GEORGE HARRISON. A doce años de su muerte.

"SOFT TOUCH"

Autor e intérprete: George Harrison.

Hoy se cumplen doce años desde la muerte de mi "beatle favorito" George Harrison y para recordarlo, esta canción amorosa de un hombre amoroso, porque haciendo a un lado la leyenda, el mito y todas las posibles deformaciones que los medios masivos hayan hecho de la vida y personalidad de un famoso como Harrison, la perspectiva del tiempo, nos permite afirmar que fue un hombre que creía en el amor y que vivió amandoa su Dios y a la gente que le rodeaba.

Y esta debe de ser la razón por la que, George tenía un don especial para hacer canciones de amor, con melodías y "ambientes" amorosos y textos sin rebuscamientos, pero no carentes de sentido poético, este es el caso de "Soft Touch", que ya en la metáfora demuestra la afirmación anterior: "eres un roce suave", le dice a la mujer amada y a continuación, elabora una serie de imágenes, entre divinas y terrenales, que aluden al amor y al estado de enamoramiento.

El disco de 1979, de nombre "George Harrison", es una especie de renacimiento del beatle místico, después de sus dos primeras grabaciones excepcionales y de un "bache", en el que no produjo álbums memorables, regresó con este que no tiene desperdicio, bello y sentido de principio a fin, un retrato de la personalidad y el mundo interior del extrañado George.

ROCE SUAVE.

Eres un roce sueve, cariño 
como un copo de nieve al caer 
Mi corazón completo, se está derritiendo.

Como la calidez de un amanecer
estoy navegando en alegría
de tu roce suave, amor.

Ojos que brillan desde las profundidades de tu alma 
resaltados por su encanto, toman mi control 
Amor tan dulce como la inmensidad del océano 

Atrapados en sus olas y atraídos a tu lado.

Como un viento frío que me sopla 
Todas las copas de los árboles susurran 
para tu roce suave, querida.

Como una nueva aparición de la luna 
esas ideas sobre la gloria celestial 
caen sobre tu roce suave, amor.

Ojos que brillan desde las profundidades de tu alma 
resaltados por su encanto, toman mi control 
Amor tan dulce como la inmensidad del océano 

Atrapados en sus olas y atraídos a tu lado.

Eres un roce sueve, cariño 
como un copo de nieve al caer 
Mi corazón completo, se está derritiendo.

Como la calidez de un amanecer
estoy navegando en alegría
de tu roce suave, amor.

Eres un roce suave
Sí, amo ese roce suave 
Hmm, ese toque suave.

Eres un roce suave
Sí, amo ese roce suave.

SOFT TOUCH.

You're a soft touch baby

Like a snowflake falling
My whole heart is melting.

As a warm sun rises
Into joy, I'm sailing
To your soft touch baby.

Eyes that shine from depths of your soul
Fixed by their charm, take my control
Love so sweet as the ocean is wide
Caught by your waves and drawn to your side.

As a cool wind blows me
All the treetops whisper
To your soft touch baby.

As a new moon rises
Those ideas of Heaven
Fall in your soft touch, baby.

Eyes that shine from depths of your soul
Fixed by their charm, take my control
Love so sweet as the ocean is wide
Caught by your waves and drawn to your side.

You're a soft touch baby
Like a snowflake falling
My whole heart is melting.

As a warm sun rises
Into joy I'm sailing
To your soft touch baby.

You're a soft touch baby
Yes, I love that soft touch
Hmm, that soft touch

You're a soft touch baby
Yes, I love that soft touch

LOS DISCOS DE 1969. Trout Mask

"TROUT MASK REPLICA"

CAPTAIN BEEFHEART

1969

El músico californiano Don Van Vliet, conocido más como Captain Beefheart inició su carrera a mediados de los sesentas en la Magic Band, grupo que iniciaba su carrera, el susodicho Capitán Corazón de Bistec tenía como música favorita el blues y el rock, como su futuro amigo Zappa, pero también una fuerte inclinación a creaciones sónicas de mayor complejidad como el jazz, amén de una extraña fascinación por la experimentación extrema con los tiempos musicales, las arritmias y las disonancias, detestadas por los oídos convencionales.

Todas esas tendencias y preferencias lo acercaron a Frank Zappa coterráneo, contemporáneo y amigo, por eso no es nada extraño que hayan colaborado uno con otro en diversas ocasiones, tal como en este caso, el tercero y más celebrado disco del Capitán, producido por su cuate Frank, por las coincidencias en gustos y esta participación de Zappa, el disco resulta ser muy zappiano.Los críticos e historiadores han dicho de este disco que influyó para la adopción de sus estilo de bandas como The Fugs, The Residents y muchas otras de espíritu bizarro, también lo consideran como un álbum que marcó un nuevo rumbo en el rock contemporáneo , su servidor no sabe si Beefheart influyó a Zappa o si Zappa influyó a Beefheart y se inclina más por la segunda afirmación, pero está de acuerdo con los críticos en que es un discazo original, provocador, experimental, desesperante, gozoso, intrigante, alucinante, incluyente, vanguardista, surrealista e histórico y el único defecto que le encuentra es que parece un disco de Frank Zappa, ah! eso sí, a la altura de los grandes discos de Zappa.

CANCIONES FAVORITAS. The Sound of fear.

THE SOUND OF FEAR

Autor Mark Oliver Everett

Intérprete: Eels

Mark Oliver Everett es un hombre inteligente, hijo de otro hombre inteligente que era un destacado científico, pero Mark no encauzó su inteligencia a la ciencia, él la emplea para hacer canciones repletas de este don.

Líder y alma de la banda conocida como Eels, hace piezas musicales llenas de sonidos convencionales sorprendentes, es decir que son convencionales, pero combinados de tal manera que resultan sorprendentes, sus melodías y sus arreglos transitan por los géneros conocidos, no hay acordes disonantes ni sonidos extraños, solamente combinaciones muy inteligentes de lo que ya existe.

En primera instancia Eels suena pop, aunque a menudo aparezcan el rock y el blues, pero a fin de cuentas el sonido de la banda suena a un rock o a un pop de gran finura que envuelve letras ácidas e irreverentes, que narran historias sórdidas, con personajes atormentados, traumados y desquiciados, resulta totalmente delicioso escuchar canciones casi infantiles que relatan historias terroríficas o llenas de sarcasmo, pero siempre marcadas con el sello de una mente brillante, prueba de estas características es el tercer disco de la banda, sin contar los tres sencillos que grabó primero.

Daisies Of The Galaxy es un disco imprescindible que hace mancuerna con el anterior, otra obra maestra y que se llama "Electro-shock Blues." nuevos clásicos del rock y de la música en general que revelan a un joven genio que seguramente pasará a la historia.

The Sound Of Fear es una pieza típica de este compositor, ritmo cadencioso, melodía fácil de aprender, arreglo impecable y a menudo impredecible y una letra que alude a la angustia permanente en que vivimos en las sociedades modernas, el título de la canción es una prueba de la genialidad de Everett y nos remite a las asociaciones que hace nuestra mente en situaciones extremas, el miedo que suena a todos los sonidos que se asocian con él, segúin los traumas de cada quien.

EL SONIDO DEL MIEDO.

El sol viene subiendo en el viejo vecindario

pintas con spray y fogatas extinguidas

bien, yo no sé dónde voy a estar próximamente

me tiene sin cuidado donde vaya a estar.

La próxima vez si piensas en eso

podrías recordarme como

el único que te abandonó

pero nunca se hizo otro

sonido de miedo.

A algunas personas les gusta llamarme Chuck

Charles y tu están cagando la suerte

si piensas qué va a pasar proximamente

creo que sabes lo que va a pasar

La próxima vez si piensas en eso

podrías recordarme como

el único que te abandonó

pero nunca se ha hecho otro

sonido del miedo.

El sol viene subiendo en el viejo vecindario

oscura, húmeda la parada donde una vez estuve

no se donde hará el camión la próxima parada

y me tiene sin cuidado dónde la haga.

La próxima vez si piensas en eso

podrías recordarme como

el único que te abandonó

pero nunca se ha hecho otro

sonido del miedo.

El sonido del miedo

no puedo oír

el sonido del miedo.

THE SOUND OF FEAR.

Sun comes up on the old neighborhood
Spray-painted and dead firewood
Well I dont know where Im gonna be next
I dont care where I am gonna be

Next time if you think of it
You might remember me as
The one who let you down
But never made another
Sound of fear

Some people like to call me Chuck
It's Charles and you are shit outta luck
If you think what happens next
You think you know what happens

Next time if you think of it
You might remember me as
The one who let you down
But never made another
Sound of fear

Sun goes down on the old neighborhood
Dark, damp the stop where I once stood
I dont know where the bus stops next
And I dont care where the bus stops

Next time if you think of it
You might remember me as
The one who let you down
But never made another
Sound of fear

The sound of fear
I can't hear
The sound of fear.

CANCIONES FAVORITAS. Good day sunshine.

"GOOD DAY SUNSHINE"

Autor: Paul McCartney

Intérpretes: The Beatles.

Compuesta por Paul McCartney en el año 1966, es parte del álbum "Revolver" y tiene una melodía atractiva, como las que acostumbraba McCartney, sin duda uno de los grandes melodistas en toda la historia del rock y el pop, se dice que contó con la "pequeña ayuda de su amigo" Lennon en la letra, pero es una canción "pauiana" hasta la médula, interpretada por el propio Paul de un modo muy ad hoc con el tema exaltado, optimista y agraciado.

La producción de George Martín, con ese sentido magistral para darle a cada canción un ambiente especial, sólo tiene como dotación instrumental tres instrumentos: piano, tocado por McCartney y Martin en el "solo"; el bajo del omnipresente Paul y la batería, con gran protagonismo de Ringo, Harrison y Lennon, sólo hicieron coros y palmas.

Y es una canción de optimismo, felicidad y muy amorosa, la inconfundible canción de un hombre enamorado,que siente que la vida florece y el sol es más radiante que nunca porque está enamorado y tiene un motivo para ser feliz, sin metáforas,  sin escenas surrealistas, una simple y bella canción de amor que describe el ambiente exaltado que rodea a dos que se aman.

BUENOS DÍAS, SOL RADIANTE.

Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante. 

Necesito reír y cuando sale el sol 
Tengo algo de qué reírme 
Me siento bien de manera especial
Estoy enamorado y es un día de sol.

Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante.

Paseamos, y el sol brillante
Me quema los pies cuando tocan el suelo.

Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante.

Y cuando nos estiramos a la sombra de un árbol
Yo la amo y ella está amándome
Se siente bien, sabe que está guapa
Y yo estoy muy orgulloso de saber que es mía.

Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante
Buenos días, sol radiante.




GOOD DAY SUNSHINE.

Good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine.

I need to laugh, and when the sun is out

I've got something I can laugh about,

I feel good, in a special way.

I'm in love and it's a sunny day.

Good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine.

We take a walk, the sun is shining down,

burns my feet as they touch the ground.

Good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine.

And then we lie, beneath a shady tree,

I love her and she's loving me.

she feels good, she knows she's looking fine.

I'm so proud to know that she is mine.

Good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine.

good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine,

good day sunshine.

LOS DISCOS DE 1969. "With a little help from my friend".

JOE COCKER

"With a little help from my friends"

1969

Este icono del canto roquero y blusero, empezó a cantar en bandas semiprofesionales en su ciudad natal Sheffield y llamaba la atención por su voz, poderosa, emotiva y de timbre único, pero fue hasta que formó The Grease Band cuando llamó la atención de los productores de discos, fjue su primera banda con músicos extraordinarios: el guitarrista Frank Myles, el bajista Christ Stainton , el batería Dave Memmott y el pianista Vernon Nash, y con ellos, la voz extraordinaria de Cocker encontró su entorno y su espacios ideales.

Su primer single medianamente exitoso fue "Marjorine" que escribió en coautoría con Stainton, quien fue fundamental en el sonido de la música de Cocker en sus primeros años, esta pieza y su cara B, las grabó con la Grease y fue el principio de una carrera histórica que despegó en 1969, con la aparición de su primer álbum y sobre todo con su sobresaliente participación en el festival de festivales, celebrado en Woodstock, con una fórmula aparentemente corriente y muy usada: grabar canciones exitosas de otros artistas.

El debut de Cocker fue acontecimiento del año, con tres canciones escritas por él y Stainton, dos de Bob Dylan, una de Pete Dello, la famosísima "Feeling alright" de Dave Mason, la versión exitosísima de "With a little help of my friend" de los Beatles, que llegó a ser más  conocida que la original, una clásica del Jazz, "Bye, bye blackbird" y  “Don’t let me be misunderstood”, grabada originalmente por Nina Simone, pero reinventada por los Animals.

La voz de Cocker, la Grease, una banda de músicos más que competentes y los invitados de lujo: Tony Visconti, Jimmy Page, B.J. Wilson, Steve Winwood, Albert Lee, Matthew Fisher, hicieron un disco de rock, blues, soul y  gospel extraordinario, mezcla perfecta de lo negro y lo blanco, creativo a la hora de hacer versiones alternativas y un clásico casi instantáneo.

HOMENAJE A LOU REED. Transformer.

LOU REED.

"Transformer".

1972.

Hace unos días murió Lou Reed, y para recordarlo, reciclamos este artículo escrito en Enero del año pasado.

Luego de abandonar a la banda que lo hizo conocido, la que había moldeado y hecho crecer a su entero gusto, para que a la hora del debut discográfico Warhol le impusiera a Nico, Lou Reed, dejó New York, que también lo tenía decepcionado y le traía malos recuerdos para trasladarse a Londres, e intentar desde allá relanzar su carrera y redefinir su camino.

En el Reino Unido grabó el primer disco a su nombre con canciones sobrantes que no tuvieron cabida en los discos del Velvet, ni siquiera tenía una banda fija y a su gusto, el resultado fue poco menos que intrascendente, sin embargo, cuando el panorama era desalentador, apareció un admirador de Lou, que estaba en la cima del éxito, con una racha que parecía inacabable de cuatro discos, extraordinarios, inovadores y además exitosos.

El "alumno" de Reed, era la superestrella del rock inglés, el personaje más notable del espectáculo "glam" que marcaba la vanguardia de la música en esos años tempranos de la década setentera, era David Bowie, quien lo animó a hacer un segundo disco producido por él y su guitarrista inseparable, el que tenía mucho más que ver de lo que la gente creía, en la originalidad del sonido "bowiano", el virtuoso de la guitarra de nombre Mick Ronson.

La pareja Bowie-Ronson sabía muy bien como hacer discos de arte, que además fueran capaces de conquistar a diversos sectores de oyentes y sólo alentaron al talento de Reed para que produjera sus canciones ácidas y decadentes, provocadoras e iconoclastas, extravagantes y crudas, a la habitual austeridad de Lou en la producción, la dotaron de arreglos vocales memorables, entramados sónicos producido por las guitarras y un sax, que hicieron la magia de crear uno de los grandes discos de los setentas, que supo captar el espíritu de la época y se volvió en obra emblemática del "glam", tan controvertido y a la vez tan influyente enla historia del rock.

LOS DISCOS DE 1969. Yes.

YES

"Yes"

1969

La otra gran propuesta del año en el Rock británico, además del debut de Led Zeppelin, fue el también primerizo álbum de Yes, llamado homónimamente y es un disco típico de búsqueda, ya se esboza el que habría de convertirse en uno de los sound más conocidos del Rock y a la vez, hay una mezcla de géneros e influencias bien amalgamadas, pero no definitivas, exploratorias y experimentales.

Ya está presente uno de los sellos característicos de Yes que es la voz de Anderson, pero falta el otro que la hizo una banda inconfundible: el teclado barroco de Wakeman y todavía no llegaba Steve Howe, el guitarrista que también es fundamental en el sonido de la histórica banda.

El sonido de éste primer disco, era sobre todo una mezcla de rock duro y sicodelia, con esos tejidos sónicos que empezaban a ser la característica del Rock progresivo, densos y virtuosos, porque eso sí, aún sin Wakeman y Howe, Yes fue desde el principio una banda de músicos virtuosos, porque la música que hicieron siempre, alejaba a los principiantes e instrumentistas suficientes.

No puede soslayarse la importancia y papel protagónico de Chris Squire con su bajo omnipresente y su apoyo vocal, otro componente indispensable en la música de Yes, por otra parte el repertorio fue integrado con seis composiciones de los miembros de la banda y dos covers, estos últimos, son especialmente interesantes, porque son verdaderas versiones alternas, transformadas radicalmente sin que llegaran a ser irreconocibles, dos canciones bastante sosas en sus versiones originales, transformadas en piezas de gran fuerza y viveza.

Aunque era una propuesta muy novedosa de una banda que prometía mucho, no tuvo el éxito y reconocimiento inmediato, dicen los historiadores que en mucho se debió a que el Zeppelin I, opacó a cualquier otro disco editado en la Gran Bretaña en ese año, pero el tiempo le dió su lugar, como un disco histórico que revolucionó al Rock y uno de los grandes debuts de la historia.

LOS DISCOS DE 1969. Ummagumma.

PINK FLOYD

"Ummagumma"

1969

Fue el primer disco doble de Pink Floyd y también uno de los primeros "mixtos" de la historia (uno de estudio y otro en vivo) y con un espíritu experimental que aún en Pink Floyd, resultó sorprendente: en el disco de estudio hay cuatro suites, composiciones largas con varios "momentos" o actos o movimientos, no sé como se les podría llamar, cada uno compuesto por cada uno de los Pink.

"Sysyphus" de Richard Wright abre ese disco que en realidad es el segundo, y es una pieza experimental donde por supuesto predominan, las partes y los solos de piano y teclados electrónicos y pretende narrar musicalmente el mito de Sísifo.

La segunda parte esta conformada por dos canciones de Roger Waters, la primera muy "folk" y la segunda, la que es considerada la canción con el título más largo de la historia del rock: "Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict", que pretende ser un experimento sonoro con imitaciones de formas en que se comunican los animales.

Después viene la que a mí parece la parte más interesante, "The Narrow Way" de Gilmour, dividida en tres movimientos que abordan el blues, la sicodelia y la veta progresiva que los Pink empezaban a explorar, cada vez con más frecuencia.

La conclusión, es "The Grand Vizier's Garden Party" de Nick Mason, con predominio de solos de batería y efectos percusivos, con la intervención de una flauta que se dice la tocó su esposa, y algunos "fondos" a cargo de Wright. La parte en vivo que constituye el primer disco es un concierto grabado en Abril y Mayo de 1969, con piezas de los discos anteriores, pero en versiones muy libres, muy al estilo de los músicos de Jazz, con mucha improvisación.

Quién sabe por qué razones, un álbum doble como éste bastante irregular, que da la sensación de haber sido armado de retazos y con prisa o para cumplir con la disquera, se convirtió en emblemático de la obra "pinkfloidiana", quién sabe por qué es un clásico, pero ese es su status actual y por esa razón, es un imprescindible en cualquier antología del año. 

CANCIONES FAVORITAS. ¡Maldición! va a ser un día hermoso.

¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO

Autor: Carlos Alberto Solari

Intérprete: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Los "Redondos", como son conocidos por sus fieles seguidores para ahorrarse el kilométrico nombre: Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, es una de las bandas más importantes de la Argentina, creada en La Plata a mediados de los setentas, por Carlos Alberto Solari, alias "El Indio" y Skay Bellinson, quienes han sido siempre la columna vertebral del grupo, el uno con la voz, el otro con la guitarra.

Dice la historia que provienen de "La Cofradía de la Flor Solar", mítico grupo pionero del rock argentino y que en un principio eran un grupo extenso que hacía "instalaciones" con música, teatro y danza, hasta que en 1978, se conformaron como banda de rock, también corre la leyenda de que en sus primeros conciertos, repartían buñuelos conocidos como "redonditos de ricota" y había una cocinera y  repostera famosa que daba sus recetas en la tele, una "Chepina" que se llama Patricia Rey, de allí el sarcástico nombre de la banda.

Y es que el sarcasmo es una de las principales características de las canciones de Los Redondos, quienes además han mantenido una posición contracultural e independiente inquebrantables, que los han hecho célebres: nunca han aceptado grabar para las grandes disqueras, nunca han hecho giras fuera de Argentina y no promocionan sus conciertos, sus seguidores se encargan de avisar con el método de "boca en boca".

Maldición!... fue grabada en "¡Bang! ¡Bang!... estás liquidado" su disco de 1989 y es una de mis favoritas en la obra redonda, con letra surrealista, casi en la mecánica de la "escritura libre", que consiste en dejar salir las palabras libremente, sin "intervención de la razón", y esto no es fácil, se nota cuando es pose y cuando hay talento para decir y jugar con las palabras.

Con ese estilo muy "redondo", de un rock duro con riffs muy atinados y la irónica expresión del título y el estribillo, que es una muestra del humor caústico, la irreverencia y la libertad con las que los Redondos hacen sus canciones, sin otra pretensión que la de hacer canciones.

¡MALDICIÓN! VA A SER UN DÍA HERMOSO.

Se de alguien que ha declarado
contra su moscardón imaginario
impecable testigo de caricias
que se esfumaron cuando dejó la guardia.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso. 
¡Maldición!

Se de alguien que obliga a su aventura
a pagar los platos rotos de la gira
es el rufián arrepentido de los días
el único grito que sabía.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal 
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!

Se de alguien que enturbia sus sentidos
para tener lugar en la balanza
de las brutales risotadas hemorragias
de la pavada celestial de la avalancha.

Pintan mal las cosas para él, mi viejo
pintan mal
¡Maldición! Va a ser un día hermoso.
¡Maldición!

Maldición! va a ser un día, como los demás.

LOS DISCOS DE 1969. Tommy.

THE WHO

"TOMMY"

1969

El rock empezó siendo una música pop, entendiéndose con esto que era una moda, un producto comercial, con destinatario concreto que eran los adolescentes y de extrema sencillez musical y lírica, apelando a una fórmula de probada eficacia. pero también poseía una semilla de rebeldía contestataria cuando mezclaba géneros blancos y negros, atacando al status racista y cuestionando la moral, las costumbres y el conformismo de las sociedades desarrolladas.

Y fue esa semilla de rebeldía, la que lo proyectó como fenómeno social y cultural, aún vivo casi 60 años después de su nacimiento, el rock está a punto de ser sexagenario, gracias a su capacidad para estirarse, transformarse, reinventarse y experimentar con audacia mezclándose con cualquier género musical que se le ponga enfrente.

Una de estas audacias trascendentes ha sido, crear obras "rockeras", con la intención y la estructura de las óperas, llamadas por eso "óperas rock" y que a menudo se confunden con los "albums conceptuales" que se parecen pero no son lo mismo, la diferencia radica en que los discos conceptuales contienen  una serie de canciones que van desarrollando un mismo tema o que en su secuencia van narrando una historia con sus personajes, situaciones, tramas y desenlace, pero contadas en primera o tercera persona por un solo narrador.

En cambio las "rocóperas", narran también una historia, pero a través de diálogos o monólogos, donde los diversos personajes, cantan y actúan sus partes alternadamente, tal cual como en la ópera, pero a ritmo de rock y con instrumentos propios del rock. La primera de estas híbridas creaciones que tuvo resonancia mundial, fue un gran acontecimiento para el mundo del rock y por mucho tiempo fue considerada la pionera del género, fue "Tommy" (1969) de Pete Townshend, interpretada por su banda The Who y relata la historia de Tommy, el niño que por un suceso traumático se vuelve ciego sordo y mudo y posteriormente al ser curado, se transforma en una especie de gurú o líder carismático.

Townshend se da gusto mezclando cuentos, leyendas y lugares comunes ya visitados, para crear su alucinada historia que musicalmente es extraordinaria, pero que revela que Pete, el hombre hábil para textos destinados a canciones sueltas, se pierde cuando trata de armar una historia de formato largo, "Tommy" tuvo tal éxito que, fue llevada al cine por Ken Russell en 1975 y las canciones que lo conforman se convirtieron en clásicas del repertorio de The Who, infaliblemente tocadas en sus presentaciones de los setentas en adelante.

Por esa trascendencia e importancia, como una obra que abrió caminos, "Tommy" es un imprescindible en la historia del Rock, en la discografía de The Who y en cualquier selección de lo mejor del año 1979.

LOS DISCOS DE 1969. Clouds.

JONI MITCHELL

"CLOUDS"

1969

Las "Nubes" de Joni Mitchell, son diez canciones de su autoría, que en su caso era la regla, no la excepción, finas y bellas, con arreglos sutiles, elegantes e imaginativos, acompañando a las historias amorosas de la compositora y cantante canadiense que hoy es todo un mito y referencia de un ciento de cantantes de country, de folk, de rock y hasta de jazz.

A pesar de que era su segundo disco "Clouds" suena a un álbum de madurez rara vez superado por Joni (tal vez sólo "Blue" del '71, lo consigue) y en él se puede apreciar todo el talento de la señora Mitchell en una combinación rara de juventud, con su frescura y energía, con la madurez que vendría después y esto es muy difícil de encontrar en la misma obra, de allí que sea la mejor recomendación para conocer o redisfrutar a la gran Joni Mitchell, si quieres mi querido lector(a) hacer o hacerte un regalo que mitigue las penas del atribulado mundo en que vivimos y poner en tu vida o en la de una persona amada una poca de belleza, esta obra maestra de la canción es una muy buena alternativa que para colmo, es un álbum bello desde la portada, un agasajo a la vista.

Los arreglos son sencillos, pero las armonías usadas son poco convencionales, Joni tocó guitarra y teclados y el único músico invitado fue Stephen Stills que tocó guitarra, es un disco muy folk, pero con influencias del rock ácido del movimiento llamado "costa oeste", que en ese momento permeó a toda la música que se hacía en Norteamérica.

LOS DISCOS DE 1969. Beck-Ola.

THE JEFF BECK' GROUP

"Beck-ola"

1969

 

The Jeff Beck Group ha sido la más mitificada y reconocida banda de todas las lidereadas por Jeff Beck, una banda perfectamente cohesionada formada por "super estrellas" del Rock.

Jeff Beck - guitarras , coros
Rod Stewart - voces
Nicky Hopkins -  piano y órgano
Ronnie Wood - bajo
Tony Newman - tambores.

Beck ya un consagrado, no se metió en honduras ni se complicó la vida, recurrió a músicos de probada capacidad en el escenario del Rock Británico y que además eran sus amigos, como invitar a los "cuates" a la casa, platicar y "echarse la paloma" improvisar, cantar y tocar las clásicas y una que otra novedad, escuchada recientemente o acabada de componer.

Sabedor de sus habilidades con la guitarra, la complementó con un bajo más que correctamente tocado por Wood, la voz de Stewart que es todo un milagro, sin ser poderosa ni un prodigio de técnica, es una de las voces más conocidas del Rock, por ese timbre tan especial, tantas veces tratado de imitar y tan pocas veces conseguido; trajo también a un baterista de competencia alta y llamó a un artista "mágico", uno que tenía la "gracia", el don de dar luz a los discos en los que participaba, el pianista más extraordinario de toda la historia del Rock, el gran Nicky Hopkins (¿se nota que soy fan de Hopkins?).

El segundo paso, fue elegir el repertorio, con dos "oldies", clásicas hechas famosas por el "Rey" Elvis, una pieza instrumental y cuatro composiciones de la banda, con una fórmula ampliamente dominada por todos los participantes que consistía en una base de Blues que en muchos momentos "progresa" hacia un hard rock de gran energía, música sencilla, sin grandes complicaciones, géneros muy "pegadores", esencia blusera y vocación roquera.

 Beck-ola es todo un clásico, uno de esos discos fundamentales en la historia, con excelente recepción de público y crítica, ascenso rápido en las listas e infaltable en cualquier colección que se respete, y es que ese "duelo" entre la guitarra de Beck y la voz de Stewart, teniendo como fondo, ornato y "cuerpo", al piano de Hopkins, con una definición y consistencia extraordinarias y no muy frecuentemente vistas, hicieron de este ejercicio lúdico, de esta reunión de amigos, el milagro de un irrepetible, de un fuera de serie.

Side A
1. All shook up
2. Spanish boots
3. Girl from Mill Valley
4. Jailhouse rock

Side B
1. Plynth (water down the drain)
2. The hangman's knee
3. Rice pudding 

Portada: del famoso pintor Rene Magritte.