ROCK MEXICANO. Carlos Arellano.

CARLOS ARELLANO.

"Canciones Domésticas".

1986.

Desde Puebla de los Ángeles, llegó al mundo del rock mexicano, éste cantautor que tuvo una de sus canciones tocando en el radio durante el boom del rock en español de los años ochenta, se movía entre el esquema del canto nuevo y el rock, como les sucedió a muchos que parecían temer traicionar a algo o a alguien si dejaban la solemnidad trascendente del canto nuevo con sus asuntos "serios", para acercarse al frívolo desmadre del rock.

En el caso de Arellano, me parece que quería hacer un disco de rock, pero por encima de ésa preocupación, estaba la de hacer letras dignas de ser leídas, claras en principio y cultivadas de ser posible y este es el aspecto que destaca en el disco, la temática que delinean las letras, es más bien intimista, las peripecias del cancionero persiguiendo a la inpiración, los problemas y delicias de la vida en pareja, la filosofía de la vida cotidiana, el amor concreto o abstracto, y las preocupaciones existenciales y sociales.

Al final el diso es una mezcla de canciones casi roqueras, no del todo convencidas de serlo y piezas en la tónica del "canto nuevo", tranquilas para que se aprecie el texto, intímas y existenciales, lo que actúa como hilo conductor y elemento cohesionador, son los ya mencionados textos, siempre bien cuidados y por eso, agradecibles.

El disco que comparto con los lectores es el LP original, en algún momento se hizo una edición en CD que también ya es difícil de conseguir; Además de Arellano quien es el autor de todas las canciones y el que las canta, participaron en la grabación: Olinto Montiel en guitarra líder; Jesús Romero en guitarra; Luis benítez en el bajo y Armando Delgado en batería.

Aquí se descarga el disco.

 

 

JAZZ MEXICANO. Isabel III, Cipriano y Kitroser.

ISABEL III, CIPRIANO Y KITROSER.

"Escuela de Bufones".

1997.

 Portada del disco con obra de Jazzamoart, el artista plástico amante del Jazz que también lo toca.

JAZZ MEXICANO. Gil y Cipriano.

GIL Y CIPRIANO.

"El Costumbre".

1989.

 

El Costumbre es un trabajo de Arturo Cipriano, posterior a la disolución de La Nopalera y anterior a la formación de Mitote, si la memoria no me falla, se editó en 1989, no puedo precisar fecha, porque Pentagrama, la disquera que lo editó, tiene la mala costumbre de no fechar muchas de sus producciones, como si ese dato no fuera trascendente, ya salió el LP y ya salió el CD y ninguno de los dos tiene la fecha.

La Nopalera IV, se dió a conocer en 1980 y de allí a la aparición de "El Costumbre", parece que Arturo Cipriano, no grabó nada, en alguna ocasión leí que se había embarcado en un viaje por toda Latinoamérica, donde conoció a muchos músicos, mucha música y se empapó de todas las subculturas que tenemos en la gran nación Latinoamericana, que el viaje duró varios años y para sus escuchas estaba desaparecido.

En la edición de CD, ya no dice que sea sólo un disco de Cipriano, sino de Gil y Cipriano, por la participación importantísima de Gil Gutiérrez como compositor en dos piezas y como músico en guitarra y tiple, respaldados por la llamada Orkesta Nopal-Era, formada por músicos de varios ambientes, rock, jazz, nuevo canto y hasta folk, ya aparece Isabel Tercero, la otra parte fundamental del Mitote y una chava que cantaba con el grupo Tijuana No, sí la hoy famosa Julieta Venegas, también en coros, están jaramar Soto y Gerardo Enciso, ambos tapatíos y se dice que se grabó en Tijuana y Guadalajara, eso explica tal vez, la aparición de tan célebres personalidades.

La música del disco tiene muchas herencias nopaleras, para su servidor entrañables, pocos grupos musicales me mueven tantas neuronas y sentimientos con su sonido inconfundible que, por supuesto, es el sonido ciprianista combinado con las letras en ese idioma sui generis inventado por Arturo, están los ritmos latinoamericanos, los destellos roqueros y la esencia "cantonuevista", pero el otro elemento que ya aparecía en "Tremendo alboroto",  tercer disco de la Nopa,y en "Cristal" de Gerardo Bátiz y Cipriano ya empieza a ser dominante, y se llama el Jazz.

Una vez más, Arturo Cipriano, un personaje muy importante en la música mexicana, aunque muy pocos mexicanos sepan quién es, estaba abriendo rutas con ésta producción, había nuevamente, inventiva, frescura, experimentación y maestría, sí todo eso, en un disco que nadie conoce.

Aquí se descarga el disco.

LOS RUPESTRES. Roberto y Jaime.

ROBERTO Y JAIME.

"Sesiones con Emilia".

1980.

Roberto González y Jaime López grabaron éste disco cuando ya había desaparecido "Un Viejo Amor", el grupo donde ambos iniciaron su carrera de compositores e intérpretes, ya emigrados a la Gran Chilangotitlán, el uno desde Veracruz y el otro desde la frontera norte, Matamoros Tams. para ser más exactos.


Parece que la idea era dejar memoria del "añejo amor" que nunca tuvo registros magnetofónicos y como los dos compositores en ese grupo eran ellos, no tenían problemas para usar sus canciones en una grabación, no se si Emilia Almazán también era parte del "amor del pasado", pero para la grabación de 1980, cantó, tocó guitarra e hizo coros, de allí el nombre del disco "Sesiones con Emilia".
 

No es arriesgado decir que con ésta grabación se inicia el rock rupestre, no tengo datos precisos, pero tampoco puedo recordar ningún disco de la "rupestreada" anterior, lo que sí es evidente es que en él están todos los elementos que caracterizaron al Rock Rupestre: los tres músicos que lo hicieron fueron y siguen siendo protagonistas de dicho movimiento; los arreglos y la producción en general, es mínima e indispensable (muy rupestre); los temas de las canciones son, la enajenación, el consumismo, la vida urbana, la libertad, el amor y la muerte y la intención, la actitud e incluso la ideología oscila entre el rock y la canción de protesta.

El disco fue producido por Modesto López, actual dueño y director de Pentagrama y gracias a eso tenemos una edición en CD, porque la original en LP, la lanzó al mercado "Fotón", editora de discos ya desaparecida y que pertenecía al Partido Comunista Mexicano, dicha empresa solía sacar discos con altos contenidos "revolucionarios", con claras consignas a favor de la revolución proletaria, la lucha de clases, el imperialismo y la ideología proletaria, por eso un disco como éste resultaba muy extraño y a la vez refrescante, chavos que teniendo conciencia social, hacían canciones referentes a su cotidianidad, con un ojo crítico, no exento de humor y frescura juvenil.

La totalidad del material tiene una calidad uniforme en letras, música y arreglos, pero hay dos piezas que me parecieron en su tiempo y me siguen pareciendo excepcionales: Mi Libertad, un alegato por el regreso de un bien perdido, lleno de ternura, ingenuidad y ardor, también me impresionó mucho "El Huerto", una de las grandes canciones del rock nacional y de la música mexicana en general, poco valorada y poco conocida entre los grandes públicos, ambas son composiciones de González, pero también están las de López quien ya se revelaba como un compositor de gran habilidad en el manejo de las palabras y el humor caústico, en ese entonces, cualquiera le hubiera augurado mayor crecimiento a Roberto, pero el que se hizo gigante, fue Jaime.

EL OTRO DE BETSY. Fuego Azul.

 BETSY PECANINS.

"Fuego Azul".

1988.

El tercer disco que Betsy Pecanins hizo para WEA y que como los otros, nunca fue reeditado, ni en LP, ni en CD, se grabó en vivo en la Sala Ollin Yoliztli en el lejano 1988, hace 23 años, y también como los otros dos, es una lástima que esté olvidado para el público, los críticos y los historiadores (ingenuamente hasta pienso que hay historiadores musicales).

La coda de ésta serie, es también un recuento y síntesis de los otros y de una época en la carrera de Betsy, tiene como "El sabor de mis palabras", textos de gente reconocida del ámbito de las letras (en éste caso, Alberto Blanco y Carmen Boullosa), y música de Pecanins; Blues original;  piezas de compositores mexicanos jóvenes, (Guillermo Briseño y Jaime López) y hasta standards del Jazz, con su interpretación de Summertime de George Gershwin.

 

La joya discográfica tiene varias carácterísticas que lo hacen único e importante: es uno de los primeros discos en vivo grabados en México, en esos tiempos no se acostumbraba grabar grupos en vivo; reune a músicos mexicanos de gran calidad, de modo que es un disco de música popular, muy cercano a la música "culta"; y contiene piezas que nunca grabó Betsy en estudio, no es un disco de las canciones ya grabadas, presentadas en vivo, sino una presentación en vivo, única e irrepetible con repertorio montado para esa presentación.

Me gustan en especial: "Cartero", un blues impecable y sentido de Briseño, que muy bien podría estar entre las mejores canciones del rock nacional, "Lágrimas Azules" de Abelardo Linares y letra de Alberto Blanco y la mencionada "Summertime" que es parte de la ópera-blues, u ópera-jazz, "Porgy and Bess". 

Aquí se descarga el disco.

JOYAS EN VINIL. Betsy Pecanins canta Blues.

 BETSY PECANINS.

"Canta Blues".

1985.

 

En 1985, Betsy Pecanins, grabó el primero de los tres discos que cubrían el contrato que hizo con WEA, la transnacional tratando de aprovechar el boom del rock en español, arriesgó con ésta artista poco conocida por las grandes audiencias y muy dada a la independencia, la no comercialidad, la marginalidad, y otras extravagancias.

Para este inicio de una nueva etapa en su carrera Betsy escogió hacer un disco de Blues, el género que siempre le ha apasionado, hizo una selección de sus blues favoritos y buscó a los cómplices adecuados, que tenían que ser músicos con gran oficio, conocedores de la música del alma y la tristeza, y se apoyó en un bluesman de nombre Dwight Carroll, guitarrista y compositor de quien aparecen en el disco dos piezas, además de ser el arreglista y director musical.

Para comenzar, despejar los oídos y entrar en confianza, están dos super clásicas del Blues "I'm a man" de Muddy Waters" que en la versión de Betsy es "I'm a woman" y la favorita de favoritas de su servidor "Stormy Monday" de Chester Burnett, el famoso "Howlin' Wolf", ambas piezas son interpretadas impecablemente por Betsy y compañía.

Después se presentan las dos piezas de Carroll, la primera un blues-reggae y la segunda un blues lento de excelente manufactura, después vienen piezas de Leroy Carr, el gran J.B. Lenoir y una pieza tradicional, buen blues con buenos músicos, buenos arreglos y una voz excepcional, moraleja: no sólo los norteamericanos y no sólo los afroamericanos pueden hacer blues de calidad impecable.

Ni éste ni ninguno de los otros dos, discos de WEA con la voz de Betsy, fueron jamás reeditados, ni en LP, y mucho menos en CD, tres discos que son medulares en la carrera de una artista y muy probablemente en la historia de la música mexicana: un disco perfecto de Blues hecho en México, una reunión armoniosa de la música y la literatura y un en vivo impecable donde hay de todo blues, compositores mexicanos, poetas en unión con músicos y hasta standards del jazz, olvidados y menospreciados por la disquera que probablemente ya tiró los masters a la basura, pero eso, sucede a menudo en éste México surrealista.

Aquí se descarga el disco.

CANCIONES FAVORITAS. Only you know and I know.

 "ONLY YOU KNOW AND I KNOW.

Autor: Dave Mason.

Intérpretes: Delaney and Bonnie.

1970.

Este disco lo tuve por primera vez, a mis escasos 16 años, me lo vendieron ya usado y yo no tenía ni idea de quienes eran Delaney & Bonnie, pero lo compré porque casi me lo regalaron y porque decía que tocaba Eric Clapton, con el tiempo, fuí valorando la joya que tenía.

Empezando por los friends de los hermanos Bramlett, que eran nada menos que: Dave Mason en la guitarra; Carl Radle en bajo; Jim Gordon en la batería; Bobby Whitlock en el órgano; Jim Price en trompeta y trombón; Bobby Keys tocando sax; Tex Johnson en percusiones y Rita Coodlidge cantando, además del ya citado Eric Clapton.

Si piensas querido lector, que los hermanitos Bramlett armaron esta banda para su tour de 1970 y sólo allí tocaron juntos, estás equivocado, pues varios de ellos, Radle, Price, Keys y Rita Coolidge, fueron parte de la banda que grabó con Joe Cocker su legendario Mad Dogs and Englishman, casi todos, incluyendo a Delaney and Bonnie, fueron los acompañantes de Clapton en su primer disco solista y Whitlock junto con Carl Radle y Jim Gordon, eran los Dominoes de Clapton en Derek and the Dominoes.

Esto y su amor por la música, en especial el blues, el rock y el soul, contribuyeron a que fueran una banda que nunca tuvo nombre propio, pero a cambio de eso, poseían una coherencia, pocas veces escuchada, el álbum no solo es un disco entrañable, de mis favoritos de siempre, sino que además, es uno de mis álbumas en vivo preferidos.

El repertorio, está compuesto por canciones de los Bramlett, de Mason, otros autores y remata con un popurrí con las composiciones de un grande de todos los tiempos, Little Richard, a mí desde el principio, me mató "Only You Know And I Know" de Dave Mason y "Poor Elijah" de los inseparables hermanos, después descubrí que "Coming home", también era un "rolón", más tarde, mi favorita fue "That's what my man is for", donde Bonnie demuestra que no era una cantante menor de blues y soul, pero todo el disco es un agasajo de lujo.

La voz de Bonnie, que no le pide nada a las grandes cantantes de la época: Joplin, Pense, Slick o Julie Driscoll; Delaney, cantando con gran feeling, y una banda completísima con guitarras, percusiones, teclados y metales, convirtieron a este disco en un clásico, no se si para los historiadores y críticos, pero al menos para mí, es sin duda eso, un clásico que las nuevas generaciones podrían rescatar y poner en el lugar que merece, junto a los grandes discos en vivo de toda la historia del rock.

Los miembros de la banda, viajaba y vivían juntos, al estilo de las comunas hippies, con todo e hijos, si has visto el film de Mad Dogs and the Englishman, te darás una idea de lo que digo, una banda que viajaba y tocaba, por dinero, claro está, pero sobre todo por su amor a la música, y la mística que en esos tiempos producía, el saber que con música y amor, se estaba transformando al mundo, presentaciones sin la parafernalia actual, con la mínima tecnología, es decir, viejo y buen rocanrol.

Ya dije que este disco es de mis favoritos, pero dentro de él "Only You Know And I Know" es la canción que más me gusta, una simple y sentida canción de amor, con el feeling del blues, la energía del rock y la magia que rondaba el ambiente al comenzar los setentas.

SÓLO TÚ Y YO CONOCEMOS.

Sólo tú y yo conocemos
todo el amor que tenemos para mostrarnos
más, no te resistas a creerlo
hay que leerlo de muchas formas.

Porque tú sabes el significado de lo que digo
así que, no vayas a malentenderme
sabes que no puedo ir, en pos de nuestro propio camino
porque si tu lo intentas, lo vas a conseguir cualquier día.

No es que trate engañarte
es sólo que mi locura viene atravesándome
pero cuando todo se reduzca a los dos
no desvariaré como tú.

Sí, sí, sí, tú no necesitas ser complacida
no, no, no, ni engañada
pero es difícil de confiar
cuando has sido maltratada

Sólo tú y yo conocemos
sólo tú y yo lo sabemos. 

ONLY YOU KNOW AND I KNOW.

Only you know and I know
all the love we've got to show,
so don't refuse to believe it
by reading too many meanings.

'cause you know that I mean what I say,
so don't go and take me the wrong way.
you know you can't go on getting your own way,
'cause if you do, it's going to get you someday.

I don't mean to mislead you,
it's just my craziness coming through.
but when it comes down to just two,
I ain't no crazier than you.

Yeah yeah yeah, you don't need to be pleasing.
no no no, not deceiving.
but it's hard to believe in
when you've been so mistreated.

Only you know and I know.
only you know and I know.

I don't mean to mislead you,
it's just my craziness coming through.
but when it comes down to just two,
I ain't no crazier than you.




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JOYAS EN VINIL. El Sabor de mis Palabras.

BETSY PECANINS.

"El Sabor de mis Palabras".

1987.

Betsy Pecanins nació en Arizona, la explicación: su padre es norteamericano; vivió muchos años en Barcelona, la explicación: su madre es catalana y en 1977 llegó a México para quedarse, aquí ha hecho su carrera de cantante y le ha crecido tanto el amor que se nacionalizó mexicana, por eso, las biografías de Betsy empiezan "cantante mexicana...

Su carrera discográfica empezó con "Viendo tus ojos", donde cantaba canciones de Federico Alvarez del Toro, siguió con un álbum de canciones catalanas, luego empezó a grabar Blues, un género que siempre le ha apasionado, su disco "Betsy Pecanins canta Blues" fue el primero de una serie que grabó con la transnacional WEA y en su cuarte grabación, también para el gigante discográfico, Betsy llevó a cabo un cambio significativo: debutó como compositora, escribiendo la música de la mayoría de las canciones, empezó su gusto por las fusiones entre géneros que le son entrañables e inició una fructífera relación con poetas jóvenes que hicieron la mayoría de las letras de las canciones.

Los poetas jóvenes que hicieron sociedad con Betsy eran Alberto Blanco, Magalí Lara y David Huerta y los músicos inovadores que cedieron canciones fueron Guillermo Briseño, Marcial Alejandro y Miguel Ríos, con ésta combinación de gente de letras y gente de música, el álbum resulta una joya, que tiene su lado flaco en las melodías de Betsy bastante insípidas, por otra parte, letras, arreglos y ejecución instrumental, son creativos y de alta calidad.

Betsy ha seguido haciendo discos de Blues, Jazz, Bolero y otros géneros, es una de nuestras divas del canto y su integridad es a prueba de todo, con una gran voz, podría estar cantando cualquier cosa vendible, pero ella prefiere seguir cobijada en el arte y la independencia, siempre apoyada solidariamente por gente que piensa como ella. Por último, decimos que es una joya en vinil, porque WEA jamás lo reeditó, no existe formato CD de ésta grabación y es poco menos que inconseguible, pero como una forma de hacerle justicia y darlo a conocer a las nuevas, no tan nuevas generaciones y las viejas que no lo conozcan...

Aquí puedes descargar el disco.

ROCK MEXICANO. Arpía.

CECILIA TOUSSAINT.

"Arpía".

1987.

Éste es un clásico del rock nacional, y lo protagoniza una mujer con suerte, nacida en una familia de músicos, sus hermanos ya eran instrumentistas conocidos en el ambiente del jazz mexicano e incluso en Norteamérica, cuando Cecilia hizo su primer disco, anteriormente había participado haciendo coros y pequeñas intervenciones en "Cristal", el disco de Gerardo Bátiz y Arturo Cipriano, favorito de favoritos de su redactor y en "Tremendo Alboroto", el tercer disco de La Nopalera, la relación de su hermano Eugenio, desgraciadamente fallecido éste mismo año, con muchos músicos del mundo "independiente" de la música lo hacían un artista muy solicitado, en las mencionadas gabaciones estuvieron los hermanos Toussaint y Cecilia tuvo sus primeros "pequeños papeles", pero "Arpía" fue el primer disco de Cecilia solista.

Arpía se grabó en pleno boom del rock rupestre que era una alternativa al rock nacional, hecha por miembros de la clase media ilustrada, lectora, conciente y activista política, sus temáticas eran urbanas, intimístas, ecologistas, justicieras, libertarias, con buen trato al idioma y un eclecticismo nutrido por el rock, el jazz, el folk y las manifestaciones vanguardistas.

A ese tren se montó Cecilia, se declaró roquera, se tomó unos tequilas para hacer áspera la voz, se disfrazó de chica ruda, consiguió a unos acompañantes de mediana experiencia, hicieron arreglos sencillos a las canciones de Jaime López y José Elorza, compositores talentosísimos, que desde entonces confían sus canciones a la voz de la Toussaint, e hicieron un álbum con mucha energía, de inconfundible sonido roquero y el primero hecho por una mujer en la oleada rupestre, todas estas circunstancias afortunadas, hicieron que "Arpía" se convirtiera en un clásico.

Después Cecilia, suavizó la voz "aprendió a usar su voz" en sus palabras y siguió haciéndo discos más cargados al jazz, al bolero jazzeado y otras mixturas, pero jamás volvió a hacer un disco 100% roquero como éste. El último golpe de suerte de ésta mujer afortunada, fue hacer un  disco con canciones de Consuelo Velázquez, la famosa autora de "Bésame mucho", convivir con ella, conseguir que le diera canciones desconocidas, conseguir que la acompañara en el piano y cuando el disco estaba listo para salir al mercado, Doña Consuelito falleció, haciendo que el disco de Cecilia fuera por demás oportuno y exitoso.

 Aquí se descarga el disco. 

ROCK MEXICANO. Juan Son.

JUAN SON.

"Mermaid Sashimi".

2009.

Juan Carlos Pereda Velasco nació hace 27 años en Guadalajara, en los años noventas, emigró a Londres donde estudió canto, regresó a México en 2004 y se integró al grupo Porter, con quien grabó un CD que llamó mucho la atención de los medios, la crítica y el público, pero la discografía de Porter se quedó en "Donde los ponys pastan", el mencionado disco de 2004 y un EP, la existencia de esta banda que era algo así como "la gran promesa del rock mexicano", fue muy corta, los Porter sonaban así.

En 2007, Mussgo, el alias que usaba en Porter, grabó las canciones que en 2009 serían lanzadas al mercado como el álbum "Mermaid Sashimi" y que tenía como su autor a Juan Son, nuevo nombre que adoptó este inquieto músico que llevó sus intereses de hacer un rock "experimental", más lejos de lo que había podido en Porter.

Lo "experimental" del disco no es necesariamente novedoso, Pereda toma y recrea las influencias musicales que lo han acompañado y las hace suyas en un disco más que decoroso y creativo, de esos que son muy raros en México, un país que adoptó el rock 'n' roll hace más de cincuenta años y que por no sé que extrañas razones, no tiene ni ha tenido nunca un verdadero y duradero movimiento de rock.

Un mérito de éste disco, es que Juan Son se haya decidido por arreglos muy sencillos, casi minimalistas que permiten apreciar las estructuras desnudas de las piezas y los extraños sonidos que Juan Pereda disfruta y prefiere, la mala es que el rock mexicano no levanta, la buena es que de vez en cuando, alguien hace estos discos, garbanzos de a libra que disfrutamos y nos hacen albergar esperanzas.

Aquí se descarga el disco.

ROCK MEXICANO. Bodo Molitor.

BODO MOLITOR.

"Hits Internacionales".

1969.

Bodo si es que era el nombre oficial del personaje que vamos a abordar, estaba estudiando en México, había saltado el Atlántico, desde su natal Alemania y quién sabe cómo tuvo la ocurrencia y la facilidad para grabar éste disco que en su momento, pasó prácticamente inadvertido. Desde 1966, había formado grupos con músicos mexicanos y solía tocar en cafés cantantes y otros lugares donde se difundía el rock, pero fue hasta 1969, cuando se editó Hits... que se hizo más conocido e incluso apareció en programas televisivos.

Hits Internacionales era precisamente eso: un disco de covers de canciones exitosas de grupos "gringos" o ingleses arregladas al estilo de la sicodelia, tan en boga en ese momento, tales arreglos y sello distintivo sicodélicos, estaban basados en las florituras del órgano, tocado por René González, las guitarras distorsionadas del mismo Bodo y de Juan "Johnny" García, más la voz super dramatizada de Bodo, que en resumen reflejaban a un grupo de músicos conocedores del movimiento sicodélico y para cerrar el círculo, el mismo Bodo diseño y dibujó una portada harto sicodélica, colorida y surrealista, la alineación completa de la banda que grabó el disco es:

• Bodo Molitor, Guitarra, voz
• Juan García, guitarra
• 'El Chapala', bajo
• 'La Gaviota', batería
• 'El zorro' piano
• Jorge René González, órgano 

Pero las rutas que hacen de una obra objeto de culto son impredecibles y con el tiempo, éste disco se ha convertido en la joya más perseguida por los coleccionistas de rock mexicano, porque es el único disco sicodélico mexicano de principio a fin, hay otros que rozan el género pero no son 100% sicodélicos, además se imprimieron una cantidad muy pequeña de ejemplares, lo que hace que sea casi imposible conseguir uno original y que además esté en buen estado, en ésta edición de CD, se incluyen cuatro bonus que permanecieron "enlatados" por décadas y son versiones instrumentales de tres piezas incluidas en el disco, más "Hello I love you", de The Doors.

 Entre los covers más conocidos que Bodo realizó están "Sookie, Sookie" de Steppenwolf, "She's a Woman" de The Beatles, "I wish a knew How" de Cold Blood y "The Midnight Hour" de Wilson Picket, además entre los Hits Internacionales, Bodo coló tres piezas de su inspiración, dicho lo cual, éste blog se complace en poner a disposición del público lector éste curioso material que forma parte de la discografía del rock mexicano, como una contribución a la reconstrucción de esa Historia que está dispersa aquí y allá.

En 1970 Bodo se fue de México, anduvo de trotamundos y terminó viviendo en Egipto, según cuentan las crónicas, dejando en nuestra amada patria esta grabación más la portada de "Kaleidoscope" otro de los discos del rock mexicano muy codiciados por coleccionistas.