MÚSICA Y PINTURA.

LA MÚSICA EN LAS ARTES PLÁSTICAS.

El arte en realidad es uno y aunque tenga "distintas disciplinas", la sensibilidad de los artistas suele manifestarse de la misma forma y no es raro encontrar artistas que pintan y escriben poesía, o poetas que hacen música, hace poco estaba recordando la música que se hizo en 1968 y apareció Aute, el músico que escribe poemas y pinta, es muy sabido que Woody Allen además de ser un cineasta genial, toca jazz en sus tiempos libres, el recientemente fallecido escritor Carlos Montemayor, cantaba ópera que era su segunda pasión y lo que menos nos haría falta serían ejemplos de esta multidisciplinaridad (se dirá así?.

Para ilustrar este tema del arte único presentamos tres obras pictóricas que tienen como tema la música: "El quinteto" de Raoul Dufy pintado en 1948; "Muchacha con mandolina" de Pablo Picasso fechado en 1910 y "Ciudad" de Otto Dix que data de 1927-1928.

"El quinteto"

"Muchacha con mandolina"

"Ciudad"

LIBROS. Album Cover Album.

ALBUM COVER ALBUM.
El libro de las portadas roqueras.

Encontré en afamada librería con nombre de líder hindú, independentista y pacifista, este libro a un precio que no se puede resistir, 390 varos, mide 30 x 30 cm., pasta rígida, papel fino e ilustraciones a todo color, de modo que los casi cuatrocientos pesos están muy bien empleados.

Los autores son Storm Thorgerson y Roger Dean y registran una gran cantidad de portadas de todas las épocas y varios géneros, dividido en secciones, las portadas están agrupadas en : Jazz, Sicodelia, Años dorados, con portadas entre sesentas y setentas, Miscelánea, que agrupa diseños interesantes con independencia del género o la época, Portafolios, con agrupaciones de portadas con semejanzas y una sección final con las portadas más ingeniosas y originales, un libro del todo recomendable para coleccionistas, melómanos y amantes de los libros que a la vez son objetos de arte.

Y SIGUE LA MATA NO DANDO

Queridísimo lector.

Una vez más, ya no es raro, la mitad de este blog desapareció. La causa, una triste falla en mi computadora que me obligo a no tenerla durante mucho tiempo, y lo peor, a perder una muy buena parte de mi biblioteca musical... unos 30 GB de música quedaron en algun lugar sin posibilidad de ser recuperados. Mucha de esa música es recuperable y conseguible, otra parte es sólo conseguible; así que mientras me recupero emocionalmente y escucho nuevas cosas que sean dignas de ser mencionadas en este blog, se chutará usted junto conmigo aquellas cosas viejitas para mí y que son las más fáciles de recuperar en el camino a la construcción de una nueva librería musical.

Y en ese camino me topé una vez más con el genial músico noruego Erlend Øye y una de sus facetas, la banda folky Kings Of Convenience. De su segundo álbum Riot On An Empty Street del 2004, esta bonita rola llamada The Build Up, interpretada en vivo junto a la diva canadiense Leslie Feist. Enjoy!

ROCK MEXICANO. Mr. Loco.

MR. LOCO, EL NIETO DE LOS LOCOS DEL RITMO.

El grupo de rock 'n' roll más importante en México, en los años cincuentas no fue "Los Teen Tops" ni "Los Rebeldes del Rock" como cree la mayoría de la gente, el que hizo mayores aportaciones a algo que pudiera llamarse "rock nacional" fue "Los Locos del Ritmo", los únicos que grababan canciones propias y no solo covers de los éxitos norteamericanos.

El grupo que estaba formado por estudiantes de distintas disciplinas, estuvo a punto de tener una efímera existencia a causa de la muerte de su cantante Toño de la Villa, pero Rafael Acosta, baterista y autor de "Tus Ojos", el gran éxito de Los Locos, tomó el liderazgo y continuó con el grupo.

En los setentas cuando el rock fue satanizado, perseguido y relegado por disqueras y medios, los roqueros mexicanos tomaron distintos rumbos; los de menor convicción ( o mayor necesidad), cambiaron de género, La Revolución de Emiliano Zapata, fue el caso más patético; se confinaron en los "hoyos fonqui" o se fueron al gabacho a probar fortuna, esta fue la ruta de Acosta que decidió iniciar otra carrera, en Estados Unidos y con el grupo que podría ser considerado como el hijo de los Locos y que respondía al nombre de The Locos.

Con este nombre grabaron una rola muy buena y exitosa que se llama "Viva Zapata" en versión castellana y en version anglo, la susodicha canción, sonaba así:



Un rolón que les abrió puertas y les alimentó la tozudez para seguir roqueando y respirando, la misma terquedad permitió que el hijo de Los Locos del Ritmo tuviera descendencia, un grupo que se llamaba Mr. Loco que en noviembre de 1975, ganó un festival musical en el lejano Japón, con una rola llamada "Lucky Man", éxito que nuevamente les dió alas, un día me encontré este álbum de tres LP's, con algo así como "lo mejor de... y quise ver que más había, aparte de la que ganó el festival y me encontre con cosas por de más interesantes.

El grupo, lidereado por Rafael Acosta y Jorge García, había adoptado el espíritu de los tiempos y estaba haciendo un rock con tintes folclóricos, loable por ser búsqueda e inconformidad, pero sobre todo porque sonaba bien, la inclusión de instrumentos andinos o arpa tocada al estilo jarocho, estaba en el lugar exacto, sin pretender nacionalismo a ultranza, sin pretenciones de hacer obras maestras, estos viejos maestros estaban trabajando con seriedad, pasión y gusto.

El álbum de tres discos consta de: una especie de "Disco samba" ¿recuerdas esa tortura que ponían y siguen poniendo en las fiestas que consiste en una serie de canciones brasileñas arregladas como música disco?, pues ni más ni menos, esta es la "Disco Loco" o algo así, un popurrí de canciones mexicanas de todo género y toda época, arregladas como música disco; un lado del segundo disco con covers de grandes rolas gabachas de los cincuentas muy bien logradas y las canciones de Acosta y García en el lado B del segundo disco y en el tercero.

Estos tres lados de disco LP son los que decidí subir a la red para compartir con los cuates, de manera que si te interesa descargar el disco, haz click aquí.

Está la versión castellana de "Viva Zapata" con nuevo arreglo, la famosa "Lucky Man" ganadora del Festival Mundial de la Canción Popular patrocinado por Yamaha, una versión muy creativa de "Let it be" y otras rolas disfrutables, curiosas, interesantes que ya son joyas de colección.

CANCIONES FAVORITAS. Teacher.

TEACHER. Jethro Tull.

Jethro Tull me impresionó desde la primera vez que lo escuché, porque a pesar de que era en una época en que las propuestas novedosas aparecían cotidianamente, la de este cuarteto británico, lidereado por Ian Anderson me parecía de otro mundo, impresión que con el tiempo, se fue confirmando, pues muchos grupos famosos de la época, crearon seguidores, grupos que los imitaban en menor o mayor medida, pero Jethro Tull tuvo una propuesta tan original desde el principio que no tienen imitadores.

En Benefit (1970), su tercer disco, el grupo ya estaba en plena madurez, sus anteriores grabaciones aún revelaban la búsqueda de un estilo, ya bastante delineado, pero con influencias no del todo bien integradas al sonido Jethro Tull, aunque tal vez, deberíamos decir El sonido Anderson, porque el líder de la banda, componía las canciones, las cantaba y tocaba la flauta transversa, sonido distintivo del Jethro y los demás músicos, a menudo reemplazados, fueron siempre, el acompañamiento de Ian.

Benefit ha sido desde hace más de treinta años mi disco favorito del Jethro y uno de mis consentidos de toda la vida, cada una de las canciones, conocidas de memoria y hasta la saciedad revelan el genio andersoniano, con esas historias terrenales y divinas a la vez y la extraña mezcla de sonidos perfectamente ensamblados en un estilo incomparable, donde se unen armoniosamente el sonido duro del rock y las suaves baladas folk o los sonidos medievales; los instrumentos eléctricos con su fuerza y energía y los acústicos, suaves y delicados, difícilmente puedo decidir cuál es mi canción favorita del álbum, pero Teacher, lleva una pequeña ventaja a las demás.

Es una de las grandes canciones de Anderson, con un riff que engancha, la voz cavernosa, las intervenciones esporádicas o en solos de la flauta, un bajo exacto que guia, y la letra de uno de los grandes compositores del rock inglés, con un lenguaje vasto y evocador de imagenes e historia que no se queda en lo descriptivo, sino que escarba en la naturaleza humana para encontrar su esencia.

MAESTRO.

Bueno, el amanecer está llegando
lo escucho tocando en mi timbre
me dice, "mi nombre es el maestro"
que es como me llamo a mi mismo.

Y tengo una lección
que tengo que impartir para tí
es una vieja expresión
pero debo insistir en que es cierta.

Brinca, mira alrededor
encuentra en tí mismo algo divertido
sin sentir, aquí sentado, saludando a cualquiera
no, hombre, es una isla y su castillo no es casa
el nido no es nada, cuando el pájaro ha volado.

Pero realicé un viaje
lanzando mi mundo al mar
conmigo fue el maestro
y encontró diversión en mi lugar.

Hey hombre, ¿cuál es el plan? ¿que fue lo que dijiste?
broncearse al sol, bebida en mano, tendido en esta cama
trato de socializar, pero parece que no puedo encontrar
aquello que busqué, teniendo algo en mente.

Entonces el maestro me dijo
ha tenido mucha diversión
me dió las gracias por su boleto
y todo lo que tuve dí.

Hey hombre, ¿cuál es el plan? ¿que fue lo que dijiste?
broncearse al sol, bebida en mano, tendido en esta cama
trato de socializar, pero parece que no puedo encontrar
aquello que busqué, teniendo algo en mente.

TEACHER.

Well the dawn was coming,
heard him ringing on my bell.
He said, "My name's the teacher",
that is what I call myself.

And I have a lesson
that I must impart to you.
It's an old expression
but I must insist it's true.

Jump up, look around,
find yourself some fun,
no sense in sitting there hating everyone.
No man's an island and his castle isn't home,
the nest is for nothing when the bird has flown.''

So I took a journey,
threw my world into the sea.
With me went the teacher
who found fun instead of me.

Hey man, what's the plan, what was that you said?
Sun-tanned, drink in hand, lying there in bed.
I try to socialize but I can't seem to find
what I was looking for, got something on my mind.

Then the teacher told me
it had been a lot of fun.
Thanked me for his ticket
and all that I had done.

Hey man, what's the plan, what was that you said?
Sun-tanned, drink in hand, lying there in bed.
I try to socialize but I can't seem to find
what I was looking for, got something on my mind.

1968, EL AÑO DEL SIGLO.

1968...

Es considerado el año más emblemático de la década más rica en acontecimientos históricos, cambios culturales y revoluciones que cambiaron las ideas y la música tuvo un papel fundamental en estos cambios, fue telón de fondo, motor generador de ideas y compañía de los grandes hechos de la Historia. En Amb la Lluna, blog amigo de Los Sueños, estamos en el mes dedicado a hacer un repaso somero de músicas que se conocieron en ese año, visítanos.

DESPUÉS DE LOS CLÁSICOS. The Going's Easy.

THE GREATEST SHOW ON EARTH.
"The Going's Easy".
1970.

Después de "Horizons" y con el vuelo que traían, los integrantes de The Greatest Show on Earth, grabaron en el mismo año de 1970, su segundo disco llamado "La ida es fácil" o The Going's Easy álbum que confirma a esta banda como un suceso importante para la historia del Rock, no había podido conseguir este disco pero como, no hay plazo que no se cumpla, llegó el dia en que pude escucharlo.

Por lo regular, cuando un grupo es reconocido por una obra maestra, surge una tendencia a subvalorar sus demás obras y creo que esto ha sucedido con El Espectáculo más grande...porque su segundo y último álbum no está a la altura del que se ha considerado un clásico y reitero, no está a la misma altura... porque es mejor.


En Horizons se puede apreciar a esta banda británica, emulando a las grandes agrupaciones gringas de jazz-rock-blues con bastante acierto y fortuna, pero en the Going´s..., la tendencia se refina y adquiere personalidad propia. el álbum está hecho de pequeños detalles que sólo los conocedores de estos géneros podían haber elaborado: solos de guitarra y de órgano en la mejor tradición de la sicodelia; arreglos de metales discretos pero esenciales; un vocalista excepcional: composiciones de estructura impecable; coros que recuerdan a "Hair" o a "Jesus Christ Superstar"; cambios de ritmo, abanico variado de géneros en una perfecta amalgama.

Es un disco que recoge el espíritu de la época como pocos con esas pinceladas que suenan conocidas, hasta The Who parece estar allí como una influencia notoria (Magic Woman Touch) pero ¡ojo! no es un disco que haga copia y pegue, sino un grupo de buenos músicos apropiándose de los elementos más brillantes de una época y de una música que sentían y sabían plasmar para deleite de quien los escuchara, así que enahorabuena para este servidor que se topó con un disco que no ha dejado de escuchar desde hace dos semanas y como la premisa de este blog es compartir las cosas bellas, e interesantes con que nos vamos topando, se pude escuchar el disco completo, si te interesa Haz click aquí y descarga el disco.

NUESTRA MÚSICA. Tribu.

TRIBU. "Contra la Indiferencia".

A Tribu se le ubica actualmente como un grupo de etno-rock, la etiqueta que se inventó para referirse a la música que hacía Jorge Reyes o hace Antonio Zepeda, además de otras agrupaciones que se han afiliado al género, pero la historia de Tribu se remonta a los años setentas, cuando esta música no existía como corriente o género musical.

El nacimiento de Tribu se dió en un contexto en el que la clase media ilustrada, estudiantes e intelectuales buscaban formas de expresión que aliviaran un poco el peso de la represión política e ideológica que se vivía en todo el subcontinente latinoamericano y una de esas formas de expresión de rebeldía, era la "canción de protesta" o "canto nuevo", como se dió por llamarle.



El antecedente inmediato de esta expresión cantada fueron los grupos de música folclórico-política que se dieron como hongos durante la campaña presidencial de Slvador Allende en Chile y durante los tres años que duró su gobierno, la fórmula era sencilla, rescate de las formas musicales folclóricas, como manifestación de nacionalismo antiimperialista, mensajes revolucionarios, antiimperialistas, a favor del socialismo, y alabanzas a la clase obrera y a los campesinos como agentes de la revolución inminente, los pioneros de este género eran grupos como Quilapayún e Inti Illimani.

Con el advenimiento de una serie de golpes de estado promovidos por Estados Unidos y ejecutados por los militares chilenos, argentinos y uruguayos principalmente, se desató una cacería de militantes de izquierda en todo el Cono Sur del continente, México como de costumbre, se mostró solidario con los perseguidos políticos, entre ellos muchos músicos y los jóvenes mexicanos como los integrantes de Tribu que se interesaban por la realidad política del país y además eran estudiantes de música, encontraron el vehículo perfecto para expresarse.



Este contexto explica el contenido del disco, música de formato folclórico, uso de instrumentos tradicionales, fusión con manifestaciones contemporáneas como algunas pinceladas roqueras que aparecen de pronto y la infalible influencia de la música caribeña, los textos son el catálogo completo de las frases revolucionarias, que aparecían en pancartas, proclamas revolucionarias y panfletos de todo tipo, pero independientemente de su contenido, el disco es un documento histórico que refleja lo que estaba haciendo un sector de jóvenes inquietos y honestos, que no soñaban con las grandes ventas ni con firmar autógrafos, sino con hacer una música que contrubuyera de alguna forma a cambiar un mundo que apreciaban harto injusto.
Para bajar el disco, haz click aquí.

LAS DAMAS DEL ROCK. Kim Deal.

THE BREEDERS. "Last Splash".
1993.

Recuerdas a los Pixies?, el grupazo que cambió el rumbo del rock en los '80 con discos memorables como "Doolittle" y "Bossanova" que con el tiempo se ha convertido en un auténtico grupo de "culto", por si no te acuerdas, Los Pixies hacían un rock que combinaba a la perfección, el rock duro con ciertos elementos del pop y en muchos memorables momentos anunciaba a los grupos de "hard core" y sonaban así;





Es obvio que uno de los elementos clave del sonido de los Pixies era el bajo potente que abarcaba y guiaba a las canciones y ese bajo inconfundible y entrañable lo tocaba Kim Deal, la heroína de este artículo, dicen los chismes que en los Pixies, su líder Francis Black era un tirano de esos que abundan en el rock, siendo un músico de gran talento, era también un perfeccionista que tenía algo de megalómano y esto provocaba que supervisara todo minuciosamente y viviera con la idea de que sólo él podía hacer las cosas bien.

Esta tiranía de Black, provocaba que muy de vez en cuando, le diera chance a Kim de cantar y casi nunca de incluir sus rolas en el repertorio de las grabaciones, si le echas una revisada a los discos de Pixies, todas las piezas son de Black, salvo una que otra que es de él en coautoría con otro miembro de la banda, por eso Kim decidió formar su propia banda como un proyecto alterno a su trabajo con los Pixies.

Y entonces fundó "The Breeders" que tuvo distintas formaciones y grabó cuatro álbums de los que "Last Splash" es el mejor y más exitoso incluso en ventas, pues vendió la nada despreciable cantidad de dos millones de unidades, con "The Breeders", Kim pudo grabar montones de canciones que tenía enlatadas, cantó, produjo e hizo lo que le dió su regalada gana, el apoyo principal para esta aventura fue su hermana gemela Kelley, el resto del grupo se formó con Josephine Wiggs y el único varón de la banda Jim Matpherson y entonces se pudo escuchar a la otra parte creativa de los Pixies, con Kim sin ataduras ni en papel de comparsa, sonando así:




Como verás el sonido de los "Criadores" tiene mucho de Pixies, porque Pixies tenía mucho de Kim, pero para que hagas un juicio más objetivo y completo, puedes bajar el disco completo, haz click aquí.

DOS MUJERES, DOS DISCOS.

JULIE Y JONI, LA BELLEZA CON NOMBRE Y APELLIDO.


Portada de 1969 de Julie Driscoll.

Julie Driscoll.

Hace 41 años, en 1969, se editaron dos discos de dos extraordinarias artistas que la estaban armando en grande, Joni Mitchell estenó "Clouds" su segundo disco y Julie Driscoll ""1969", que era el tercero de sus discos, después de los deslumbrantes "Open" y "Streetnoise" con Brian Auger & Trinity, la futura señora Tippett, hizo un disco en donde además de cantar, toca la guitarra acústica y cuenta con la colaboración en piano y arreglos de Keith Tippett, el que después sería su marido.

Otra sorpresa es que todas las composiciones son de Julie, de modo que este es su disco más personal, el que la refleja con mayor fidelidad y al contrario de los explosivos discos con Auger y "La Trinidad", este es un álbum, intimista, introspectivo, relajante, bello, intenso y en resumen una joyita que me atrevo a recomendar para todo público.

Portada de "Clouds" de Joni Mitchell.

Joni Mitchell.
Las "Nubes" de Joni Mitchell, son diez canciones de su autoría, que en su caso era la regla, no la excepción, finas y bellas, con arreglos sutiles, elegantes e imaginativos, acompañando a las historias amorosas de la compositora y cantante canadiense que hoy es todo un mito y referencia de un ciento de cantantes de country, de folk, de rock y hasta de jazz.

A pesar de que era su segundo disco "Clouds" suena a un álbum de madurez rara vez superado por Joni (tal vez sólo "Blue" del '71, lo consigue) y en él se puede apreciar todo el talento de la señora Mitchell en una combinación rara de juventud, con su frescura y energía, con la madurez que vendría después y esto es muy difícil de encontrar en la misma obra, de allí que sea la mejor recomendación para conocer o redisfrutar a la gran Joni Mitchell, si quieres mi querido lector(a) hacer o hacerte un regalo que mitigue las penas del atribulado mundo en que vivimos y poner en tu vida o en la de una persona amada una poca de belleza, este par de obras maestras de la canción son una muy buena alternativa que para colmo, son álbums bellos desde las potadas, un agasajo a la vista.

Y mientras te decides a dar ese importante paso en tu vida, dos videos con sendas bellezas canoras y sus canciones famosas: "Road to Cairo" que no esta en "1969" pero es un video del año en que lo grabó y "Both Sides Now" la canción con que cierra "Clouds" y uno de los más grandes éxitos de Joni Mitchell.

BLUES. Canned Heat.

CANNED HEAT. "Future Blues".
1970.

A Canned Heat le debo en gran medida mi gusto por el Blues, pues siendo un chamaquito imberbe de 15 años y escuchando "Vibraciones" descubrí esta música fascinante, precisamente por conducto de Canned Heat, uno de los grandes, grandísimos grupos del "blues blanco" que había en los setentas, el disco que me abrió esta puerta maravillosa fue "Livin' the Blues" y la kilométrica "Refried Boogie" que también tocaban en programación normal en una versión ad hoc.



Yo me convertí en fan inmediato de este quinteto formado en Los Angeles y sabía quienes eran los músicos que lo formaban, que tocaban y otros datos que siempre quiere saber un buen seguidor, así supe que el baterista era Adolfo de la Parra, alias "Fito" y que era mi paisano, pues había nacido en la Gran Chilangotitlán, la histórica y entrañable capital de mi querido México; que el cantante principal era "el Oso" Bob Hite, un gigante que tenía una voz profunda, grave y poderosa, perfecta para cantar el blues; que su contraparte era el pequeño Alan Wilson, con su voz casi infantil que contrastaba y complementaba a la del gigante Hite, Wilson tocaba guitarra de acompañamiento y armónica; que el bajo portentoso, rápido y sobresaliente, base indiscutible del sonido del grupo lo tocaba "la Mole" Larry Taylor, con una gran carrera antes y después del Calor Enlatado y que en la guitarra líder estaba "el Sunflower" o sea "el Girasol" Henry Vestine, un guitarrista fino y virtuoso que conocía el blues, como si trajera a un negro, perdón, a un afroamericano adentro.

En 1970, uno de los grandes años que tuvo el rock por la producción de una gran cantidad de discos que se hicieron clásicos, apareció "Future Blues" el mejor disco de Canned Heat, según su servidor y aún más, el mejor disco de blues hecho por blancos, también según la opinión de este redactor, misma que críticos e historiadores no respaldan, pues insisten en "Livin' the Blues".



La razón de que este sea un álbum singular está: en el repertorio conformado por grandes rolas de blues ejecutadas magistralmente, pero sobre todo al sonido "grasoso" o "rasposo", dirían otros, que le imprimieron a la grabación, el bajo de Larry Taylor y la guitarra de Harvey Mandel, quien estaba allí en ausencia de Vestine hqaciendo un trabajo impecable y creativo, para que sepas con exactitud de que hablamos cuando decimos "sonido grasoso", basta con escuchar "Let´s work together" o "Sugar Bee" que están en los videos y notar que el sonido de bajo y guitarra no se escucha "limpio" sino con cierta distorción, con cierta suciedad, al estilo de los músicos afro y poco utilizaqdo por los "blanquitos" que preferían los sonidos claros y limpios.

Después de que escuches las dos canciones mencionadas puedes bajar el disco con un click aquí y disfrutar de estos dos maestros, la voz imponente del "Oso" la "blusera triste" del inminente difunto Alan Wilson, la armónica de este y la bataca de nuestro paisano Fito en un complemento perfecto y del todo gozoso, no hay pieza para saltarse, cada nota esta en el lugar adecuado, el dominio de tiempos, ritmo y contrapuntos es perfecto, los puentes para cambiar ritmo, sin desperdicio, pero lo mejor es que pruebes y luego me dices como te fue.

MÚSICA

Nomo

Hace poco, no recuerdo cómo, ni dónde ni por qué, tuve la fortuna de toparme con este increíble disco de una banda de la que me declaro completo desconocedor, aunque fan; Mono.

Poco he descubierto de estos cuates; se que el único disco que he escuchado es de por ahí del 2004 y fue el primero que editaron, se que desde entonces han sacado tres álbums más (el más reciente el año pasado) junto con un EP y un 12'', se que son chavos con formación jazz salidos de alguna escuela de música de Chicago. Pero lo anterior poco importa.

Nomo el disco homónimo de esta banda es una joyita poco difundida, desconocida y difícil de encontrar en internet. Un compendio de ocho rolitas de excelente manufactura y un par de "bridges" para que usted descanse del madrazo musical que significa escucharlos.
Nomo esta más o menos catalogado dentro de lo que se conoce como Afrobeat, ese género setentero popularidazo por la banda nigeriana lidereada por Fela Kuti que fusionaba el jazz, el funk y los ritmos africanos. Yo diría que Nomo es principalmente una banda de jazz, el jazz es la base de la composiciones (en su mayoría instrumentales) de este primer disco; y sería un disco de jazz puro si no se entrometieran de forma tan deliciosa esos metales 100% funkeros y esas percusiones reflejando el lado salvaje de la música negra. Todo implecablemente producido y ejecutado... con la limpieza del jazz.

No puedo contarle nada del camino que siguió esta banda después de ese genial primer disco, pero mientras lo averiguo lo invito a echarse un clavado en Nomo y para que vaya calentando motores y preparando sus pies vayan un video y un pilón para descargar... dos rolas de este gran disco. Enjoy!!



Better Than That