lunes, 28 de marzo de 2011

LA OTRA CARA DEL JAZZ-ROCK.


HERBIE MANN.
"Live at the Whiskey a Go Go"
1969.
"Mississippi Gambler".
1972.



En los mismos años en que se conocieron los discos debut de Blood, Sweat & Tears, Chicago y Electrc Flag, hechos por jóvenes que en la búsqueda de nuevos rumbos le imprimieron un toque de Jazz al rock que tocaban y sin querer inauguraron un género musical, en la otra orilla del río, la orilla del Jazz, también había jóvenes músicos que estaban dando toques de rock a su música, uno de estos artistas era Herbie Mann.

Mann comenzó a tocar el clarinete siendo aún niño y cuando hizo su servicio militar formó parte de la banda de su batallón, al quedar libre, se dedicó de lleno a la flauta y fue uno de los grandes representantes del jazz fusion, la preferencia de Herbie en estas fusiones posibles eran, la música brasileña y la africana, a fines de los sesentas dió un giro hacia la fusión con el rock y estos dos discos LPs que aquí se presentan en un solo CD, son la prueba y testimonio de esa época. El primero es un "en vivo" con dos largos jam, para darse gusto con la fusión de jazz-rock-afrobeat en la primera sesión de improvisación y para pasar luego a "Philly Dog" de Rufus Thomas, con los elementos anteriores y un agregado de funk.



En el segundo disco es más clara la intención de sonar a rock e incluso con mucho de pop, con varios covers, incluida una de las canciones más versionadas de la historia, "Satisfaction" de los Stones, si eres de los que le huyen al jazz demasiado elaborado e intelectual, esta es una opción para familiarizarse e introducirse en el mundo fascinante del jazz con esta música ligera pero no falta de calidad, disfrutable para iniciados y novatos y de paso. hacer un viaje histórico-musical, por fines de los sesentas y principios de los setentas, una época muy rica en propuestas y una de mis favoritas.

Aquí se descarga el disco.


sábado, 26 de marzo de 2011

martes, 22 de marzo de 2011

martes, 15 de marzo de 2011

EL JAZZ-ROCK. Chicago Transit Authority.


 

CHICAGO TRANSIT AUTHORITY.
1969.






1968 es el año de la rebelión juvenil mundial, esa revolución cultural y de valores que ranovó a las sociedades capitalistas más poderosas y conservadoras; hoy se puede ver que esa renovación de las formas de pensar colectivas "humanizó" un tanto al capitalismo despiadado, alertó a los regímenes autoritarios del bloque socialista y cimbró estructuras verticales y dictatoriales en muchas regiones del tercer mundo.

Una manifestación de esta nueva cultura y forma de ver la vida fue el rock y su increíble expansión en esos años y fue precisamente en 1968 el momento del nacimiento de un formato musical muy expresivo, rico en matices y tan popular que produjo grandes bandas y sobre todo grandes discos, sí, por supuesto seguimos hablando del jazz-rock que en ese año dió sus primeros frutos con tres discos imprescindibles: "A Long Time Coming" de Electric Flag, la banda de blues ampliada con elementos del jazz y el rock que fundó Mike Bloomfield después de disolver su asociación con Al Kooper; "Child is Father to the Man" de Blood, Sweat & Tears, la banda de jazz-rock-blues que fundó Al Kooper, después de disolver su asociación con Mike Bloomfield.




Es decir que Bloomfield y Kooper, cada quien por su lado seguían conectados y tenían proyectos muy parecidos; el tercer disco iniciador del género es el entrañable (para mí) "Cold Blood", álbum debut de la banda del mismo nombre que también tenía como filosofía musical una aleación de rock. jazz y blues potente y emotiva.

Para el 69 ya no se trataba de discos aislados, sino de una corriente que empezaba a ser muy popular, la mezcla de tres géneros y la recuperación de las armonías instrumentales de las big bands más la intensidad de bandas de blues como la de B.B. King, alternándose con los solos de guitarra muy rockeros y las secciones rítmicas de la misma procedencia resultaban sumamente atractivos para rockers, bluseros y amantes del jazz, pero por si esto fuera poco, también estaban llegando a los grandes públicos y la punta de lanza de esta conquista de públicos amplios fue Chicago y su álbum debut.

Con la misma fórmula que Electric Flag o Blood Sweat & Tears, un cuarteto de rock con guitarra líder, bajo, batería y teclados, más tres músicos que tocaban alientos-metal (trompeta, trombón, sax y flauta) y la consabida mezcla de tres géneros explosivos y muy maleables, Chicago logró además una fusión muy equilibrada de piezas experimentales con otras muy comerciales que los llevaron a realizar ventas millonarias del álbum doble con que debutaron, producto de dos años de tocar y componer juntos durante dos años e interminables giras que los llevaron por toda la Unión Americana.

Este álbum celebradísimo por la crítica y acogido por el gran público, representó un gran negocio para Columbia, disquera que lo grabó y distribuyó y de él salieron exitazos como"Beginings", "Questions 67 and 68", "Listen" y un gran cover de "I'm a Man" de Steve Winwood, grabado con anterioridad por el grupo de Spencer Davis.




sábado, 12 de marzo de 2011

DESCANSE EN PAZ

Rita Guerrero

Ayer, 11 de marzo del 2011, la cantante nacida en Guadalajara, Rita Guerrero falleció. Con 47 años, Rita dejó este mundo luego de luchar contra el cáncer de mama desde 2010.
Cuando conocí a Rita su carrera ya llevaba un buen rato como actriz, se supone que en esas andanzas conoció a Jacobo Lieberman, tecladista en el primer proyecto musical de Rita que terminaría siendo Santa Sabina desde 1989.
No puedo recordar la primer canción que escuché de esa banda legendaria pero durante mi preadolescencia fui gran fan de ella. Me recuerdo escuchando una y otra vez aquel homónimo del 92, luego el Símbolos del 94 y, finalmente, el Babel de 1995. Luego perdí la emoción por ellos y me puse a escuchar otras cosas.
De Santa Sabina siempre me gustó el hecho de que al oírlos no escuchaba sólo rock, también escuchaba sonidos bien experimentales que luego supe que eran influencia de otros géneros. Me encantaba el sonido de la guitarra de Alejandro Otaola (excelente músico), el carisma de Poncho, y, claro, la gran voz de Rita, voz suave pero capaz de alcanzar tonos altísimos, tirándole a la voz que me sonaba "como de ópera" y luego esos gritos desgarradores. Rita derramaba sensualidad.
No recuerdo cuántos años tenía cuando fui a aquel concierto de Santa Sabina en algún lugar al sur de la ciudad, me encantó. Me enamoré más de ella al ver su voz y música acompañada por esos sensuales movimientos, causantes de mis tempranas fantasías. Tampoco recuerdo a qué edad vi la película Ciudad de Ciegos donde aparecía Rita junto a otros de mis ídolos de la época, Saúl Hernández y Sax. Esa música, buena música nacional, marcó una etapa suave de mi vida y me abrió las puertas a un mundo increíble.
Gracias a Rita, por ser parte importante de mi formación melómana. Descansa en Paz.



Azul Casi Morado. Quizá el tema más popular de Santa Sabina en su versión para el MTV de 1997.

martes, 8 de marzo de 2011

RESEÑA

Mad Professor con Macka B

No sabía si iba a ir pero de último momento me lancé al José Cuervo Salón a disfrutar de este par de leyendas del Dub.
Luego de una pequeña falla administrativa logré entrar al foro que lucía como nunca, poca gente, nada de poses, ambiente agradable y hasta mesas alrededor de la pista. Los últimos acordes de una rola desconocida de una banda desconocida me recibieron y ya con cerveza en mano me planté cerca del escenario a esperar.
Luego de un par de teloneros, uno regular y otro bastante malón, comenzó la verdadera pachanga: el colectivo Bungalo Dub llegaba a dar cátedra de cómo hacer buen reggae y dub, el sonido jamaiquino llenó el ambiente, las cabezas comenzaron a moverse de un lado a otro. El gordito vocalista del Bungalo Dub animaba al respetable que bailaba al compás de odas a la resistencia, la hermandad y, claro, la marihuana, temas ayudados por el buen sonido, cosa rara que el José salón presentaba.
Un rato después subió alguien al escenario a presentar (reggae style) al buen Mad Professor. Coronado con un par de antenas luminosas y lentes de sol, el señorón nacido en Guyana y radicado en Londres de 56 años (nada más) se plantaba frente a la mezcladora. Sorpresa fue darse cuenta que el sonido podía ser aún mejor; el señor Neil Joseph Stephen Fraser aka Mad Professor probaba las bocinas dándole con todo a los graves y haciendo gritar al público. Un par de graves más, reverb, delay, todo bien, momento de que entre Macka B.
Otro señorón saltaba al escenario a hacer lo propio con la voz. También ya estrado en años, Don Christofer McFarlane (Macka B), inglés de nacimiento saluda a México y a Mad Professor y entran en materia.
Y aquello se volvió un cúmulo de emociones, otra vez cuerpos y cabezas iban de un lado a otro, la ganja (así llamada por los rastas) aparecía y el humo llenaba el aire, los dreadlocks aparecían volando en el aire. Dub puro e intenso, Mad Professor iba de los bajos y percusiones más potentes al agudo acorde clásico de guitarra reggae, de pronto aparecían los ecos y los reverbs y enmedio de todo, la voz rasposa de Macka B pidiendo a Mad Professor comenzar de nuevo. Ahí va, efecto de rebobinar hacia atrás y de nuevo, más bajo, más eco, el pecho cimbreaba con el sonido acompañando la voz de Macka B yendo del reggae al dance hall y al dub.
El tiempo pasaba, del clásico roots, al dance hall otra vez, al dub, al jungle, dub style new style different style coreaba Macka B. Otra vez, who likes ganja? y el humo subía, who loves Bob Marley? y aparecía el coro: "everybody loves Bob Marley, everywhere I go is the same old story".
Yo pensé que no habría encore, pero hubo y aquello termino dos horas después, cansadísimo me fui a casa.

El Dub, considerado subgénero del reggae, nació allá en Jamaica. Mientras los hippies le daban a la experimentación psicodélica, en Kingston hacían lo propio con el reggae. Para los 70s, el dub ya era un género super importante reivindicado en Inglaterra por bandas como The Clash. Hoy el dub es influencia en el rock, el pop, el hip hop, el jungle, el house, el ambient, el trip hop, el dubstep y en muchos otros estilos musicales.
Mad Professor y Macka B pertenecen a la oleada inglesa de interpretes de dub, famosos en los 80s.

Escuche a Mad Professor.



Ahora escuche a Macka B

MÁS BLUES BLANCO Y SESENTERO.




AL KOOPER, MIKE BLOOMFIELD.
"The Lost Concert tapes. 12 /13 /68"
2003.



Paul Butterfield, el mejor ejecutante de la armónica blusera en su generación de jóvenes blancos amantes del blues, atrajo hacia su banda a otro músico prodigioso, el mejor guitarrista blanco de blues de la Unión Americana y anexas en los hoy, mitificados sesentas, el virtuoso de las cuerdas al que hacemos referencia era Mike Bloomfield, por desgracia ya fallecido y referencia obligada del que se interese en la historia del género.

Es famosa la historia del primer encuentro de Bloomfield con Al Kooper en la grabación de "Highway 61 Revisited" y en especial de "Like a Rolling Stone", cuando acudieron a reforzar al equipo de grabación de la maravilla musical del momento, Bob Dylan, pero es mayor la trascendencia que tuvo dicho encuentro: la asociación artística de ambos personajes para múltiples presentaciones de verdaderas orgías de blues revivido, con la misma emoción del blues tradicional y con el plus de la nueva aura de luz que poseían en ese momento la música juvenil y la sensación de estar en el umbral de algo maravilloso y definitivo.

Esta pareja es la responsable del que es considerado "la obra maestra del blues blanco", o sea "Super Session" y de esta grabación que refleja una presentación de fines de 1968 que permaneció enlatada y se lanzó a la venta hasta 2003, cuando Bloomfield ya había cumplido 20 años de muerto, además de la típica compenetración de ambos personajes, el amor y el profundo respeto que siempre tuvieron para el blues y el virtuosísmo de sus manos, hay sorpresas gratificantes: la presentación de Johnny Winter, la aparición de una banda sólida y competente ala altura de los protagonistas y un cover sensacional de la también sensacional "Season of the Witch", obra maestra de Donovan.

Aquí se descarga el disco.



jueves, 3 de marzo de 2011

EL PRODIGIO DEL BLUES BLANCO.




THE PAUL BUTTERFIELD BLUES BAND.
1965.




El Blues nació entre la población afroamericana y por décadas fue música para los afroamericanos, la segregación racial tenía fuerte influencia en todos los ámbitos de la vida norteamericana y la música más la cultura en general, no eran una excepción, pero a mediados de los sesentas, cuando los legendarios bluesman de la talla de Muddy Waters, B.B.King, John Lee Hooker, Willie Dixon, etc, eran leyendas a punto de caer en el olvido, hubo jóvenes blancos insatisfechos con la música que les ponían a disposición y rebeldes contra una sociedad discriminatoria que se lanzaron a una especie de "rescate" y redescubrimiento del Blues, no sólo escuchándolo, sino también recreándolo, Paul Butterfield era uno de estos jóvenes y el más prodigioso de los blusistas blancos.

Butterfield amaba al Blues a consecuencia de una fatalidad, haber nacido en Chicago y a una decisión, acercarse al género del alma que llenaba su ánimo, sus emociones, su visión de la vida y sus inquietudes musicales, ¡casi nada! y a muy temprana edad se dedicó en cuerpo y alma a dominar la difícil habilidad de tocar la armónica blusera y no sólo la dominó, en el sentido negro sino que, le dió una sonoridad nueva, la de un blues de rostro pálido, tan intenso como el de los afroamericanos, tan lleno de sentimiento como el de ellos, pero con un toque de musicalidad "blanca", difícil de ubicar, pero claramente identificable.



Dominada la armónica, la siguiente tarea fue acercarse a la forma de cantar de los grandes maestros negros y una tercera misión, consistió en buscar compañeros que compartieran su amor y sus sueños, así encontró a Mike Bloomfield, otro prodigio blanco del blues y el guitarrista descolorido de piel más importante de la segunda mitad de los sesentas y primera de los setentas en la Unión Americana; a Elvin Bishop, su primer cómplice, quien a su vez trajo al embrión de banda al extraordinario bajista Jerome Arnold, la agrupación se completó con Mark Naftalin en el órgano y con Sam Lay en los tambores y se convirtió en la más conspícua banda de blues blanco que haya dado la potencia norteamericana, un grupo legendario desde 1965 año en que se dió a conocer su álbum debut que es el que estamos presentando, hasta 1987, trágico año en que murió Butterfield a la temprana edad de 44 años, después de una atormentada vida, típica en muchos artistas de extrema sensibilidad que adoptan al alcohol y otras sustancias estimulantes como forma de soportar un mundo insoportable.

El repertorio de este disco clásico e histórico se compone con algunas piezas inmortales de los grandes maestros:"I got my Mojo Working" de Muddy Waters, "Mellow Down Easy" del gran Willie Dixon, el mítico "Mystery Train", blues inmenso de autor desconocido y patrimonio de la humanidad que esta banda volvió a poner en los oídos de la masa, al grado de que muchos creen que es de ellos y como parte mayoritaria, las composiciones del propio grupo, si amas al blues y eres un curioso de cosas inútiles para la vida páctica como los discos debut de las grandes bandas, las grabaciones históricas, los discos que un coleccionista debe tener y otras incomprensibles para la gente normal, no puedes ignorar este debut de la banda de blues blanco más grande del universo.

Aquí se descarga el disco.









jueves, 24 de febrero de 2011

CANCIONES FAVORITAS. Turn, turn, turn.



TURN, TURN, TURN.
Pete Seeger.






El segundo disco de The Byrds fue la confirmación de un sonido inédito hasta ese momento y consistía en la afortunada mezcla de la música "folk" y el rock, en lo que los críticos llamaron el folk-rock y que este quinteto patentaría y haría clásico.

El repertorio estaba formado por composiciones de Gene Clark, compositor principal del grupo, David Crosby y piezas del icono del folk, Pete Seeger y la nueva y gran revelación en este género, Bob Dylan, el disco fue producido por Terry Melcher, para el sello discográfico Columbia.

La esencia del sonido "Byrd" se basaba en el uso sencillo pero tumultuoso de las guitarras que se alternaban los acordes, los "riffs" y las líneas melódicas, combinadas con los efectos vocales, plagados de coros y alternativas entre un cantante solista y otro, el resto del éxito de esta banda, estaba en las letras y los temas que abordaban, la naturaleza, el amor, la armonía, la vida de la gente común y las reflexiones críticas sobre todo esto.

La canción que da título al álbum, Turn! Turn! Turn!, fue compuesta por Pete Seeger, pero la letra fue tomada del Libro del Eclesiastés, que forma parte del Antiguo Testamento y consiste en una serie de consejos de sabia prudencia, impregnados de la idea del plan predeterminado de Dios para la humanidad, que no permite ser transgredido, haber musicalizado este texto, redundó en un gran éxito para esta pieza que en los tiempos que vivía, resultaba de gran belleza y profundidad filisófica.


Cambia! Cambia! Cambia!


Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para nacer, un momento para morir
un momento para sembrar, un momento para cosechar
un momento para matar, un momento para curar
un momento para reir, un momento para llorar.

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para construir, un momento para destruir
un momento para bailar, un momento para sollozar
un momento para lanzar piedras, un momento para juntarlas

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para amar, un momento para odiar
un momento para la guerra, un momento para la paz
un momento en que puedes abrazar, un momento para contenerse

Para todo (cambia, cambia, cambia)
hay un momento (cambia, cambia, cambia)
y un momento para cada propósito, bajo el cielo.

Un momento para ganar, un momento para perder
un momento para rasgar, un momento para coser
un momento para amar, un momento para odiar
un momento para la paz, te juro que no es demasiado tarde.

Traducción: Ariel Martínez.



Turn! Turn! Turn!


To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to be born, a time to die
A time to plant, a time to reap
A time to kill, a time to heal
A time to laugh, a time to weep

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to build up,a time to break down
A time to dance, a time to mourn
A time to cast away stones, a time to gather stones together

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time of love, a time of hate
A time of war, a time of peace
A time you may embrace, a time to refrain from embracing

To everything (turn, turn, turn)
There is a season (turn, turn, turn)
And a time for every purpose, under heaven

A time to gain, a time to lose
A time to rend, a time to sew
A time to love, a time to hate
A time for peace, I swear its not too late


The Byrds - Turn! Turn! Turn!
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martes, 22 de febrero de 2011

RESEÑA

Ratatat en Voilà Antara

Un día más y se cumplirá una semana del concierto. Entonces esta reseña ya no es nada actual; sin embargo, no quería dejar pasar la oportunidad de escribir sobre este gran evento y mi primer concierto del año.

Hace ya bastante tiempo, a comienzos de éste blog había escrito algo acerca del gran dúo de New York y hace más que esperaba ver una de sus presentaciones en vivo. Mi sueño se cumplió gracias a que Ratatat cayó a México a promocionar su álbum del año pasado, LP4 continuación del LP3 del 2008.

Lo primero que conviene es hablar del lugar. Aunque lejos del centro (y más de mi hogar), el Voilà es un espacio bien bonito, claramente pensado para conciertos, con buen sonido, iluminación y buena distribución, de cualquier lado se puede ver y escuchar bastante bien. Lo que no convendría mencionar es la ya costumbre de encontrar personas que más que a un concierto parece asisten a una pasarela o a cualquier evento de la alta sociedad, tache para ellos y no serán mencionados jamás.

Luego del set bastante malón del Antiguo Automata Mexicano, el dúo de Brooklyn entró al pequeño escenario, casi a obscuras, con dos grandes tambores al frente y enmarcados por dos grandes muros de acrílico, a darle con Bob Gandhi, del LP4. Yo no he escuchado el nuevo disco pero me dí cuenta luego luego que, si bien mantienen el ya clásico sonido, no temen experimentar con percusiones, beats que trascienden la clásica percusión hiphopera tan presente en los primeros discos e incluso quitar un poco de presencia a la muy presente e indispensable guitarra. Tendré que escuchar con atención el LP4 y darle más detalles sobre esto.

Cuando comenzó Mirando la emoción ya era bastante, en esa rola ya se nota bastante el poder de la guitarra Mike Stroud y la importancia de ésta en el sonido de Ratatat. La guitarra sonaba increíble, bien fuerte como debe de ser en un concierto de rock y los beats de Evan Mast sonaban igual de potentes, más pesados que en estudio, ahora sí, claros beats de Hip-Hop. De pronto me sentía en un concierto de rap, con guitarras en lugar de MC's.

Sin hablar mucho con el público, el par de barbones greñudos le dieron duro a sus instrumentos durante poco más de una hora. No hablaron pero sus instrumentos dijeron todo, el lenguaje se reflejaba claramente en las pantallas a los costados. Esas paredes daban cuenta de lo que produce el sonido de Ratatat; desde imaginar a un par de barrocos modernos dándole a los intrumentos de cuerda, medusas fluorescentes nadando en un mar de obscuridad, o las chispas que provocan la guitarra cuando se le rasca con toda la fuerza. Lo anterior, claro, hasta que la iluminación falló y los visuales dejaron de verse.

Ratatat es un dueto bastante poderoso cuyo sonido se aprecia mil veces mejor en directo. Es harto recomendable su show en vivo, lleno de poder, rápido pero conciso y pleno. Una verdadera experiencia. Si tiene la oportunidad de verlos no lo dude! Si no, al menos échele una oreja a sus discos, todos son de excelente calidad.

En YouTube topé este video del concierto. Loud Pipes, la imagen no es muy buena pero el sonido es bastante decente. Enjoy!

viernes, 18 de febrero de 2011

miércoles, 16 de febrero de 2011

LAS DAMAS DEL ROCK. Julie Dricoll.


JULIE DRISCOLL. A KIND OF LOVE IN 1967 - 1971.





Hace poco encontré este disco de la fabulosa Julie Driscoll, con las grabaciones que hizo con Brian Auger y Trinity, la agrupación con la que su voz lucía en todo su esplendor, un tecladista fuera de serie, Auger y la base rítmica de la mencionada Trinidad.

Driscoll, mujer divina consentida de este blog, es una de las grandes cantantes de rock, blues y soul de fines de los sesentas y principios de los setentas, con una voz extraordinaria y un gran feeling, junto con Lydia Pense, Grace Slick y Janis Joplin, formaba parte de una generación de grandes cantantes blancas de la música negra.

En esta recopilación, aparecen composiciones de Auger y Julie, además de covers muy bien logrados: This wheels of fire de Dylan, Season of the witch, de Donovan y Light my fire de The Doors son tres joyas que no te puedes perder.

La lista completa de las canciones de esta antología son:

  1. I know you love me not.
  2. If you should ever leave me.
  3. Save me (Part 1).
  4. This wheels of fire.
  5. A kind of love in.
  6. In and out.
  7. Black cat.
  8. Tramp.
  9. Breack it up.
  10. Why (am I treated so bad).
  11. Season of the witch.
  12. The road to Cairo.
  13. Shadows of you.
  14. Indian rope man.
  15. Take me to the water.
  16. A word about colour.
  17. Flesh failures.
  18. Light my fire.
  19. Save the country.
  20. Walk down.
  21. A new awakening.
Aquí se descarga el disco.

martes, 15 de febrero de 2011

MÁS DESPEDIDAS

LCD Soundsystem y The White Sripes

Hace un par de semanas, con tan sólo tres días de diferencia, dos grandes de la música contemporánea anunciaron su final. Dos grandes proyectos que, por diversas razones, lograron la difícil trascendencia en un mundo musical saturado: LCD Soundsystem y The White Stripes.

LCD Soundsystem. Estos muchachos surgieron allá por el 2001 y son parte de esa camada de artistas electrónicos que liderearon la transición del género luego de que las leyendas noventeras como Chemical Brothers desaparecieran un poco de la escena. James Murphy (líder de la banda) y compañía colaboraron al revival de la electrónica al introducir elementos punk y combinarlos con el otro revival que comenzaba a gestarse: el del disco. Así que a LCD Sounsystem los catalogaron como Dance-Punk y pegaron fuerte, editaron tres discos y algunos EP's y singles. Murphy también tuvo la gracia de fundar su propia disquera junto con Tim Goldsworthy; DFA Records se anotó grandes puntos al editar discos de The Rapture, Hot Chip, Hercules & Love Affair, The Juan MacLean y otros más. Además LCD Soundsystem fue parte de la explosión de la electrónica de New York al mundo, poniendo, una vez más, a esa ciudad en boca y oídos de todos.
El 5 de febrero, LCD Soundsystem anunció su fin.
La primer rola de LCD Soundsystem que escuché, una de sus mejores, la más conocida, la enorme tributo, su primer hit: Daft Punk Is Playing At My House; reflejo perfecto del sonido de éstos newyorkinos, Dance-Punk con letras irónicas y divertidas. El sueño de todo joven músico hecho realidad.




The White Stripes. Tres días antes, el genial dúo de Detroit publicaba lo propio en su sitio web. 13 años de carrera, 6 discos y numerosas nominaciones a premios importantes y hasta un par de Grammys, Meg y Jack White dijeron adiós. Qué se puede decir de este par? Pionerísimos de otro revival, el del rock. Cuando todos lo daban por muerto, Jack y Meg le entraron al blues, al garage, apostaron por el minimalismo. Guitarra y batería fue todo lo que necesitaron para ganarse al mundo y hacerlo volver de nuevo a ese género ya tan difícil de definir, eso y la siempre misteriosa duda respecto a su relación de esposos, primos, novios, hermanos? Creadores de uno de los mejores discos de la década de los 2miles, Elephant. Un maestro de la guitarra y la composición y una mala baterista, gran combinación. Lástima.
Jolene, una de mis favoritas del dúo de Detroit, excelente muestra de las capacidades de Jack White, guitarra, voz y dramatismo, muestra de lo único que se necesita para ser genial.



Dos grandes, una época y sonidos extremos. Muestra del estado de la música actual. Lástima que dejen de existir, seguiremos esperanzados al reencuentro, siempre pasa.

lunes, 14 de febrero de 2011

ROCK MEXICANO. Chac Mool.




CHAC MOOL.
"Sueños de Metal".
1981.



Para principios de los ochentas, el panorama había cambiado sustancialmente en el rock mexicano, los heróicos rockers "preavandáricos", incomprendidos y marginados, por una sociedad ultraconservadora y los "post-avandáricos" aún más heróicos, marginados, incomprendidos y reprimidos, ya eran historia o leyenda (como la canción de Le Orme) y ya había roqueros que ejercían la profesión con sentida dignidad, como sus padres y abuelos, pero sin el sentimiento de mártires de aquellos.

Los roqueros jóvenes en los setentas, ya estaban trabajando en las disqueras grandes y se encargaban de producir discos como este y eso tenía la ventaja de una producción hecha por gente conectada con el rock, conocedora del rock y amante del rock, tal era el caso de José Xavier Návar y Paco Rosas, quienes contaban además con el respaldo de Polygram, transnacional del disco que podía poner a su disposición todos los recursos necesarios para hacer una grabación totalmente profesional, sin el aire romántico de "lo hicimos como pudimos", pero con una indiscutible mejor calidad.


Haz click en la imagen para ampliarla.


Y para cerrar el triángulo, estaba el factor principal, una banda sólida, con sus conceptos muy claros, excelentes instrumentistas y compositores correctos que sin descubrir el hilo negro ni pretender ser los campeones de la experimentación hacían un rock en la línea del "progresivo", como se entendía en esos tiempos, influencias del rock italiano, de grupos ingleses como King Crimson y Yes, del "kraut" y su tendencia a la electrónica y hasta de Jethro Tull, cuando Jorge Reyes, sin duda el más talentoso de la banda hacía sus solos de flauta.

Además de Reyes, desaparecido recientemente y muy extrañado, estaban en la banda de músicos que ya habían tocado en otras agrupaciones, Carlos Alvarado, aficionado a la música electrónica y el "progresivo" en general, tocando todo tipo de teclados; Armando Suárez, en bajo y mandolina; Mauricio Bieletto como cantante, sin cualidades extraordinarias pero sí, suficientes; Carlos Castro en percusiones varias; un grupo de coristas y una orquesta de cuerdas, es decir, lo necesario para hacer un disco de rock progresivo con calidad mundial.


El compositor principal era Jorge Reyes, pero había un intento por hacer creación colectiva con la participación de Suárez como coautor, destacan "Kandahar" y "Sombras de la Noche", por ser piezas largas que permiten el desarrollo más claro de un concepto, la exhibición de las cualidades técnicas y emotivas de los músicos y la creación de ambientes, requisito idispensable del rock progresivo en la época. La lista de canciones que componen el álbum es:

Paranoia.
(J. Reyes / A. Suárez).
Kandahar.
(J. Reyes / A. Suárez / C. Castro.)
Brillo de luna.
(J. Reyes ).
Que buena razón.
(J. Reyes).
Libertad.
A. Suárez.
Sombras de la noche.
J. Reyes.)


Aquí se descarga el disco.




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