martes, 29 de abril de 2014

LOS DISCOS DE 1969. Supersnazz.



THE FLAMIN' GROOVIES
"Supersnazz"
1969







Los Groovies eran o probablemente siguen siendo (tengo noticias de que siguen rocanroleando), un grupo de rock 'n' roll, boogie, blues y R & B, géneros de raíces profundas, música básica pero llena de sentimiento y estos californianos eran la imagen viva de la energía, el sentimiento, el ritmo y la maestría, la enorme maestría que mostraban en el manejo de sus instrumentos, los tiempos y el ritmo.

En los Groovies, no hay sofisticaciones, no hay efectos especiales ni variedad de instrumentos, pero con las guitarras y los tambores hacían una música magistral y virtuosa.

Sus cuatro primeros discos, que son los que conozco: Sneakers, Supersnazz, Flamingo y Teenage Head, son simplemente geniales, con composiciones propias o covers sensacionales, que tienen la extraña virtud de tener el sello de los Flamin', sin dejar de ser las piezas clásicas que son.

Y como estamos repasando los discos de 1969, corresponde homenajear al primero de sus discos L.P. que para muchos conocedores es el mejor  y se llama "Supersnazz", una obra fuera de lo común en el contexto en que se produjo: los fundadores de la banda, estaban deslumbrados por los sonidos de la "Ola Inglesa", eran fans de los Beatles y otros grupos del otro lado del Atlántico.

Nacieron en San Francisco, la Meca del "hippismo" y en la época en que este estaba en su apogeo, es más, el disco que nos ocupa se publicó en 1969, el año estelar del movimiento, el del verano del amor, el del Festival de Woodstock, cuando los sonidos de la sicodelia resultaban irresistibles y no había banda que no se dejara seducir por ellos, pero los Flamin' no.

Ellos hicieron un disco de Rock and Roll cincuentero, Blues y R&B, con piezas propias y algunos covers de impecable ejecución, Cyril Jordan (guitarra, vocales), Roy Loney (guitarra, vocales), George Alexander (bajo, armónica, vocales), Tim Lynch (guitarra, armónica, vocales) y Danny Mihm (batería) eran todos excelsos ejecutantes de sus instrumentos, compositores de canciones consistentes y potentes y así como divirtiéndose, jugando, hicieron un gran disco que sorprende a cada momento con detalles virtuosos de los guitarristas, la base rítmica y hasta el canto, si es un disco de revival, pero con un sound absolutamente de la época, después vendrían otras grandes obras y una segunda vida de los Groovies, ya instalados en Europa, pero esa... esa es otra historia.






viernes, 18 de abril de 2014

CANCIONES FAVORITAS. Revolver.



TAXMAN
Autor: George Harrison 
Intérprete: The Beatles





"Taxman" es una puerta, la que abrió a la expansión la música "beatle" y se dice que la canción que empezó la revolución de la música popular, más importante en muchas décadas, es la pieza con que abre "Revolver", el primer disco con el que The Beatles dejaron su primera época de músicos "pop" sobresalientes, para convertirse en maestros revolucionarios del arte de hacer y grabar canciones, sí, leíste bien mi querido lector(a), porque desde entonces grabar discos cambió de un conocimiento técnico a todo un concepto sónico de gran complejidad.

La pieza dedicada a los cobradores de impuestos que ya diezmaban las formidables ganancias de los cuatro "nuevos ricos", fue compuesta por George Harrison, quien no componía con la fecundidad de John y Paul, pero que cada vez aportaba más canciones al acervo "beatlesco" e invariablemente sus piezas eran joyas deslumbrantes.

Es una canción de protesta contra el sistema y en especial contra el sistema tributario que según palabras de George: "si andas por la calle, te van a cobrar impuestos por los pies", se dice que Lennon colaboró de forma importante en la composición, aunque es esencialmente una canción de George muy sui generis porque en ella George toca la cortante guitarra de acompañamiento, enmarcada por la exacta y emotiva sección rítmica de Paul con el bajo y la batería de Ringo y el "solo" de guitarra es ejecutado por... nada menos que McCartney y tal vez sea el único caso de una canción de ellos en donde Harrison cedió la guitarra principal a Paul.

Hablando de la grabación, "Taxman", tiene dos trucos importantes que se hicieron totalmente manipulando las grabaciones: la voz doblada de George que le da un sello especial y contrasta con los coros de Paul y John y la repetición del solo de guitarra al final, que no volvió a tocar Paul, sino que fue idea del productor, otra peculiaridad de la grabación es que se escucha la cuenta previa al inicio de la grabación.







miércoles, 16 de abril de 2014

LOS DISCOS DE 1968. Twain Shall Meet.



THE ANIMALS
"THE TWAIN SHALL MEET"
1968




La reunión de dos a que alude el título de este disco memorable, supongo que se refiere a la música negra y al naciente rock británico y si no es así, no importa, el disco es uno de los grandes de todas las épocas, su antecesor "Vientos de cambio" era un aviso de la evolución que se acercaba, en el rock, en la expresión juvenil y en la cultura en general y los Animales, banda imprescindible en la famosa Ola Inglesa, invasión o alguna de las formas en que se bautizó al muy creativo movimiento musical juvenil británico de fines de los sesentas, fue uno de sus protagonistas.

The Animals, tenía a uno de los grandes vocalistas británicos de esa época, porque ser uno de los grandes significaba entonces: cantar "a lo negro", entender, sentir e interpretar de la forma más fiel, al estilo de los grandes cantantes norteamericanos de Blues, Soul o cualquiera de las manifestaciones musicales afroamericanas, el susodicho entonador de canciones era Eric Burdon, quien muy bien acompañado, creó una serie de éxitos radiofónicos, una serie de álbums memorables y un estilo de experimentación musical históricos.

Los Animales abrevaban en la música negra, pero sin renunciar a su propia cultura musical de gran tradición y en los tiempos de que hablamos, Burdon había refundado la banda, trasladándose a la capital de la cultura hippie, la famosa "Monterey" que homenajea y reseña el famoso festival, da fé de estas andanzas por la costa oeste norteamericana.

La inspiración del rock ácido, la música oriental, y el bagaje que ya poseía Burdon, crearon este disco extraordinario y entrañable, recomendado para todo oyente, porque es novedoso, creativo, delicioso y entrañable.


















viernes, 28 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1969. Stand up.



JETHRO TULL
"Stand Up"
1969




Si "This Was" es una obra maestra del blues-rock británico, "Stand Up", no es su continuación y esto resulta raro en una banda que empezaba su carrera; ¿por que no seguir con algo que era popular, innovador y podía ser explotado un rato más? Parece que la respuesta es que Ian Anderson tomó el control total del concepto Jethro, componiendo, arreglando y diseñando, paso a paso uno de los "sounds" o conceptos musicales más originales de toda la historia del Rock.

El delicioso blues a lo Jethro que distingue al álbum debut de la banda ya no aparece o está perfectamente camuflado, en cambio, hay muchos elementos variados y de diversos orígenes amalgamados por la mente libre y creativa de Mr, Anderson: el folclor celta ocupa mayores espacios, la música de cámara se revela como influencia importante, la cosmovisión que reflejan las letras, con raíces en el folclor, el costumbrismo, los mitos y un mundo mágico desaparecido por la irrupción de la sociedad industrial y urbana, son todos elementos que en este disco definieron al Jethro Tull histórico.

Hay joyas como "Fat Man" donde Anderson toca una mandolina, instrumento totalmente inusual en el rock, una especie de balada tradicional tocada solo con la mandolina, percusiones y la voz, extraordinaria y novedosa; está también "Bourée", que es la Bourée en Do menor de J.S. Bach, con un tratamiento de Jazz-rock y no aparecido en el rock antes, la flauta de Anderson, virtuosa y emotiva, apoyada solo por una sección rítmica de bajo y batería que le imprimen su sello contemporáneo.

En "Stand Up" está también una canción llamada "We used to know", que no tuvo gran trascendencia, a pesar de ser una gran canción, hasta que The Eagles, banda norteamericana que alguna vez fue "telonera" del Jethro en sus giras por norteamérica, la recicló, para no decir que la plagió y la convirtió en la célebre "California Hotel". Anderson nunca inició acción legal contra este plagio y tuvo la gentileza y caballerosidad de sólo denunciarlo y aún considerarlo un tributo, ¡bofetada con guante blanco!, pues finalmente el Hotel California fue un fenómeno y éxito en el nivel planetario.

El resto del disco está lleno de sorpresas y piezas de extremo preciosismo que habrían de aparecer reiteradamente en la historia de la banda, "Reason for waiting" es una de ellas y favorita de quien escribe, pero en general es un disco muy parejo en su calidad y es difícil distinguir las mejores partes, el primer gran disco clásico de una banda clásica.

Y por último, otro aspecto para destacar, es la ilustración de la funda, una ilustración de James Grashow, quien era conocido como ilustrador de libros para niños e hizo un diseño que también contribuyó a esa gran revolución que significaron las portadas de los discos de Rock.




miércoles, 26 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1966. 96 Tears.




QUESTION MARK AND THE MYSTERIANS
"96 TEARS"
1966




En casi un siglo de emigración masiva de mexicanos a los Estados Unidos, la situación ha cambiado mucho, de los primeros emigrantes discriminados y sobrexplotados a la gran cantidad de empresarios, profesionistas, funcionarios públicos, deportistas y hasta gobernantes mexicanos o de padres mexicanos que actualmente triunfan en Norteamérica, hay un abismo.

En el rock, la situación no ha sido distinta, a los roqueros mexicanos les ha costado trabajo extra destacar en el medio gringo, pero aún así, una gran cantidad de paisanos han puesto su nombre en los anales históricos del rock norteamericano, mi amigo Asael de "La Crema Rock", publicó una lista bastante completa al respecto.

Pero un grupo pionero en este aspecto fue ¿ (o sea question mark) o signo de interrogación and The Mysterians, en los discos aparecía indistintamente ¿ and The Mysterians o Question Mark and the Mysterians, como si fuera el grupo de los Mistariosos y su líder Question Mark, ingenioso juego de palabras que se les ocurrió a estos chavos, hijos todos de mexicanos que formaron una banda de rock-blues muy exitosa que llegó al sitio número 1 de las listas de popularidad con la canción que dió título a su disco más conocido de 1966.

Pero Los Misteriosos no eran un grupo de un solo éxito, sino una banda de rock y sobre todo de blues muy consistente, su disco más conocido, el que se llamaba precisamente 96 tears, ha sido considerado por distintos críticos e historiadores, como uno de los grandes discos de la historia del Rock, se ha vuelto una grabación "de culto" bastante difícil de conseguir y muy codiciada por los coleccionistas.

El susodicho disco, es un agasajo de principio a fin, con piezas compuestas por los Misteriosos que eran: Bobby Balderrama, Frank Rodríguez, Frank Lugo, Eddie Serrati y el líder, cnatante y principal compositor Rudy Martínez, complementadas con algunos covers extraidos del blues o del soul, su versión de la legendaria "Stormy Monday", incluida en el disco en cuestión resulta sobresaliente.


















sábado, 22 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. Crown of Creation.




JEFFERSON AIRPLANE
"Crown of Creation"
1968





El cuarto disco de estudio de Jefferson, es el que tuvo mayor éxito comercial, llegando al número 6 en las listas de los más vendidos y es uno de esos ejemplos de discos comercialmente exitosos y a la vez, de gran calidad artística, equilibrio y fuerza emotiva, desde que empieza con la bella "Lather", compuesta por la no menos bella Grace Slick, el extraño aire de "In Time" de espíritu decididamente sicodélico y alucinado, la combinación de instrumentos acústicos y eléctricos la voz protagónica y corista de la Divina Gracia, y la guitarra de Kaukonen en plan maestro y acidez memorable..

En "Triad" de David Crosby otra vez la voz de Grace hace magia y el arreglo minimalista le permite el lucimiento; "Star Track", recupera el sonido inigualable del Aeroplano, con Marty Balin, a punto de apearse del avión en la voz principal, revelándose como vocalista excepcional, los coros de Grace y el sonido eléctrico del antiguo Aeroplano, el de "Surrealistic... y "Takes off"; en "If you feel" hay un nuevo impulso con el regreso de Grace como cantante principal, la guitarra de Kaukonen en solos memorables, la riqueza sónica de esta banda incomparable potenciada... anunciando la muy corta pero magistral "Crown of Creation", del estilo del que después sería su himno "Volunteers" con momentos de gran intensidad alternados con los de exquisita calma y dulzura.

Aparece como una una especie de continuación de "After Bathing at Baxter's", el disco que dejó atrás el estilo folk de la banda y la convirtió en un emblema de la música "ácida", de la sicodelia y el sonido San Francisco, es sin duda uno de los grandes discos del Aeroplano,a la altura de sus dos antecesores y del mencionado "Volunteers".




jueves, 20 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1967. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.




THE BEATLES
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".
1967






Para muchos, es el disco más importante de la historia del Rock, para otros, el más influyente, otros piensan que es el más revolucionario y algunos más, el más creativo, su portada fue innovadora y paradigmática, ha sido parodiada, copiada y reverenciada desde hace más de cuarenta años y en muchas publicaciones de esas que compendian lo más importante de un año, aparece como un icono del año 1967.

La concepción del disco tiene sus historias que rayan en el mito, la más conocida es la que nos dice que Brian Wilson, ese genio desperdiciado que lidereaba a los Beach Boys, quedó muy hondamente impresionado cuando escuchó "Rubber Soul" de The Beatles, lo consideró una obra maestra de la música popular y de cualquiera, le pareció que era la obra que innovaba al Rock y un paso adelante en su desarrollo, a la luz de esta inspiración, decidió hacer un disco que lo superara.

Y así creó el también mítico "Pet Sounds", que al ser escuchado por Paul McCartney, sirvió de referencia y competencia, Paul al igual que Wilson, decidió que él sabía como podría ser superado "Pet Sounds", del que dijo que era "el mejor disco vocal que se había hecho" y siguiendo la idea, pensó a Sgt Pepper... como un disco conceptual, o lo que es lo mismo, un disco donde todas las canciones estuvieran unidas por el mismo concepto, o por el mismo hilo temático.

Otro antecedente de su grabación, es el hartazgo al que habían llegado los cuatro de Liverpool, de las presentaciones en vivo y la decisión de abandonarlas para siempre para concentrarse en cuerpo y alma a las grabaciones de estudio, una coincidencia más fue que tenían al productor perfecto para un proyecto así, George Martin, genio de la experimentación sónica en el estudio, y este no es un dato irrelevante, puesto que el trabajo de Martin creando "efectos especiales", representa un alto porcentaje en el carácter revolucionario del álbum y en su desbordante creatividad.

Todas estas circunstancias, más el signo de los tiempos, la erupción de imaginación que produjo la sicodelia y toda la música joven que se hacía en esos momentos, se conjuntaron para crear esta indiscutible obra maestra del arte universal, clásica en forma inmediata, señaladora de nuevos caminos, representativa de una época, documento histórico y objeto entrañable para millones de personas que de una u otra forma lo incorporamos a nuestra vida y nuestra historia personal.






sábado, 8 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. A Long Time Coming.





THE ELECTRIC FLAG.
"A Long Time Comin'"
1968.



Después de su fructífera sociedad con Al Kooper, y de producir una obra maestra del blues blanco, Mike Bloomfield, fundó esta banda que es una de las pioneras del Rock-Jazz, sin la sofisticación y complejidad de los debuts de Chicago y Blood Sweat & Tears, "A Long Time Comin'", es rock, blues y toques de jazz en estado puro, sin sutilezas, sólo la fuerza y la pasión de un grupo de amantes de esos géneros.


Este es el disco con el que debutó The Electric Flag, fue grabado en 1967 y apareció en las tiendas al año siguiente, abajo del nombre del grupo aparece la leyenda: An American Music Band. y es una especie de advertencia de lo que el público va ha escuchar.

La leyenda apuntaba en dos sentidos, advertir que la grabación contenía música nacida en los Estados Unidos, jazz, blues y rock, además de distinguirse, de algún modo, de la avalancha de grupos ingleses que invadía a la Unión Americana.

La banda fue formada por Mike Bloomfield y la inició, invitando al tecladista Barry Goldberg y a Harvey Brooks, que también tocaba guitarra como Bloomfield, pero que allí sería el bajo, Bloomfield había conocido a ambos cuando grabaron Highway 61 revisited, el famoso disco de Dylan.
los invitados de Mike, invitaron a su vez, a un baterista excepcional que a pesar de tener sólo 19 años, ya tenía un curriculum impresionante, su nombre: Buddy Miles, la alineación se completó con Nick Gravenites, el que sería después un compositor de canciones excepcional, para que cantara y en la sección de metales entraron al quite, Peter Strazza y Marcus Doubleday.

Todos los miembros de la banda tenían, unos más que otros, habilidades como compositores y la unión de todos los talentos, crearon muy buenas canciones, además de los tratamientos sonoros que le dieron a cada una, la grabación es ya una clásica de la música americana y del blues hecho por blancos.





domingo, 2 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. Child is Father to the Man.




BLOOD SWEAT AND TEARS

"Child is Father to the Man".

1968




Al Kooper empezó su carrera musical a muy temprana edad, a los quince años, ya tenía su primera banda y a los 16, ya había escrito su primera canción que fue éxito de ventas: "This Diamond Ring", grabada por Gary Lewis & The Playboys; ya hemos hablado de su afortunado encuentro con Mike Bloomfield y de la fructífera sociedad que mantuvieron por algún tiempo y que produjo varios de los álbumes de blues hechos por blancos más notorios de la historia.Pero la historia de estos extraños amantes blancos del blues, no termina allí y tiene una de sus ramificaciones en la carrera posterior de Al, quien al disolver su sociedad con Bloomfield, formó la banda conocida como Blues Project, un quinteto que también tuvo trascendencia histórica con tres álbums de estudio destacados y varios en vivo, de un blues fresco e innovador.




Dice el propio Kooper, que de chavo, a los dieciseis años vió por primera vez a la banda de Maynard Ferguson y que de inmediato lo atrapó la fuerza y la intensidad de la sección de metales y desde entonces tenía la idea de formar parte de una banda de blues, jazz y rock en donde la sección de metales fuera primordial, de modo que al salir de Blues Project se dió a la tarea de formar la histórica y legendaria Blood Sweat & Tears, con la que irónicamente sólo grabó éste, su álbum debut y no vivió con ellos la esplendorosa carrera que vendría después..

La combinación del rock-blues, ya muy común en ese momento, con toques finísimos de jazz en un formato de banda de rock con un tecladista excepcional y una sección de metales que aportaba el sabor jazzero, más las ya maduras composiciones de Kooper dieron lugar a uno de los álbums debut, más celebrados de la historia, exhuberante de sonoridades, emotivo, fuerte y delicado, creando una amalgama de géneros rayando en la perfección y muy probablemente haya sido la grabación que inauguró un nuevo género: el bautizado como jazz-rock (el "Chicago Transit Authority es de 1969), que habría de dar frutos de excelente calidad a fines de los sesentas y principios de los setentas.

A esta banda histórica, hija de la iniciativa y la inspiración de Kooper, le habrían de seguir la pista y el ejemplo grupos del peso del mencionado Chicago, Pacific, Gas & Electric, Cold Blood, Electric Flag (la banda de Mike Bloomfield con la misma idea que ésta), Flock, If y muchas más.





sábado, 1 de febrero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. This was.




JETHRO TULL
"This Was"
1968




Jethro Tull empezó como muchas bandas inglesas, tocando Blues y música negra norteamericana en general, y Ian Anderson, su líder y sustento era: además del cantante, guitarrista y tocaba armónica, antes de que decidiera dejar la guitarra y adoptar la flauta, el mismo Ian declaró en alguna ocasión que había muchos guitarristas excepcionales en el Reino Unido y el no quería ser uno más de tercera categoría, así que decidió aprender a tocar la flauta e incorporarla a su concepto musical.

Para 1968, dicho concepto ya estaba consolidado, con una base sustancial de Blues, pero matizado por innumerables elementos del folk inglés, la música de cámara, el jazz y el rock, pero lo que llamaba más la atención, el que habría de ser el sello distintivo, fue sin duda la flauta, y no porque fueran la única banda que incluía una flauta en su dotación instrumental, sino por el papel protagónico del instrumento en el sonido de la banda.

Muchas bandas clásicas del Rock, hicieron algo novedoso, abrieron puertas y caminos, hicieron revoluciones, pero Jethro hizo una de las más originales y sorprendentes, con una mezcla afortunada de elementos que armonizan a la perfección: la voz con ese timbre extraño y misterioso, el papel importante de los instrumentos no eléctricos y la omnipresencia de la flauta, en un contexto que remite siempre a músicas tradicionales y antiguas, sin dejar de ser contemporáneo.

A Jethro a menudo, se le clasifica como un grupo de Rock progresivo, y si esto es así, sería uno de los más originales y únicos, si es Rock sicodélico, lo sería también, y así en cada categoría, el disco debut de la banda, es una joya preciosa, nunca considerado entre lo mejor del Tull, pero en un ejercicio de redescubrimiento, resulta tan sorprendente, rico y disfrutable como cualquier otro, con el "extra" de ser el que más refleja el momento de la metamorfosis, de uno más de los grupos que tocaban Blues (de manera sobresaliente por cierto), a una banda histórica y mítica.





lunes, 27 de enero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. The Crazy World of Arthur Brown.





ARTHUR BROWN. 

"The Crazy World of Arthur Brown".

1968





Otro reperesentante del rock sicótico, hijo conceptual de Screamin' Jay Hawkins es el inglés Arthur Brown, quien era desquiciado en tiempos de la sicodelia, una combinación extrema que entre otras cosas lo llevó a tener un número 1 en las listas inglesas y 2 en las norteamericanas con la clásica de clásicas "Fire", canción sensacionalista, satánica, macabra y de excelente hechura."El Mundo Enloquecido" es hermano en apariencia de los discos de Lord Sutch, pero Brown tenía muchos más talentos y un colaborador que fue clave para la realización de esta joya discográfica, que cuarenta y tantos años después, es una clásica del rock sicodélico y en general, el susodicho colaborador era Vincent Crane, otro loco muy talentoso que colabora en la composición de las canciones, los arreglos de éstas y la ejecución de algunos instrumentos.



Por otra parte, la voz enloquecida de Brown, seguramente influida por Jay Hawkins (esta es una inferencia personal, no lo he encontrado documentado en ninguna parte, pero la concepción de sus shows y el cover que hizo de "I Put a Spell on You", me hacen pensar que era fan de él) era la voz perfecta para esta locura musical, deliciosamente sicodélica y hasta divertida, todas las piezas son de gran calidad excelentemente cuidadas y ambientadas, amén de el "cover" mencionado que aparece como "bonus" junto con otras grandes canciones de Brown y Crane que complementan un discazo desde cualquier punto de vista recomendable.

















domingo, 26 de enero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. Astral Weeks.



VAN MORRISON
"Astral Weeks"
1968






¿Te acuerdas de "Gloria", la famosa canción que dieron a conocer unos muchachos que creíamos eran parte de la "ola inglesa"? ¿Y te acuerdas que esa banda que se hizo famosa con "Gloria" en el nivel planetario, se llamaba Them? Gloria tuvo su versión en castellano hecha en México por los Rockin Devil's y a lo largo de los años ha ido cosechando  montones de versiones, es bastante difícil saber cuántas bandas han grabado la famosísima canción y mucho más difícil saber, cuántas bandas la han tocado, seguro que son miles, el cómico Dave Barry, a propósito de la enorme popularidad de "Gloria" en el mundo entero y de su accesibilidad para que cualquiera que empiece a tocar una guitarra la toque, dijo;  "Si lanzas una guitarra escaleras abajo, tocará "Gloria" hasta llegar al final".

La canción no era extraordinaria en su confección, tres acordes, una letra adolescente, un ritmo contagioso y nada más, si se distinguió de cientos de canciones "pop" que se editaban cada año (Gloria es del 64), fue porque el vocalista de Them no era un cantante del montón, no era un cantante pop más, y no era sólo un cantante; George Ivan Morrison, tenía una voz extraordinaria en su timbre, su potencia y sobretodo era extraordinaria en el ambiente británico, porque era la voz de un cantante de blues o soul y eso era totalmente insólito en el Reino Unido por esos años y si agregamos que la juventud inglesa de la época veneraba a los grandes bluesmen norteamericanos, Van Morrison poseía un tesoro envidiable y además, componía canciones y tocaba casi cualquier instrumento musical que cayera en sus manos.

Al disolverse la banda, después de dejar constancia de su calidad con varios éxitos de ventas y ocho álbums, el irlandés del norte ya famoso por su voz y facilidad para componer canciones sobresalientes, antiguo vocalista de Them, inició carrera como solista bajo el apelativo de Van Morrison y debutó con el disco bautizado como "Blowin' your minds" con el sello Bang Records en 1967, con canciones que Van the man, había compuesto para Them y alguna que otra recién compuesta, resultando un disco bastante intrascendente, olvidado y supongo que nunca reeditado.

De modo que para muchos historiadores, el verdadero debut de Van Morrison como solista es "Astral Weeks" su primera grabación con Warner Brothers y además, su obra maestra, combinación de todas las influencias que forman su cultura musical: folk, rock, blues, soul, en notables proporciones y alguna otra que aparece en pequeños destellos y lo notable del ejercicio de "fusión", es la asombrosa congruencia, la impecable armonía, la mágica combinación y en resumen, la gran maestría que Van muestra como compositor de canciones, talento ya mostrado antes, pero sin duda consolidado en esa obra.

Otros atributos que posee "Astral... es por supuesto la voz en plena madurez del cantante y los arreglos que según las crónicas, fueron creación colectiva del grupo de músicos que Lewis Merestein, productor del disco trajo del ambiente del jazz, el mismo productor cuenta que las sesiones de grabación fueron todo menos que armoniosas o camaraderiles, Van tocaba sus canciones acompañándose con la guitarra y la única directriz que lanzaba era: "toquen lo que quieran" y al parecer, esa libertad fue factor determinante.

El método de ir agregando detalles, armonías, sonidos y texturas a las desnudas canciones con sólo voz y guitarra, fue la clave para que el resultado final fuera una obra maestra, considerada en múltiples ocasiones entre las mejores grabaciones de todos los tiempos, ampliamente recomendada, deliciosamente escuchada y después de un tiempo de disfrutarla, entrañable y necesaria.






jueves, 23 de enero de 2014

LOS DISCOS DE 1968. Ogdens' Nut Gone Flake





SMALL FACES.
"Ogdens' Nut Gone Flake"
1968







El quinto álbum del grupo inglés formado y lidereado por Steve Marriott quien después también estuvo al frente de Humble Pie, es considerado por muchos, el mejor de toda la discografía de Small Faces y de su sucesor Faces, para muchos otros, como uno de los grandes álbums de toda la historia del rock y por si fuera poco, en su momento tuvo gran éxito comercial y llegó al número uno de las listas inglesas en 1968.

"Ogdens' nut...tiene la también la característica histórica de ser uno de los muchos álbums de rock que nacieron bajo el estímulo y la influencia de "Sgt, Pepper's Lonely Hearts Club Band", la obra maestra del rock y la música en general que abrió caminos como pocas y representó al espíritu de la sicodelia, sintetizado precisamente en la capacidad ilimitada de expandir la mente, el conocimiento, la percepción y los sentidos y estos atributos produjeron una música genial y revolucionaria sin la que no hubieran existido muchas de las manifestaciones artísticas desde la segunda mitad del siglo pasado, hasta ahora.




El disco que recomendamos hoy, fue grabado por Steve Marriott en la guitarra y el canto, el bajo de Ronnie Lane, los teclados de Ian McLagan y la batería de Kenney Jones, pero esto no nos dice nada, lo verdaderamente trascendente fue el momento de inspiración que como compositores e intérpretes estaban pasando Marriott y Lane, en especial y el cuarteto en general, de modo que la música que produjeron es un portento: creativa, fina, poderosa, imaginativa, atrevida, rica en matices y aunque no tiene la instrumentación y los arreglos casi orquestales del Sargento Pimienta, en imaginación y talento creativo, estos londinenses no le piden nada a los oriundos de Liverpool, es un disco que debe estar en tu colección.







miércoles, 22 de enero de 2014

LOS DISCOS DE1967. Ten Years After.




TEN YEARS AFTER
"Ten Years After"
1967





Alvin Lee era uno de esos jóvenes británicos que amaban el Blues, el mismo Blues que a fines de los sesentas, tenían olvidado sus contemporáneos norteamericanos; John Mayall, Alexis Korner, Brian Auger, Spencer Davis, eran las cabezas visibles, los líderes de las bandas que cultivaban el Blues y con ellos, muchos jóvenes que lo escuchaban y lo tocaban como su quehacer cotidiano.

Y por supuesto que empezaban a destacar los cantantes que lograban igualar, aproximarse o reinterpretar a las grandes voces de la música negra: Eric Burdon, Van Morrison, Joe Cocker o Steve Winwood, destacaban en este rubro; y también nacía una clase de héroes de la guitarra encabezada por Clapton y todos los que pasaron por las bandas de Mayall, Jeff Beck y Mick Taylor; Jimmy Page, que venía de otra escuela de Blues llamada Yardbirds y muchos otros.

Pero en estas historias y crónicas del Blues Inglés, pocas veces aparece Alvin Lee, con las mismas estrellas que lo clasifiquen como perteneciente al grupo de los grandes, ni como líder de banda, ni como cantante y menos como guitarrista, a principios de los setentas, habia una corriente de opinión, bastante generalizada que etiquetaba a Lee como un guitarrista "rápido", incluso como el más veloz del mundo y a su banda como importante, más no histórica ni fundamental para la Historia del Rock Británico.

En 1967, Lee junto con Leo Lyons, bajista, el baterista Ric Lee, su hermano y Chick Churchill en teclados, grabó el primer disco de Ten Years After y comenzó una carrera lenta pero firme, que habría de despegar después de su memorable actuación en el Festival de Woodstock y se tiene la creencia de que en ese momento (1969), la banda estaba en su mejor momento, pero en realidad el mejor momento de la banda estuvo presente y sin interrupción, desde la formación del grupo y hasta la publicación de "Space in Time" de 1971.

Hoy, Alvin Lee ya no está en este mundo (el 6 de Marzo cumple un año de muerto) y parece que empieza a haber una revaloración de su quehacer musical y una forma de hacer revisión de esa obra es recordar su disco debut de 1967, con composiciones de los grandes del Blues como Willie Dixon o de los nuevos valores blancos del Blues americano como Al Kooper, pero sobre todo, con las composiciones de nuestro personaje, solo o con colaboración, sus interpretaciones impecablemente "bluseras" y llamativamente británicas de la música propia y ajena.

Entre la misma discografía de la banda, su disco debut no aparece como de lo mejor, hay discos más espectaculares, más innovadores, más sicodélicos, más eclécticos, pero "Ten Years After" de 1967, es una obra maestra del Blues blanco, impecablemente tocado, conmovedoramente emotivo y notablemente creativo, la voz de Alvin no era extraordinaria, pero eso se suplía con la pasión y la emoción; la base rítmica bajo-batería, era más que correcta y los teclados hacían su trabajo con eficiencia e inspiración, pero hay mención aparte para el trabajo instrumental de nuestro homenajeado, que desde esta grabación y en todas las que hizo, se mostró como un maestro de técnica sobresaliente y una pasión por el Blues que rebasaba su depurada habilidad.