RESEÑA. Concierto de Massive Attack.

MASSIVE ATTACK EN EL METROPOLITAN.

El miércoles 10 del presente, acudí al Teatro Metropólitan, uno de los bastiones de OCESA, la empresa que en las últimas décadas ha traído a México una gran cantidad de muy buenos conciertos, llegué dos horas antes porque no me gusta manejar cuando ya cayó la noche y porque siempre estoy pensando que voy a encontrar una cantidad de tránsito infranqueable.

Mientras esperaba a mi acompañante e invitadora me entretuve observando al ejército de revendedores de boletos que pululaban por todo el frente del teatro, ante la complacencia de un nutrido grupo de policías que no escuchaban a estos "trabajadores ilegales" repetir la misma cantaleta ad infinitum "¿te sobran o te faltan? te los compro y te los vendo" y les resultaba imposible identificarlos de tan bien camuflados que estaban (gritaban a voz en cuello :¡boletos, boletos! ¿cuántos quieres?), escena natural y cotidiana en estas tierras invadidas hasta el cuello por la más escandalosa corrupción que nación alguna haya padecido.

Cerca de las nueve de la noche hizo su aparición mi acompañante, experta en hacerme esperar, parece que disfruta pensando que me tiene dando vueltas y vueltas como Chuck Berry en su célebre canción, atacado por la impaciencia, pero incapaz de devolverle una y harto después de escuchar por lo menos 50 veces la inquisición de los representantes del "mal necesario" llamado reventa, entramos al recinto musical, ella no sé, pero yo, con la expectativa de escuchar a esta banda que ahora sé que es de Bristol, Inglaterra, pero que jamás había escuchado a pesar de que hace 22 años están en actividad (también me acabo de enterar de esto), y tan sólo con la promesa: "Te va a gustar".

Cuando entramos ya estaba cantando una chava, solita con un tecladito, una cajita de ritmos y una guitarra, nada mal para empezar a calentar el concierto, después veriamos que era una de la invitadas de la banda para este concierto y para algunos discos y pocos minutos después salió al escenario Massive Attack y todo el público se puso de pie, para no volver a sentarse hasta que la audición terminó, mientras yo me hacía la pregunta pendeja que me hago cada vez que estoy en esta situación ¿para qué diablos pagan un asiento si no lo van a utilizar? y si algún desorientado como su servidor quiere disfrutar el espectáculo desde la comodidad de su asiento, ¡ya se chingó! y más aún si uno tiene la desgracia de ser minusválido, de capacidades diferentes o algún otro eufemismo utilizado para lo que en mi infancia era un inválido y no puede estar de pie, ¡ya se chingó doblemente!, por lo menos yo tengo el consuelo de pararme a ratos.

Pero es hora de pasar a lo estrictamente musical y resulta que la desconocida banda (para mí), tiene un sonido poderoso muy cargado a la música electrónica, con unas percusiones protagónicas, polirítmicas y contundentes (literalmente), haciendo una mezcla de la ya mencionada tecno, más unos toques de jazz, ciertos momentos raperos, una influencia jamaiquina fuerte que importa Horace Andy, de quien se dice es toda una leyenda en su nativa Jamaica y quien es otro de los vocalistas invitados y una vena soulera que me resultó muy placentera y que protagonizaba Deborah Miller, una morenaza muy heavy en cualquier sentido que elijas y con una voz muy poderosa, otra vocalista invitada.

A la mitad del concierto y con tantos vocalistas, me sentía como en tocada de la Sonora Santanera, escuchando a una banda numerosa que además tiene catálogo de vocalistas que va utilizando según la rola que se interpreta y por si fuera poco el maestro Andy tiene un aire de Carlos Colorado impresionante y baila como la leyenda santanera.

Resumiendo, el encuentro con esta banda a la que según me enteré le adjudican la etiqueta de inventores del trip hop (sea lo que sea esto), pero que ellos rechazan, fue una experiencia placentera e inédita, tantos estilos ensamblados tan bien y vestidos de un ambiente oscuro que me hizo recordar un memorable concierto en este mismo recinto con la "jefa" Lisa Gerrard y los Dead Can Dance o los discos de Portishead, fue reconfortante, energizante y actualizante, ¿a quién se le ocurre hacer música dark que también suene a otra media docena de géneros o estilos? dicen que a un tal Garnt Marshall, alias Daddy G y quien es el líder del Ataque Masivo.

Y por último, hay que hacer mención especial a la escenografía y luces, muy original y económica, una especie de tablero electrónico proyectado atrás del grupo con juegos de luces, letreros, imágenes, potenciado por una buena dirección de luces escénicas encajaban perfectamente con el sonido tecno-industrisl-vanguardista de la banda.

GRANDES GUITARRISTAS. Mick Ronson.

MICK RONSON.
1946-1993.

La revista Rolling Stone colocó a Mick Ronson en el lugar 64 de su polémica lista de los 100 mejores guitarristas del rock de todos los tiempos, para quienes lo hemos escuchado por décadas y peleado por un reconocimiento mayor no estamos de acuerdo con este lugar, pero haiga sido, como haiga sido, el hecho de que esté entre los 100 mejores de la historia, entre varios miles, habla de su calidad.

Se hizo famoso como guitarrista, pero tocaba varios instrumentos, el más notable después de la guitarra fue el teclado de cualquier tipo, pero además cantaba, componía canciones, hizo labores de arreglista y de productor, todos los terrenos de la industria roquera del disco los pisó y conoció a fondo.



Tocó con muchos de los más conspicuos músicos de la escena del rock, Dylan, Van Morrison, Lou Reed, Morrisey, son algunos, pero su trabajo sobresaliente, el que lo hizo famoso e inmortal fue su pertenencia a la banda de David Bowie, con la que grabó media docena de discos, todos geniales, todos clásicos y en ellos Ronson no era un complemento o acompañante intrascendente, sino todo lo contrario, fue siempre contributente mayor al sonido que en cada placa develaba el camaleón.

Ronson siempre estuvo a la altura del genio de Bowie y lo complementó con el propio, por eso hoy lo recordamos recomendando el video que se llama "Ziggy Stardust and the Spiders of Mars" de Motion Picture y que contiene la gira de Bowie, Ronson y compañía para presentar el disco más célebre de los que hicieron juntos en él también se puede ver la que tal vez sea su mejor actuación, pero de no ser así, es un escaparate perfecto para ver de que lugar tenía Ronson entre los grandes de la guitarra.

EL FOLK-ROCK INGLÉS. The Incredible String Band.

THE INCREDIBLE STRING BAND.
1966.

El otro pilar en que estaba sostenido el Folk-Rock británico de los sesentas-setentas, era The Incredible String Band, nacida en Edimburgo, Escocia, como un trío de música folkroquerasicodélica, que era la única forma de estar en todos los géneros que les gustaban a Mike Heron, Robin Williamson y Clive Palmer, alineación de la Increíble al grabar su disco debut.

Mike Heron y Robin Williamson, fundadores y sustento de "La Increíble Banda de Cuerdas" no fueron modestos al decidir este nombre para su banda, pero tampoco mentian, su concepto de banda de rock-folk-sicodélico-orientalista-místico-celta, era realmente increíble con un sonido "acústico", rara vez se incluían instrumentos eléctricos, que recogía el folclor de su tierra , la música celta, el rock sicodélico, la música hindú y la música árabe.

Pero no sólo musicalmente, la obra de la Increíble, era un coctel, también temáticamente y en la construcción de sus letras, el pragmatismo era la línea a seguir y sus canciones incluían, leyendas escocesas y celtas, temas bucólicos, misticismo oriental, discursos jipiosos, canciones de amor y otros temas, siempre vestidos de las sutilezas, finezas, arcaísmos y bellezas de las mezclas de sonidos tomados de cualquier parte del mundo y cualquier tiempo, por Heron y Williamson, que fueron siempre la Increíble, pues todos los músicos que los han acompañado, han sido, más o menos, pasajeros.



Las grabaciones más aclamadas por críticos e historiadores son las dos que siguieron a este debut, allí está presente toda la esplendorosa creatividad de estos edimburgueses, son los discos que todo mundo conoce y de los que se habla, están en las listas de los mejores de la historia del rock, pero en este, está el origen, la semilla, el indispensable génesis de la obra extraordinaria de esta banda.

Y como origen, es el disco más "puro" de la banda, el más folk, el más escocés, con la magia de las historias y la música antiguas, propias de las sociedades tradicionales, rurales y supersticiosas, el polo opuesto al progreso, la técnica, la ciencia y la certeza, aún no aparecían las cítaras, la música árabe y el rock, era un grupo de folk que dejaba caer de pronto uno que otro pincelazo anunciador de lo que vendría, pero por lo pronto, alientos y cuerdas tocados rústica pero divinamente.

Aquí descarga el disco.

¿EL INVENTOR DEL COUNTRY-ROCK?

GRAM PARSONS.
"G P".
1973.

El post sobre New Riders sirvió para introducirnos en el género que se conoce como "country-rock", uno más de los hijos de la sicodelia y la expansión del rock a fines de los sesentas y principios de los setentas, el grupo más notable de éste híbrido fue The Byrds, para ir ubicando y otros cultivadores de él, los comentados New Riders y Flying Burrito Bothers, otras bandas cercanas al territorio country eran Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead y de un modo u otro todos los representantes del "sonido Costa Oeste".

Gram Parsons participó en un disco de Byrds y fue integrante de Flying Burrito Brothers, pero su verdadera aportación al género del que muchos consideran padre, se dió en su carrera como solista, muy corta y con dos álbums del que el primero es "G P" y el segundo "Grievous Angel", este último no alcanzó a verlo en las tiendas por su pematura muerte, a los 26 años, a causa de una sobredosis de sustancias estimulantes, en 1973.

Nació en Florida en una familia donde el dinero abundaba e Ingram, verdadero nombre de Parsons, fue a las mejores escuelas, pero el gusto por la música descubierto en un concierto de Elvis, hizo que Gram dejara inconclusos sus estudios de Teología y se dedicara a formar bandas de rock, de las que las más famosas fueron la "International Submarine Band" y "Flying Burrito...", después de andar rocanroleando se aficionó a la música country y este hecho definió su estilo como músico y compositor de canciones sórdidas plagadas de historias de perdedores, drogos, alcohólicos y mujeres de todo tipo.

Juan Vitoria, autor del libro llamado "Los 100 mejores Discos del Rock" incluye "G P" en esta centena destacada y dice a propósito de Parsons y su capacidad para fusionar géneros, lo siguiente:

"...en "G P" notamos la influencia del beat británico que planea sobre las composiciones y arreglos country de "A Song for You", "She" y "The New Soft Shoe", tres de las mejores canciones que se han compuesto nunca...Todo el disco es una delicia, la tenue voz de Parsons, su misticismo campestre y las prestaciones que combina en clásicos como "Cry One More Time", dejando claro que también acoge emocionalmente al R&B, le valen para dejar una precisa amalgama de perfumes acústicos y elécticos."

A Gram se le considera un revolucionador del género "country" por filtrar en él pinceladas precisas de rock sicodélico y revolucionador del rock al permearlo de música ranchera y prácticamente crear un género nuevo, nunca vió fronteras en la música y por si fuera poco "descubrió" a Emmilou Harris, la gran diva de la música ranchera gringa, quien se hizo conocida por su participación en los dos discos de Parsons, mismos a los que dió un toque delicado y angelical.

Aquí se descarga el disco.

ROCK MEXICANO. Tony Rayola.

TONY RAYOLA.
1987.

Alvarado y González.

Ésta es una curiosidad discográfica, poco conocida, editada en 1987, en pleno boom del "Rock en tu Idioma", en forma independiente en el sello Magog-Momia, y está registrado como el primer disco de su catálogo, casi estoy seguro de que también fue el último, seguramente tuvo una distribución muy limitada y un tiraje mínimo.

Yo lo conseguí en "El Chopo" y no creo que haya habido otro lugar donde se haya vendido, hace algunas semanas lo recordé y revisíté, dándome cuenta de que no era tan malo como en aquellos tiempos me pareció, es un disco cantado en inglés, raro en su momento histórico; su género musical va del tecno- rock al progresivo, raro en su momento histórico y suena más setentero que ochentero, fuera de su momento histórico.

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Tony Rayola, nombre del grupo que quién sabe a quién se le ocurrió y por qué se le ocurrió, la información adjunta no lo dice, era en realidad un dueto, formado por Carlos Alvarado, quien no era ningún desconocido en el ambiente roquero mexicano, todos sabemos que había sido con Jorge Reyes, el alma de Chac Mool y Jesús González quien si era un ilustre desconocido (al menos para mí), nunca antes lo registré en grupo o grabación alguna, ni tampoco después.

Pero el caso es que ambos hicieron media docena de canciones sin grandes pretenciones, en el estilo tecno, la mayoría y una (Rayola's Revenge) que es la que vale más la pena, un acercamiento a un rock progresivo de gran calidad y el objetivo de comentarlo es sólo contribuir a la reconstrucción que parcialmente hacemos en muchos blogs, de una historia del rock mexicano y si alguien se avienta a la titánica tarea de hacer la reconstrucción no parcial, no tengo inconveniente en que se sirva de este artículo.

Aquí se descarga el disco.

EL DESLIZAMIENTO DE LOS RANCHEROS ÁCIDOS.

NEW RIDERS OF THE PURPLE SAGE.
"Powerglide".
1972.

Nicky Hopkins dejó una obra sobresaliente para la historia del rock, pero además su participación en una cantidad increíble de proyectos, discos y grupos lo convirtió en el "enlace", siguiendo la carrera de Hopkins, se puede hacer una historia parcial, pero significativa del rock, tanto inglés como gringo.

Nicky ya tenía una historia importante y un curriculum impresionante, cuando fue a Norteamérica y se incorporó a la escena sanfranciscana, allí conoció y tocó con los principales grupos del rock ácido y el "sonido costa oeste": Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Grateful Dead y de la relación con el "Muerto" y con Jerry Garcia en particular, surgió su participación en este disco de otro grupo que hizo su propia leyenda, menos contada que la de los mencionados, pero no menos importante.

El nombre de la banda es más que significativo acerca de sus influencias y gustos, eran los nuevos jinetes, porque pretendían hacer un nuevo tipo de música ranchera (country la llaman los gringos) y no por ser un grupo de música country, eran ajenos a la influencia del rock en general y de la sicodelia en particular, por eso eran los nuevos jinetes de algo que hiciera referencia a la parte alucinada de su música, la parte ácida y sicodélica y de allí salió la idea de la "savia púrpura", o algo que sonara loco, alucinado, profundo y trascendental y ese tipo de combinaciones de palabras eran infalibles para dar esa idea.

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David Nelson, guitarrista de los New Riders, era amigo de Jerry Garcia y de pronto hasta echaban la paloma juntos y John Dawson, otro de los jinetes llegó a tocar con el muerto en alguna ocasión, de modo que la gestación de la banda se dió prácticamente en el vientre del "Muerto", sus mienbros se conocieron por ser fans del "Agradecido" o eran amigos de Garcia y en sus inicios se dieron a conocer en Frisco, como teloneros recurrentes y asiduos de la legendaria banda de las canciones de veinte minutos, con solos de guitarra de cinco.

Powerglide es el segundo disco de la banda y en él, aparecen como invitados de lujo, Nicky Hopkins y Jerry Garcia, para darle otro toque al sonido ranchero-blusero-sicodélico de los Jinetes, y lo presentamos para que escuches otra vertiente de la sicodelia, conozcas a otra banda fundamental y sigamos repasando la historia de Hopkins.

Descargar aquí.


DISCOS SIMILARES.


CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL.











GRATEFUL DEAD.
Anthem of the Sun.









GRAM PARSONS.

ESTE ES UN GRAN HALLAZGO.

JERRY GARCÍA BAND WITH NICKY HOPKINS.
"Let it Rock"
1975.

Hace algunas semanas comentábamos con motivo del aniversario del desceso de Nicky Hopkins, que había muy pocos discos de este destacado pianista de sesión donde él apareciera como el estelar, el solista o cualquier otro formato en el que fuera el protagonista y que en contraste exitían varias, sí, varias centenas de grabaciones donde había participado, desde las mínimas como la inclusión de su piano en "Revolution" de los Beatles, o canciones sueltas de los Rolling y Kinks, hasta su destacadísima aportación al sonido de Quicksilver Messenger Service en tres de sus discos.

Una grabación que ni sabía que existía, pero que acabo de descubrir en una de mis recientes cacerías de discos raros, es esta de la banda de Jerry García, el mítico y atascadísimo líder de la también mítica y atascadísima banda de culto conocida por sus seguidores como "El Muerto" y oficialmente como "The Grateful Dead", aquella que entre los años de 1966 y 1968, protagonizó los concieertos más ácidos en la legendaria Frisco (San Francisco, Cal.), conciertos de rock ácido con un auditorio que se encontraba en grandes baños de ácido lisérgico.




Al terminar el ciclo del Muerto, Jerry García, formó ésta, Jerry Garcia Band, con Ron Tutt en batería, John Kahn en el bajo y él en la guitarra líder, las voces cantadas estaban divididas entre Tutt y el jefe del conglomerado, con esta formación grabaron cinco álbums de estudio y varias tocadas en vivo, vieja costumbre de Jerry desde los tiempos del Muerto, la que aquí nos ocupa se llevó a cabo los días 17 y 18 de Noviembre de 1975 en el "Keystone Berkeley".

La grabación nos muestra un jam sesion, al estilo de la llamada "obra maestra del blues blanco" o sea, Super Sesion de Mike Bloomfield, Al Kooper y Steve Stills, incluso las portadas de ambos discos tienen un parecido más que sospechoso, en dicha sesión de blues jazzeado, rock clásico y R & B, Hopkins y Garcia se alternan la estelaridad, éste con sus solos de guitarra de una ácidez envolvente y aquel, en plan de maestro del piano, con sus armonías, marcando el ritmo y en solos que no dejan lugar a dudas de que era un jefazo para tocar blues en su piano, pero incluso con toques clásicos o de pianista concertista.



El repertorio se divide entre canciones de Gracía y piezas de Hopkins, más una que otra de gran fama o de compositores de sobrada celebridad , me gustó en especial el cover de una de mis rolas favoritas de toda la vida "Let's Spend the Night Together" de los Stones, con el único defecto de la voz de Garcia que no le llega a la emoción y fuerza que requiere esta super clásica, otro aspecto en el que no estoy de acuerdo es en la leyenda de la portada en la que se lee "Jerry Garcia Band with Nicky Hopkins", cuando debería decir "Nicky Hopkins With Jerry Garcia Band".

Y es que, éste parece un disco del gran Nicky, con una presencia arrolladora a lo largo de toda la sesión, pieza por pieza, parte por parte, están permeadas por el estilo emotivo, fuerte y además elegante de este muerto que no deja de ser uno de mis instrumentistas preferidos, en esta y muchas otras grabaciones, Nicky, con su modestia habitual, dejaba ver con claridad de que lado masca la iguana, como dice la expresión popular.

Descarga de disco 1.
Descarga de disco 2.


DISCOS SIMILARES.



JAMMING WITH EDWARD. (Nicky Hopkins, Ry Cooder, Mick Jagger, Bill Wyman y Charlie Watts).










SUPER SESION. (Mike Bloomfield, Al Kooper y Steve Stills).












SHADY GROVE. (Quicksilver Messenger Service).

CANCIONES FAVORITAS. Little Girl Blue.

LITTLE GIRL BLUE.
Rodgers-Hart.

Little Girl Blue fue publicada en 1935 y formó parte del musical de Brodway Jumbo, sus autores Rodgers y Hart, fueron una famosa pareja de compositores de esa época y junto con Cole Porter, Inving Berlin y George Gershwin, forman el grupo élite de compositores clásicos de canciones, conocidos como los autores del American Songbook, los repertorios de los grandes y las grandes cantantes de Jazz, están plagados de piezas musicales de estos compositores, la canción más conocida de Rodgers y Hart es la super famosa Blue Moon, pero no es la única, también son clásicas otras como: The Lady is a Tramp, Manhattan y My Romance.

La canción ha sido interpretada por una larga lista de cantantes, la mayoría, del ambiente jazzero, entre estos intérpretes que han sido seducidos por el talento de Rodgers y Hart, están: Nina Simone, Sam Cook, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Anita O'Day, Coleman Hawkins, Chet Baker, Diana Krall y Stacey Kent.

Janis Joplin no era una ignorante del mundo y de la música de Jazz, como suele sucederle a muchos roqueros y ya antes había grabado piezas como Summertime de Gershwin y Heyward y era una escucha cotidiana del jazz, el blues y de las grandes vocalistas de estos géneros.

En 1969, en su tercer disco, estaba estrenando banda, con músicos más completos que los entusiastas Big Brother and the Holding Co. y este fue el álbum de su consagración, a penas a tiempo, porque en el 1970, murió por una sobredosis de ...dolor. Little Girl Blue es una de las canciones del disco que impactaron a público y crítica, junto con Kozmic Blues y la anodina To Love Somebody de los hermanos Gibb, que en el arreglo de este disco y la voz de la diva, se convirtió en pieza mayor.



PEQUEÑA NIÑA TRISTE.

Siéntate, oh cuenta tus dedos
¿qué más, qué más puedes hacer?
cariño, sé lo que te pasa
sé que sientes que estás acabada
siéntate y cuenta, oh, cuenta tus deditos
mi infeliz, oh pequeña niña, pequeña niña triste

Oh, siéntate y cuenta esas gotas de lluvia
sientes que caen a tu alrededor
cariño, ¿no sabes que ya es hora?
siento que es hora de que alguien te diga, porque tienes que saberlo
que todo aquello con lo que estés contando
o en lo que quieras apoyarte
será como esas gotas de lluvia
que caen, cariño, a tu alrededor
oh, yo sé que eres infeliz.

Oh siéntate, vamos, vamos, cuenta tus dedos
yo sé que te preguntas qué más, qué más puedes hacer
y sé lo que te pasa
yo sé que no encuentras ninguna razón para seguir
yo sé que sientes que estás acabada
oh cariño, ven y siéntate
quiero que cuentes, que cuentes tus dedos
oh mi infeliz, mi desgraciada y mi pequeña niña triste
sé que eres infeliz, oh cariño, lo sé
sé exactamente como te sientes.


LITTLE GIRL BLUE.

Sit here, oh count your fingers
what else, what else is there to do?
oh hon, I know how you feel
I know you feel that you're through
sit there and count, oh count your little fingers
my unhappy, oh little girl, little girl blue

Oh sit there, oh count those raindrops
ah you feel fallin' down, oh honey, all around you
Honey, don't you know it's time
I feel it's time somebody told you, cause you got to know
that all you ever gonna have to count on
or gonna want to lean on
It's gonna feel just like those raindrops too
when they are fallin' down, honey, all around you
oh, I know you are unhappy.

Oh sit there, oh go on, go on and count your fingers right
I know what else, what else, hon, have you got to do
and I know how you feel
and I know you ain't got to reason to go on
and I know you feel that you must be trough
oh honey, go on and sit right back down
I want you to count, count your fingers
Ah my unhappy, my unlucky and my little girl blue
I know you are unhappy, oh hon , I know
baby, I know just how you feel.

A PROPÓSITO DE JANIS

Summertime. Historia de una canción

Hace mucho, mucho tiempo, allá a finales de 1933, el compositor y pianista clásico norteamericano, George Gershwin, escribió la música para una aria cuya letra fue inspiración del escritor DuBose Heyward. Esta aria sería parte de una opera llamada Porgy and Bess, basada en la novela Porgy, escrita por el mismo Heyward en 1925.




Así sonaba la versión original. La canción rápidamente se convirtió en un gran éxito y pronto fue descrita como una de las más finas composiciones del autor.
Debe decirse que la opera trata sobre la vida de la comunidad afroamericana de la época y justo Gershwin quiso dar a su composición el toque de la música que se escuchaba en la época por aquella comunidad. Summertime pronto se volvió un referente del jazz gringo y fue interpretada por todos los jazzistas.

Se dice que Summertime es una de las canciones con más versiones en la historia de la música, algunos hablan de más de 15,000 distintas interpretaciones e incluso hay personas que se han dedicado a documentar todas las versiones que se pueden encontrar y cuyas listas puede checar aquí, aquí y aquí.

A mí sí me ganó la curiosidad y para escribir esto escuché unas 100 versiones diferentes, versiones jazz en su mayoría y todas respetando el ritmo y la tonada de la canción original. Así me topé con versiones increíbles cortesía de cuates como Al Green, Billie Holiday, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Louis Amstrong, Frank Sinatra, MIles Davis, Mongo Santamaría, Morcheeba, Paul McCartney, R.E.M., Sam Cooke, Devendra Banhart, The Doors, The Zombies, Tokyo Ska Paradise Orchestra, etc etc etc. Así pasando por muchos interpretes y en muchas versiones y ritmos diferentes, desde el clásico jazz, el soul, el bossa, el blues, el afrojazz, el ska, el reggae, instrumental, cantada y así, hasta la horrible adaptación de Billy Idol, unas buenas, otras muy malas, provenientes de todas partes del mundo. De todas las que escuché, le regalo dos de ellas para que las demás las busque usted mismo. Un par de mis favoritas, la primera, la versión a cargo de Ella Fitzgerald junto con Louis Amstrong y la segunda, increíble, a cargo del folky freak Devendra Banhart.





Y claro, todo viene a colación por la increíble -tal vez la mejor que se ha hecho- versión de Janis Joplin; temazo del Cheap Thrills de 1968. La única versión que destruye la original, en cuanto a música e interpretación, y le da un sentido completamente novedoso. De hecho yo me dí cuenta de que era la misma canción hasta que puse atención a la letra, pues Janis y su Big Broter & the Holding Company la hacen sonar como una rola completamente aparte de aquella escrita a comienzos del siglo pasado. Una de mis más favoritas de la llamada Bruja Cósmica, en su versión más favorita, puro blues y psicodelia, improvisación y la melancolía que sólo ella transmitía y que, según yo, no existe en temas más populares de Janis.
Así la recordamos a 40 años.

40 AÑOS SIN JANIS.

JANIS JOPLIN.

Por Ariel Martínez.

Este texto lo escribí hace tiempo (Marzo de 2009), pero una de las ideas que tengo para este homenaje a Janis, es rescatar todo lo que he escrito sobre ella y republicarlo, lo acompaño de una de las canciones más desgarradoras y dolidas que he escuchado en mi vida "Cry Baby", que la Janis cantaba con todo el dolor que puede sentir, una sola persona y en un mismo momento.

Janis nació en la conservadora sociedad texana de los años cuarentas, no era rica, no era guapa y por si fuera poco, no era una mujer normal, se vestía extrañamente, escuchaba música de negros y acostumbraba llamar a las cosas por su nombre. todas estas características la llevaron a una vida de segregación, en la escuela, en el barrio y en donde quiera que se parara.

Como otras de su especie, su naturaleza antisocial la llevó a refugiarse en algo humano, pero que poco tuviera que ver con el trato frecuente a sus semejantes, la música fue este refugio que, al final, la llevó a la fama y la riqueza efímeras, el título de la mejor cantante de blues blanca y finalmente, la muerte.

Siendo ya una superstar, y debido a su vida disoluta, fue considerada una mujer desequilibrada, alcohol, drogas, bisexualidad y escándalos constantes, no dejaban lugar a dudas, como otras reinas del dolor, tenía una necesidad desesperada de ser amada, escuchada y consolada, las secuelas de una infancia difícil, los rechazos constantes y la propia desvalorización, la habían vuelto una mujer insegura.

El 4 de Octubre de 1970, después de una de las sesiones de grabación de su álbum póstumo Pearl, se puso una borrachera de las que acostumbraba y después se injectó su dosis de heroína, a la que era adicta desde hacía tiempo, otras veces había intentado estos viajes cruzados y salido viva, pero esta vez no fue así, murió por sobredosis de heroína, según el exámen forense, pero sus fans sabemos que murió de una sobredosis de dolor.

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40 AÑOS SIN JANIS. Santiago Zuluaga.

NUESTRA QUERIDA JANIS.

Por Santiago Zuluaga Montoya.

Iniciamos los recuerdos, homenajes, reconocimientos o lo que sea para Janis, quien hoy cumple cuarenta años desde su muerte y el primer lector que participa en este recordatorio colectivo es Santiago Zuluaga, de quién no sabemos su ubicación geográfica, pero a quien agradecemos su participación.

haha nuestra querida janis lo unico q recuerdo bien fue q jim morrison vocalista de the doors, mi banda favorita por cierto, intentó intimar mas bn violar el espacio vital de janis , a lo q la bruja le responde con un bottellazo en la cabeza, fue así como janis y jim se "llevaron la mala", perdón por la poca info pero es lo q me acuerdo de esta queridísima hippie q a propósito pertenece al afamado club de los 27 , junto con jim,hendrix y kurt.