosa.

Tiene el espíritu revolucionario y "jipioso", pide un cambio que no sea violento, logrado con la unión, la comprensión, la apertura mental y el amor, es decir con otro tipo de seres humanos sin desonestidad, hipocresía, violencia, abuso, desigualdad, engaño, egoísmo y odio.

En ese año fue uno de los grandes éxitos mundiales, atrevida, revolucionaria, claridosa y con una forma muy contagiosa de decir algo e infalible para llegar a los oídos, las mentes y los corazones, a la fecha sigue siendo parte del soundtrack de la vida de muchos que en los sesenta ya estábamos mínimo en la adolescencia, en México la conocimos como "Cambiemos el mundo" que es lo que se dice en la parte final, es una canción libertaria por todos lados aunque no mencione a la necesaria condición.

MUNDO EN MI SÉPTIMA.*

Tomo el periódico y leo que
no hay personas honestas en el mundo
¿Por qué el mundo es tan malo?
Sí, hemos sido nosotros los que han arruinado
esta obra maestra suspendida en el cielo
en el cielo, en el cielo.
Ay, ay, ay, ay…

Leo que en la Tierra
siempre hay una guerra,
pero, por suerte,
estamos a punto de llegar a la Luna
mientras aquí hay hambre,
¡hay hambre!
Ay, ay, ay, ay…

Cada bomba atómica es una bola
y los bolos son la humanidad,
el capricho de un cabezón
y el mundo va a saltar por los aires.

Se roba los lunes,
se mata los demás días
mira, ¡qué sociedad!
hipocresía
aquí y allí,
muy mal.

No existe moral,
hay un complejo para todos,
un problema de sexo
y las personas serias
que no cuentan mentiras
las mandaron de vacaciones.

Esta tierra es el monopolio
de las ideas equivocadas
aquí se premian las películas
en las que hay un muerto de más.

Se devoran las novelas
con pistas a plazos
incluso hay corrupción
en el deporte.

No, chicos,
no os pongáis tan tristes
¿Pequeñito, por qué lloras así?
Pues estaríamos jodidos
si realmente en el mundo
ocurrieran todas estas cosas.
Además, vosotros también lo sabéis, ¿verdad?
A veces los periódicos
exageran un poco.
Mirad lo que escriben sobre mí.
Además, si vamos a ver
este periódico
quién sabe cuántos años tiene…
A ver, ahora quiero ver la fecha.
¡Es de hoy!

Y si nosotros, todos juntos
nos uniremos en un clan,
este mundo cambiará
si nosotros echaremos
una mano a quien más lo necesite,
habrá sólo amor,
sólo amor,
habrá sólo amor.
Ay, ay, ay, ay...




MONDO IN MI 7a.

Prendo il giornale e leggo che
di giusti al mondo non ce n'è.
Come mai il mondo è così brutto?
Sì! Siamo stati noi a rovinare
questo capolavoro sospeso nel cielo,
nel cielo, nel cielo
Ahi, ahi, ahi, ahi…

Leggo che sulla Terra
sempre c'è una guerra,
ma però, per fortuna,
stiamo arrivando sulla luna
mentre qui c'è la fame,
c'è la fame!
Ahi ahi ahi ahi…

Ogni atomica è una boccia
e i birilli son l'umanità,
il capriccio di un capoccia
ed il mondo in aria salterà

Si rapina il lunedì,
ci si ammazza gli altri dì,
guarda un po' che società!
Ipocrisia,
qua e là,
non va!

Non esiste morale,
c'è per tutti un complesso,
un problema del sesso
e le persone serie
che non raccontano le storie
le hanno spedite in ferie!

Questa terra è il monopolio
delle idee sbagliate,
qui si premiano quei film
dove c'è un morto in più.

Si divorano i romanzi
con l'indizio a rate,
c'è persino corruzione
dove c'è lo sport.

No ragazzi,
ma non rattristatevi così.
Piccolo, perché piangi così?
Eh, allora staremmo freschi
se veramente nel mondo
succedessero tutte queste cose.
Eh, e poi, lo sapete anche voi, no?
i giornali qualche volta
esagerano sempre un po'.
Guardate quello che scrivono su di me.
E poi se andiamo a vedere
questo giornale
chissà di quanti anni è...
Anzi, adesso voglio proprio vedere la data.
E' di oggi!

E se noi, tutti insieme
in un clan, ci uniremo,
cambierà questo mondo
se noi daremo
una mano a chi ha più bisogno,
ci sarà solo amore,
solo amore,
ci sarà solo amore...
Ahi, ahi, ahi, ahi...

*Letra traducida por Sara Tomio


 

BOB DYLAN Y LA POLÉMICA. El Nobel y Dylan.

BOB DYLAN Y EL PREMIO NOBEL

La Academia sueca que otorga los premios Nobel cada año, rompió sus procedimientos y criterios habituales al conceder el de literatura de este año a Bob Dylan, el hecho provocó la mayor polémica de la historia de los premios, escritores y pesonajes públicos de todo el mundo se han alineado en dos bloques que elogian o repudian la decisión y mientras tanto el premiado no ha respondido a las llamadas de la academia, no se ha manifestado en las redes y no ha hecho ningún comentario al respecto.

Nadie sabe si Dylan va a aceptar o rechazar el premio, lo común es que los escritores premiados se muestren radiantes y agradezcan el premio, hagan declaraciones y disfruten su año de fama,  también hay casos de escritores premiados que rechazaron el premio: Jean-Paul Sartre quien en 1964 rechazó el premio por sus convicciones "siempre he rechazado condecoraciones oficiales" fue su explicación y Boris Pasternak quien en 1958 también rechazó el premio, en su caso se dice que el gobierno de la URSS no le permitió aceptarlo, pero por decisión del gobierno o personal era más o menos el mismo caso, no aceptar una condecoración oficial.

Pero nunca un escritor premiado había ignorado la premiación sin aceptarlo ni rechazarlo, siguiendo su vida como si no se hubiera enterado o no sea de su interés el hecho, parece que como decimos en México a Dylan el premio Nobel que le concedieron "le vale madre", pero esto no es nuevo en Mr, Zimmerman, siempre ha ignorado los elogios y las críticas, la aceptación o el rechazo, los episodios más famosos son estos.

En Julio de 1965, Dylan se presentó en el Festival de Newport, el festival especializado en música folk que además estaba coloreada por las ideas revolucionarias y el activismo político, Bob era la estrella brillante que tenía cautivado al público de esta orientación y acudían al concierto para ver a la superestrella del purismo y el folk además las nuevas revelaciones de su joven profeta, Dylan hizo su primera demostración de independencia de todos y de todo al presentarse con guitarra eléctrica y una banda de Rock, el público enfureció e hizo que Dylan abandonara el escenario después de tres canciones, no comentó nada y entró de lleno al rock eléctrico con la venia o sin ella de sus seguidores o de quien fuera.

Después de su trío de grandes discos roqueros: "Bringing it all back home", "Highway 61 revisited" y "Blonde on blonde" Dylan estuvo retirado y al regresar hizo tres discos entre  1967 y 1970 (John Wesley Hardin, Nashville Skyline y Self portrait), eran el nuevo capricho de Bob, ahora quería hacer discos de música country y sin letras políticas, ni filosóficas ni nada de lo habitual, una vez más llevaba la contra a los críticos, al público y a sus seguidores que ya habían vuelto a aceptarlo, la reacción fue de rechazo al nuevo Dylan "vendido a las disqueras, aburguesado" y otras acusaciones que una vez más le valieron madre a Bob, nunca entendió que tuviera que hacer o decir algo para agradecer o ejercer su derecho a réplica.

Pasaron los años y ofreció una sorpresa más, anunció su conversión al catolicismo e hizo canciones cristianas, dedicadas a Dios y a Cristo, el nuevo modo de hacer discos de Dylan "Slow train coming" inició la nueva herejía para despertar a sus fans, a pesar del excelente disco con Mark Knopfler en la guitarra, volvió a ser criticado y repudiado y para demostrar que una vez más le importaba un bledo lo que dijera el mundo, completó la trilogía cristiana-católica con "Saved" y "Shot of love" con portadas inequívocas y letras que han de haber entusiasmado a más de un proselitista cristiano de los que el mundo esta poblado.

Esta es la historia repetida de Dylan el defensor celoso de su libertad e independencia, sin aceptar nunca lo que debe pensar, decir o escribir, ignorando si están al pendiente de él rechazándolo o aceptándolo, queriéndolo o odiándolo, pues eso es problema de cada individuo pero no de él, supongo que piensa que cada quien debe ocuparse de su propia vida y dejar vivir la suya a los demás, él da el ejemplo hasta en sus presentaciones, toca lo que planeó tocar, no se dirige al público, no toca nada que le pidan, no saluda ni agradece y no se despide, en resumen hasta en esos momentos hace lo que le viene en gana con permiso o sin él.

 

Canciones favoritas. Visions of Johanna.

"Visions of Johanna"

Autor e Intérprete: Bob Dylan

1966

En el extraordinario año de 1966 para el Rock, aparecieron muchos discos que habrían de ser clásicos, obras maestras y cátedras para las generaciones que llegaron después, en "Blonde on blonde" de Bob Dylan experto en dar sorpresas y hacer lo que menos se espera de él, presentó varias piezas geniales que marcaron la historia, una de ellas es "Visions of Johanna", reconocida universalmente por su texto de infinita finura y genialidad.

Visions of Johanna ha sido considerada por muchos críticos como una de las canciones más importantes de la historia, con un lenguaje deslumbrante en el que las palabras y las imágenes van y vienen, se transforman y adquieren diversos significados, Dylan la trabajó de muy diversas formas hasta estar satisfecho: cambió versos, corrigió frases, cambió de nombre, la grabó varias veces y las presentó en vivo, pidió a sus músicos mil y uno cambios y al final apareció en "Blonde on Blonde", parte de la gran trilogía de obras maestras de los años 65 y 66.

VISIONES DE JOHANNA.

¿No es propio de la noche confundirte cuando tratas de evitarlo?  
Estamos equivocados, aunque nos esforcemos por negarlo  
Y Louise sostiene un puñado de lluvia, tentándote para desafiarlo  
Las luces parpadean en el loft de enfrente
En esta habitación la calefacción tose
La emisora de country suena suave
Pero no hay nada de nada que apagar
Sólo Louise y su amante entrelazados
Y estas visiones de Johanna que me asedian.
 
En el solar donde las damas juegan a la gallina ciega con el llavero
Y las noctámbulas murmuran escapadas en el tren “D”
Podemos oír al sereno encender su linterna,
Preguntarse si es él o son ellas quien está loco
Louise está bien, tan sólo cerca
Es delicada y se parece al espejo
Pero deja perfectamente claro
Que Johanna no está aquí.

El fantasma de la electricidad aúlla en sus huesos faciales
Donde estas visiones de Johanna ya ocupan mi lugar
El niñito extraviado se toma tan en serio
Se jacta de su desgracia, le gusta vivir al límite
Y cuando menciona el nombre de ella
Menciona un beso de adiós
Tiene arrestos ser tan inútil
Soltar nimiedades cuando estoy en el salón
¿Cómo lo explico?
Oh, es tan difícil seguir
Y estas visiones de Johanna, me desvelaron hasta el alba.
 
Dentro de los museos, el Infinito va a juicio
Las voces repiten que a la postre así debería salvarse
Pero Mona Lisa debe haber sentido nostalgia de autopista
Se ve por el modo en que sonríe
Mira cómo se congela ese alhelí ancestral
Cuando las mujeres de rostro gelatinoso estornudan
Escucha a la bigotuda, “Jesús,
no puedo encontrar mis rodillas”
Oh, joyas y anteojos cuelgan de la cabeza de la mula
Pero estas visiones de Johanna, hacen que todo parezca tan cruel.
 
El vendedor ambulante le habla a la condesa que finge preocuparse
Diciendo, “Nombra a alguien que no sea un parásito y saldré y rezaré por él”
Pero como Louise suele decir
“No puedes abarcar mucho, ¿verdad, tío?”
Y ella misma se prepara para él
Y Madonna sigue sin aparecer
Vemos que la jaula vacía se oxida
Donde su capa teatral ondeaba
El violinista se pone en camino
Escribe que se devolvió lo debido
En la parte trasera del camión de pescado que carga
Mientras mi conciencia estalla
Las armónicas tocan las llaves maestras y la lluvia
Y estas visiones de Johanna son lo único que queda.

 

Traducción tomada de "Songstraducidas"  http://www.songstraducidas.com/letratraducida-Visions_of_Johanna_20473.htm

VISIONS OF JOHANNA.

Ain't it just like the night to play tricks when you're tryin' to be so quiet?
We sit here stranded, though we're all doin' our best to deny it
And Louise holds a handful of rain, temptin' you to defy it
Lights flicker from the opposite loft
In this room the heat pipes just cough
The country music station plays soft
But there's nothing, really nothing to turn off
Just Louise and her lover so entwined
And these visions of Johanna that conquer my mind.
 
In the empty lot where the ladies play blindman's bluff with the key chain
And the all-night girls they whisper of escapades out on the "D" train
We can hear the night watchman click his flashlight
Ask himself if it's him or them that's really insane
Louise, she's all right, she's just near
She's delicate and seems like the mirror
But she just makes it all too concise and too clear
That Johanna's not here.

The ghost of 'lectricity howls in the bones of her face
Where these visions of Johanna have now taken my place
Now, little boy lost, he takes himself so seriously
He brags of his misery, he likes to live dangerously
And when bringing her name up
He speaks of a farewell kiss to me
He's sure got a lotta gall to be so useless and all
Muttering small talk at the wall while I'm in the hall
How can I explain?
Oh, it's so hard to get on
And these visions of Johanna, they kept me up past the dawn.
 
Inside the museums, Infinity goes up on trial
Voices echo this is what salvation must be like after a while
But Mona Lisa musta had the highway blues
You can tell by the way she smiles
See the primitive wallflower freeze
When the jelly-faced women all sneeze
Hear the one with the mustache say, "Jeeze
I can't find my knees"
Oh, jewels and binoculars hang from the head of the mule
But these visions of Johanna, they make it all seem so cruel.
 
The peddler now speaks to the countess who's pretending to care for him
Sayin', "Name me someone that's not a parasite and I'll go out and say a prayer for him"
But like Louise always says
"Ya can't look at much, can ya man?"
As she, herself, prepares for him
And Madonna, she still has not showed
We see this empty cage now corrode
Where her cape of the stage once had flowed
The fiddler, he now steps to the road
He writes ev'rything's been returned which was owed
On the back of the fish truck that loads
While my conscience explodes
The harmonicas play the skeleton keys and the rain
And these visions of Johanna are now all that remain 

LOS DISCOS DE 1974. Rock'n Roll Animal.

 LOU REED

"Rock'n Roll Animal"

1974

En 1973 Lou Reed publicó "Berlin", su aclamado y reverenciado tercer disco en estudio como solista después de la etapa de Velvet Underground, era un momento de alza en la carrera de Reed tan llena de altibajos, en una especie de consolidación de esa coyuntura, Lou grabó y editó este disco que fue muy bienvenido en buena parte del mundo con extraordinarias ventas, la única crítica que se repitió en distintas latitudes fue que el disco contenía muy pocas piezas.

Parece que ya estaban pasando de moda las piezas de más de diez minutos y "Heroin" era de más de trece, junto con "Rock 'n' Roll" de casi diez, pero la recompensa era todas piezas de Velvet, otras dos del "Berlin" fueron incluidas en la versión remasterizada todas las piezas muy luridianas, e interpretadas de forma que las actualizaban y las hacían "nuevas".

 

En la portada aparece un Reed con un look no muy usual entre el glam y el dark que ya se aproximaba, el disco después de sus grandes ventas de mediados de los setenta, ha tenido una revalorización de la trayectoria de Reed ya santificado después de su muerte hace tres años.

LOS DISCOS DE 1969. Kick out the jams.

 MC5

"Kick out the jams" 

1969

"Kick out the jams" de la banda de Detroit "Motor City Five" mejor conocida por su nombre abreviado MC5, es tal vez el único caso en el que el disco debut de una banda es un en vivo, comenzaron a tocar en 1964 y ya eran muy conocidos por sus presentaciones explosivas, agresivas e irreverentes cuando grabaron este disco de sus conciertos en el Grande Ballroom de su ciudad natal.

El sonido rockhardiano y con mucho de anticipo del punk, hizo de esta banda "gringa" un acontecimiento con tres únicas grabaciones suficientes para aparecer como una banda trascendente en el panorama y la historia del Rock, la pieza que dió nombre al disco primero, es también su mayor éxito y la que aparece en las recopilaciones de la época, las listas de mejores canciones y reconocimientos a las mejores bandas, el título que se traduce más o menos como "patea el enjambre" o "alborota al avispero" es también una declaración de principios juveniles y revolucionarios.

 

 

LOS DISCOS DE 1969. Bless its pointed little head.

JEFFERSON AIRPLANE

"Bless its pointed little head"

1969

Primera grabación en vivo de Jefferson Airplane registrada en el Otoño de 1968 y lanzada al mercado en 1969, las actuaciones grabadas se llevaron a cabo en ambos Filmore, los famosos templos del Rock en esos años, la grabación tiene un aura que la hace objeto de culto, recoge el espíritu hipiosicodélico posterior al gran Festival de Woodstock y es un documento histórico para quien quiera conocer a uno de los grandes iconos del Rock ácido.

La gran novedad del disco es la duración de varias piezas que se extienden por muchos minutos como en el Jazz, los arreglos vocales e instrumentales resultan más complejos que los aparecidos en los álbums donde se grabaron originalmente y hay varias piezas que nunca habían sido registradas en estudio.

Marty Balin: voz, bajo en "Fat Angel"
Jack Casady– bajo, guitarra rítmica en "Fat Angel"
Spencer Dryden– batería, percusión
Paul Kantner– voz, guitarra rítmica, segunda líder guitarra líder en "Fat Angel"
Jorma Kaukonen–  guitarra líder, voz
Grace Slick– voz

DISCOS DE 1971. Moving waves.

FOCUS

"Moving Waves"

1971

Focus era una banda holandesa encasillada en el Rock Progresivo y también identificada con las bandas alemanas, Thijs Van Leer fue siempre su figura más visible, fundó el grupo en 1969 con Jan Akkerman su pareja en la composición de la música que los hizo conocidos en todo el mundo.

El famoso "Moving Waves" su segundo disco, es una de sus grandes obras, ya reconocida como pieza maestra y clásica del Rock Progresivo, la característica distintiva de Focus fue siempre que sus discos eran casi totalmente instrumentales con influencia muy marcada de la música sinfónica, no es gratuito que los integrantes de la banda eran músicos con formación "clásica", a diferencia de su primera grabación, "Moving... o "Focus II" como también es conocida, presentó a una banda madura, con su rumbo muy claro, una calidad sobresaliente y una fusión fina y equilibrada de Rock, Música Sinfónica e incluso Jazz, pues resulta que Pierre van der Linden era un músico muy influido por el Jazz.

"Hocus Pocus" la pieza con la que abre el disco se convirtió en el primero y más importante éxito de Focus, la vocalización de estilo tirolés que incluyó  Thijs Van Leer fue del todo inusual en el Rock e hizo que la audición de la obra empezara dirigiendo a los escuchas a una sorpresa tras otra, de modo que rockers, degustadores de la música "culta", vanguardistas y jazzistas se sintieron atraídos por un disco de esta naturaleza que aglutinaba a públicos muy variados. 

 

DISCOS DE 1978. Darkness on the edge of town.

BRUCE SPRINGSTEEN

"Darkness on the Edge of Town"

1978 

"Born to run" de 1975 es un hito en la carrrera de Springsteen, con el se definió el sonido y el espíritu de Bruce y su banda que son inseparables y ninguno está supeditado al otro, es uno de los grandes discos de los setenta y obra cumbre de la carrera del "Jefe" y como si fuera señalamiento a propósito para un descanso un cambio de época o cualquier otro acontecimiento, marcó un período de inactividad discográfica que se prolongó por tres años.

Y fue hasta 1978 cuando apareció el siguiente disco de Bruce y la E Street Band, después de superar una serie de problemas legales, "Darkness on the edge of town" se convirtió en el cuarto disco de estudio de la banda y antecedió a otra obra emblemática "The River", se grabó entre octubre de 1977 y marzo de 1978 y no le fue mal frente a la crítica que lo recibió como una obra del nivel de su antecesor y el agregado de letras más maduras.

Como de costumbre, las historias de las canciones escarban en la naturaleza humana y los individuos en diversas circunstancias afortunadas o desgraciadas, el título del disco es de alguna forma un núcleo aglutinador, en muchos momentos del disco aparecen los ambientes oscuros y desafortunados, la oscuridad es un tema central, en cuestión de ventas, el disco llegó hasta el quinto lugar en listas norteamericanas y desimosexto en el mercado británico.

LOS DISCOS DE 1972. Foghat.

FOGHAT

"Foghat"

1972

Después de la desaparición de Savoy Brown esta banda británica que tenía un sonido muy americano y tenía más éxito en la Unión Americana que en la isla, tres de sus integrantes: Dave Peverett, Tone Stevens y Roger Earl se asociaron con Rod Price y armaron la banda Foghat, que tuvo tanto o más impacto que Savoy, con las mismas orientaciones, Blues, Hard Rock y Boogie, su primer disco tiene el nombre de la banda y apareció en 1972.

Dave Peverett a quien le gustaban los apodos de bluesman se autobautizó como "Lonsome" Dave asumió el liderato de la nueva agrupación, ya libre de la hegemonía de Kim Simmonds y se  reveló como el compositor principal y el vocalista, su primer álbum anunció ya la extraordinaria carrera que dibujó esta banda británica con el alma americana, después vendrían otros tres discos en crecimiento cada vez mayor, esta primera probada no tiene objeción y no le estorba a nadie en su discoteca.

La lista de canciones y autores a continuación:

 

"I Just Want to Make Love to You" (Willie Dixon) - 4:21
"Trouble Trouble" (Dave Peverett) - 3:20
"Leavin' Again (Again!)" (Peverett, Tony Stevens) - 3:36
"Fool's Hall of Fame" (Peverett) - 2:58
"Sara Lee" (Peverett, Rod Price) - 4:36
"Highway (Killing Me)" (Peverett, Price) - 3:51
"Maybellene" - 3:33 (Chuck Berry)
"A Hole to Hide In" (Peverett, Price, Roger Earl) - 4:06
"Gotta Get to Know You" (Deadric Malone, Andre Williams) - 7:44

LOS DISCOS DE 1971. Waters of change.

BEGGARS OPERA

"Waters of change"

1971

La continuación de "Act One" de Beggars Opera se dió a conocer en 1971, la banda que iba y venía de la sicodelia al progresivo y al folk, mostró una serie de cambios en la construcción y armonización de las piezas impulsados por el trabajo principal de Ricky Gardiner y su esposa Virginia Scott, Gardiner con sus habilidades guitarrísticas y Scott con su trabajo en los teclados, su aportación a las letras y su voz.

Parece que esa incorporación de Scott es la que produjo el viraje que hizo diferente "Waters of change", segundo álbum de la banda de su debut, para muchos críticos es su obra cumbre, si en "Act One" el tono dominante es la música sinfónica traducida a un lenguaje roquero, en "Waters... la personalidad de los creadores le dan a la banda escocesa un sello propio, el equilibrio entre las participaciones de cada instrumento es fundamental y los distintos pasajes entre la música de corte sinfónico y el Rock se alternan de forma muy interesante como entre "Lament" y "I've not idea".

Para cuando llega "Nimbus" hay un recuerdo de las raíces folk del grupo y también es instrumental como Lament, entrar en un remanso como un respiro para prepararse al momento festivo con "Festival" que combina sin error el folclor, el rock y los nuevos sonidos del progreso.

Las cuatro piezas con las que termina el disco son las que tienen participación de Virginia Scott y las que dan el sello nuevo a la banda, hay otros sonidos y referencias, lugares y épocas reunidos en la obra, el disco no hizo ruido en su momento, no logró destacar en el oceáno de musica nueva y revolucionaria que aparecía todos los días, las décadas han dado a la banda y a su obra una dimensión estética e histórica diferentes, un álbum más que interesante para recuperar o conocer.

 

JAZZ. Quiet nights.

MILES DAVIS

"Quiet nights" 

1963

Miles Davis no era muy afecto a grabar discos con orquesta, su formato favorito en las primeras décadas de su carrera eran los cuartetos y quintetos y ya en los setenta amplió sus agrupaciones al añadir guitarras eléctricas, teclados y órganos eléctricos,  y el único arreglista y director de orquesta con el que Davis trabajó fue Gil Evans a quien admiraba y quería, después de la muerte de Evans, Miles ideó hacer presentaciones con la música que había escrito Gil para las grabaciones de ambos, no fue fácil recuperar las partituras y muchas fueron reescritas escuchando las grabaciones.

Cuando Miles volvió a ver las partituras se emocionó y dijo algo así como "nadie volverá a hacer música tan hermosa", con Gil Evans registró cuatro discos: "Miles Ahead", "Porgy And Bess", "Sketches Of Spain" y "Quiet nights", su última asociación fue una especie de "Sketches of Spain" en su segunda parte porque esa bellísima música española llevada al Jazz por los dos genios tuvó un impacto extraordinario en el Jazz y en la música de todo el mundo.

Por el año referido, la música brasileña tenía repercusión mundial y el disco de Stan Getz con música amazónica era un gran acontecimiento, a los directores de Columbia les interesaba explotar esa veta y propusieron a Miles y Gil hacer un disco con música brasileña, en cuatro sesiones de grabación registraron cinco piezas, dos de autores brasileños, otras dos escritas por ambos gigantes con el espíritu de la música sudamericana y una más que ya era un standard consagrado.

Nunca más volvieron a reunirse y al editar lo grabado no había suficiente material para lanzar un L.P. así que completaron el disco con piezas grabadas con anterioridad para distintos fines y así se dió a conocer el disco, en las ediciones de CD, ha sido enriquecido con piezas extra que conviene conseguir y no son para nada desperdicio.