Otra joya del año 1968 es el segundo disco de Traffic, con un cuarteto de lujo: Dave Mason, Steve Winwood, Chris Wood y Jim Capaldi, Steve el niño genio era la carta fuerte, pero sus compañeros no eran figuras decorativas, Capaldi el encargado de los tambores y percusiones de todo tipo hacía aportaciones a las composiciones con mucha presencia, sobre todo haciendo mancuerna con Winwood, Mason tenía mucha facilidad para imaginar canciones, con melodías y sus respectivas armonías muy afortunadas y Wood quien participaba poco en la composición era un músico fino y virtuoso que con la sección de los alientos, daba a la banda un sonido único, no es gratuito, Traffic era una banda fuera de serie y con ellos hacían su propia revolución en el Rock Británico. Hay analistas, críticos e historiadores que afirman que en el '68, Mason estaba distanciado del resto de la banda y la aparente razón era la incompatibilidad entre las tendencias de Mason hacía el Pop que su talento melódico le dictaba, contra la idea de Winwood, Capaldi y Wood, quienes se acercaban al Jazz y la muy conocida de Steve hacia el Soul y el Blues, pero al escuchar la joya en cuestión, más bien aparece un equilibrio de géneros y tendencias que no riñen entre sí, si es cierto que Mason compuso en solitario, la ejecución de sus piezas, más los arreglos colectivos le dieron al álbum un sonido más compacto y homogéneo. Una radiografía del trabajo al interior de la banda revela las participaciones de cada uno, los instrumentos utilizados, el reparto de la voz principal entre Mason y Winwood, el trabajo coral y los finos detalles instrumentales que aparecen en cada momento, en un colectivo de músicos talentosos y consumados, el disco que es una especie de continuación del disco debutante resultó una obra maestra del grupo que estaba llamado a hacer historia, después de esta alineación y los sucesivos cambios le dieron a Traffic una elegancia y calidad nunca menguante, pero esa es otra historia.
"You Can All Join In" (Mason) – 3:34
Dave Mason – voz principal, guitarra;
Steve Winwood – guitarra eléctrica, bajo, coros;
Chris Wood – sax tenor;
Jim Capaldi– batería, coros.
"Pearly Queen" (Capaldi/Winwood) – 4:20
Winwood – voz principal, órgano Hammond, guitarra eléctrica, bajo;
Wood – flauta;
Mason – armónica;
Capaldi –batería.
"Don't Be Sad" (Mason) – 3:24
Mason – voz principal, armónica, guitarra eléctrica;
Winwood – lead vocals, Hammond organ, electric rhythm guitar, bass;
Wood – saxofón soprano;
Capaldi – batería, coros.
"Who Knows What Tomorrow May Bring" (Capaldi/Winwood/Wood) 3:11
Meza es un hombre de convicciones, decidió desde muy joven su forma de vida y los caminos de su arte, dedicarse a la música porque es lo único bello y motivador, lo único que saca todas sus emociones, su poesía y su visión muy sui generis del mundo, Arturo a pesar de ser una persona apacible y amorosa no se engaña, sabe en que mundo vivimos y sus canciones van directo a la naturaleza humana.
La balada de Galaver es uno de sus discos más impactantes, del año 1993 y decimotercero de su producción, todos fuera de las disqueras poderosas, al margen de la corriente principal o el mainstream como dicen los anglos y grabado en pequeños estudios que se alquilan, editado por "Rock and Roll Circus" en ese año y posteriormente por "Gente de México" el colectivo que ha editado la mayoría de sus discos.
Hay canciones excepcionales en este y muchos discos de Meza, en La balada... destacan "Madre" con letra de Pedro Damián Massón, "Poeta de ningún lugar" una de mis piezas favoritas, "Agua del desierto" con esas visiones apocalípticas que no puede evitar cuando habla del mundo, "Amor en el éter" canción amorosa que revela la naturaleza del autor y otras que inevitablemente conmueven y sacuden.
La portada es una foto de la fotógrafa Yolanda Leal Cavazos.
Los compañeros de ruta, músicos que lo acompañaron en esta producción fueron:
Daniel Arizpe:acordeón.
Blu:saxofón.
Laura Herrera: batería.
Juan Maldonado: bajo.
Abel Maldonado: teclado.
Gilberto Novelo: solos de guitarra acústica y eléctrica.
También en 1968 se publicó el disco debutante de The Band que se dió a conocer con la protección y bendición de Bob Dylan quien estaba en su mejor momento de la fama y presentó en sociedad a la banda canadiense, en un principio pareció que era un truco publicitario o un acto de oportunismo y que al amparo de la fama ajena, se ganaban unos dólares, que sorpresa y desengaño se llevaron quienes pensaron así, la banda que llevaba por nombre La Banda, era un grupo de músicos excelsos, que tocaban música de la tierra, o del alma, o de raíces profundas, esa música popular que con la tradición y el tiempo, se vuelve música que aparenta ser simple, pero que oculta un secreto ancestral.
El nombre del disco se debe a la casa en donde los músicos se refugiaron para componer música y hacer grabaciones que algún día serían un disco, la llamaron la "gran casa rosa" y así se bautizó al disco, la parte complementaria de la historia es que con ellos estaba Bob Dylan convaleciendo de las lesiones que le provocó su accidente de tránsito, de modo que Robertson, Manuel y Danko los tres principales compositores de The Band junto con Dylan alcanzaron cumbres muy altas de creatividad. El country, el folk, el soul, el R & B se amalgamaron por el talento de un grupo de músicos excepcionales que hicieron frente a la ola sicodélica y a la invasión inglesa con música exclusivamente norteamericana y canadiense, música fina, creativa, llena de imágenes, de virtuosísmo y poesía, sus ventas fuero bastante altas y el disco se midió en las listas, pero el tiempo fue su verdadero juez quien lo celebró como uno de los grandes discos de la historia del Rock, clásico e atemporal, ejemplo para las nuevas generaciones de escuchas y de músicos.
Joni Mitchell era en 1968 la pintora que hacía canciones en Toronto donde estaba avecinada (nació en Alberta) o la cantante de música folk que pintaba, hoy es un icono de la cultura norteamericana, por su origen canadiense y su estrecha relación con el escenario musical estadounidense, desde niña se sintió atraída por ambas vertientes del arte y nunca se decidió sólo por una, supongo que en algún momento, decidió que no tenía por qué renunciar a nada mientras pudiera hacerlo.
Empezó a cantar en locales pequeños rondando los 20 años y de inmediato llamó la atención por tres cualidades poco comunes reunidas en la misma artista: su voz con gran amplitud de registros, su técnica para tocar la guitarra única y sus letras de gran calidad literaria y su poesía natural.
Sus extraordinarias composiciones fueron grabadas por diversos artistas antes de que ella registrara su primer disco, en 1967 "Both sides now" fue grabada por Julie Driscoll y nació el primer gran éxito en la carrera de Joni, por cierto que fue el único porque Mitchell no fue ni ha sido nunca artista de éxitos para vender, se ha entregado al arte en cuerpo y alma, produciendo discos extraordinarios para escuchas exigentes, pero sobre todo, para sí misma.
Se desplazó a mediados de los sesenta a Nueva York donde estaba el gran movimiento del folk vanguardista, allí la conoció David Crosby quien se convirtió en su protector, produjo su primer álbum con Joni, su voz y su guitarra, Crosby estaba impresionado con Joni y quería hacer un disco "natural", sin efectos especiales, arreglos o músicos invitados, al parecer se pasó de naturalista y el sonido salió un tanto viciado y hasta que fue remasterizado para borrar sonidos que se colaron en la grabación y que estaban en el ambiente se pueden escuchar como se pretendió en la grabación original.
Joni continuó con su trabajo pictórico y para conjuntar sus artes, ha hecho sus propias portadas de disco, la de "Song of seagull" fue la primera y desde entonces aparecen estas obras plásticas con doble función.
BOREDOM.Boredomes
una canción extraña en la carrera de Procol Harum, no entra en ninguna
etiqueta, no tiene tintes sicodélicos, no acude al rock metálico ni
coquetea con el rock sinfónico y a la vez demuestra la gran cantidad de
recursos musicales, instrumentales y literarios, la
letra que se refiere al aburrimiento, está llena de sarcasmo, aludiendo
a las mil actitudes humanas, que pretenden revolucionar, alcanzar algo
trascendente o de plano simular que no se hace lo que se anuncia para
que al final, "siempre, todo sea lo mismo".
BAD MOON RISING. Para 1969, los Creedence ya estaban despegando como la banda fenomenal que pronto sería la más exitosa de Estados Unidos, Bad moon... fue lanzada como single cuatro meses antes que el L.P. "Green river" una colección de éxitos que prácticamente incluía a todas las piezas, compuesta por John Fogerty aborda el tema apocalíptico del fin del mundo en una serie de visiones proféticas, fue de los primeros cinco puestos en ambas orillas del Atlántico ese año y en todo el mundo tuvo ventas millonarias, sin duda fue una de las canciones más importantes del año.
NOTHING IS EASY. Forma parte del álbum "Stand up" del año '69, el disco tuvo mucha aceptación y esta canción no destacó especialmente pero para los Jethro tenía un significado especial, la canción filosofa sobre las dificultades para andar por la vida, enfrentando gratitud e ingratitud, el nombre de la canción se lo dieron también al disco en vivo de su actuación en la Isle of Wight en 1070.
WHOLE LOTTA LOVE. En el Zeppelin II, esta canción inicia el disco y fue su primer single, todo empezó con un riff de Jimmy Page y a Plant amante del Blues se le ocurrió una letra que se parecía mucho a "You need Love" de Willie Dixon, siguieron en esa línea y salió la pieza, el riff fue contundente y se volvió uno de los más famosos y celebrados de la Historia, y la letra con la voz de Plant se hizo clásica instantánea por el despiadado y devastador contenido erótico que tiene, Dixon demandó al Zep y le dieron la razón hasta 1985, para ser publicado desde entonces con el crédito respectivo para Dixon, la canción fue éxito del año y muchos otros, a la fecha es una de las inmortales.
FEELIN' ALRIGHT. Feelin' Alright es una de esas canciones que nacieron con ángel y se convirtieron en hit inmediato, el
escenario que sirvió de inspiración a Mason para componer este himno
generacional fue la isla de Hydra en Grecia, siendo en esencia una
canción de amor-desamor, tiene el ingrediente "voy a salir adelante" en
la intención de superar el mal momento y en el famoso estribillo
"Sintíendome bien", hay por lo menos tres versiones extraordinarias de esta canción clásica y Joe Cocker, experto en hacer covers logró el segundo éxito mundial de la pieza al siguiente año de su develación en el disco de Traffic, grupo donde tocaba Dave Mason.
WE'RE NOT GONNA TAKE IT. De la celebrísima Rock Ópera "Tommy", muchas veces considerada la primera obra de este tipo que creó el rock, esta fue la canción más exitosa, los dueños del negocio de los discos la promovieron We're not... que era la que concluía la obra, toda la historia fue éxito rotundo pero había que elegir alguna para la promoción y desde entonces es número infalible de las presentaciones en vivo de The Who, desde la histórica presentación en Woodstock.
BOTH SIDES NOW. Es tal vez la canción más popular de Joni Mitchell, entre muchas otras de extraordinaria historia, curiosamente no fue ella quien la grabó primero, fue registrada por Judy Collins en 1967 y de inmediato se convirtió en clásica, en la grabación de "Clouds" Joni incluyó su ya éxitosa pieza y volvió ha ser emblema del año 1969.
SAME ALL OVER. El
cuarto disco de Canned Heat, es una continuidad "progresiva" de los dos
primeros, en el sentido de la consolidación del estilo único y muy
original del quinteto angelino con su extraordinario talento para hacer
de los clásicos del género y sus propias composiciones una especie de
"Blues del Futuro", como titularían al poco tiempo al álbum
inmediatamente posterior, un blues tradicional en todos sentidos, pero
con un toque revolucionario y experimental, explorado con amplitud, el disco fue una colección de muy buenas piezas iniciando con esta clásica desde entonces.
WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS. 1969 fue el año del primer disco de Joe Cocker, era una mezcla de canciones conocidas y otras creadas para el álbum, pero lo que destacaba eran las versiones de las conocidas y la aportación de la voz de Joe, fuera de serie y espectacular, el disco se llamó "With a little help from my friends" y fue uno de los grandes números del festival de Woodstock, para muchos críticos es una versión superior a la de Lennon y McCartney, en la década de los 80 feu reconocida por las nuevas generaciones gracias a la serie televisiva y la convirtió otra vez en gran éxito.
YOU CAN'T ALWAYS GET WHAT YOU WANT. Según Lennon, la canción se inspiró en "Hey Jude" porque los Stones solían copiar cosas que hacían los Beatles, pero como sea, es una canción monumental que Jagger compuso como canción de cuna, el coro lo hizo el London Bach Choir y la batería la tocó Jimmy Miller el productor, también participó Al Kooper con órgano, piano y corneta, para muchos en el mundo, es una sabia observación sobre la libertad, sus límites y un consejo para los que creen que todo les es posible.
DRIVIN' La salida al mercado de
"Arthur" fue recibida por muchos críticos mal informados, que llegaron a demeritar la obra
por considerarla un intento de copiar a "Tommy", todo esto más la
promoción especial que hizo la disquera hizo que los Kinks volvieran a
las listas de popularidad después de varios años con "Victoria", con el
paso de los años y con la mirada crítica que da el tiempo, "Arthur" ha
sido considerado como una obra trascendental en la carrera de los Kinks
(para muchos su mejor disco); un disco clave en la historia del Rock
británico y también ha estado en listas de esas que hacen revistas y
fundaciones diversas con "los 500 discos mejores de la historia, en el '69 se publicó "Drivin'" como single y tuvo un éxito mediano pero con el tiempo se ha convertido en canción indispensable en la historia del Rock británico.
THE COURT OF THE CRIMSON KING. El disco debutante de King Crimson produjo la obra maestra que lleva por nombre el mismo que la canción, virtuosísmo, música muy elaborada, rock amalgamado con Jazz y música sinfónica, más las letras de Peter Sinfield, en el año de su aparición, no llegó al gusto de las grandes masas y fue el tiempo el que puso al disco y a esta canción en su lugar de música inmortal y clásica.
PEOPLE GOT TO BE FREE. Fue
un exitazo a principios de los setentas, en México se escuchó mucho
en el radio y se quedó para siempre en el repertorio de Radio
Universal, La
canción habla de la libertad como artículo de primera necesidad, como
condición para la vida humana y está impregnada del espíritu jipioso de
la época, alabanzas al amor, esperanza de una vida armónica y el
sueño milenarista del mundo perfecto con la libertad y el amor en el
centro de todo, no dice nada que no se haya dicho, pero soy de una
generación para la que la libertad era una bandera, una causa y un
paradigma, por eso es que diga lo que diga, una canción que hable de la
libertad, irremediablemente me emociona.
ATLANTIS. Fue éxito mundial en ese año: 1 en Suiza, 2 en Alemania, 12 en Canada, 4 en Austria y 7 en Estados Unidos, como profeta fuera de su tierra en el Reino Unido sólo llegó al lugar 23, es una historia de la Atlántida, el continente desaparecido, empieza con un monólogo introductorio y la historia de seres antidiluvianos y míticos, Donovan mezcló todo tipo de leyendas para armar su clásica canción.
LAY LADY LAY. Dylan es uno de los compositores más interpretado por otros artistas y esta canción triunfadora e histórica ha sido regrabada alrededor de 25 veces, se presentó a la consideración del público en aquel disco tan criticado, "Nashville Skyline" y todo porque a Mr. Zimmerman le dió la gana de hacer un disco country que además era el segundo de la serie, como siempre se salió con la suya, hizo el disco que se le antojó y al final tuvo el reconocimiento, como muchas otras canciones, se volvió clásica y seguimos escuchándola.
COME TOGETHER. Compuesta por John Lennon y abridora del famoso "Abbey Road", todo el disco fue un golpazo, se vendió como pan caliente y llegó a los puestos más altos en muchos países, como resultado del éxito, se publicó un single con "Come together" y "Something" de George Harrison, el tiempo ha convertido a la canción en una de las más conocida de los Beatles y ha sido regrabada en varias ocasiones, Lennon hizo la pieza dedicada a Timothy Leary quien compitió en las elecciones presidenciales estadounidenses contra Donald Reagan, es un canto de unidad, de unir fuerzas, de ir juntos con el mismo objetivo.
BIRD HAS FLOWN. El vuelo del pájaro, como se bautizó en México se escuchó mucho en las radiodifusoras y los adolescentes de fines de los sesentas la conocimos muy bien, en Reino Unido y Estados Unidos también se volvió clásica de la primera formación de Deep Purple, se hicieron dos versiones: la muy conocida del L.P. donde aparece en el lado 2 y la que se editó como E.P. junto a "The Painter", esta última es un poco más rápida y no tiene el pedal wha wha, además de que es más corta, era habitual hacer versiones qué pudieran editarse en un lado del vinil de 45 rpm. VOLUNTEERS. Uno de los discos más famosos del Aeroplano es "Volunteers" lanzado en plena campaña contra la Guerra de Vietnam, tuvieron que negociar arduamente con la compañía RCA porque los dueños del negocio querían cambiar letras que usaban palabras altisonantes, tuvieron invitados de lujo; Nicky Hopkins, Stephen Stills, David Crosby Y Jerry Garcia, la canción homónima del L.P. es una de las más emblemáticas de la carrera de la banda y de ese convulsionado año.
EVERYDAY PEOPLE.En esta pieza, Sly sólo
toca de lado el tema de la discriminación tan abordado en otras piezas y
el centro del asunto es la necesidad de convivir con tolerancia y mente
abierta para aceptar que con nuestras diferencias, todos somos lo
mismo, porque nadie es más que otro y al final, somos gente común.
Musicalmente, la pieza
es una obra maestra del arte cancionil, con todos los elementos para
seducir: ese ritmo imposible de ignorar que tiene como sazón dos acordes
simples de piano que le dan un sabor especial, la entrada de la voz de
Sly, contenida y palpitante al unísono del bajo y los tambores, el
estallido del coro, muy al estilo del gospel y el estribillo
juguetón que seguramente salió de una ronda infantil y que culmina con
el alarido, la proclama y el grito exigente que decreta que: "Tenemos
que convivir" y más vale que lo hagamos en paz, fue toda una conmoción mundial, un exitazo.
PROUD MARY. Tal vez el mayor éxito de los Creedence, no es fácil afirmarlo porque la banda era una fábrica de canciones populares y ventas millonarias, "Proud Mary" es la historia de una nave que recorre el río y las aventuras de los hombres de trabajo y diversión, fue el primer super éxito de John Fogerty y los Creedence y ha sido tan convincente que muchos artistas la versionaron a su modo, el Rey Elvis homenajeó a la canción cantándola en vivo y así como él otros famosos la hicieron propia.
JANINE. No se que tan conocida o clásica es esta canción pero es una de mis grandes favoritas, es parte de "Space Oddity" y una bella canción desesperada de esas que Bowie saca de la vida, sus experiencias, las canciones de otros, pero sobre todo de su genialidad para hacer música que empezó siendo muy británica y ahora es ya, música universal. ¡esto es belleza pura!
CAN'T FIND MY WAY HOME. Escrita por Steve Winwood y grabada por el super grupo Blind Faith es una canción seductora que habla de esos momentos en que nos sentimos perdidos en todos los sentidos y necesitamos desesperadamente encontrar el camino a casa, Con la voz y el teclado de Winwood, la guitarra de Eric Clapton, el ritmo extraordinario de la batería de Ginger Baker y las aportaciones de Ric Grech en el bajo, ha sido interpretada y regrabada por muchos artistas que se rindieron ante la belleza.
COMMUNICATION BREAKDOWN. Típica canción hija de la complementación de Jimmy Page y Robert Plant para hacer piezas maestras del Rock y destinadas a ser grandes éxitos y clásicas, Page tenía una gran inspiración para crear riffs de guitarra, Plant las letras que sacudían y las vocalizaciones que después serían copiadas hasta la saciedad, Jones el bajo exacto y virtuoso más el baterista más importante del Rock disputando el lugar de honor con Baker y Keith Moon, el resultado, la mejor banda del mundo, en ese momento y en muchos momentos de la Historia.
En 1968 Rare Earth estaba haciendo su primera grabación en la disquera Verve y vendieron muy pocos discos, nadie se enteró de ese acontecimiento, al año siguiente grabaron para Motown como la primera banda de blancos que grababa para la disquera y tenía éxito, otras bandas blancas no dejaron huella, pero Rare Earth sí, empezaron con dos discos (Get ready y Ecology) memorables que combinaban covers con canciones propias y se convirtieron en un grupo con el estilo del Rock Jazz que tenían Blood, Sweat, and Tears pero con el aderezo del ritmo afro caribeño y esto los hizo únicos. Su primer disco es muy desconocido y conseguir una copia de él es toda una hazaña, se vendieron pocos viniles y no es fácil llegar a ellos, Amazon vende el vinil, pero no se si sea una nueva grabación o viejas copias, pero el caso es que con el tiempo Dreams / Answers se volvió una joya, buscada por coleccionistas y de paso, se ha revalorado, es una combinación de covers de la música Soul y canciones propias, hay una curiosa primera versión de "Get ready" muy interesante y dos covers de "Stop in the name of love" y de "Searchin'" de Leiber y Stoller, su redactor ni sabía que el disco existía hasta que hace unos tres años se encontró con un vinil de estos en la Cd. de México y no me explico todavía cómo tuvo tan poco éxito y atención de nadie siendo un disco de exelente hechura.
Otra banda de California que estaba lanzando su primer disco en 1968, se volvió famosa de forma vertiginosa, primero lanzó su canción emblemática que tuvo un éxito extraordinario, era una canción nacida para ser clásica y además, los productores o el director de la triunfadora película "Easy Rider", utilizaron esa canción como la base del soundtrack, ese hecho la hizo doblemente famosa, como la pieza que identifica a Steppenwolf, a la célebre película y por si fuera poco, se convirtió en la canción de los motociclistas de la carretera, en películas y en la vida real.
Steppenwolf es la derivación de la banda Sparrows de Toronto y al trasladarse a San Francisco dejaron el Blues y empezaron a tocar folk, la metamorfosis producto de encontrar un estilo propio los llevó a endurecer su sonido e ingresar a las nacientes filas del hard rock, género que iniciaba su época dorada.
El estilo definitivo del Lobo Estepario, nombre que tomaron de la célebre novela de Hermann Hesse muerto en 1962 y canonizado por los hippies y jóvenes rockers, se definió como una mezcla de Blues y Rock duro, dos rasgos lo hicieron destacar: la voz de John Kay y el sonido duro que conseguian los guitarristas Kay y Michael Monarch junto con el bajo de Rushton Moreve; el instrumento que le daba cuerpo al sonido era el órgano de Goldy McJohn, todos encuadrados en el ritmo que marcaba la batería de Jerry Edmonton y cuatro músicos cooperaban con los coros, no hacía falta más para tener un sonido atractivo, sin complicaciones y muy honesto.
Kay el alemán que de niño salió de Alemania, llegó a Canadá y luego a California se convirtió en el líder de la banda, compositor de la mayoría de las piezas y el arreglo a "Hoochie coochie man" de Willie Dixon, su disco debutante fue su mejor obra con un fuerte impacto en el histórico año, después destacó "For ladies only" y su disco en vivo de 1970, su carrera no fue deslumbrante pero con su disco primero pasaron a la histópria instantáneamente.
La Conspiración de la Crema de Cacahuate, era el nombre de una banda gringa de
rock sicodélico, que grabó media docena de álbums entre 1967 y 1969,
época dorada del movimiento ácido-sicodélico, cuando la etiqueta estaba
perfectamente patentada; su éxito garantizado y sus reglas y principios
estéticos, claramente definidos y los grupos de "iluminados" e iniciados
en la mística hippy-sicodélica, nacían como hongos en tiempos de
lluvia.
Y como
en todo movimiento de gran amplitud, "hubo de todo como en botica", los
pioneros, los emblemáticos, los revolucionarios, los imitadores y los de
relleno y entre estas dos últimas categorías quedo la Conspiración,
formado como quinteto con una mujer como vocalista (Barbara Robinson),
de voz impecable, pero desgraciadamente para ella, demasiado parecida a
la de la Divina Gracia, o sea la divina Grace Slick, cantante del
emblemático Jefferson Airplane, figura central del movimiento de rock de
la costa oeste.
Las
composiciones de la banda oscilaron siempre entre las pretensiones
"intelectuales" o folclórico-roqueras y un pop fino no carente de
calidad, sin hacer uso de gran variedad de instrumentos exóticos, como
se estilaba entre las bandas de esta filiación y con sólo guitarras y
percusiones, además de utilización de coros y juegos de voces varios, y
lograron varios àlbums decorosos que no trascendieron más porque eran
demasiado obviamente imitaciones de Jefferson y de It's a Beautiful Day.
Pero de
un modo u otro, los conspiradores escribieron su pequeña página en la
historia del rock sicodélico y vale la pena redescubrirlos para las
nuevas generaciones interesadas en la exploración de esa veta, los
críticos señalan como la obra más importantes de la susodicha banda:
The Great Conspiracy su segundo disco de 1967, el más logrado que en ese año logró notoriedad.
Sly and the Family Stone hicieron un disco debutante que pasó sin pena ni gloria y es muy desconocido porque no se ha reditado y al parecer lo dejaron en el olvido, para 1968 la banda legendaria y su cerebro el genial Sly habían encontrado el camino , presentaron su segundo disco y ése colocó a una pieza en las listas de las inolvidables,Sylvester Stewart es uno
de los personajes más destacados, talentosos y revolucionarios de fines
de los sesentas y principios de los setentas, mejor conocido como Sly,
recomposición de las letras iniciales de su nombre Syl, fue el creador y
líder de la banda que revolucionó y llevó a terrenos inéditos al Funk,
ese género que tuvo grandes santones, canonizados y divinizados y que
tuvo tal éxito, que a los que vivían de él, les daba miedo cambiar.
Sly, su hermano Freddie, su hermana Vaetta y otros músicos, hombres y mujeres, afroamericanos y blancos llevaron a cabo una revolución musical que tenía mucho de revolución social y cultural; hicieron una música de raíces negras profundas, mezcla de Soul, Blues, Gospel y la semilla del Funk, junto con Rock, Sicodelia y el Pop más fino e inigualable y al mismo tiempo eran una banda multiracial y sin distinciones de géneros.
Hay una variedad de inovaciones irresistibles, producto de la genialidad e intuición musicales, cuando empieza "Higer" aparece el órgano de Sly con un riff que recibe respuestas de los metales y a continuación los coros "gospelianos" y todo eso envueltos en un ritmo mágico que cambia de un momento a otro vertiginosamente, no hay tiempo para pensar, el viaje es sorprendente e interminable, un ejemplo de muchas muestras de la música Stone.
Si piensas que las letras eran las típicas de: la lucha por los derechos de los negros, la discriminación y la lucha contra la supremacía blanca, no conoces a Sly, él está en el futuro, varias décadas adelante y la mayoría de los mensajes están permeados de la ideología sicodélica: amor, paz, convivencia y un mundo mejor, estaba naciendo una de las bandas más significativas de la historia revolucionaria de la música negra, blanca y aún más, de la música popular norteamericana y universal, despues vinieron varios seguidores del Funk sicodelico de Sly, pero su huella fue insuperable y aún ahora asombra y resulta increíble.
