ROCK ARGENTINO. Durazno Sangrando.

INVISIBLE.

"Durazno Sangrando".

1975.

 Spinetta ya era en 1975, año en que se grabó éste disco, un icono indiscutible del rock argentino, tenía en su curriculum, haber sido el líder de dos bandas fundamentales e históricas Almendra y Pescado Rabioso, poseía una rica trayectoria como compositor , arreglista y era considerado uno de los más importantes guitarristas del país.

Durazno...no es el primer disco de los tres que grabó éste trío, hemos estado comentando puros discos debut de los roqueros argentinos, pero en el caso presente, es éste el que me parece extraordinario y es el intermedio, con un Spinetta convertido en un músico muy completo y maduro, componiendo música compleja, misteriosa y virtuosa, acompañado por dos excelentes instrumentistas y haciendo honor a los grandes tríos de la historia del rock, capaces de hacer música extraordinaria con una guitarra, un bajo y una batería.

Las letras, como de costumbre, son extrañas y surrealistas, chorros de ideas y visiones que caen sobre el oyente sin darle tiempo para asimilarlas y en perfecta armonía con una música que es convencional y no lo es, porque a menudo transgrede las reglas de la armonía y la rítmica, éste es, para su servidor, y sin arriesgar mucho al afirmar, uno de los grandes discos de toda la historia del rock argentino, en los "videos" está el disco completo, disfrútenlo.

 

ROCK ARGENTINO. Porsuigieco.

PORSUIGIECO.

1976.

Porsuigieco nació como un divertimiento, se juntaban los amigos e improvisaban, se divertían y abrían puertas, luego se pensó más seriamente como una banda de rock acústico con claros tintes folk y al final, fue utilizando más los arreglos para instrumentos elécticos y termino como una banda de un solo disco que tocaba folk- rock.

Para bautizar a la banda, tomaron partes de los nombres de los integrantes, empezando con Porcheto, luego los nombres de Charly García y Nito Mestre los resumieron en Sui, abreviatura a su vez de Sui Generis, el grupo que los hizo famosos y que acababa de desintegrarse y al final, quedó el apellido completo de León Gieco, a María Rosa Yorio, la quinta integrante del grupo no la incluyeron, no sé si por ser menos famosa que los otros o por ser mujer, o porque no aportó como compositora ni como ejecutante de algún instrumento o porque sólo canta en tres piezas o por todas las razones anteriores.

El trabajo de componer las canciones se dividió entre todos aunque hay una aportación mayor de Gieco y Charly, la foto de la portada es de Charly, la tomó sin pensar que fuera a tener tal fin, por su amateurismo y malísima definición no contaba con la aprobación del resto de la banda, al final la pusieron como portada y se volvió clásica como el disco mismo.

ROCK ARGENTINO. Che Pibe.

RAÚL PORCHETTO.

"Che Pibe".

1982.

Raúl Porchetto es otro de los píoneros del Rock Argentino, hizo su disco debut en 1972, cuando el género daba sus primeros pasos, ése disco se llamaba "Cristo Rock" y estaba sin duda influenciado por Jesus Christ Superstar, es un alegato en favor del personaje y sus enseñanzas y contra la instutición que las usurpa y manipula, luego formó parte de Porsuigieco, supergrupo formado por: él Porchetto, Charly y Nito que acababan de desmantelar Sui Generis y León Gieco, Por-Sui y Gieco.

"Che Pibe" se grabó cuando aún estaba gobernando Argentina la dictadura militar y todas las canciones tienen algo que ver con la visión de los jóvenes argentinos sobre esa dictadura, las letras son muy politizadas y abordan la situación de la juventud: sin oportunidades, sin voz ni voto y sin futuro.

Conocí la música de Porchetto en los primeros ochentas, cuando las disqueras empezaron a promover grupos de rock que cantaran en castellano y uno de los más escuchados en la radio era él, sin pretensiones de hacer una música compleja como la de Charly en La Máquina o en Seru, sin coqueteos con el Jazz como hacía Nebbia, sin la virulencia de Los Redondos y sin el surrealismo musical de Spinetta, Porchetto siempre ha hecho un rock muy cargado de Pop, muy convencional y su verdadera aportación está en sus letras,que siempre cuestionan algún aspecto social que no anda bien.

ROCK ARGENTINO. Yendo de la cama al living.

CHARLY GARCÍA.

"Yendo de la cama al living".

1982.

Disco debut de Charly García como solista, después de haber hecho historia y leyenda con Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros y Seru Giran, sus tres bandas precedentes que en conjunto y cada una, son fundamentales e indispensables en la historia del rock argentino.

Es también uno de los primeros discos de rock hecho en Argentina, que escuché y el primero donde estuviera Carlos Alberto Gracía Moreno, nombre oficial y completo del escandaloso Charly y con mi escasa costumbre de escuchar  rock en castellano, me resultó impresionante, sobre todo por las letras, provocadoras, irónicas e iconoclastas.

El contexto social en que se grabó, estaba marcado especialmente por la reciente guerra de las Malvinas y el tono y temática de las letras de Yendo... reflejan en muchos momentos el trauma que esa guerra significó para la juventud argentina: "No bombardeen Buenos Aires", "Yo no quiero volverme tan loco" o "Inconciente Colectivo", esta última grabada en el disco con la voz de Mercedes Sosa, son ejemplo de lo dicho.


En el mismo año, Charly grabó también la música para la película "Pubis Angelical", basada en la novela homónima de Puig, esa grabación fue por mucho tiempo casi imposible de conseguir, por lo menos en México, pero un día, cayó en mis manos ésta edición de 1994, que incluye todo el soundtrack, de modo que si éste artículo despierta interés por conseguir Yendo..., conviene en ésta edición.

ROCK ARGENTINO. Gulp.

PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA.

"Gulp".

1985.

Los Redondos, como los conocen mejor sus fervorosos seguidores, son la más grande leyenda del rock argentino, nacidos como banda en La Plata en 1976, se hicieron de gran popularidad tan sólo por sus presentaciones que, según se dice se difundían de boca en boca, sin otro tipo de publicidad, ni difusión.

Cuando en 1984 grabaron su primer disco, debido a que se negaban a grabar con las grandes compañías, ya eran todo un fenómeno y sus cabezas visibles el Indio Solari y Skay Beilinson eran sin duda la pareja de compositores de canciones más originales del rock.

En 1991, en una presentación, fueron detenidos varios seguidores de Los Redondos por ocasionar desmanes y uno de ellos después apareció muerto, este acontecimiento provocó manifestaciones de seguidores de la causa redonda y a partir de allí, se creó una fanaticada fiel y adoradora que canta como barra futbolera "Soy redondo", en un fenómeno comparable solamente con Grateful Dead y los "muertos" que los siguen, porque en estos dos casos los seguidores son literalmente eso, siguen a su grupo favorito a donde vaya.

Y Los Redondos, facilitaban esta acción peregrinatoria, porque así como nunca se promovieron en la televisión, como una cuestión de principios, tampoco actuaron nunca fuera del suelo argentino, jamás tocaron en otro país en los veinticinco años que duro en activo la banda, disuelta en 2001, por supuesto que posiciones como éstas, aumentaban el fervor y la adoración de los fans que adoptaron la identidad ricotera como forma de vida.

ROCK ARGENTINO. La, la, la.

SPINETTA Y PÁEZ.

"La, la, la".

1986.

El encuentro para grabar un disco de dos de los más talentosos compositores del rock argentino, Spinetta y Fito Páez, devino en un clásico que veinticinco años después, sigue escuchándose y las piezas que lo conforman son todavía, parte de los repertorios de sus autores en las presentaciones en vivo.

Cuando conocí este disco, poco sabía de la obra de Páez y de Spinetta, había escuchado "Ciudad de pobres corazones" de Fito y algo de Spinetta Jade (el entrañable "Bajo Belgrano"), no estaba familiarizado con la obra de ninguno de los dos, pero dos nombres conocidos y de los que había escuchado algo, resultaba una combinación atractiva.

El disco me impresionó desde el principio por su aire oscuro, introspectivo y surrealista que sonaba en total coherencia, no parecía para nada una mezcla forzada, ni una lucha de egos, ni dos discos distintos en el mismo pedazo de vinilo, inclusive me era difícil distinguir las voces de cada uno y ni de broma sabía a primera oída quién era el autor de cada pieza.

Con el tiempo y el conocimiento de la obra de uno y otro, empecé a distinguir las canciones de Páez y por eliminación, las del "Flaco", pero seguía pareciéndome sorprendente, cómo la mezcla resultaba sin fisuras, una obra única con sus diversos pasajes, hoy llego a la conclusión de que dos factores no visibles hicieron el milagro: el extraordinario momento creativo que vivían los dos artistas, que tienen vastas obras ambos, pero aún a la distancia de un cuarto de siglo, en "La. la. la ¡están varias de sus mejores e inmejorables canciones! y un álbum con buenas canciones de principio a fin, siempre sonará coherente y brillante.

El segundo factor, está en los arreglos que uniformaron la producción, pero sobre todo los de cuerdas que hizo Carlos Franzetti y que le dan su sello al disco, ese sello oscuro y desolado, muy ad hoc con los textos, tal vez esos arreglos alejen al álbum de los límites del "rock", pero eso es lo de menos, es una obra maestra de dos hombres dedicados e inclinados al rock, pero abiertos de mente y creatividad, en un momento clave de sus carreras, uno de esos momentos que producen grandes obras o las producen, no hay elección.

Originalmente, "La, la, la" era un álbum doble, ya en la era del CD, se reeditó en éste formato, pero con una grave omisión, trataron de meter los dos LP en un sólo CD y faltan tres piezas, dos instrumentales y la que, según su servidor, es la segunda mejor canción del disco, "Hay otra canción", (la primera es la bella y genial "Parte del aire"), por fortuna en los "videos" incluidos, la encontré, disfrúten estas muestras del memorable "La, la, la".

ROCK ARGENTINO. Almendra.

ALMENDRA.

"Almendra".

1969.

Almendra es junto con Manal y Los Gatos, la semilla del rock argentino, son las primeras bandas que accedieron a los grandes públicos, le dieron una identidad al rock argentino, abrieron brecha para que otros pasaran y fueron el paradigma por mucho tiempo. 

Se formó en 1967, como en muchos casos en la historia del rock mundial, con compañeros de la escuela con inquietudes roqueras, los susodichos condiscípulos eran: Luis Alberto Spinetta, emblemático personaje del rock platense, guitarrista y cantante; Edelmiro Molinari, guitarrista y también cantante; Emilio del Guercio, Quien tocaba el bajo y hacía coros; y Rodolfo García, encargado de la rítmica de la banda en tambores y platillos.

Durante su existencia como banda grabaron tres álbums en estudio: "Almendra", "Almendra II" y "El Valle Interior"; dos álbums en vivo, conocidos como "Almendra en Obras I" y "Almendra en Obras II", además de varios singles, en la edición que cayó en mis manos, de 1992, está el disco debut de la banda y once singles de distintas épocas , producto de la era globalizada, es un disco hecho en Canadá, pero más o menos fácil de conseguir, para los interesados.

En este debut, la mayoría de las piezas son obra del "Flaco" o sea, Spinetta, en su faceta de adolescente rockpopero, aún no aparecían sus letras oscuras y las estructuras musicales tortuosas y extrañas, que distinguirían su larga y fructífera carrera como figura principalísima del rock argentino, pero eso no significa que sea pop fácil e insustancial, ya hay preocupación por hacer textos dignos y los tejidos melódicos y armónicos poseen aspiraciones importantes.

En los "videos", está casi todo el LP, sólo faltan "Color Humano" de Edelmiro y "A estos hombres tristes" del "Flaco", de modo que para quien no los conozca, hay material suficiente para darse una idea, y una vez más, una disculpa de los lectores acostumbrados a bajar el disco completo,pero no quiero arriesgar a Los Sueños a que sufran la misma suerte que mi querido blog que perdí.

ROCK ARGENTINO. Tiempos Difíciles.

JUAN CARLOS BAGLIETTO.

"Tiempos Difíciles".

1982.

El primer disco de Juan Carlos Bglietto está sostenido firmemente, además de en la voz excepcional del cantante rosarino, en las canciones que integran el repertorio, todas compuestas por paisanos de Baglietto (Fito Páez, Adrián Abonizio, Jorge Fandermole, y Rubén Goldin), además de que Goldin y Páez, hacían los arreglos y eran parte de la banda con la que se presentaban.

Hoy a está camada de músicos rosarinos que cambiaron el panorama de la música argentina a principios de los ochentas, se les conoce como "La trova rosarina" y son iconos de la cultura, pero no era así en 1981, cuando se presentaron en el Encuentro de Música Popular, en Buenos Aires y dejaron asombrado a medio mundo, pues ni en el rock, ni en la música folk, y mucho menos en el pop, se podían escuchar estas historias profundas, bellas y conmovedoras que además estaban escritas con exquisitez y elegancia e interpretadas por un grupo de excelentes músicos y arreglistas y por si no fuera suficiente, cantadas por una voz verdaderamente excepcional, la de el que habria de ser conocido en adelante, simplemente como Baglietto. 

Aquí aparecen varias piezas compuestas por Fito Páez, cuando aún no cumplía veinte años pero ya era un "niño prodigio" de la composición de canciones y como tecladista, en los videos hay varios ejemplos de ellas "La vida es una moneda", "Puñal tras puñal", "Sobre la cuerda floja") y la absolutamente bella y excepcional "Era en Abril" de Jorge Fandermole.

ROCK ARGENTINO. Del 63.

FITO PÁEZ.

"Del 63".

1984.

 Otro debut sorprendente y ejemplar en el escenario del Rock Argentino fue el que inició la carrera discográfica de Páez con grabaciones a nombre propio, se llamó "Del 63", como el título de una de sus piezas, la que da inicio al disco y que alude al año de su nacimiento, de modo que si hacemos cuentas, Fito tenía 21 años cuando grabó esta pequeña joya, propia de un orfebre consumado.

Pero Fito no era un desconocido cuando hizo éste disco, hacía tiempo que había llegado a Buenos Aires desde su natal Rosario y estaba integrado plenamente al ambiente roquero, participando con distintos músicos en festivales y proyectos distintos, pero su mayor carta de presentación eran los dos primeros discos de Juan Carlos Baglietto, otro rosarino, que no hacía canciones, pero tenía un olfato extraordinario para elegirlas y un talento excepcional para interpretarlas.

En "Tiempos Difíciles" (1982), disco debut de Baglietto, y primero del rock argentino en alcanzar disco de oro, aparecen cinco piezas compuestas por Páez, además de que hizo arreglos y tocó teclados, entre las piezas paezianas mencionadas estaban. "Sobre la cuerda floja", "La vida es una moneda" y "Puñal tras puñal", que son desde entonces canciones clásicas e inmortales del movimiento roquero en La Argentina.

En el segundo disco de Baglietto, llamado así, se grabaron otras dos canciones de Páez sorprendentes por su madura calidad, difíciles de asociar con un compositor que completaba su segunda década de vida: "Tratando de crecer" y "Un loco en la calesita", eran estos prodigios que ya tenían a Páez en la lista de los jóvenes compositores extraordinarios de la nueva música argentina, varios de ellos nacidos en Rosario.

Del 63, es un disco más bien oscuro, con letras desgarradoras, poseedor de un gran dramatismo, entre el rock progresivo y toda la tradición musical y lírica argentinas, porque eso sí, si en alguna parte de mi gran patria latinoamericana se hacen canciones con letras de gran calidad es en Argentina, sea en los tangos, las milongas, las zambas  o el rock, no se que tan difícil sea conseguir fuera de Argentina o dentro de ella éste disco del todo recomendable y me encantaría compartirlo, pero acabo de sufrir la eliminación de mi otro blog por ser compartido, de modo que les dejo estos "videos", con piezas del disco, recomiendo en especial "La rumba del piano", genial y amorosa pieza que Fito le compuso a su piano.

ROCK ARGENTINO. Sui Generis.

SUI GENERIS.

"Vida".

1972.

Sui Generis es uno de los grupos emblemáticos, históricos y clásicos del Rock Argentino, es la banda donde nacieron Charly García y Nito Mestre, dos de los grandes roqueros argentinos y "Vida" es su disco debut, después de que el grupo estuvo a punto de desaparecer y quedó reducido a un dúo.


Charly tocando guitarra y teclados, además de cantar y Nito con voz, guitarra y flauta fueron más que suficientes para hacer uno de los grandes discos debut de la historia del rock argentino, muy cargado del lado "acústico", como se les dice a los discos donde predominan los instrumentos no electrificados, término mal usado porque todo lo que suena es acústico, por cierto que los argentinos usan más el término "desenchufado", que resulta más adecuado.


Las piezas parecen de compositores maduros y consagrados y no de un "chamaco" (Charly) que a penas pasaba de los veinte años, con letras demasiado bien construidas, ricas, imaginativas y hasta poéticas, en un formato muy cercano al folk norteamericano, digamos que con notable influencia de Dylan, Buffalo Springfield, The Byrds, The Band, anexas y puntos intermedios.

"Vida" con sus casi cuarenta años de existencia, sigue siendo muy actual, porque sus temáticas están vigentes y un ejemplo para todos los rockers latinoamericanos, una cátedra de como hacer un álbum de rock, sin producción millonaria ni grandielocuencias inútiles, puro talento y sencillez, cosas que no se compran porque no tienen precio.

ROCK ARGENTINO. León Gieco.

LEÓN GIECO.

1973.

Raúl Gieco, nombre oficial de León Gieco, nació en la provincia de Santa Fé a principios de los años cincuenta, desde muy niño (7 años), empezó a tocar la guitarra con canciones de tipo folclórico y en la adolescencia tocaba todavía música folclórica y a la vez participaba en un grupo de rock, estos dos gustos marcaron su obra de madurez que es siempre una mezcla roquero-folclórica.

 Ganó con su grupo un concurso en Rosario y esto lo catapultó hasta Buenos Aires, donde conoció a Litto Nebbia y a Santaolalla, el que hoy es un famoso productor y ha estado desarrollando un proyecto que mezcla tango y música electrónica, en esos tiempos (principios de los setentas), Gustavo tenía un grupo llamado Arco Iris que hacía también un rock folclórico y sicodélico.

Estas dos amistades le permitieron a Gieco entrar en la escena bonaerense del rock, participó en varios festivales, hizo el famoso grupo Porsuigieco, en donde paticipaban: Raúl Porchetto Charly García y Nito Mestre los integrantes de Sui Generis, Gieco y María Rosa Yorio, en 1973 grabó éste, su disco debut, producido por Santaolalla con quien desde entonces sostiene una estrecha amistad que los ha llevado a realizar diversos proyectos, de los que el más famoso es "De Ushuaia a la Quiaca", un recorrido por toda la Argentina recopilando música popular, grabándola y haciendo un gozoso ejercicio de compartir música. 


Éste primer disco y el segundo, llamado León Gieco y la Banda de Caballos Cansados (obvia referencia a "All the tired horses" del álbum Selfportrait de Dylan), son los discos dylanianos de Gieco, en ellos no oculta su idolatría hacia Mr, Zimmerman, desde "El país de la libertad, con que abre el disco, armónica y guitarra solamente, hay mucho rock folk y una aportación importante es la inclusión de ritmos e instrumentos del folclor argentino.

Las letras son odas al campo y la vida campirana, la libertad, el amor, la naturaleza y sobre todo a la alegría, es sumamente difícil encontrar en toda la discografía del León una canción pesimista, triste, iracunda o permeada por el odio, hay canciones como "Los chacareros de dragones", que cuentan una historia trágica, en su caso, la muerte de Víctor Jara en el Estadio Nacional de Santiago, después de que le cercenaron las manos, Gieco la cuenta con todo su dramatismo, pero no hay un tono de odio o tristeza.

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ROCK MEXICANO. Carlos Arellano.

CARLOS ARELLANO.

"Canciones Domésticas".

1986.

Desde Puebla de los Ángeles, llegó al mundo del rock mexicano, éste cantautor que tuvo una de sus canciones tocando en el radio durante el boom del rock en español de los años ochenta, se movía entre el esquema del canto nuevo y el rock, como les sucedió a muchos que parecían temer traicionar a algo o a alguien si dejaban la solemnidad trascendente del canto nuevo con sus asuntos "serios", para acercarse al frívolo desmadre del rock.

En el caso de Arellano, me parece que quería hacer un disco de rock, pero por encima de ésa preocupación, estaba la de hacer letras dignas de ser leídas, claras en principio y cultivadas de ser posible y este es el aspecto que destaca en el disco, la temática que delinean las letras, es más bien intimista, las peripecias del cancionero persiguiendo a la inpiración, los problemas y delicias de la vida en pareja, la filosofía de la vida cotidiana, el amor concreto o abstracto, y las preocupaciones existenciales y sociales.

Al final el diso es una mezcla de canciones casi roqueras, no del todo convencidas de serlo y piezas en la tónica del "canto nuevo", tranquilas para que se aprecie el texto, intímas y existenciales, lo que actúa como hilo conductor y elemento cohesionador, son los ya mencionados textos, siempre bien cuidados y por eso, agradecibles.

El disco que comparto con los lectores es el LP original, en algún momento se hizo una edición en CD que también ya es difícil de conseguir; Además de Arellano quien es el autor de todas las canciones y el que las canta, participaron en la grabación: Olinto Montiel en guitarra líder; Jesús Romero en guitarra; Luis benítez en el bajo y Armando Delgado en batería.

Aquí se descarga el disco.

 

 

JAZZ MEXICANO. Isabel III, Cipriano y Kitroser.

ISABEL III, CIPRIANO Y KITROSER.

"Escuela de Bufones".

1997.

 Portada del disco con obra de Jazzamoart, el artista plástico amante del Jazz que también lo toca.

JAZZ MEXICANO. Gil y Cipriano.

GIL Y CIPRIANO.

"El Costumbre".

1989.

 

El Costumbre es un trabajo de Arturo Cipriano, posterior a la disolución de La Nopalera y anterior a la formación de Mitote, si la memoria no me falla, se editó en 1989, no puedo precisar fecha, porque Pentagrama, la disquera que lo editó, tiene la mala costumbre de no fechar muchas de sus producciones, como si ese dato no fuera trascendente, ya salió el LP y ya salió el CD y ninguno de los dos tiene la fecha.

La Nopalera IV, se dió a conocer en 1980 y de allí a la aparición de "El Costumbre", parece que Arturo Cipriano, no grabó nada, en alguna ocasión leí que se había embarcado en un viaje por toda Latinoamérica, donde conoció a muchos músicos, mucha música y se empapó de todas las subculturas que tenemos en la gran nación Latinoamericana, que el viaje duró varios años y para sus escuchas estaba desaparecido.

En la edición de CD, ya no dice que sea sólo un disco de Cipriano, sino de Gil y Cipriano, por la participación importantísima de Gil Gutiérrez como compositor en dos piezas y como músico en guitarra y tiple, respaldados por la llamada Orkesta Nopal-Era, formada por músicos de varios ambientes, rock, jazz, nuevo canto y hasta folk, ya aparece Isabel Tercero, la otra parte fundamental del Mitote y una chava que cantaba con el grupo Tijuana No, sí la hoy famosa Julieta Venegas, también en coros, están jaramar Soto y Gerardo Enciso, ambos tapatíos y se dice que se grabó en Tijuana y Guadalajara, eso explica tal vez, la aparición de tan célebres personalidades.

La música del disco tiene muchas herencias nopaleras, para su servidor entrañables, pocos grupos musicales me mueven tantas neuronas y sentimientos con su sonido inconfundible que, por supuesto, es el sonido ciprianista combinado con las letras en ese idioma sui generis inventado por Arturo, están los ritmos latinoamericanos, los destellos roqueros y la esencia "cantonuevista", pero el otro elemento que ya aparecía en "Tremendo alboroto",  tercer disco de la Nopa,y en "Cristal" de Gerardo Bátiz y Cipriano ya empieza a ser dominante, y se llama el Jazz.

Una vez más, Arturo Cipriano, un personaje muy importante en la música mexicana, aunque muy pocos mexicanos sepan quién es, estaba abriendo rutas con ésta producción, había nuevamente, inventiva, frescura, experimentación y maestría, sí todo eso, en un disco que nadie conoce.

Aquí se descarga el disco.

LOS RUPESTRES. Roberto y Jaime.

ROBERTO Y JAIME.

"Sesiones con Emilia".

1980.

Roberto González y Jaime López grabaron éste disco cuando ya había desaparecido "Un Viejo Amor", el grupo donde ambos iniciaron su carrera de compositores e intérpretes, ya emigrados a la Gran Chilangotitlán, el uno desde Veracruz y el otro desde la frontera norte, Matamoros Tams. para ser más exactos.


Parece que la idea era dejar memoria del "añejo amor" que nunca tuvo registros magnetofónicos y como los dos compositores en ese grupo eran ellos, no tenían problemas para usar sus canciones en una grabación, no se si Emilia Almazán también era parte del "amor del pasado", pero para la grabación de 1980, cantó, tocó guitarra e hizo coros, de allí el nombre del disco "Sesiones con Emilia".
 

No es arriesgado decir que con ésta grabación se inicia el rock rupestre, no tengo datos precisos, pero tampoco puedo recordar ningún disco de la "rupestreada" anterior, lo que sí es evidente es que en él están todos los elementos que caracterizaron al Rock Rupestre: los tres músicos que lo hicieron fueron y siguen siendo protagonistas de dicho movimiento; los arreglos y la producción en general, es mínima e indispensable (muy rupestre); los temas de las canciones son, la enajenación, el consumismo, la vida urbana, la libertad, el amor y la muerte y la intención, la actitud e incluso la ideología oscila entre el rock y la canción de protesta.

El disco fue producido por Modesto López, actual dueño y director de Pentagrama y gracias a eso tenemos una edición en CD, porque la original en LP, la lanzó al mercado "Fotón", editora de discos ya desaparecida y que pertenecía al Partido Comunista Mexicano, dicha empresa solía sacar discos con altos contenidos "revolucionarios", con claras consignas a favor de la revolución proletaria, la lucha de clases, el imperialismo y la ideología proletaria, por eso un disco como éste resultaba muy extraño y a la vez refrescante, chavos que teniendo conciencia social, hacían canciones referentes a su cotidianidad, con un ojo crítico, no exento de humor y frescura juvenil.

La totalidad del material tiene una calidad uniforme en letras, música y arreglos, pero hay dos piezas que me parecieron en su tiempo y me siguen pareciendo excepcionales: Mi Libertad, un alegato por el regreso de un bien perdido, lleno de ternura, ingenuidad y ardor, también me impresionó mucho "El Huerto", una de las grandes canciones del rock nacional y de la música mexicana en general, poco valorada y poco conocida entre los grandes públicos, ambas son composiciones de González, pero también están las de López quien ya se revelaba como un compositor de gran habilidad en el manejo de las palabras y el humor caústico, en ese entonces, cualquiera le hubiera augurado mayor crecimiento a Roberto, pero el que se hizo gigante, fue Jaime.