Los Sueños, tu blog favorito nació el 9 de Noviembre de 2008 y en el año pasado cumplió siete años de ser el entretenimiento favorito de quien escribe estas líneas, el día de ayer posteamos la entrada número 800 y por tal motivo nos felicitamos por tantos años, meses, días y horas de este ejercicio que da placer, reflexión y una poca de salud mental.
Supe de la existencia de Manolo Tena en los ochenta por su disco "En el lado oscuro" de su segundo grupo musical Alarma! y no tuve que escucharlo dos veces para saber que estaba frente a un grupo especial, las muy famosas "Marilyn" y "Frío" me impactaron de inmediato pero poco a poco fui descubriendo las bondades del disco completo.
Ya en los noventas en una tienda de discos usados encontré "Sangre española" de Manolo Tena, no sabía que Tena era ex miembro de Alarma! y aún no se por qué atrajo mi atención, lo llevé a casa y no sucedió nada extraordinario, años después y debido a escuchas un tanto azarosas fue convirtiéndose en una grabación consentida, las virtudes ocultas de las letras y la música de Tena iban revelándose y mostrando a un compositor extraordinario y una obra que dicen, en españa ya es un disco clásico.
Hoy me enteré de la triste noticia de la muerte de Tena, condimentada con la demanda que piensa interponer su hermano contra el productor de "Sangre... porque nunca pagó a Manolo lo correspondiente por su obra, de modo que el disco consentido vuelve a ser noticia junto con la muerte de Manolo Tena.
Iniciando el siglo Armando Rosas lanzaba nuevos proyectos y se asoció con Baldomero Jiménez, tecladista más que competente y su banda, bautizada como la "Baldobanda", las aportaciones de estos músicos mexicanos jóvenes y desinhibidos dió como fruto "La balada del pez" crisolando un grupo que da cátedra de como hacer música fina, exacta y de altísima calidad.
La
sección de metales dice desde las primeras notas cual es el rumbo,
permeado por el Jazz, vestido de Blues tan querido por Rosas y el sello
con recuerdos de tiempos en que ni habían nacido, el sonido del Hammond
combinado con los metales y la guitarra de Armando construyen la primera
gran pieza del disco y desde ese momento se sudeden una sorpresa tras
otra y unsa delicia tras otra.
La calidad de textos, arreglos y ejecución son muy homogéneos pero destacan piezas como la del inicio, para refutar a los que todos los días dicen y escriben que el Rock Mexicano es de ínfima calidad, ¡que delicia de pieza! luego viene el experimento exitoso que se llama "La cumbia del minuto" parafraseando el famoso vals de Chopin, "No puedo sin tu amor" es otro ejemplo de como hacer canciones disfrutables e inteligentes, "No te olvides" es la canción de la nostalgia adolescente y juvenil y sobre todo es un Blues conmovedor tocado por Baldomero y compañía con talento, fuerza y amor ¡que músicos tan modestos y virtuosos!
"Me gusta su sonrisa" una de esas piezas que a Rosas llevan a sus mejores momentos poéticos, las amorosas, "La balada del pez" es la otra sobresaliente y fue elegida como la que titule al disco y resulta una elección que muestra a Armando, Baldomero y sus cómplices en pleno momento de creatividad, calidad interpretativa y emotividad.
De 2010 es el disco de Jaime López que repasa y da vueltas a las posibilidades de la canción, todos los temas han sido tratados, todas las experiencias de su medio siglo y más pero siempre existe otra posibilidad, en "Mujer y ego" el tema conductor, el que hace al disco "conceptual" es la mujer y a su lado "el ego", ambos términos conceptuales se complementan y crean una más de sus ingeniosos juegos de palabras porque López ha descubierto y se ha hecho sabio viviendo, sabe que en la interelación con la otra llevamos por delante el ego o si quieres de otro modo lo que somos, pues en ninguna otra circunstancia tarde o temprano somos tan desnudos lo que realmente somos.
Los textos de Jaime son como de costumbre una gran ostentación de buen decir, con ese talento nato para hacer aparecer las palabras y habilidad aprendida para escribir y para hacer malabares verbales pocas veces leídas y escuchadas en la música popular mexicana, ambos elementos casi hacen reconocer a la música que se mantiene en los matices acostumbrados del cantor.
El baile y la mujer, la libertad y el amor, la mujer y el sexo, la conquista y la mujer, mujer y poesía, la siempre difícil relación humana, el amor y el dolor, desamor y mujer, adicción y amor, mujer y luna, ciudad y mujer, rebelión y amor, es el compendio de temas, situaciones, sentimientos y reflexiones que construyen la obra sobre la ya, a estas alturas del siglo, indiscutible tarea de un poeta interminable.
En 1995 Margie Bermejo grabó este disco extraño, dedicado a las mujeres, pero no a todas las mujeres, a las cantantes, pero no a todas las cantantes, a un grupo de diosas todas fallecidas, todas rodeadas de un aura divina e inmortalizadas por sus públicos.
El antecedente de la grabación fue el espectáculo que montó Margie para homenajear a un grupo de cantantes deidificadas que tenían en común haber sido extraordinarias artistas, mujeres muy sufridas que vivieron entre el dolor, el amor fracasado, el maltrato y las adicciones, el fin de sus vidas fue invariablemente el suicidio.
Edith Piaf, Elis Regina, Janis Joplin, Lucha Reyes, Billie Holiday, Violeta Parra tenían en común una sensibilidad extraordinaria, para cantar celestialmente y para sufrir terrenalmente y Margie las tomó como ejemplos de la combinación de los males del mundo y la belleza de la música.
La selección para la grabación incluye canciones que hicieron famosas Elis Regina, Billie Holiday, Violeta Parra y Janis Joplin complementadas por "Desesperadamente" de Gabriel Ruiz, por ejemplo de canción sufrida e himno al amor imposible y "When a man loves a woman" otra inmortal para escuchar siempre, en la felicidad y el dolor.
Los músicos. arreglistas y equipo técnico que hicieron audible la grabación a continuación.
"Tocata, fuga y apañón" el disco debut de la Camerata Rupestre tiene el sello a diestra y siniestra, el nombre del combo alude más que directamente al movimiento musical que alguien bautizó como el Movimiento Rupestre y la temática repasa las situaciones del también llamado Rock Urbano, problemáticas propias de las grandes ciudades con su característica muy mexicana, muy chilanga y desde la óptica juvenil.
La Camerata fundada por Rosas, tenía ese formato de pequeña orquesta de cámara con instrumentos de cuerda y coro, sus miembros eran estudiantes de la Escuela Nacional de Música (si la memoria no me traiciona) a mediados de los ochenta y desde su primera grabación se distinguieron por sus orquestaciones finas, la capacidad sobresaliente de: Javier Guillén en el violín, Jorge Amador en el cello, Ignacio Alfonso con flauta, armónica y voz, Francisco Natera en el bajo y Antonio Morales en batería, todos músicos frescos y creativos que fueron la compañía ideal para las letras de Armando Rosas quien sin exageraciones, es uno de nuestros letristas más capaces y destacados, con el "soplo poético" que pocos compositores de canciones poseen.
Del repertorio de la grabación que editó Pentagrama destacan la mitad de las piezas, la del título por supuesto, que se hizo himno rupestre-urbano y las delicadas y poéticas "Distancia tiempo", "Herraje", "Cisne" con letra de Catana, y el "Papalote", pero no hay piezas desechables, ni contrastates en calidad unas con otras, en resumen, un disco clásico de la "rupestriada" y la música mexicana.
Carlos Robledo (teclados), Moisés Romero (batería) y Walter Schmidt (bajo) son los fundadores de Decibel, la banda de rock electrónico también identificada con el "rock en oposición" a mediados de los setenta y para el año 1980 grabaron su primer disco después de varios años de presentaciones.
Este disco que ya es un clásico del Rock Mexicano, en una corriente muy poco explorada en el país y el acetato era una rareza en tierra exótica, había algunos grupos de Rock Progresivo como Iconoclasta que abrían brecha pero grupos elctrónicos en los ochenta sólo Chac Mool tenían semejanzas con esta banda de culto.
Los músicos que grabaron esta obra eran: Alejandro Sánchez en violín, clarinete y voz; Carlos Robledo en teclados; Jaime Castañeda, batería y percusiones varias; Walter Schmith con bajo, contrabajo y mandolina, además de invitados como Carlos Alvarado el fundador de Chac.
Como en muchos casos la música experimental de esta clase fue escuchada y sigue siendo marginal extrema, no hay muchos oyentes con los oídos educados para estas manifestaciones.
George Martin naciò el 3 de Enero de 1926, así que acababa de cumplir 90 años, se incorporó a la Fuerza Aérea a los 17 años y al término de la Guerra se dedicó a lo que habría de ser su trabajo, su misión, su pasión y la obra que lo hizo celebridad, personaje condecorado sir del Reino Británico por la reina y revolucionario de la música popular y el arte de producir discos.
En 1962 siendo productor de discos en EMI Capitol, se encontró con Brian Epstein manager de los Beatles, ya habían recorrido todas las disqueras de Liverpool siendo rechazados y su última esperanza era Martin, dice la historia que Martin no pensó que eran unos genios y firmó contrato con ellos de inmediato, no le gustaba el baterista Pete Best y sugirió su cambio, con esa decisión el que se sacó la lotería fue Ringo, lo que más llamó su atención fue el carisma de los jóvenes músicos y cuando escuchó "Love me do" pensó en que por lo menos en esa canción había algo bueno para producir.
Desde la grabación de "Love me do" hasta 1970 que se separó la banda, George Martin: enseñó mucho a los Beatles, apendió mucho de ellos, experimentó con nuevas formas de producir, unió al talento beatle con sus propias habilidades musicales e hicieron un equipo histórico, durante esos años marcaron ruta, revolucionaron la música popular británica y universal, inventaron una nueva forma de hacer música y grabarla.
Además de todo esto, Martin quien era 15 años mayor que los Beatles, fue una especie de padre que no sólo pulió y abrillantó las ideas y genio de McCartney, Lennon y Harrison, sino que fue una especie de padre, que pasó horas y horas en el estudio haciedo mil experimentos con lo ya grabado para hacerlo único mientras sus hijos sólo tenían que ponerse a escribir música y además les ayudaba a resolver sus problemas personales y entre ellos, los sobrevivientes Ringo y Paul anunciaron su muerte y ambos dijeron cosas similares y reconocieron a Martin como un padre.
El día de ayer se hizo mundial la noticia de la muerte de George Martin y hoy la prensa, los noticieros televisivos y la red están inundadas de comentarios sobre la muerte de Martin y sus aportaciones a la música, murió el que fue muchas veces bautizado como el "quinto beatle", otros que tuvieron que ver con la obra martinbeatleana fueron bautizados así (ejemplo Billy Preston), pero el mundo sabe que la inmortalidad de la música beatle nunca hubiera sido lo que fue sin George Martin el único y verdadero "quinto beatle".
En 1998 Martin realizó este disco con canciones de Beatles, los intérpretes fueron músicos de estudio, cantantes conocidos y actores famosos, sus arreglos y la forma de dar forma a un proyecto de ese tipo, son un documento invaluable de la forma de trabajar de Martin.
El año de 1988 nos trajo el segundo de los tres primeros discos de Real de Catorce, el tono es el mismo, la poesía de Cruz surrealista, dolorosa, trágica, irreverente tiene un nuevo refinamiento y la música sorprende, sí, aún más que en la primera entrega, no se si se llama madurez, entrenamiento, inspiración, pero este Blues chilango sólo es chilango porque es universal, todo es de una finura emotiva, de una virtuosidad furiosa y de una dimensión nueva en el Rock Mexicano.
Muchas bandas mexicanas en el pasado, en el momento y en la actualidad se acercaron al Blues y siempre sonó sufrido, a punto, cayéndose al final, no encontrado, con alguna incapacidad y sólo la banda de Cruz formada por: Fernando Ábrego en batería, José Iglesias en guitarra y flauta y Severo Viñas con un bajo insólito hicieron Blues inombrable e inetiquetable, no es copia del Blues tradicional, no es fusión, no es música mexicana, es todo a la vez.
Hay momentos sublimes: "Pájaro Loco" Blues perfecto nota a nota; "El Ángel" con destellos de Jazz ¿o de reggae?, "Un par de ojos" otro Blues impecable con esos coros celestiales de Baby Bátiz y compañeras; "La Medicina" tierna, dolorosa y obscura y "Al Rojo de la Tarde" mi favorita del disco, con esas imágenes penumbrosas, sus cambios de ritmo, su perfección y la voz de Cruz que sin ser nada de otro mundo es suficiente y no podemos imaginar a otra voz, aunque sea mejor.
Federico Arana nació en 1942 y es hidalguense de Tizayuca, cuando era estudiantes a fines de los cincuenta formó el grupo Los Sonámbulos que grabó dos discos incomprendidos y olvidados por décadas, en 1960 se incorporó a Los Sinners, que grababa covers del rock norteamericano pues era la única opción que daban las disqueras, por este grupo pasaron Antonio de la Barreda y "Fito" de la Parra que unas décadas después fueron miembros de Canned Heat.
Arana nunca dejó de estar conectado con el Rock, siguió sus estudios de biólogo pero escribía artículos y libros sobre el Rock, la música en general y hasta una novela llamada "Las giras", obtuvo el título de doctor en Biología y fue profesor en el Colegio de Ciencias y Humanidades de la UNAM, hizo muchos trabajos para la Universidad, estudió en La Esmeralda y ha realizado exposiciones de pintura además de carteles, caricaturas y sus propias portadas de discos, ha sido colaborador de varios de los más importantes periódicos y revistas científicas o de temática general.
En 1985 publicó este libro que es uno de los más importantes que ha realizado, una historia del Rock Mexicano desde los cincuenta cuando llegó a México el Rock and Roll, la susodicha historia además de tener un importante trabajo de investigación hemerográfica, es narrada no como un fenómeno aislado, sino insertado en su contexto histórico y cultural.
La tesis principal de Arana sostiene que el difícil y escaso desarrollo de un movimiento nacional de Rock compuesto por músicos y oyentes tiene su desgracia en el pecado original, el rechazo de la sociedad conservadora que satanizó en distintos momentos al Rock como música, como fenómeno cultural y como identidad juvenil, al tiempo que lo ha promovido cuando así resulta conveniente y siempre con la vigilancia y domestificación del género que casi siempre renuncia a la rebeldía para sobrevivir.
El texto es el intento más completo, coherente y serio que se ha hecho, a pesar de muchos otros que han sido mucho más limitados, el caracter serio del trabajo no lo priva del característico humor caústico del autor que lo hace muy agradable para la lectura.
El movimiento Rupestre le dió nueva vida al Rock Mexicano, el rock Pop de los ochenta bien grabado, en compañías importantes, con letras alegres, humorísticas y glamorosas, se encontró con este primo, músicos con otras historias, retratos de la urbanidad, rebeldes e iconoclastas, pero además con otra visión de la vida, el mundo y el país.
Uno de los compositores más lúcidos, más leído, más abierto de mente y más desprejuiciado, el hoy famoso Jaime López presentó su primera grabación de larga duración (aún en vinil) en el año trágico del Gran Temblor (1985), suceso que despertó conciencias, un gran movimiento social y de solidaridad, como resultado, una nueva ciudad y un nuevo país, Jaime se anticipó al suceso por unos meses, pero retratando a un México a punto de parir.
Las canciones van del Rock al Blues, a la música norteña y la caribeña, los músicos reunidos para la grabación eran todos excelentes y experimentados, viajeros de todos los géneros, la compañía RCA sorprendentemente arriesgó al hacer este disco pero le dió una promoción muy discreta y condicionada a un año para después ignorarla.
El tiempo y la reedición de 1993 lo colocaron en su lugar, el de uno de los más importantes discos del Rock Mexicano, inovador, inteligente, visionario y gozoso, la alineación para la grabación era:
Jaime López (voz y guitarra acústica) Netz Calderón (guitarra eléctrica) Agustín Sánchez (bajo) Alberto Delgado (saxofón soprano y flauta traversa) Willy Gutiérrez (saxofón tenor y flauta traversa) Héctor Infanzón (teclados) Mauricio Enríquez (teclados) Fernando Toussaint (batería) Jorge Peña (percusiones) Los Anónimos Venusinos (metales) Las de Azul Celeste (coros)
Conocí a Los Dug Dug's en 1970, época en que el Rock mexicano estaba creciendo, los grupos del norte (Tijuana, Durango, Monterrey, Reynosa), de Guadalajara y la Ciudad de México aparecían con más frecuencia y más calidad, en la capital podía escuchar a los mejores grupos que se presentaban en antiguos salones de baile, el que estaba a mi alcance era el llamado "Salón Chicago" en el actual Eje Central y Felipe Villanueva, al norte de la ciudad.
Allí me topé con este grupo maravilloso de Durango, en ese tiempo en que los veía y escuchaba todos los domingos, tocaban rock inglés y algo de "gringo" pero el repertorio consistía casi exclusivamente en Jethro Tull y su disco del momento "Benefit" la ejecución era impecable y revelaba a una banda de grandes músicos encabezada por Armando Nava quien tocaba guitarra líder, flauta transversa y cantaba acompañado porJorge Luján: voz y guitarra, Jorge de la Torre: voz, Sergio Orrante: batería y Moisés Muñoz: bajo.
Al año siguiente participaron en el "Woodstock" mexicano que se volvió legendario por: ser el primer festival masivo de rock en México, por el escándalo que despertó en la muy conservadora sociedad mexicana y su moral hipócrita, el Festival de Avándaro marcó además un momento histórico para el rock, fue tal el escándalo de las "buenas conciencias" que el rock desató una represión asombrosa, los jóvenes perseguidos, vejados, detenidos y rapados, el rock se refugió en los "hoyos fonquis". no se quién inventó ese nombre, pero eran los únicos sitios dónde se podía escuchar rock .
En los años posteriores, los Dug grabaron varios discos con las composiciones de Nava: "Dug Dug's (1971), "Smog" (1972), "Cambia, cambia" (1974) y el último que marcó la desaparición del grupo "El Loco" (1975), el repertorio es mitad en inglés y mitad en castellano, no es fácil conseguir la grabación pero existen dos de éxitos de Los Dug Dug´s y entre los dos volúmenes aparecen todas las piezas de "El Loco" que ya entonces era un power trio con una mezcla de sicodelia, rock pesado y mucho del rock progresivo que ya conquistaba al mundo.
La lista de piezas del álbum y el orden en que aparecieron es el siguiente:
Stupid People (3:59) Let Me Breath (6:02) Joy To People (4:33) We Always Hate Your Manners (3:41) La Gente (7:03) El Loco (3:07) Quiero Verte (2:18) La Flauta Del Fauno(1:46) I Got My Emotion (3:38)
Aparecido originalmente como disco doble en Japón grabado por la nueva banda de Hancock formada por ex Headhunters, el legendario grupo de Herbie y nuevos miembros, en sus presentaciones de 1975 en el archipiélago japonés, el repertorio tiene como su referencia el disco famosísimo de 1970 con el homónimo de su primera banda y es el producto inmediato de otra agrupación memorable llamada Sextant y de su disco del mismo nombre.
"Watermelon man" y "Chameleon" son las nuevas versiones de dos piezas históricas del disco debut de Herbie en 1970 y el disco apareció a nombre del pianista y sólo en Japón por problemas con los derechos de utilización de los nombres de las bandas con las disqueras.
El disco es un ejercicio magistral de una agrupación de virtuosos enraizados en el Jazz, pero también en el Blues, el Funk y el Rock el trabajo de Clark en las percusiones es un sello aparte y el virtuosismo de Hancock en el piano acústico y los teclados eléctronicos mientras que Maupin enriquece la idea con los variados timbres de los instrumentos de aliento, de algún modo "Flood" es un repaso, una síntesis y un camino nuevo.
La aparición del primer disco de Real de Catorce fue un gran acontecimiento y le dió mayoría de edad al Rock Mexicano. Este es el mejor grupo de rock-blues de toda la historia musical mexicana, encabezado por José Cruz, su alma e imagen, son ya un clásico con su historia cortada por la desgracia.
Hace
como veinte años fui a ver a Roberto González a un local de Tlalpan de
efímera existencia , refugio del movimiento rupestre y antes de que
Roberto cantara, salió un chavo que interpretaba sus canciones con guitarra y
armónica de manera sobresaliente, excelente ejecutante de uno y otro
instrumento, cantante más que aceptable y letras de calidad poética.
Meses
después, estaba viendo en la TV, la transmisión de uno de los añorados
Festivales de Blues de la Ciudad de México, aquellos que nos permitieron
conocer en México, prácticamente a todos los grandes del blues, Koko
Taylor, Muddy Waters, John Lee Hooker, B.B. King y muchos más y subió al escenario a echar un palomazo, un chavo que evidentemente no venía con la banda que tocaba, al poner atención me dí cuenta que el músico de extrema juventud que palomeaba con su armónica en forma magistral era el mismo que teloneó a Roberto González en aquella ocasión, después se hizo famoso Real de Catorce y supe que mi viejo conocido era José Cruz.
Desde el disco debut supimos que estabamos en otra época, que el rock ochentero de mi patria estaba más que superado, con excelentes músicos y un compositor extraordinario que además hacía un Rock-Blues muy elaborado, más allá de la tradición, con pinceladas de Jazz, bolero, y sicodelia, un Blues que les corría en las venas lleno de detalles y giros de genialidad, todas las piezas eran obra de Cruz y la banda completa estaba formada por:Julio Zea, Carlos Torres, Fernando Ábrego y Jorge Velasco, ilustres personajes que escribieron esta página sobresaliente de nuestro rock.
En los años setenta, concretamente en 1971, los Rolling Stones eran una delicia, hacían canciones sencillas y bellas en un año extraordinario con bandas y compositores que ponían a volar nuestra imaginación y estremecían nuestros sentidos, "Flores Muertas" de Keith Richards y Mick Jagger es una de mis favoritas de esos días, esa época y de toda la vida, una de amor y desencuentro, también suena a amor imposible por absurdas convenciones sociales o como decía Selena "somos de distintas sociedades".
En ella tampoco los Rolling dejan de ser los chicos mal educados e irrespetuosos, mal vestidos, despreciados, pero no dejados, resulta genial la petición a la desdeñosa, despréciame y para que se sienta, mándame flores muertas que yo corresponderé poniendo rosas en tu tumba, la frase que causó escándalo es la que alude al uso de la heroína, "en el sótano con una aguja y una cuchara", más claro ni el agua, el abandonado por la dama haciéndole al "yonqui".
FLORES MUERTAS.
Bueno, cuando estás allí sentada en tu silla tapizada de seda hablando con algunos de esos ricos que conoces bueno, espero que no te vean en mi harapienta compañía y bueno, sabes que nunca podría estar solo.
Mata mi orgullo pequeña Susie, mátalo ya se que te crees la reina del subterráneo y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas mándame flores muertas por correo mándame flores muertas para mi boda y no olvidaré poner rosas en tu tumba.
Bueno, cuando estés sentada en el asiento trasero de tu Cadillac rosa haciendo apuestas el día del Derby de Kentuck yo voy a estar en mi cuarto del sótano con una aguja y una cuchara y otra mujer alejando mi dolor.
Mata mi orgullo pequeña Susie, mátalo ya se que te crees la reina del subterráneo y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas mándame flores muertas por correo mándame flores muertas para mi boda y no olvidaré poner rosas en tu tumba.
DEAD FLOWERS.
Well, when you're sitting there in your silk upholstered chair
Talkin' to some rich folk that you know
Well, I hope you won't see me in my ragged company
Well, you know I could never be alone.
Take me down little Susie, take me down
I know you think you're the queen of the underground
And you can send me dead flowers every morning
Send me dead flowers by the mail
Send me dead flowers to my wedding
And I won't forget to put roses on your grave.
Well when you're sitting back in your rose pink Cadillac
Making bets on Kentucky Derby Day
Ah, I'll be in my basement room with a needle and a spoon
And another girl to take my pain away.
Take me down little Susie, take me down
I know you think you're the queen of the underground
And you can send me dead flowers every morning
Send me dead flowers by the mail
Send me dead flowers to my wedding
And I won't forget to put roses on your grave, yeah
