HOMENAJE A LOU REED. Transformer.

LOU REED.

"Transformer".

1972.

Hace unos días murió Lou Reed, y para recordarlo, reciclamos este artículo escrito en Enero del año pasado.

Luego de abandonar a la banda que lo hizo conocido, la que había moldeado y hecho crecer a su entero gusto, para que a la hora del debut discográfico Warhol le impusiera a Nico, Lou Reed, dejó New York, que también lo tenía decepcionado y le traía malos recuerdos para trasladarse a Londres, e intentar desde allá relanzar su carrera y redefinir su camino.

En el Reino Unido grabó el primer disco a su nombre con canciones sobrantes que no tuvieron cabida en los discos del Velvet, ni siquiera tenía una banda fija y a su gusto, el resultado fue poco menos que intrascendente, sin embargo, cuando el panorama era desalentador, apareció un admirador de Lou, que estaba en la cima del éxito, con una racha que parecía inacabable de cuatro discos, extraordinarios, inovadores y además exitosos.

El "alumno" de Reed, era la superestrella del rock inglés, el personaje más notable del espectáculo "glam" que marcaba la vanguardia de la música en esos años tempranos de la década setentera, era David Bowie, quien lo animó a hacer un segundo disco producido por él y su guitarrista inseparable, el que tenía mucho más que ver de lo que la gente creía, en la originalidad del sonido "bowiano", el virtuoso de la guitarra de nombre Mick Ronson.

La pareja Bowie-Ronson sabía muy bien como hacer discos de arte, que además fueran capaces de conquistar a diversos sectores de oyentes y sólo alentaron al talento de Reed para que produjera sus canciones ácidas y decadentes, provocadoras e iconoclastas, extravagantes y crudas, a la habitual austeridad de Lou en la producción, la dotaron de arreglos vocales memorables, entramados sónicos producido por las guitarras y un sax, que hicieron la magia de crear uno de los grandes discos de los setentas, que supo captar el espíritu de la época y se volvió en obra emblemática del "glam", tan controvertido y a la vez tan influyente enla historia del rock.

LOS DISCOS DE 1969. Yes.

YES

"Yes"

1969

La otra gran propuesta del año en el Rock británico, además del debut de Led Zeppelin, fue el también primerizo álbum de Yes, llamado homónimamente y es un disco típico de búsqueda, ya se esboza el que habría de convertirse en uno de los sound más conocidos del Rock y a la vez, hay una mezcla de géneros e influencias bien amalgamadas, pero no definitivas, exploratorias y experimentales.

Ya está presente uno de los sellos característicos de Yes que es la voz de Anderson, pero falta el otro que la hizo una banda inconfundible: el teclado barroco de Wakeman y todavía no llegaba Steve Howe, el guitarrista que también es fundamental en el sonido de la histórica banda.

El sonido de éste primer disco, era sobre todo una mezcla de rock duro y sicodelia, con esos tejidos sónicos que empezaban a ser la característica del Rock progresivo, densos y virtuosos, porque eso sí, aún sin Wakeman y Howe, Yes fue desde el principio una banda de músicos virtuosos, porque la música que hicieron siempre, alejaba a los principiantes e instrumentistas suficientes.

No puede soslayarse la importancia y papel protagónico de Chris Squire con su bajo omnipresente y su apoyo vocal, otro componente indispensable en la música de Yes, por otra parte el repertorio fue integrado con seis composiciones de los miembros de la banda y dos covers, estos últimos, son especialmente interesantes, porque son verdaderas versiones alternas, transformadas radicalmente sin que llegaran a ser irreconocibles, dos canciones bastante sosas en sus versiones originales, transformadas en piezas de gran fuerza y viveza.

Aunque era una propuesta muy novedosa de una banda que prometía mucho, no tuvo el éxito y reconocimiento inmediato, dicen los historiadores que en mucho se debió a que el Zeppelin I, opacó a cualquier otro disco editado en la Gran Bretaña en ese año, pero el tiempo le dió su lugar, como un disco histórico que revolucionó al Rock y uno de los grandes debuts de la historia.

LOS DISCOS DE 1969. Ummagumma.

PINK FLOYD

"Ummagumma"

1969

Fue el primer disco doble de Pink Floyd y también uno de los primeros "mixtos" de la historia (uno de estudio y otro en vivo) y con un espíritu experimental que aún en Pink Floyd, resultó sorprendente: en el disco de estudio hay cuatro suites, composiciones largas con varios "momentos" o actos o movimientos, no sé como se les podría llamar, cada uno compuesto por cada uno de los Pink.

"Sysyphus" de Richard Wright abre ese disco que en realidad es el segundo, y es una pieza experimental donde por supuesto predominan, las partes y los solos de piano y teclados electrónicos y pretende narrar musicalmente el mito de Sísifo.

La segunda parte esta conformada por dos canciones de Roger Waters, la primera muy "folk" y la segunda, la que es considerada la canción con el título más largo de la historia del rock: "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict", que pretende ser un experimento sonoro con imitaciones de formas en que se comunican los animales.

Después viene la que a mí parece la parte más interesante, "The Narrow Way" de Gilmour, dividida en tres movimientos que abordan el blues, la sicodelia y la veta progresiva que los Pink empezaban a explorar, cada vez con más frecuencia.

La conclusión, es "The Grand Vizier's Garden Party" de Nick Mason, con predominio de solos de batería y efectos percusivos, con la intervención de una flauta que se dice la tocó su esposa, y algunos "fondos" a cargo de Wright. La parte en vivo que constituye el primer disco es un concierto grabado en Abril y Mayo de 1969, con piezas de los discos anteriores, pero en versiones muy libres, muy al estilo de los músicos de Jazz, con mucha improvisación.

Quién sabe por qué razones, un álbum doble como éste bastante irregular, que da la sensación de haber sido armado de retazos y con prisa o para cumplir con la disquera, se convirtió en emblemático de la obra "pinkfloidiana", quién sabe por qué es un clásico, pero ese es su status actual y por esa razón, es un imprescindible en cualquier antología del año. 

CANCIONES FAVORITAS. ¡Maldición! va a ser un día hermoso.

¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO

Autor: Carlos Alberto Solari

Intérprete: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Los "Redondos", como son conocidos por sus fieles seguidores para ahorrarse el kilométrico nombre: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, es una de las bandas más importantes de la Argentina, creada en La Plata a mediados de los setentas, por Carlos Alberto Solari, alias "El Indio" y Skay Bellinson, quienes han sido siempre la columna vertebral del grupo, el uno con la voz, el otro con la guitarra.

Dice la historia que provienen de "La Cofradía de la Flor Solar", mítico grupo pionero del rock argentino y que en un principio eran un grupo extenso que hacía "instalaciones" con música, teatro y danza, hasta que en 1978, se conformaron como banda de rock, también corre la leyenda de que en sus primeros conciertos, repartían buñuelos conocidos como "redonditos de ricota" y había una cocinera y  repostera famosa que daba sus recetas en la tele, una "Chepina" que se llama Patricia Rey, de allí el sarcástico nombre de la banda.

Y es que el sarcasmo es una de las principales características de las canciones de Los Redondos, quienes además han mantenido una posición contracultural e independiente inquebrantables, que los han hecho célebres: nunca han aceptado grabar para las grandes disqueras, nunca han hecho giras fuera de Argentina y no promocionan sus conciertos, sus seguidores se encargan de avisar con el método de "boca en boca".

Maldición!... fue grabada en "¡Bang! ¡Bang!... estás liquidado" su disco de 1989 y es una de mis favoritas en la obra redonda, con letra surrealista, casi en la mecánica de la "escritura libre", que consiste en dejar salir las palabras libremente, sin "intervención de la razón", y esto no es fácil, se nota cuando es pose y cuando hay talento para decir y jugar con las palabras.

Con ese estilo muy "redondo", de un rock duro con riffs muy atinados y la irónica expresión del título y el estribillo, que es una muestra del humor caústico, la irreverencia y la libertad con las que los Redondos hacen sus canciones, sin otra pretensión que la de hacer canciones.

¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO.

Se de alguien que ha declarado
contra su moscardón imaginario
impecable testigo de caricias
que se esfumaron cuando dejó la guardia.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso. 
¡Maldición!

Se de alguien que obliga a su aventura
a pagar los platos rotos de la gira
es el rufián arrepentido de los días
el único grito que sabía.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal 
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!

Se de alguien que enturbia sus sentidos
para tener lugar en la balanza
de las brutales risotadas hemorragias
de la pavada celestial de la avalancha.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!

Maldición! va a ser un día, como los demás.

LOS DISCOS DE 1969. Tommy.

THE WHO

"TOMMY"

1969

El rock empezó siendo una música pop, entendiéndose con esto que era una moda, un producto comercial, con destinatario concreto que eran los adolescentes y de extrema sencillez musical y lírica, apelando a una fórmula de probada eficacia. pero también poseía una semilla de rebeldía contestataria cuando mezclaba géneros blancos y negros, atacando al status racista y cuestionando la moral, las costumbres y el conformismo de las sociedades desarrolladas.

Y fue esa semilla de rebeldía, la que lo proyectó como fenómeno social y cultural, aún vivo casi 60 años después de su nacimiento, el rock está a punto de ser sexagenario, gracias a su capacidad para estirarse, transformarse, reinventarse y experimentar con audacia mezclándose con cualquier género musical que se le ponga enfrente.

Una de estas audacias trascendentes ha sido, crear obras "rockeras", con la intención y la estructura de las óperas, llamadas por eso "óperas rock" y que a menudo se confunden con los "albums conceptuales" que se parecen pero no son lo mismo, la diferencia radica en que los discos conceptuales contienen  una serie de canciones que van desarrollando un mismo tema o que en su secuencia van narrando una historia con sus personajes, situaciones, tramas y desenlace, pero contadas en primera o tercera persona por un solo narrador.

En cambio las "rocóperas", narran también una historia, pero a través de diálogos o monólogos, donde los diversos personajes, cantan y actúan sus partes alternadamente, tal cual como en la ópera, pero a ritmo de rock y con instrumentos propios del rock. La primera de estas híbridas creaciones que tuvo resonancia mundial, fue un gran acontecimiento para el mundo del rock y por mucho tiempo fue considerada la pionera del género, fue "Tommy" (1969) de Pete Townshend, interpretada por su banda The Who y relata la historia de Tommy, el niño que por un suceso traumático se vuelve ciego sordo y mudo y posteriormente al ser curado, se transforma en una especie de gurú o líder carismático.

Townshend se da gusto mezclando cuentos, leyendas y lugares comunes ya visitados, para crear su alucinada historia que musicalmente es extraordinaria, pero que revela que Pete, el hombre hábil para textos destinados a canciones sueltas, se pierde cuando trata de armar una historia de formato largo, "Tommy" tuvo tal éxito que, fue llevada al cine por Ken Russell en 1975 y las canciones que lo conforman se convirtieron en clásicas del repertorio de The Who, infaliblemente tocadas en sus presentaciones de los setentas en adelante.

Por esa trascendencia e importancia, como una obra que abrió caminos, "Tommy" es un imprescindible en la historia del Rock, en la discografía de The Who y en cualquier selección de lo mejor del año 1979.

LOS DISCOS DE 1969. Clouds.

JONI MITCHELL

"CLOUDS"

1969

Las "Nubes" de Joni Mitchell, son diez canciones de su autoría, que en su caso era la regla, no la excepción, finas y bellas, con arreglos sutiles, elegantes e imaginativos, acompañando a las historias amorosas de la compositora y cantante canadiense que hoy es todo un mito y referencia de un ciento de cantantes de country, de folk, de rock y hasta de jazz.

A pesar de que era su segundo disco "Clouds" suena a un álbum de madurez rara vez superado por Joni (tal vez sólo "Blue" del '71, lo consigue) y en él se puede apreciar todo el talento de la señora Mitchell en una combinación rara de juventud, con su frescura y energía, con la madurez que vendría después y esto es muy difícil de encontrar en la misma obra, de allí que sea la mejor recomendación para conocer o redisfrutar a la gran Joni Mitchell, si quieres mi querido lector(a) hacer o hacerte un regalo que mitigue las penas del atribulado mundo en que vivimos y poner en tu vida o en la de una persona amada una poca de belleza, esta obra maestra de la canción es una muy buena alternativa que para colmo, es un álbum bello desde la portada, un agasajo a la vista.

Los arreglos son sencillos, pero las armonías usadas son poco convencionales, Joni tocó guitarra y teclados y el único músico invitado fue Stephen Stills que tocó guitarra, es un disco muy folk, pero con influencias del rock ácido del movimiento llamado "costa oeste", que en ese momento permeó a toda la música que se hacía en Norteamérica.

LOS DISCOS DE 1969. Beck-Ola.

THE JEFF BECK' GROUP

"Beck-ola"

1969

 

The Jeff Beck Group ha sido la más mitificada y reconocida banda de todas las lidereadas por Jeff Beck, una banda perfectamente cohesionada formada por "super estrellas" del Rock.

Jeff Beck - guitarras , coros
Rod Stewart - voces
Nicky Hopkins -  piano y órgano
Ronnie Wood - bajo
Tony Newman - tambores.

Beck ya un consagrado, no se metió en honduras ni se complicó la vida, recurrió a músicos de probada capacidad en el escenario del Rock Británico y que además eran sus amigos, como invitar a los "cuates" a la casa, platicar y "echarse la paloma" improvisar, cantar y tocar las clásicas y una que otra novedad, escuchada recientemente o acabada de componer.

Sabedor de sus habilidades con la guitarra, la complementó con un bajo más que correctamente tocado por Wood, la voz de Stewart que es todo un milagro, sin ser poderosa ni un prodigio de técnica, es una de las voces más conocidas del Rock, por ese timbre tan especial, tantas veces tratado de imitar y tan pocas veces conseguido; trajo también a un baterista de competencia alta y llamó a un artista "mágico", uno que tenía la "gracia", el don de dar luz a los discos en los que participaba, el pianista más extraordinario de toda la historia del Rock, el gran Nicky Hopkins (¿se nota que soy fan de Hopkins?).

El segundo paso, fue elegir el repertorio, con dos "oldies", clásicas hechas famosas por el "Rey" Elvis, una pieza instrumental y cuatro composiciones de la banda, con una fórmula ampliamente dominada por todos los participantes que consistía en una base de Blues que en muchos momentos "progresa" hacia un hard rock de gran energía, música sencilla, sin grandes complicaciones, géneros muy "pegadores", esencia blusera y vocación roquera.

 Beck-ola es todo un clásico, uno de esos discos fundamentales en la historia, con excelente recepción de público y crítica, ascenso rápido en las listas e infaltable en cualquier colección que se respete, y es que ese "duelo" entre la guitarra de Beck y la voz de Stewart, teniendo como fondo, ornato y "cuerpo", al piano de Hopkins, con una definición y consistencia extraordinarias y no muy frecuentemente vistas, hicieron de este ejercicio lúdico, de esta reunión de amigos, el milagro de un irrepetible, de un fuera de serie.

Side A
1. All shook up
2. Spanish boots
3. Girl from Mill Valley
4. Jailhouse rock

Side B
1. Plynth (water down the drain)
2. The hangman's knee
3. Rice pudding 

Portada: del famoso pintor Rene Magritte.

LOS DISCOS DE 1969. Moby Grape '69

MOBY GRAPE

"Moby Grape '69"

1969

Moby Grape es otra banda representativa del Movimiento de la Costa Oeste, muy relacionado, estilísticamente, geográfica y cronológicamente con los gigantes del género: Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Grateful Dead, y si se revisa su obra, cuarenta años después, resiste todas las pruebas de calidad y en algunos aspectos, es muy original y aporta mucho al movimiento.

Se formó teniendo como base a dos exiliados de Jefferson y fue nutriéndose con músicos que deambulaban en la escena de San Francisco, hasta constituir un grupo sólido y de talentos variados, donde todos componían canciones, todos cantaban y algunos tocaban más de un instrumento y fue esta característica de sus miembros, la que hizo que Moby Grape tuviera una propuesta muy rica y original.

El sello principal de Moby era el tejido sónico que creaban sus tres guitarristas, muy semejante al sonido de Buffalo Springsfield, otra banda que tenía a tres guitarristas; sus armonías vocales, en las que participaban todos los miembros de la banda y las estructuras variadas de las canciones que rompían con el molde de las canciones del mismo tipo cuando hay un compositor principal o único.

'69 fue el tercer disco de Moby Grape, sus antecedentes, el "Wow" y "Jam" que era doble y el debut, ya habían levantado elogios y críticas sobresalientes, cuando se iba a grabar el tercero y último de gran calidad, hubo varias crisis al interior de la banda, pero como suele suceder en elmundo del Rock, los peores momentos suelen producir grandes discos, después de éste, nunca volvieron a grabar un disco a la altura del trío inicial, pero esos tres fueron suficientes para ponerlos entre los grandes del género, con reconocimiento tardío, pero reconocimiento al fin.

CANCIONES FAVORITAS. Painting box.

PAINTING BOX

Autor: Mike Heron

Intérprete: The Incredible String Band

The Incredible Strings Band estuvo en el lugar correcto y en el momento indicado, el momento, la segunda mitad de la década sesentera y los principios de la siguiente; el lugar, la escena "roquera" británica, llena de frescura y optimismo, viviendo un estado de gracia  místico, dentro de una utopía social bella como todas las utopías y allí estuvieron en su elemento, porque Williamson y Heron, los padres de la Increíble, eran espíritus libres y creativos.

Con la razón social de La Increíble Banda de Cuerdas, ambos músicos extraídos del ambiente folk escocés, pero impregnados de los signos de la época, el rock, el pop y las deslumbrantes sonoridades de la sicodelia, crearon un concepto de increíble originalidad y lo mejor de todo, sin inventar nada, sólo combinando sabiamente lo ya sabido y de sobra conocido, uno de sus grandes obras es, 5000 spirits or the layers of the onion, desbordante ejercicio de creatividad literaria y musical, vanguardista, irónicamente por usar elementos arcaicos, bellamente poética y enraizadamente alucinante.

De ese disco que me gusta de principio a fin, me regocija especialmente, esta canción con estructuras de la música tradicional, con el ambiente de las leyendas antiguas y con una poesía bella por sencilla.

CAJA DE PINTURAS.

Cuando la mañana de tus ojos viene despertando a través de mis sombras
Dejando sólo un rastro de sueño crepuscular,
Susurro a las pequeñas gotas de lluvia que juegan en mi ventana,
Y les digo suavemente, este no es el momento en que deben llorar.

Porque en algún lugar de mi mente, hay una caja de pinturas,
Tengo todos los colores allí, es verdad.
Y al final cuando miro dentro de mi caja de pintura,
Al parecer, recojo tus colores.

Mi noche del viernes, Pisadas aplicadas y perseverantes, por este pueblo negro,
Están muy lejos ahora del mundo en el que estoy
Mis ojos están escuchando algunos sonidos que creo que sólo podrían ser primaverales
Con narcisos entre mis dedos, me estoy riendo a su capricho,

Porque en algún lugar de mi mente, hay una caja de pinturas,
Tengo todos los colores allí, es verdad.
Y al final cuando miro dentro de mi caja de pinturas,
Al parecer, recojo tus colores.

Oh, en mi mente, en algún lugar hay una caja de pintura,
Tengo todos los colores allí, es verdad.
Y al final cuando miro dentro de mi caja de pinturas,
Al parecer, recojo tus colores.

La vela púrpura que está encima, me atrapa con toda la fuerza del verano.
Los peces dejan de preguntarme dónde estoy forzado.
Sonrío y sacudo la cabeza y digo que mi pequeño barco se hunde,
Pero a mí me gusta el mar que soy, y no pienso si se va a ahogar.

Porque en algún lugar de mi mente, hay una caja de pinturas,
Tengo todos los colores allí, es verdad.
Y al final cuando miro dentro de mi caja de pinturas,
Al parecer, recojo tus colores.

Traducción: Ariel Martínez.

PAINTING BOX.

When the morning of your eyes comes waking through my shadows
Leaving just a trace of twilight sleep,
I whisper to the baby raindrops playing on my window,
And tell them gently this is not the time that they should weep.

For somewhere in my mind there is a painting box,
I have every colour there it's true.
Just lately when I look inside my painting box,
I seem to pick the colours of you.

My Friday evening's foot-steps plodding dully through this black town,
Are far away now from the world that I'm in.
My eyes are listening to some sounds that I think just might be springtime,
With daffodils between my toes I'm laughing at their whim,

And somewhere in my mind there is a painting box,
I have every colour there it's true,
Just lately when I look inside my painting box,
I seem to pick the colorus of you.

Oh, somewhere in my mind there is a painting box,
I have every colour there it's true.
Just lately when I look inside my painting box,
I seem to pick the colours of you.

The purple sail above me catches all the strength of summer.
Fishes stop and ask me where I am bound.
I smile and shake my head and say my little ship is sinking,
But I kind of like the sea that I'm on, and I don't mind if I do drown.

For somewhere in my mind there is a painting box,
I have every colour there it's true.
Just lately when I look inside my painting box,
I seem to pick the colours of you.

LOS DISCOS DE 1969.Changing horses.

THE INCREDIBLE STING BAND

"Changing Horses"

1969

El otro pilar en que estaba sostenido el Folk-Rock británico de los sesentas-setentas, era The Incredible String Band, nacida en Edimburgo, Escocia, como un trío de música folkroquerasicodélica, que era la única forma de estar en todos los géneros que les gustaban a Mike Heron, Robin Williamson y Clive Palmer, alineación de la Increíble al grabar su disco debut.

Mike Heron y Robin Williamson, fundadores y sustento de "La Increíble Banda de Cuerdas" no fueron modestos al decidir este nombre para su banda, pero tampoco mentian, su concepto de banda de rock-folk-sicodélico-orientalista-místico-celta, era realmente increíble con un sonido "acústico", rara vez se incluían instrumentos eléctricos, que recogía el folclor de su tierra , la música celta, el rock sicodélico, la música hindú y la música árabe.

Pero no sólo musicalmente, la obra de la Increíble, era un coctel, también temáticamente y en la construcción de sus letras, el pragmatismo era la línea a seguir y sus canciones incluían, leyendas escocesas y celtas, temas bucólicos, misticismo oriental, discursos jipiosos, canciones de amor y otros temas, siempre vestidos de las sutilezas, finezas, arcaísmos y bellezas de las mezclas de sonidos tomados de cualquier parte del mundo y cualquier tiempo, por Heron y Williamson, que fueron siempre la Increíble, pues todos los músicos que los han acompañado, han sido, más o menos, pasajeros.

Williamson y Heron, eran dos poetas que hacían canciones de todo lo habido y por haber, lo mundano y lo divino, los detalles cotidianos y lo trascendente, Heron tenía el don de mirar las cosas pequeñas de la naturaleza y la cultura humana, Williamson, el de la vista panorámica, ya sea de la naturaleza, la sociedad humana o la parte mística y espiritual; también acoplaban las músicas que conocían y amaban, con una facilidad que se confundía con naturalidad y con sus dos o tres decenas de instrumentos de percusión, cuerdas y algunos teclados, de su cultura o de la oriental, hacían una música de gran colorido.

"Changing Horses" de 1969 fue el quinto disco de estudio de la Increíble, que empezó su carrera discográfica tres años atrás y ya habían asombrado al mundo con dos grabaciones deslumbrantes, las llamadas: "The 5000 spirits of The layers of the onion" y "The hangman's beautiful daughter" y fieles a su costumbre de renovarse y buscar rumbos nuevos, hicieron este disco que tiene como novedad, dos piezas de larga duración: "White Bird" y "Creation", formatos que les permitieron crear "ambientes" que sustentaran fantásticas historias y experimentaciones sonoras con gran diversidad de instrumentos, cambios de ritmo e incursión en las diversas culturas musicales que eran sus influencias.

Tal vez la participación de la banda en el Festival de Woodstock tenga que ver con las concepciones del disco: las mismas piezas largas, más elementos mágicos y discursos naturistas y místicos, las formas de combinar instrumentos y ritmos, pues fue grabado después de que la Increíble estuvo en el famoso festival, dicen las crónicas que fue un disco que tuvo ventas bajas y que decepcionó a sus seguidores, porque parecía una repetición de lo mismo, sólo que sin dar la sensación de "orden" de discos anteriores.

Pero visto con la perspectiva del tiempo, más bien es un rompimiento y cambio de rumbo, como lo demostraría su disco posterior y un catálogo de todas las habilidades, influencias, temas y preocupaciones de Heron y Williamson, para darles un nuevo orden, nueva perspectiva y nuevos significados, razones por las que "Changing Horses", el nombre también alude al relevo, merece ser incluido entre los grandes discos de 1969. Los músicos que participaron en la grabación y los instrumentos que utilizaron es la siguiente:

- Robin Williamson / órgano, flauta, guitarra, percusión, piano, violín, guitarra  eléctrica, teclados, voces y tabla de lavar,    gimbri, banjo Chino 
- Mike Heron / bajo, guitarra, mandolina, percusión, piano, guitarra eléctrica,  cuerno, teclados, sitar, voz, vibráfono 
- Walter Grundy / armónica 
- Regaliz McKechnie / órgano, guitarra, percusión, violín, chicharra, teclados,    voces 
- Ivan Pawle / órgano, piano 
- Rose Simpson / bajo, percusión y coros

LOS DISCOS DE 1969. Liege and lief.

FAIRPORT CONVENTION

"Liege and lief"

1969

Fairport Convention es junto con la Increíble Banda de Cuerdas (The Incredible String Band), la columna vertebral del folk-rock británico, no inglés porque los increíbles son escoceses y lo que hacían estaba mucho más ad hoc a la etiqueta, era rock super permeado por la música tradicional inglesa, escocesa e irlandesa, con la inclusión de instrumentos propios de esta tradición, además de los característicos del rock.

En el folk-rock británico, la balanza está definitivamente cargada al folk, al contrario de los norteamericanos que hacían un rock con tintes folk y en el caso anglo, no sólo es el aspecto musical el que se asume folklórico sino hasta las letras tienen el tono y la temática tradicional: descripción de paisajes, costumbres y creencias propios de las sociedades tradicionales; historias de personajes desafortunados, bandidos rurales, locos de aldea y mujeres caidas en desgracia, entre otros temas.



El cuarto disco de la banda londinense, el que comentamos en este momento, es uno de los más notables de la discografía convencionalista y el más folk, porque todas las historias, melodías y canciones son extraidas de la tradición y la creatividad del grupo está en la selección de textos canciones y melodías, más los arreglos que amalgaman perfectamente tradición y actualidad.

A estas alturas de una cuarta grabación, ya se había incorporado Sandy Denny, la vocalista que imprimió un nuevo sonido a la convención y que hacía pareja idónea con el cantante masculino Dave Swarbrick quién también era el violinista, ambos músicos son la base del sound en esta grabación, pero además de ellos, debutaba Dave Mattacks, sustituto del fallecido Martin Lamble y completaban el equipo: Ashley Hutchings a cargo del bajo, Simon Nicol y Richard Thompson en las guitarras, en una de las muchas alineaciones que tuvo la banda, después de la grabación de Liege... se fueron a buscar nuevos horizontes Denny y Hutchings, por lo que se considera que este disco marca el fin de una época en la larga vida de Fairport Convention.

A la fecha la banda sigue grabando discos y presentándose en vivo, con una formación mucho más estable que en los principios, se quedaron Nicol, Swarbrick y Mattacks como base y han ido incorporando a otros artistas que mantienen viva la idea original de hacer un folk-rock muy británico.

CANCIONES FAVORITAS. The Blues is just a bad dream.

THE BLUES IS JUST A BAD DREAM

Autor: James Taylor

Intérprete: James Taylor

El disco debut de James Taylor el cantautor  que abrevaba por igual en el rock, el folk y el blues se produjo en 1968, y es un debut más que afortunado, doce canciones de extraordinaria calidad con nivel parejo entre calidad literaria y musical, formas nuevas de tocar el Blues; formas nuevas de acercarse al Folk y una nueva concepción del Pop y el Rock, en un momento en que los cantores solistas como él, estaban de moda y la competencia era difícil, debía poseerse un estilo muy personal, una voz extraordinaria o un gran carisma, Taylor, sólo se presentaba con doce joyas del arte de hacer canciones.

Una de estas joyas es "El blues es sólo un mal sueño", con una letra poética y desgarrada, angustiada, desesperada y desesperanzada, como suelen ser los Blues, siguiendo las reglas, Taylor compuso este Blues muy folk y muy blanco, pero igual de sentido y emotivo que cualquiera nacido de un afroamericano. 

Como en muchas otras composiciones, la palabra "blues" se utiliza en dos acepciones distintas: aludiendo al género musical con raíces en el alma y como tristeza, melancolía o "saudade" como dicen los que hablan portugués, con extraña exactitud y amplitud al mismo tiempo, sí se puede, esa es la prueba.

El Blues es sólo un mal sueño

Un árbol crece en mi patio trasero, él sólo crece en la noche.
Sus ramas están todas torcidos, sus hojas temen a la luz.
Dicen que el blues es sólo un mal sueño, dicen que vive en tu cabeza.
Pero cuando estás solo en la mañana, obligadamente deseas yacer muerto

Hay vientos en el océano, están soplando en la dirección que eligieron
Pero los vientos no tienen emociones, nena, no saben de la tristeza.
Dicen que el blues es sólo un mal sueño, dicen que vive en tu cabeza,
Pero cuando estás solo en la mañana,  obligadamente deseas yacer muerto

Mi mente está divagando y divagando como una piedra que rueda, no,
desde que esa pesadilla vino a quedarse conmigo, cariño, mis pensamientos ya no me pertenecen
Dicen que el blues es sólo un mal sueño, dicen que vive en tu cabeza.
Pero cuando te visitan alrededor de la medianoche, obligadamente deseas que estuvieran yaciendo muertos.



The Blues Is Just A Bad Dream

A tree grows in my back yard, it only grows at night.

Its branches they're all twisted, its leaves are afraid of light.

They say the blues is just a bad dream, they say it lives upside your head.

But when it's lonely in the morning, you're bound to wish that you was lying dead.

There's winds out on the ocean, they're blowing just as they choose.

But then winds ain't got no emotion, baby, they don't know the blues.

They say the blues is just a bad dream, they say it lives upside your head, mmmm.

But when it's lone, lonely in the morning you're bound to wish that you was lying dead.

My mind is rambling and rambling just like some rolling stone, no,

since that nightmare's come to stay with me, baby, my thoughts just don't belong.

They say the blues is just a bad dream, they say it lives upside your head.

But when they visit you around midnight, you're bound to wish that you were lying dead.