Roger Waters en México.

ROGER WATERS EN MÉXICO.

El viernes y sábado pasados (27 y 28), los "chilangos" (habitantes de la ciudad de México), tuvieron visitante distinguido, quien fue recibido en el "Foro Sol", lugar donde, desde hace dos o tres décadas, es posible presenciar una buena parte de los mejores espectáculos musicales que llegan a tierra azteca, especialmente si estos son, espectáculos roqueros.

La presentación en cuestión era "The Wall", a cargo del famoso artista británico, Roger Waters, quien ha hecho de estos revivals de sus glorias de antaño, su modus vivendi actual y ravalidación de su imagen pública.

El montaje multimedia, ya había recorrido tierras sudamericanas y las noticias de su naturaleza e impacto que produjo en aquellas tierras hermanas, ya había llegado a nuestros oídos y ojos, de tal modo que las expectativas despertadas en nuestra imaginación eran muy exigentes y no excentas de dudas.

Las incertidumbres que en particular, éste redactor abrigaba eran dos: ¿Cómo podría reciclarse de manera novedosa y decorosa, algo mil veces visto y escuchado? y ¿Todavía podrá cantar aceptablemente el Sr. Waters, a sus 69 años de edad?, ambas dudas que me quitaban el sueño me hicieron acudir el viernes a constatar con todos mis sentidos la calidad del mencionado producto multimedia.

El primer aspecto logra ser salvado por una producción escenográfica, basada en la megapantalla-escenario, que funge como escenografía dinámica que reproduce incesantemente imágenes fijas o en movimiento que van ilustrando lo que canta Mr. Waters, quien sin tener la voz "intacta" aún la conserva como todos la conocemos en un 80%, más o menos, la banda que lo acompaña es más que competente, pero no está en el escenario la mayor parte del tiempo, hecho que produce la idea de que la música está grabada y no tocada in situ.

Lo que fue de una calidad impecable, seria, entregada, emotiva y espectacular, digna de los mejores foros del mundo lleva por nombre público mexicano, que sabe entablar una retroalimentación extraordinaria, que debe resultar harto gratificante para cualquier artista.

EL SOUNDTRACK DE MI VIDA. Kozmic Blues.

JANIS JOPLIN.

"I got dem ol' Kozmic Blues Again Mama".

1969.

Éste puede que sea el disco más entrañable y querido de mi vida, fue el primer LP que compré con mis ahorros y significó toda una conmoción, pues nunca antes había escuchado cantar a alguien de una manera tan desgarradora y estremecedora, Kozmic Blues, violó mis castos oídos que desde entonces, no volvieron a ser los mismos.

El culpable de que Janis se haya cruzado en mi camino fue mi programa favorito del radio que se llamaba "Vibraciones" y que escuchaba todos los días religiosamente en Radio Capital porque allí conocí algunas de las canciones del "Kozmic", después el que habría de ser mi cuñado por algún tiempo, lo llevó a la casa en calidad de préstamo, y ya nunca dejé de oírlo y oírlo y hasta la fecha no termino.

Cuando por fin lo tuve como propio me pasaba todo el día poniéndolo en la vieja consola de mi abuelita que ya estaba bastante usada y de pronto fallaba, pero yo me las ingeniaba para que volviera a jalar y para normalizar las revoluciones que también de pronto se alentaban o se aceleraban, por supuesto que en mi casa, ya nadie me soportaba y no me corrieron porque supongo que me querían mucho.

Mi hermana decía que la Janis era demasiado gritona y resultaba excesiva para sus oídos acostumbrados a Los Beatles o a Los Kinks, además de Serrat que era su ídolo cantante y mi abuelita que en esos tiempos vivía con nosotros, con toda su infinita paciencia iba una y otra vez, arrastrando sus pasos, hasta mi cuarto para pedirme "Hijo, bájale tantito", yo, por supuesto que obedecía, pero al rato se me olvidaba y ya le iba subiendo poco a poco hasta que estaba a todo volumen otra vez.

Por esos días, era lector de la que me parecía la revista, que se llamaba México Canta, hoy comprendo que era bastante chafa pero no había otra opción para estar conectado con el mundo del rock y además fue el inicio de mi afición a comprar y leer revistas que aún ahora conservo, debido a esta afición, siempre soñé con editar mi propia revista que la tecnología hizo posible y que estás leyendo en este momento.

Pero el caso es que la susodicha revistilla tenía su sección de cartas de los lectores y a mí se me ocurrió, con la ingenuidad de mis quince años, escribir una especie de poema, dedicado a Janis, hecho con los nombres de las canciones del Kozmic Blues, ya no lo conservo pero para que se den una idea, decía cosas como: Pequeña niña triste / que buscas a algien a quien amar / tal vez... y le busqué el modo de ir metiendo frases que incluyeran los nombres de las canciones, mi sorpresa fue mayúscula cuando, dos o tres números después apareció publicada, pero como no le había puesto mi nombre, no había forma de presumir.

Todo esto para ilustrar la adoración que sentía por Janis y por este disco que después perdí y volví a comprar en LP, para finalmente hacerme de mi copia en CD, que es la que escucho en la actualidad y que siempre me recuerda esa época en que era muy feliz porque todo me valía madres excepto Janis y "Kozmic Blues", así es que, mi querido lector(a), te invito a conocer esta joya, si eres chamaco, a reescucharla, si eres chavo retro y a nostalgiarla, si eres de mi generación o alguna cercana y a tí abuelita, te pido perdón por torturarte, pero debes comprender que era un adolescente inconciente (bendita sea la inconciencia) y además estaba embrujado por la voz de una hechicera, o sea abue, que no era dueño de mis actos.

 

 

EL SOUNDTRACK DE MI VIDA. Delaney & Bonnie.

DELANEY AND BONNIE.

"And Friends, on Tour, with Eric Clapton"

1970.

 

Este disco lo tuve por primera vez, a mis escasos 16 años, me lo vendieron ya usado y yo no tenía ni idea de quienes eran Delaney & Bonnie, pero lo compré porque casi me lo regalaron y porque decía que tocaba Eric Clapton, con el tiempo, fuí valorando la joya que tenía.

Empezando por los friends de los esposos Bramlett, que eran nada menos que: Dave Mason en la guitarra; Carl Radle en bajo; Jim Gordon en la batería; Bobby Whitlock en el órgano; Jim Price en trompeta y trombón; Bobby Keys tocando sax; Tex Johnson en percusiones y Rita Coodlidge cantando, además del ya citado Eric Clapton.

Si piensas querido lector, que los Bramlett armaron esta banda para su tour de 1970 y sólo allí tocaron juntos, estás equivocado, pues varios de ellos, Radle, Price, Keys y Rita Coolidge, fueron parte de la banda que grabó con Joe Cocker su legendario Mad Dogs and Englishman, casi todos, incluyendo a Delaney and Bonnie, fueron los acompañantes de Clapton en su primer disco solista y Whitlock junto con Carl Radle y Jim Gordon, eran los Dominoes de Clapton en Derek and the Dominoes.

Esto y su amor por la música, en especial el blues, el rock y el soul, contribuyeron a que fueran una banda que nunca tuvo nombre propio, pero a cambio de eso, poseían una coherencia, pocas veces escuchada, el álbum no solo es un disco entrañable, de mis favoritos de siempre, sino que además, es uno de mis álbumas en vivo preferidos.

El repertorio, está compuesto por canciones de los Bramlett, de Mason, otros autores y remata con un popurrí con las composiciones de un grande de todos los tiempos, Little Richard, a mí desde el principio, me mató "Only You Know And I Know" de Dave Mason y "Poor Elijah" de la inseparable pareja, después descubrí que "Coming home", también era un "rolón", más tarde, mi favorita fue "That's what my man is for", donde Bonnie demuestra que no era una cantante menor de blues y soul, pero todo el disco es un agasajo de lujo.

La voz de Bonnie, que no le pide nada a las grandes cantantes de la época: Joplin, Pense, Slick o Julie Driscoll; Delaney, cantando con gran feeling, y una banda completísima con guitarras, percusiones, teclados y metales, convirtieron a este disco en un clásico, no se si para los historiadores y críticos, pero al menos para mí, es sin duda eso, un clásico que las nuevas generaciones podrían rescatar y poner en el lugar que merece, junto a los grandes discos en vivo de toda la historia del rock.

Los miembros de la banda, viajaba y vivían juntos, al estilo de las comunas hippies, con todo e hijos, si has visto el film de Mad Dogs and the Englishman, te darás una idea de lo que digo, una banda que viajaba y tocaba, por dinero, claro está, pero sobre todo por su amor a la música, y la mística que en esos tiempos producía, el saber que con música y amor, se estaba transformando al mundo, presentaciones sin la parafernalia actual, con la mínima tecnología, es decir, viejo y buen rocanrol.

LOS OLVIDADOS DE LA OLA INGLESA. The Pretty Things.

LOS OLVIDADOS DEL ROCK INGLÉS.
 THE PRETTY THINGS.

La explosión del rock inglés en la segunda mitad de los años sesenta, empezó con un interés inusitado por el R & B, que paradógicamente, estaba bastante olvidado y despreciado por la juventud norteamericana y una mayoría abrumadora de las bandas inglesas conocidas como históricas: Stones, Animals, Spencer Davis, Jathro Tull, Traffic, Them, Faces, Led Zeppelin, Cream, Zombies y muchas más empezaron como intérpretes de Blues y sus formas moderno-urbanas.

Los Pretty Things, admiradores de Bo Diddley y de quien tomaron el nombre, como el de una de sus canciones, no fueron la excepción, se formaron como grupo en 1963 y sus integrantes originales fueron: Dick Taylor con la guitarra, Phil May con la voz y la armónica, Brian Pendleton tocando guitarra de armonía, John Stax llevando el ritmo con el bajo y Viv Prince completando la sección rítmica en los tambores.

Iniciaron su carrera discográfica con algunos singles de regular éxito de los que el primero fue "Rosalyn", incluida en el álbum de covers de Bowie "Pinups" y por el que su redactor supo de los Pretty, hubo dos o tres más que al final formaron parte de su disco debut en 1965, grabaron un álbum más en la línea del R & B  y no pasó de que los consideraran imitadores de los Rolling Stones, pero a partir de 1967 todo cambió, los seductores aires de la sicodelia transformaron su visión de la música como muchas bandas que no la pudieron resistir.

 "Emotions" fue el inicio del despegue de creatividad que se mantuvo creciendo y llegó a su cenit con "Parachute", una obra maestra de la sicodelia británica, a la altura de la que usted escoja mi querido lector, llámese "Disraeli Gears", "Odessey and Oracle", "Shine on Brightly", "Ogdens' Nut Gone Flake", Mr. Fantasy", "Sgt.Pepper's Lonely" Hearts Club Band" o "Their Satanic Majestics Request" ( de Cream, The Zombies, Procol Harum, Small Faces, Traffic, Beatles y Rolling Stones, respectivamente), por nombrar a algunas masterpieces del género.

El álbum de las Emociones, ya muestra, un despliegue de imaginación, recursos y dominio de géneros sorprendentes, con un indiscutible toque Pop, que fue como el paso necesario del Blues a la sicodelia, el hard rock y el progresivo, enlazados con sabiduría y maestría, hay piezas deslumbrantes como "Bright Lights of the City", "There  Will Never be Another Day" o "One Long Glance", pero todo el disco es sorprendente y extraordinario.

Después vendría "S.F. Sorrow" de 1968, considerado, la primera ópera rock de la historia, anterior a "Tommy", aunque sin los reflectores de aquella, pero con una consistencia y calidad indiscutibles, música de rock imaginativa y emotiva en un formato hasta entonces virgen y que requería, solvencia compositiva y ejecutiva, elección inteligente de los elementos a combinar y el espíritu de la época, libre romántico y amoroso; colorido, rebelde y futurista.

La época dorada de los Pretty Things, terminó con el mencionado "Prachute", se separaron y volvieron a reunirse en 1972, para grabar un disco sin el empuje y colorido de sus grandes obras, hasta fines del siglo, siguieron grabando discos cada dos, tres o más años, pero el momento ideal, con la música ideal y los protagonistas ideales ya había pasado y jamás volvería.

Con la revaloración de esta banda, han venido la reedición de sus discos en formatos muy provechosos, ejemplo: "Pretty Things / Get the Picture", sus dos primeros discos en un solo CD, o "Emotions" y "Parachute" en ediciones que agregan como bonus tracks, 13 singles cada uno para tener una visión amplia de las cosas bonitas que hacían estos londinenses inquietos y talentosos de fines de los sesenta, por supuesto que su ópera-rock con inconfundible influencia beatlesca, también se ha reeditado y no es imposible conseguir.

 

 

 

 

 

 

LOS OLVIDADOS DE LA OLA INGLESA. The Creation.

LOS OLVIDADOS DEL ROCK INGLÉS.

THE CREATION.

Las aportaciones de las bandas inglesas de fines de los sesentas al desarrollo del rock, son obvias e inapelables, todo el mundo sabe que la expansión y desarrollo de la cultura roquera mundial no hubiera sido lo que fue, sin la aparición de la "ola inglesa", el London swing, el Mersey beat, la "escena de Canterbury" y otras denominaciones que demuestran la riqueza y variedad de opciones que formaron el big bang del rock británico en la segunda mitad de la década sesentera.

Bandas como Rolling Stones, Kinks, Animals, Faces, Manfred Man, Zombies, Hollies, Yardbirds, Cream, Them, Ten Years After, Who, Traffic y muchas más, se hicieron famosas en ambos lados del Atlántico, vendieron discos en cantidades industriales, contribuyeron a la historia y el desarrollo del rock y aún ahora gozan de amplio reconocimiento.

Pero como en todos los movimientos sociales, políticos y culturales, están los que acaparan los reflectores y los que, a pesar de hacer importantes contribuciones, tienen un reconocimiento muy restringido en el tiempo y el espacio y hablando del rock británico de fines de los sesentas, es justo recordar a dos bandas fundamentales de la escena roquera londinense, que en esa segunda parte de los sesentas, fueron famosas, tuvieron seguidores y dejaron una herencia, muchas veces capitalizada por otros que vinieron después.

La primera de estas bandas es The Creation, lidereado principalmente por dos instrumentistas excelentes que también componían canciones con mucha calidad: Eddie Phillips, guitarrista más que competente que fue de los primeros en tocar la guitarra con el arco de un violín y Kenny Pickett, cantante, compositor, la sección rítmica sufrió muchos cambios entre 1966 y 1968, que fue la mejor etapa de la banda, luego se separaron y volvieron a reunirse varias décadas después.

La importancia de The Creation no fue apreciada de inmediato, parecían ser una de las inumerables bandas de efímera existencia y unos cuantos hits, con el tiempo ha sido redescubierta como un grupo fundamental en la transición del rock-pop inglés a la sicodelia, con un sonido que basado en la pericia de Phillips en la guitarra, una sección rítmica agresiva y punzante respaldadas por canciones que inevitablemente conquistaban a los escuchas, su primer gran éxito fue "Making Time", que sonaba así:

 

Pero el más sonado de sus éxitos fue esta otra pieza de seductor sonido y energía feroz y a la vez contenida, llamada "Painter Man", un anticipo de muchas concepciones, recursos y estilos que vendrían después.

The Creation solo grabó un álbum en su primera época y el grueso de su obra está editada en singles, pero el redescubrimiento del grupo, trajo sorpresas como ""Our Music is red...with Purple Flashes", frase atribuida a Eddie Phillips para definir su sonido, un álbum recopilatorio con 24 piezas que presentan un panorama muy completo del legado de La Creación.

La otra banda de la escena londinense en esa época, que también era excelente y deslumbrante, pero hoy inexplicablemente ignorada era "The Pretty Things", los esperamos en la próxima entrega para comentar la historia y obra de este grupo que si conoces celebrarás y si no sabes de ella, te resultará una muy grata sorpresa.

ROCK MEXICANO. Arturo Meza.

ARTURO MEZA.

 

Arturo Meza es tal vez, la mayor injusticia que se ha cometido con un músico de filiación "roquera", si entendemos por justicia: el conocimiento y reconocimiento de su obra por parte de la crítica (¿existe crítica musical en México?), los cronistas y las masas de melómanos, con más de una treintena de grabaciones como solista y tal vez una decena más de colaboraciones, discos para causas varias o antologías y un reducido grupo de seguidores que buscan sus discos en donde se presenta, porque en las tiendas, no es fácil encontrarlos.

Pero si somos objetivos, el principal causante de la "injusticia", es él mismo, por ser un hombre de extrema modestia, extraordinaria sensibilidad y ciertas ideas inclaudicables, que lo hacen la imagen inmaculada del artista independiente, alejado del mainstream, con sus disqueras multinacionales y sus foros de asistencia masiva.

Meza nació en Michoacán, estado donde la música, la religiosidad y el pensamiento mágico indígena, son el pan de cada día, allí empezó a tocar la guitarra siendo aún muy niño, interpretando música norteña, a los quince años emigró a la Ciudad de México, capital del país y de la cultura mexicana, sitio donde amplió sus influencias musicales y sus horizontes artísticos.

Ya instalado en la Gran Chilangotitlán, participó en diversos proyectos artísticos multidisciplinarios y se dejó seducir por el rock, el folk, el progresivo, la música sinfónica, el blues y todo lo que llegara a sus oídos, por eso Meza es uno de los músicos populares mexicanos más eclécticos y multifacéticos, que lo mismo hace rock progresivo que folk-rock, musica sinfónica con sintetizadores o protojazz.

Desde 1984 hace discos a nombre propio, con un mínimo de instrumentos, casi siempre su guitarra, su voz y una armónica, pero no es insólito que aumente la dotación musical para sonar más roquero, esto cuando tiene invitados, pero se dan casos como el de "Suite Koradí" en donde todos los instrumentos los toca él y estamos hablando de sintetizadores y teclados electrónicos que él mismo construyó.

Entre su discografía están algunos clásicos del rock mexicano, nunca reeditados y hoy objetos de culto inconseguibles, ejemplo: "Sin Título", "Y murió la tarde", "Requiem", "Ayunando entre las ruinas", y la susodicha Koradí, que alguna vez comentamos y pusimos a disposición en la red, en el difunto "Amb la Lluna", blog entrañable de este redactor que fue suprimido, precisamente por propiciar descargas ilegales de música. 

Sus letras, reflejan su universo interior, mezcla de misticismo, leyendas medievales, creencias ancestrales de su tierra, experiencias mundanas y crítica social que comparte con otros "rupestres" como Jaime López, Rafael Catana y Gerardo Enciso, también muestra influencias de rockers argentinos como Charly García y Spinetta y si seguimos rastreando, Bob Dylan y Leonard Cohen serían incluidos en la lista.

Según Wikipedia, la discografía completa de Arturo sería esta:

 

• No vayamos a irnos sin el mar (Gente de México, 1984)
• In principio (Gente de México, 1984)
• Suite Koradi (Gente de México, 1985)
• Sin título (disco) (Gente de México, 1987)
• Réquiem (Gente de México, 1988)
• Ayunando entre las ruinas (Gente de México, 1988)
• Setenta centavos (Gente de México, 1989)
• Para un compa (Gente de México, 1990)
• Crónica sonora (Gente de México, 1990)
• En el monte de los equinoccios (Gente de México, 1991)
• Venadito del sol - Hikuri (Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 1993)
• A la siniestra del Padre (Gente de México, 1992)
• La Balada de Galaver (Gente de México, 1993)
• La sangre de los ángeles (Gente de México, 1995)
• Setenta centavos para un compa (Rock and roll Circus, 1995)
• Descalzos al paraíso (Gente de México, 1996)
• Criando cuervos (Independiente, 1996)
• Canciones para cantar en el infierno, volumen 1 (FCM Música 1998)
• Borges: homenaje en el centenario de su natalicio (Gente de México / Fundación Jorge Luis Borges Argentina, 1999)
• Némesis (Dime Abuelita Records / Gente de México, 1999)
• El 33 de este mes (Gente de México, 2001)
• Canciones para cantar en el infierno volumen 2 (Gente de México, 2001)
• Merlin Soy Arturo, La espina de su amor, Ella, La mar (Gente de México, 2002)
• De tin marin (Gente de México, 2003)
• De do pingüé (Gente de México, 2003)
• Amor y paz (disco) (Gente de México, 2004)
• Qkramakra (Gente de México, Cúcara mácara)(2005)
• Planeta miedo (Gente de México, 2005)
• Fin (disco) (2006)
• La música escarlata (Gente de México, 2007)
• NOD (Gente de México, 2008)
• NTN (Gente de México, 2010)

 





 
 



 



 


 


 


 


 


 


 

CANCIONES FAVORITAS. A Whiter Shade of Pale.

A WITHER SHADE OF PALE.

Autores: Booker, Fisher y Reid.

Intérprete: Procol Harum.

  

 

"A Whiter Shade of Pale", ha sido considerada en diversas ocasiones, la segunda mejor canción de todos los tiempos, después de "Like a Rolling Stone", ¿qué criterios se aplican para estas consideraciones?, no lo sé, pero la susodicha posee muchas características que la hacen merecedora de tal distinción:

Con tres elementos clave, milagrosamente conjuntados, una gran melodía, "inspirada" en la "Aria de la cuarta cuerda de Bach" compuesta por Gary Booker, una letra surrealista y deslumbrante de Keith Reid, el procol que no tocaba en la banda, pero que era pieza fundamental con sus aportaciones poéticas, como lo sería después Peter Sinfield para King Crimson y la introducción con el órgano creada por Mathew Fisher, una de las más memorables de la historia, la "blanca palidez, la pálida blancura o la sombra de blanca palidez", llegó directo a la sensibilidad, las emociones y el gusto de las masas.

Por otro lado, para muchos críticos e historiadores, es la pieza que inauguró el "rock sinfónico" y la letra es considerada prototipo de los textos surrealistas, de la sicodelia escrita y del rock "oscuro" y con imaginación fantástica. Como detalles adyacentes: llegó al número 1 de ventas en Gran Bretaña y 5 en EUA, compitiendo contra todo el "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" y en principio apareció con créditos de autoría que ignoraban a Fisher, al volverse una pieza inmortal, clásica y de éxito permanente, Mathew, demandó a Booker y los tribunales le otorgaron su participación en la coautoría con un 40%.

UNA SOMBRA DE BLANCA PALIDEZ.

Olvidamos el fandango suave

giramos y rodamos por el piso

me sentí un poco mareado

pero la multitud pedía más

en la habitación un zumbido intenso

como si el techo se fuera volando

cuando pedimos otro trago

y el camarero trajo una charola.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Ella dijo: no existe razón alguna

y la verdad es más que obvia

pero yo vagaba a través de las cartas de la baraja

y no iban a dejarla ser

una de las dieciséis  virgenes castas

quienes partían por la costa

y aunque tenía los ojos bien abiertos

bien podría haberlos tenido cerrados.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Ella dijo: estoy aquí 

con un permiso de tierra

a pesar de que estabamos a millas en alta mar

hice notar ese detalle

y la forcé a aceptarlo

diciendo: usted debe ser la sirena

que trajo el rey Neptuno a pasear

y ella me sonrió con tal dulzura

que mi enojo murió de inmediato.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.

Si la música es el alimento del amor

entonces, la risa es su reina

y asimismo si atrás esta al frente

entonces, la suciedad es realmente limpieza.

Mi boca como de cartón

parecía deslizarse recta, a través de mi cabeza

entonces colisionamos repentinamente

y atacamos el fondo del oceáno.

Y así fue que más tarde

como el molinero contando su cuento

que su rostro, primero fantasmal

se trastocó en una sombra de blanca palidez.*

*Traducción de Ariel Martínez, quien se disculpa porque la traducción sea "una pálida sombra" del texto original, debido a que sus conocimientos de la lengua inglesa son más que precarios y la única pretención que se persigue es acercar al lector al texto en inglés. 

A WHITER SHADE OF PALE.

We skipped the light fandango
turned cartwheels 'cross the floor
I was feeling kinda seasick
but the crowd called out for more
The room was humming harder
as the ceiling flew away
When we called out for another drink
and the waiter brought a tray

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

She said, "There is no reason
and the truth is plain to see."
But I wandered through my playing cards
and they would not let her be
one of sixteen vestal virgins
who were leaving for the coast
and although my eyes were open wide
they might have just as well been closed

And so it was that later
as the miller told his tale 
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

She said, "I'm here on
a shore leave,"
though we were miles at sea.
I pointed out this detail
and forced her to agree,
saying, "You must be the mermaid
who took King Neptune for a ride."
And she smiled at me so sweetly
that my anger straightway died.

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale

If music be the food of love
then laughter is its queen
and likewise if behind is in front
then dirt in truth is clean
My mouth by then like cardboard
seemed to slip straight through my head
So we crash-dived straightway quickly
and attacked the ocean bed

And so it was that later
as the miller told his tale
that her face, at first just ghostly,
turned a whiter shade of pale.

 

ROCK MEXICANO. Monocordio.

MONOCORDIO.

 

Fernando Rivera Calderón, se presenta en sociedad como : escritor, periodista, locutor de radio y músico, con estudios de Comunicación Social, Historia de México y Pensamiento Contemporáneo, además de haber estudiado Arte Dramático en el CADAC y piano en la Nacional de Música.

Tocó en grupos del ambiente subterráneo como El cuerpo de Cristina y La oveja negra, además del famoso "Palomazo Informativo" con el ex-botello*, Armando Vega Gil y Martín Durán, el Palomazo consistía en improvisar canciones sobre ciertas noticias en un programa matutino de televisión, las piezas se hacían "al vuelo", con arreglo mínimo y mucho humor ácido, con el tiempo, algunas de las mejores se grabaron y salieron como CDs.

Dice haber nacido en un hogar lleno de amor y música, lo que inevitablemente lleva a un entorno de libertad y casi fatalmente conduce al mundo del arte, Fernando, ha escrito cuentos y poemas, ha hecho teatro y periodismo con ambiciones de literatura y en 2001, según él mismo, al enterarse de que iba a ser padre, se sintió iluminado por no se que gracia divina y decidió dar un giro a su vida, tal giro consistía escencialmente, en hacer canciones que ya rondaban su cerebro desde hace tiempo, únicas, íntimas, sin concesiones a los compañeros de banda y así nació el proyecto Monocordio.

Monocordio es Rivera, sus canciones, arreglos y gente que invita, inevitablemente me recuerda a Mr. E e Eels, y a la fecha ha lanzado a la consideración del público melómano cinco discos y la reedición del primero con algunas piezas extra.

Los discos de Monocordio son extrañamente retro, con letras "jipiosas" hasta la médula y sonidos característicos del rock y el pop de hace cuarenta años, hay influencias beatle, pinkfloidianas, del rock-folk y de la sicodelia, mientras los textos rebosan amor, energía cósmica, misticismo y esperanza, lo que me imagino es la esencia de la personalidad de este personaje (Fernando Rivera), a quien no tengo el gusto de haber tratado.

* Integrante del grupo de rock "Botellita de Jerez".