LOS DISCOS DE 1966. Takes Off.

JEFFERSON AIRPLANE

"Takes Off"

1966

"Takes Off", el histórico disco debut de la legendaria banda de Rock Ácido Jefferson Airplane, sirve el día de hoy para hacer homenaje a Paul Kantner, fallecido en días recientes, fue el líder de uno de los grupos icónicos del Verano del Amor, de la mítica San Francisco de 1967 y de la cultura sicodélica, la banda se formó en 1965 en la Meca del hipismo teniendo como base la unión de Marty Balin y Paul Kantner, reclutaron a Signe Toly Anderson como cantante, Jack Casady en el bajo, Skip Spence en batería y Jorma Kaukonen en la guitarra líder.

Balin era cantante de Pop, Kantner estaba en la música folk, Kaukonen tocaba Blues y la base rítmica se acomodaba a lo que fuera, la mezcla cuajó y el resultado fue un sonido híbrido de Blues, Folk, Rock, Pop y la cultura sicodélica que fue la semilla del Rock ácido, debutaron en público el 13 de Agosto de 1965 con el nombre que los hizo famosos.

Al año siguiente grabaron su primer disco con canciones de Balin y Kantner mayoritariamente y colaboraciones de Skip Spence y de Kaukonen, la cantante Anderson grabó con el Airplane sólo este disco, después llegó Grace Slick y transformó la imagen, el sonido y las composiciones de la banda, de paso cambió la vida de Kantner con quien tuvo una hija y un buen tiempo de unión.

El disco que abrió la creatividad del Jefferson lanzó este primer aviso de lo que vendría, una explosión de imaginación y un éxito extraordinario que los llevó a ser la banda mejor pagada de Norteamérica en el '67, incluye dos covers "Tobacco Road" de Loudermilk, la pieza folk que se volvió favorita de varios grupos que la recrearon y "Let's get together" de Chester Powers, mejor conocido como Dino Valenti el líder de Quicksilver Messenger Service, quien compuso esta canción que se volvió un himno juvenil de la época hippie.

LOS DISCOS DE 1967. Big Brother and the Holding Company.

BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY

1967

El presente artículo tiene como fin, recordar el aniversario 73 del nacimiento de Janis Joplin, que sucedió el 19 de Enero de 1943, así que estamos festejando. 

El núcleo original que fundó Big Brother and the Holding Company, nombre muy ad hoc con la época, títulos con conotaciones sicodélicas o con muchas palabras, nada de The... y ya, sino todo un concepto o una idea, estaba formado por Peter Albin, guitarrista de Blues y Folk y Sam Andrew, guitarrista con formación en el Jazz y la música de concierto, después de conocerse y tocar juntos decidieron... ¡pues hacer una banda! tal como el perspicaz lector supuso y reclutaron a James Gurley, con las guitarras completas buscaron un baterista, el invitado fue Chuck Jones, condenado al anonimato porque muy pronto fue sustituido por el pintor y batería de Jazz David Getz.

Con esta alineación empezaron a tocar en el salón de baile Avalon en San Francisco como una banda diferente o incompleta, según como quiera verse, porque no tenían un o una cantante y hacían música instrumental con fuertes influencias de Jazz y pincelazos progresivos, entendiéndose esto como avangard o música contemporánea, pues aún no se acuñaba el término progresivo.

Alguien les sugirió a la texana Janis Joplin y ella aceptó la invitación, en un principio el estilo de Janis no impresionó a los Big, no era lo que esperaban, les parecía muy convencional, una cantante de música folk o country o Blues muy suave, dicen que en un año de estar juntos, Janis mostró todo su potencial y ellos le bajaron a sus pretenciones intelectuales y encontraron el medio perfecto.

Su presentación en el Festival de Monterey fue el momento clave, la banda impresionó al público, su primer disco no había sido bien recibido y pasó bastante desapercibido pero el Festival los puso bajo el reflector y "Cheap Thrills" su segundo disco fue éxito total, de su primer ensayo hay mucho que rescatar: el tono de las piezas, entre dolidas y angustiadas; la energía del grupo y la voz impresionante de Janis y fue a demás el sello de la diva hasta su temprana muerte.

Peter Albin: bajo eléctrico.
Sam Andrew: guitarra eléctrica.
David Getz: batería.
James Gurley: guitarra eléctrica.
Janis Joplin: voz. 

DAVID BOWIE. Young Americans.

DAVID BOWIE
"Young Americans"
1975

A Bowie se le acusó de mercenario, comercialista, calculador y perseguidor de billetes cuando salió a la venta "Young Americans", venía de hacer una serie de discos muy personales, honestos, novedosos y en muchos momentos innovadores, cuando tuvo la ocurrencia de hacer un disco empapado hasta la médula de funk, en momentos en que el género tenía un resurgimiento con tintes muy comerciales.

Resulta que estaba nuestro protagonista haciendo gira norteamericana para presentar ante el público estadounidense, su álbum "Diamond Dogs", que era entonces el más reciente y resurgió en su interior, una vieja afición por la música soul-funk, acostumbrado a hacer lo que tenía ganas de hacer, llamó a Tony Visconti, su productor de cabecera y se pusieron a grabar el disco 

Dicen las crónicas de la época, que el disco casi en su totalidad, fue grabado en diez días de Agosto de 1974 y las posteriores sesiones fueron para afinar detalles, mezclar o completar la grabación de alguna canción, lo mismo se dice de la composición de las piezas que fueron creadas por David en corto tiempo.

La ruptura estilística fue contundente, y Bowie baila y nada en aguas hipotéticamente desconocidas como pez en "su agua", crea su propia concepción del funk y hasta encontró un estilo adecuado para cantar, con su característica maleabilidad, pero con una teatralidad exagerada, interpretando la pasión dolida de la música soul desde sus múltiples habilidades histriónicas, un ejemplo contundente y una joya de la voz "bowiana" es "Can you hear me".

"Fascination" es la joya del disco, febril, con un Bowie apasionado y un impulso potente de los coros ortodoxamente "funk", es una composición de David y Luther Vandross, aún muy joven participando como co autor de la pieza y en los coros de la mayoría de las canciones que Bowie cuidó y potenció como la sustancia "funkera" que le estremecía cada célula desde su más tierna adolescencia.

Hay un "cover" "Across the Universe" con la participación del mismísimo Lennon en guitarra y coros y una pieza estelar, el primer número uno en las listas americanas que alcanzó Bowie, la famosa, estaba destinada a serlo "Fame", compuesta por David, John Lennon y Carlos Alomar, que como siempre, aportaba un porcentaje significativo de la calidad del sonido Bowie, tanto como el extrañado Mike Ronson, aunque con un estilo guitarrístico muy diferente.

"Young Americans" tuvo ventas extraordinarias, fue destrozado por las críticas periodísticas, los seguidores más rígidos del camaleón abjuraron de él y de su obra y a Bowie le importó muy poco, tal vez sabía que con el tiempo sería un clásico rotundo que iría desplegando sus encantos ocultos sin prisa, año tras año, renovándose en el tiempo, como si fuera regrabado cada que fuera necesario.

LOS DISCOS DE BOWIE. Station to station.

DAVID BOWIE

"Station to Station"

1976

El dìa de ayer falleció David Bowie y este artículo es un homenaje a su genio, además del agradecimiento por su música y su entrañable presencia por varias décadas en nuestras vidas.

Según el propio Bowie: "Station to Station", fue "un llamado para volver a Europa" y esto significaba que su furor "soulero" y "funk", habían terminado y volteaba a su continente y lo que estaba sucediendo en el ambiente "roquero" y musical en general y lo que más le impactó de esa actualidad musical, fue el "kraut", como se le llamó a la rebelión roquera, a la invasión bárbara proveniente de Alemania, que cuestionaba al pulcro y elegante y virtuoso rock que estaban haciendo en el Reino Unido, mezcla de sicodelia y "progresión", léase: todo o casi todo el rock británico que volaba en las alturas de la complejidad y la sofisticación y todo el "progresivo" que se hacía en Italia principalmente, muy permeado por el folk, la música de cámara. el Jazz y el toque progre de los instrumentos electrónicos.

El salvaje, primitivo y a la vez, vanguardista y propositivo "kraut rock" impresionó a Bowie y lo acercó a la vieja Germania, donde poco después se refugiaría para hacer su famosa "trilogía de Berlín" y el disco que sugestivamente se llama "Estación a estación", es un parteaguas, la llegada a un sitio y el cambio de ruta en otro sentido, se acabaron las canciones muy convencionales, las armonías "correctas" y los métodos normales de componer y poco a poco se van introduciendo las abigarradas "texturas" sónicas, creadas en el estudio y que serían la característica de la trilogía, creadas por el gran genio de las texturas, Brian Eno.

Con el indispensable Carlos Alomar en la guitarra; Dennis Davis en batería; George Murray en el bajo; el extraordinario tecladista Roy Bittan, quien tocó en grabaciones de una cantidad impresionante de "rock stars" y fue muy conocido como el tecladista de planta de la E Street Band de Bruce Springsteen; y otros músicos menos notables, Bowie hizo uno de sus grandes y aclamados discos, en una época en la que se suponía tendría un bajo rendimiento creativo, por su extrema adicción a las sustancias estimulantes, sacó, como muchas otras veces, ventaja de su situación concreta y convirtió los posibles obstáculos en creatividad.

Para muchos críticos e historiadores, con esta grabación, Bowie dejó de ser un compositor exquisito de canciones "pop" para convertirse en un músico de altura, con todos los merecimientos y con su talento haciendo erupción, al parecer en esa época, empezó a romper ataduras y con la asociación que tuvo con Eno, completó su liberación.