Sigue la generosa respuesta de nuestros lectores que nos envían sus artículos y la mayor fortuna del blog es que todo lo que nos han mandado tiene excelente calidad, es este el caso de Lalo, que forma parte del equipo que hace el blog que se llamaNEU! 75,y se especializa en música, específicamente en el rock, pero si piensan que el susodicho es un blog roquero más, siento mucho desilusionarlos, NEU es un blog que busca temas poco sabidos, está bien informado y bien escrito, lo que es una bendición en un medio en el que abundan los blogs malhechos y malescritos.
Daniel Johnston es una de esas personas a las que se les regaló un talento innato y una vida de sufrimiento. Ésta es un poco de su historia:
Un chico común de Texas en la etapa de la adolescencia empieza a retraerse, al grado de convertirse en un ser inseguro e introspectivo, sensible como nadie; comienza a refugiarse en sus videos caseros, sus comics, sus dibujos, los Beatles y las canciones que este amor y amargura le hacen escribir. No es casualidad que su primer cassette lo titulara “Songs of Pain”. Se enamoró terriblemente de su amiga Laurie, como es de esperarse, ella un chica linda y él un freak inseguro, no le hizo caso, otro motivo para la inspiración musical.
Una guitarra, un piano o simplemente su voz en una grabadora barata, fue lo único que necesitó Daniel para crear canciones realmente emotivas, llenas de sentimiento. Así siguió haciendo sus propios cassettes, de los cuales dibujaba las portadas, hasta que algunos músicos descubrieron que este chico tenía talento e interesados en él ayudaron a pulir su sonido con mejores producciones, pero lo más importante de todo, lo esencial en la música, siguió haciendo grandes canciones.
Atormentado por su miedos, especialmente al Diablo, una vez, nada más, aventó las llaves de la avioneta que iba manejando su padre, salieron vivos de milagro pero aquello lo llevó a ser recluido en un hospital psiquiátrico.
Hoy a sus 51 años aún vive con sus padres. Sigue ensayando y componiendo en el mismo cuarto donde una vez de joven, casi niño, escribió sus primeras canciones. Podría decirse que la enseñanza de alguien como Daniel Johnston es que no se necesita una gran producción para hacer buenas canciones, las buenas canciones los son, simplemente; y no es necesario desear ser famoso, si se hace de corazón no hay nada más que pedir.
The Devil and Daniel Johnston es el documental de la vida de este artista (que por cierto no he encontrado en México). Muy recomendable. Aquí el trailer con una gran canción: True Love Will Find You In The End.
Premiata es el grupo progresivo italiano mayormente conocido fuera de Italia, quedaron conformados como tal, en 1970, en el '71 hicieron su debut en la ciudad de Milán, ni más ni menos que como teloneros de Yes, en su primera gira por Italia y en 1972 grabaron su primer disco, el que aquí presentamos, es del mismo año, pero es su segunda aventura discográfica.
Sus integrantes originales eran Franz Di Cioccio, baterista y fundador de la banda; Franco Mussida, guitarrista, mandolina y lo que le pongan enfrente que tenga cuerdas; Flavio Premoli, tecladista con peso muy importante en el sonido "progresivo" del grupo, con sus sintetizadores; Giorgio Piazza, bajista y Mauro Pagani que tocaba flauta y violín y también aportaba un porcentaje importante del sound de Premiata.
El susodicho sound es dentro del progresivo italiano, uno de los que más se acercan al concepto de "Rock sinfónico", porque este grupo hace un rescate profundo de sus raíces musicales en las que por supuesto están, la música de cámara, la ópera y la música sinfónica y todo esto esta perfectamente bien ensamblado con los sonidos poderosos de las guitarras y percusiones roqueras, más el toque progre de los teclados electrónicos.
Premiata fue el único grupo italiano de rock que tuvo giras extensas y ventas importantes de discos en USA y El Reino Unido, el detonador de esta popularidad fue Photos of Ghost, que es la versión inglesa de "Per un Amico" con letras en inglés que hizo, Peter Sinfield, el letrista de King Crimson.
La primera vez que escuché a PFM, como también se les conoce, fue en un programa de radio que tenía Juan Villoro en Radio Universidad y el impacto fue total, me quede sin habla, impresionado por la forma en que estos músicos llenan los espacios con sonidos contrastantes pero complementarios, antiguos y contemporáneos, en obras maestras del arte.
¿Quieres leer un blog especializado en rock y contracultura?La Crema Rockes una muy buena opción, Asael, su autor ha ido desarrollando un proyecto que no se queda en un blog más y poco a poco va conformando una verdadera enciclopedia de los temas mencionados, desde hace tiempo es nuestro lector, como nosotros somos de su espacio y hoy se unió a nuestro festejo con éste texto sobre el espacio roquero por autonomasia en la Gran Chilangotitlán, El Tianguis del Chopo, bienvenido Asael.
“La juventud es una etapa en la vida. Es una actitud mental frente a ella. Seremos jóvenes en la medida de nuestra fe, de la confianza en nosotros mismos y en tanto la esperanza aliente nuestro sánimos. Sólo habremos envejecido si al corazón lo cubren las nieves de la derrota y los hielos del escepticismo”:
Gral. Douglas Mc Arthur
Con este panorama de grandes crisis, con la nueva modernización, la globalización, las privatizaciones, la “renovación moral”, el narcotráfico, la corrupción amenazante, el terror del sida, el deterioro ecológico, y la renegociación de” la deuda eterna”, surgió a principios de los 80 un espacio urbano que ha concentrado a lo largo de dos décadas una serie de elementos materiales y simbólicos relacionados con el Rock.
Lugar mágico, lugar desconocido que ve pasar millares de jóvenes a descargar su energía vital, jóvenes provenientes de todas partes de la urbe capitalina, vestidos con sus mejores galas rocanroleras acuden cada fin de semana a intercambiar sus discos, a charlar sobre rock, a conseguir información, a realizar un negocio, a reunirse con los cuates, al reventón, simplemente a “agarrar la onda”, a sintonizarse con la frecuencia adecuada en la manera de ser, de hablar, de vestir, de comportarse ante los demás; entender, captar bien la realidad, no sólo la apariencia, llegar al meollo de los asuntos y no quedarse en la superficie.
Punto de concentración de la tensión del sistema social, el Tianguis Cultural del Chopo agudiza los antagonismos de intereses que se constituyen por una participación diferenciada y desigual en los procesos de producción y reproducción de la vida social, el Tianguis del Chopo es acción y representación.
El Tianguis del Chopo es el punto de tensión donde confluyen cientos de jóvenes por un gusto común: el Rock. El tianguis rockero, mejor conocido como “El Chopo”, es un centro urbano que elimina los sistemas de explotación, de dominación y de hegemonía. Al caminar por las calles del tianguis, los chavos nos muestran orgullosos los materiales discográficos inconseguibles que llevan en sus manos, los discos de moda; los chavos del “chopo” tienen una actitud de resistencia, una especie de “puesta en escena” para mostranos su estilo de vida.
La vida en “el chopo” es un gran acontecimiento sabatino, es el paisaje natural del barrio, es un territorio libre, con novedades del rock, la compra-venta de música es para el tianguis su práctica obligatoria. Los asistentes al tianguis se encuentran dispuestos y entusiasmados de vivir la experiencia de las pláticas y charlas habituales centradas exclusivamente al rock, a los conciertos y a las novedades discográficas.
El territorio chopero es un espació construido por y para los amantes del rock, es un espacio sujeto a una espacialidad determinada, organiza y genera en los actores urbanos unas formas de ser-estar que podemos denominar “prácticas sociales”.
“El chopo”, es entonces el escenario de un conjunto de interacciones sociales protagonizadas por jóvenes y adultos contemporáneos marcadas por características que comportan otra visión del mundo, otra forma de percibir, vivir y sentir la realidad.
Como cada sábado, cerca del mediodía, el sol pega de lleno en el asfalto, no hay árboles lo suficientemente grandes para cobijarse del calor. En las esquinas de la calle Aldama, entre Sol y Luna de la colonia popular Guerrero, llega el tumulto de chavos, atraen la atención sus vestimentas oscuras, todos se saludan, se encuentran con los cuates, cotorrean, todos ¡están bien chidos!, ¡muy acá!, al slir del metro, algunos chavos patinan, ven a la banda que apresura el paso hacia el tianguis, otros reparten a la entrada de la calle los textos que anuncian los próximos reventones, otros pasan el rato jugando su golo, pero nadie permite la violencia y que se lastimen seriamente.
Los chavos circulan con sus discos en mano, con sus libros y videos para el cambalache, es el clásico trueque azteca; en el asfalto y en las banquetas se colocan los puestos, que llaman la atención de la “chaviza” y del aficionado común y corriente.
Los “chavos de la onda” acuden al tianguis en busca de artesanías, morrales y mochilas de cuero, collares de barro y porcelana, playeras alucivas a grupos de rock, pantalones negros, acetatos antiguos, casettes piratas, audios de conciertos, videos, libros, revistas, en fin, todo lo que tenga que ver con el mundo del rock. Además de la chaviza, también en el chopo se dan cita escritores, pintores, periodistas, sociólogos, locutores, promotores, músicos, etc.
La vida en “el chopo” es un gran acontecimiento sabatino, es el paisaje natural del barrio, es un territorio libre, con novedades del rock, la compra-venta de música es para el tianguis su práctica obligatoria. Los asistentes al tianguis se encuentran dispuestos y entusiasmados de vivir la experiencia de las pláticas y charlas habituales centradas exclusivamente al rock, a los conciertos y a las novedades discográficas.
El territorio chopero es un espació construido por y para los amantes del rock, es un espacio sujeto a una espacialidad determinada, organiza y genera en los actores urbanos unas formas de ser-estar que podemos denominar “prácticas sociales”.
“El chopo”, es entonces el escenario de un conjunto de interacciones sociales protagonizadas por jóvenes y adultos contemporáneos marcadas por características que comportan otra visión del mundo, otra forma de percibir, vivir y sentir la realidad.
Como cada sábado, cerca del mediodía, el sol pega de lleno en el asfalto, no hay árboles lo suficientemente grandes para cobijarse del calor. En las esquinas de la calle Aldama, entre Sol y Luna de la colonia popular Guerrero, llega el tumulto de chavos, atraen la atención sus vestimentas oscuras, todos se saludan, se encuentran con los cuates, cotorrean, todos ¡están bien chidos!, ¡muy acá!, al slir del metro, algunos chavos patinan, ven a la banda que apresura el paso hacia el tianguis, otros reparten a la entrada de la calle los textos que anuncian los próximos reventones, otros pasan el rato jugando su golo, pero nadie permite la violencia y que se lastimen seriamente.
Los chavos circulan con sus discos en mano, con sus libros y videos para el cambalache, es el clásico trueque azteca; en el asfalto y en las banquetas se colocan los puestos, que llaman la atención de la “chaviza” y del aficionado común y corriente.
Los “chavos de la onda” acuden al tianguis en busca de artesanías, morrales y mochilas de cuero, collares de barro y porcelana, playeras alucivas a grupos de rock, pantalones negros, acetatos antiguos, casettes piratas, audios de conciertos, videos, libros, revistas, en fin, todo lo que tenga que ver con el mundo del rock. Además de la chaviza, también en el chopo se dan cita escritores, pintores, periodistas, sociólogos, locutores, promotores, músicos, etc.
María B. también es lectora de "Los Sueños" y también se suma al festejo con un escrito de los que son comunes en su blog Stand by me and Concá,muy fluidos,emotivos y poéticos, hace poco ella descubrió el blog y nos hizo descubrir el suyo y confieso que desde entonces soy fan de María, después de que la leas aquí y en su espacio, es muy probable que te pase lo que a mí.
...en un dedo dice Janis, el otro Joplin, sus pies son los míos, tatoo pequeñísimo sobre el tobillo derecho.
Le debemos mucho a los hippies, si no hubiera sido por ese gran movimiento de jóvenes que querían tocar el cielo con las manos, los fusiles no hubieran tenido flores por eso vive como una hippie de los ´60, en Berkeley,California, cabello largo, esperando hacer peace and love, "make love, not war", con su free spirit, caminó desnuda, con sombrero, manos atadas por cadenas y una consigna, All you need is love como esa canción que te gusta, music transcended professional status, education, religion and was at the heart para cambiar el mundo. Woodstock es su santuario, un lugar muy pintoresco y simbólico en New York, me hubiera gustado estar en esa conmemoración, seguro la música fue lo principal allí y los sueños regresaron, no importan los años. Los de antes son los soñadores de ahora, tienen iguales sentimientos, expresados con más calma pero la misma rebeldía. Tuvieron que incorporarse al stablishment para realizarse, así los veo desdemi ignorancia ancestral.
Ahora, a veinte años luz de la memoria escribo para recordar, escucho Pink Floyd in The final cut, sueño que lloro y empiezo a cantar, la ira oprime todo lo que respiro, tan cerca y lejos a la vez, sueño que enseñaste a conversar con las guitarras, sueño gritos y el NO así de grande, sueño que tendrías que escuchar y explicarme lo que no alcanzo a comprender, sueño este silencio de California insomne.
Ésta es una propuesta diferente a la italiana dentro del rock progresivo, se trata de la banda francesa "Magma", fundada en 1969 por Christian Vander un inquieto músico, compositor, cantante y baterista quien tenía como su ídolo máximo a John Coltrane y consideraba que después de él no era posible hacer nada nuevo, o sea que "el Trane", había llegado al fin de la música, al non plus ultra.
Vander y compañeros han creado durante cuarenta años, (siguen activos), una música que es la mezcla de muchas otras, pero que tiene como sus elementos más conspicuos, un espíritu vanguardista, una raiz jazzística y la influencia del rock de los setentas, ácido, sicodélico y prograsivo.
Los nombres de las piezas, con estructuras sinfónicas la mayoría y las letras, cuando hay canto incluido, están en Kobaïen, un idioma inventado por Vander y compañía, de modo que Magma es, entre muchas cosas, un ejemplo de la inventiva, la exploración y la capacidad de sorprender muy de la década de los setentas, para terminar, dos muestras de la música de esta banda sui generis, la primera, una pieza del disco en cuestión y la segunda, uno de sus invenciones más conocidas.
Otra invitada de honor al festejo de "Los Sueños" es The Retro Girl, lectora y comentarista del blog, quien a su vez hace"Textos Mágicos y Misteriosos",supongo que nació en los noventas, pero es beatlemaníaca y amante de la música de los sesentas y setentas y juro que sabe del tema.Vean la calidad de pluma de la Retro y sigan su blog.
Yo sé bien que estoy afuera pero el día en que yo me muera sé que tendrás que llorar.
Hoy en la mañana una canción me hizo llorar.
La canción era “Love me tender” y, en parte a que he estado muy sensible estos días, debido a la letra y a la magnífica voz que la cantaba con tanto sentimiento… se me salieron unas cuantas lágrimas.
El encargado de ponerme tan ridículamente sensible fue nada menos y nada más que Elvis Presley, Elvis, el GRAN Elvis, o simplemente: el Rey.
Escribo este artículo para expresar unos cuantos pensamientos acerca de este gran hombre que, definitivamente, marcó un hito en la historia de la música.
Hace ya 32 años, el 16 de agosto de 1977 se fue al cielo de diamantes un magnífico cantante y un gran artista. Las drogas se encargaron de llevárselo.
Espero que existan personas que lean este artículo y sean capaces de recordar qué fue lo que sintieron cuando se enteraron de la noticia.
Yo sé que hubo gente que sí lloró, otros se contuvieron y hasta hubo pocos que ni les interesó, argumentando que el verdadero Elvis había muerto desde que empezó a engordar y dejó de ser un símbolo sexual.
Como sea, su muerte significó un gran luto en el mundo musical y es justo que después de tantos años aún se le siga recordando como un ícono de la música popular.
Para jóvenes de mi generación (y que conocen y aprecian el buen rock) Elvis tiene un lugar importante en su memoria.
Claro está que la historia de este hombre muestra prácticamente una metamorfosis en su persona y, por consiguiente, en su fama.
Tuvo su periodo de decadencia, de vergüenza para su fans. ¿Quién se iba a imaginar que Elvis la pelvis terminara convertido en un sujeto obeso, con dificultades para respirar durante las canciones y para recordar la letra?
Eso, a mi parecer, debió de significar que su final estaba cerca. En este punto Elvis estaba muy lejos de aquel joven de mirada brillante y cabello negro peinado de forma tan característica.
Estaba lejos…sin embargo, ahí seguía, en plena década de los 70s, como un sobreviviente de la época dorada del rock n roll.
Y definitivamente, el día que murió, todo buen rockero supo que tendría que llorar.
Dirás que no me quisiste, pero vas a estar muy triste y así te vas a quedar.
Para los que argumentaron que Elvis murió desde que se separó de su esposa, en 1973, puede que su muerte definitiva no haya significado gran cosa.
Pero…seamos honestos, no me digan que no lo extrañan.
¿Se imaginan si Elvis siguiera vivo? Tendría 74 años y sería un auténtico mito viviente.
¿Le gustaría el rap? ¿Aún podría cantar? ¿Hubiera producido a otros artistas? ¿Cuántos Grammys le habrían dado? ¿Viviría aún en Graceland? ¿Le hubiera gustado que su hija se casara con Michael Jackson? ¿Qué hubiera dicho sobre la muerte de John Lennon?
Definitivamente, todas estas preguntas jamás serán contestadas y es una verdadera lástima que se nos fuera hace ya tanto tiempo.
¿No creen que hubiera sido realmente interesante tenerlo todavía entre nosotros?
Es que él era un gran artista, tenía algo que nadie antes había aportado al mundo musical, y su voz… ¡su voz! Un verdadero regalo para nuestros oídos.
Un blanco que cantaba como negro.
Sin Elvis Presley, muchos grupos y artistas no hubieran existido. Él fue la inspiración que necesitaban personas como Robert Plant, Bono, Bruce Springsteen y los Beatles.
Yo sé que todos aquellos que entendemos su importancia y su influencia seguimos muy tristes de haberlo perdido… y así nos vamos a quedar.
Una piedra en el camino me enseñó que mi destino era rodar y rodar.
Permítanme hacer una breve reseña histórica de la vida de este gran artista:
Hijo de Vernon y Gladys Presley, tuvo un hermano gemelo que murió al nacer. La infancia de Elvis fue dura hasta que su familia se mudó a Memphis. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años.
En 1954 grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, My Happiness y That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, lo contrató para grabar un disco. Con éxito en Memphis y en algunos lugares del sur de los Estados Unidos en 1955 llegó el Coronel Tom Parker quien trasladó a Elvis a la discográfica RCA.
Ahí las cosas le fueron muy bien a este guapo muchacho, quien grabó Heartbreak Hotel yllegó al número uno de las listas. Imagínense, para aquella época la forma de moverse de Elvis era una abierta invitación sexual que escandalizó a los mayores, aunque a los jóvenes les encantó. Acuérdense que en el Show de Ed Sullivan, lo enfocaron sólo de la cintura para arriba. Antes de que la milicia lo llamara a sus filas, alcanzó once números uno seguidos y protagonizó cuatro exitosas películas.
Nada mal.
Entre 1958 y 1960 estuvo haciendo su servicio militar allá por Alemania. Lo bueno de todo fue que conoció a una bella chica que se convertiría en su esposa, Priscilla.
Su regreso fue todo un acontecimiento, al lado de Frank Sinatra. Claro está que le dieron su buena lana a Elvis.
Llegan los vertiginosos años sesenta, y Elvis se vuelve actor y participa en varias producciones… pues… bueno, algunas bastante prescindibles.
Otra época era, otros artistas estaban en los cuernos de la luna y así Elvis conoce a los reyes de aquel entonces, los cuatro muchachos de Liverpool. La esperada reunión se da en la casa de Elvis en Bel-Air, año 1965.
Ya desde un año antes, Elvis comenzó a rodar cuesta abajo en la popularidad que ostentaba.
Se casa con su querida Priscilla en 1967 y al año siguiente nace su única hija. (Ahhhhhhhh!)
La racha de descenso se termina en el 68 cuando hace su Comeback Special y al año siguiente se presenta en la ciudad del pecado, o lo que es lo mismo, Las Vegas.
Metiéndose en rollos presidenciales, visita en el 70 a Nixon en su casita blanca.
Nota curiosa: hablan sobre la influencia de las drogas en la juventud. (JA!)
En el 73 se divorcia oficialmente, pero la depre le duró toda su vida.
Se retira a Hawaii haciendo el primer concierto televisado vía satélite en la historia.
Consume drogas, come demasiado….rueda cuesta debajo de nuevo.
Su último concierto lo da en 1977 en Indianapolis.
El 16 de agosto de ese mismo año… Elvis muere en Memphis.
Después me dijo un arriero que no hay que llegar primero, pero hay que saber llegar.
El secreto de trascender generación tras generación y ganarse un lugar importante en la historia musical no es ser el más gandalla, el que tiene más contactos, sino el más auténtico y original.
Es saber aprender de las derrotas y seguir adelante.
O simplemente, tener algo diferente que te garantice la permanencia en la memoria colectiva.
Para mí, Elvis significa una leyenda, un mito cultural.
Y sé que no sólo para mí, sino para todos aquellos que saben apreciar la buena música.
No hay que llegar primero al estrellato, hay que saber llegar a ocupar un lugar en la pared de las leyendas. Y Presley tuvo su lugar desde que grabó Heartbreak Hotel.
Con dinero y sin dinero, hago siempre lo que quiero y mi palabra es la ley.
Si ya he mencionado su etapa de decadencia, regresemos a los buenos tiempos.
Recordar a EL REY no es que evoquemos aquellas lamentables imágenes donde cantaba Unchained Melody y se sofocaba tratando de alcanzar las notas altas.
¡NO! no se trata de eso.
El rey merece respeto.
En su buena época, en su edad dorada (y no me critiquen de cursi porque TODOS tenemos nuestra edad dorada en la vida) era la juventud y la vitalidad personificada.
Aquel magnífico video de Jailhouse Rock donde viste como presidiario y se desliza por un tubo cuesta abajo, para efectuar una coreografía inolvidable, es ya un clásico y ha sido imitado varias veces (en recientes fechas, hasta por Eminem, háganme el maldito favor).
Sus canciones han sido covereadas millones de veces y aquel que se jacte de poseer una voz prodigiosa, que me cante It’s now or never como la cantaba él y luego hablamos.
Aquel joven guapo, brillante, maravilloso, censurable (para las buenas conciencias), inteligente y agradable será el Elvis que todos podemos recordar.
Hizo siempre lo que quiso y sus canciones ¡eran la ley!
No tengo trono ni reina, ni nadie que me comprenda, pero sigo siendo el rey.
No por nada, aunque incomprendido y a veces odiado, Presley ostenta su título de nobleza después de 32 años de abandonar este mundo.
Tenía algo diferente que atrajo la atención y lo catapultó al estrellato. Sigue vendiendo discos como si fueran pan caliente y sus canciones se escuchan todavía en la radio.
Así como el sueño de todos los niños es visitar Disneylandia, el sueño de muchos rockeros y conocedores es visitar Graceland.
Sé que lo dicho aquí tal vez no sea muy vasto o profundo, pero simplemente quise dar a conocer un texto que hablara de mi admiración por aquel blanco que cantaba como negro y que movía la pelvis con tanto ritmo.
Es una leyenda, es un ícono, es un mito, es un símbolo, es una marca, es un legado…
Ya sé que hago mal en meterme en el espacio de nuestros queridos lectores pero no podía dejar de compartir esta gran rola de la banda Dream Pop de Baltimore, Beach House.
Gila fue el primer single del disco Devotion, editado en 2008 y este es el video... un receso musical mientras lee lo demás que se ha publicado en el blog.
Con este artículo comenzamos la publicación de textos de nuestros lectores que son, este mes, los invitados de honor, el que vas a leer a continuación sobre Fritz Lang y su obra maestra "Metropolis" es de la autoría de Psichedelic Alan, lector cotidiano de "Los Sueños" y autor de un blog más que recomendable que se llama "On the Road", síguelo en su espacio http://poisonbeat.blogspot.com/
El cine clásico no suele asomarse a las páginas de noticias del mainstream fílmico Y es una lástima, porque todo lo que es el noveno arte hoy en día proviene de lo que hicieron aquellos emprendedores con sus limitados medios. Uno de ellos fue Fritz Lang y su película Metrópolis, queha sido el referente para cientos de cineastas posteriores. Este verano se estrenará de nuevo, gracias a la adición de 27 minutos inéditos de rodaje, que conformarán una película de 147 minutos absolutamente restaurada. Después de ser encontrada la versión original en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken de Buenos Aires, el metraje ahora perteneciente a la fundación Murnaufué sometido a rigurosos procesos de limpieza para el futuro resguardo y comercialización en blu-ray.
En 1927 se estrenó esta obra de arte, donde un espectador no demasiado observador encontrará las semillas de Blade Runner, Terminator y de otras películas actuales. Uno más avezado en el mundo del cine, encontrará decenas de planos y efectos imposibles para la época. Por ahora, y esperando la proyección que merece, les dejo la versión clásica para que la disfruten, así como el trailer con algunas de las escenas nuevas. Saludos!
El disco debut de La Torre dell' Alchimista, banda italiana de rock progresivo o sinfónico para muchos, es considerado por críticos e historiadores, como una de las grandes obras maestras del género, creada por la agrupación oriunda de la provincia de Bergamo en 1997. es una especie de puente entre el rock progresivo italiano de los setentas y el que posteriormente se hizo entre los ochentas y noventas.
La agrupación en cuestión, al momento de la grabación, estaba formada por Silvia Ceraolo en flauta y voz, Elena Biagione en piano y voz, Davide Donadoni tocando bajo y clarinete, Michele Giardino en voz y guitarra acústica, Norberto Mosconi en batería y Michele Mutti en teclados, éste último el compositor principal, es también el gran soporte de la banda, creando con toda clase de sintetizadores y teclados varios, atmósferas y orquestaciones extraordinarias que se contrapuntean con la flauta y las voces, una característica sui generis de la agrupación es que no utiliza guitarras eléctricas, en una primera audición puede parecer que el álbum es uno más de la gigantesca cantidad de grabaciones de este tipo, pero una atención más minuciosa revela virtuosismo y complejidad en las estructuras musicales muy especial.
El nueve de Mayo pasado Los Sueños cumplió dos años de existenciay para celebrarlos invitamos a todos nuestros lectores a enviarnos artículos para publicarlos en el blog que también es suyo, se vale de todo, artículos con cualquier tema, gráficos, videos, comentarios, sugerencias o lo que se les ocurray así celebrar con la gente que se toma un tiempo para leer nuestros choros cotidianos.
Si te animas, envía tu texto, ilustraciones o links que quieras a amblalluna@gmail.com. con las indicaciones de cómo quieres que se publique tu texto, gracias de antemano por unirte a la celebración y compartir el gusto con nosotros.
"SON HOUSE & THE GREAT DELTA BLUES SINGERS". 1928-1930.
Que fortuna es que existan estas grabacionesy que haya quienes se interesen en rescatarlas y ponerlas a disposición del coleccionista o el escucha común; del investigador o del curioso, las que aquí presentamos, son grabaciones realizadas entre 1928 - 1930 y registran a Son House y otros grandes cantantes de Blues del de antes de que el género llegara a las ciudades.
Eddie James House, nombre de nacimiento de Son House, fue echado al mundo en 1902 en Clarksdale Mississippi y su primer impulso vocacional fue, convertirse en predicador, pero por esos mismos tiempos en que era aún adolescente, también se sintió atraído por el Blues y ya te leí la mente mi estimado(a), estás pensando que se hubiera dedicado a ambas actividades, pero el problema radicaba en que eran incompatibles, pues en esos tiempos, aún las Iglesias de la población afroamericana, condenaban al Blues como música diabólica y pecaminosa.
Pero como suele suceder, ganó el chamucoy el chamaco House empezó a tocar la guitarra y a vivir de la música, tocando con músicos de medio pelo y también con vacas sagradas como Robert Johnson o Leroy Williams y así la fue pasando sin otra aspiración hasta que en 1930, después de unas vacaciones de dos años en la cárcel, tuvo la oportunidad de hacer estas grabaciones.
Como no existía la "industria" discográfica y el negocio del espectáculo no era para los afro, Son House desapareció de la música y quién sabe a que se dedicó hasta que en 1960 fue redescubierto y se reeditaron estas grabaciones sin que él se enterara, hasta que un empresario se dedicó a buscarlo, dió con él y lo reincorporó con otras grabaciones y presentaciones en vivo, haz de cuenta como Almodóvar y Chavela Vargas.
Willie Brown es otra leyenda del Delta Blues, era un cantante y guitarrista excepcional que tocó también con Robert Johnson, Son House y Charley Patton, pero por esas extrañas interacciones de las personalidades humanas, siempre fue considerado un acompañante de otros, Johnson lo consideraba "su carnal" y en una de sus rolas más famosas pide que si se muere, le avisen a su brother Brown, en la famosa película "Crossroads" que narra la vida del jefe Johnson uno de los personajes principales es Willie Brown.
Garfield Akers también pertenecía al "círculo del sur de Memphis", como se conocía a estos bluesman trasumantes y semiprofesionales como el propio Akers que trabajaba como aparcero y tocaba en los tugurios en sus ratos libres, sus escasas pero históricas grabaciones son dificilísimas de conseguir, por eso se agradecen ediciones como ésta.
"Blind" Joe Reynolds, era cantante, guitarrista y compositor, quedó ciego por un disparo de escopeta y a partir de ese hecho desarrolló un oído extraordinario, fue descubierto en 1929 y como todos estos músicos hizo grabaciones esporádicas, no catalogadas y en muchos casos perdidas, pero aquí aparecen cuatro que nos acercan a su estilo y al lamado Delta Blues, el primero y antecedente del más conocido "Chicago Blues", urbano, electrificado, rico en instrumentación y más rítmico, si quieres bajar esta joya haz click aquí, y mientras baja, empieza a entrar en tema con los videos de estas leyendas.
Una sorpresa extra fue encontrar en este disco piezas que conocía por los covers de los bluseros blancos, me encontré por ejemplo con Future Blues que conocía por la versión de Canned Heat o Outside Woman Blues que me mata en la versión de Cream.
El fin de semana tuve chance de ir a un famoso bar del centro de la ciudad a ver, por tercera vez en mi vida, a la banda de Montreal, The Dears. Ese concierto es el pretexto perfecto para contarles algo.
Yo conocí a The Dears allá en 2005; había comprado el No Cities Left (segundo álbum de los canadienses, editado en 2003) en Londres sin conocer a la banda más que de nombre. No Cities Left me encantó desde la primera escuchada en aquella estación de tren en París y hoy es uno de mis favoritos de todos los tiempos, nunca olvidaré cuando escuché 22: The Death of all the Romance por vez primera.
Esa genial rola resume perfecto el sentimiento de todo el disco, tristesa y melancolía durante poco más de una hora, es realmente difícil no deprimirse tantito luego de haberlo escuchado. El álbum esta lleno de ese espíritu adolescente de tristesa e incertidumbre eternas y refleja perfectamente el caracter del compositor y líder de los Dears, Murray Lightburn. Digo, es obvio que este cuate vivía en una depresión constante al momento de escribir el disco y esa sensación se contagia a cualquiera que lo escuche... 7 años y dos álbums después The Dears no han logrado superarse, aunque eso no quiere decir que los discos posteriores sean malos, al contrario.
Los dos álbums posteriores carecen de esa melancolía tan asfixiante; musicalmente son increíbles y las letras de Lightburn continuan siendo geniales, pero ya rara vez me provocan lo mismo que me provoca escuchar el No Cities Left... seguramente es cosa mía nada más.
La primera vez que ví a The Dears fue en 2007, cuando recién habían editado el Gang of Losers; aquella noche el concierto estuvo repleto de esa infinita tristeza, la densidad del obscuro y melancolico sonido de la banda llenó las orejitas de los que estuvimos presentes. Aún recuerdo a aquel Murray rodando por el piso, cantando dando la espalda al público, gritando las emociones, realizando tremendas improvisaciones que duraban varios minutos... era como un trance colectivo. Fue genial.
Tres años después, aquella banda ya no existe, aquella banda ha madurado, el sonido de The Dears sigue siendo obscuro pero ahora es más optimista, se pude ver a Lightburn y al resto de la banda disfrutando las presentaciones, disfrutando la vida. Murray, hoy esposo y padre, ya no tiene ese dramatismo en el escenario... hoy Murray es feliz, y eso hace que todo cambie.
22: The Death of all the Romance fue mucho tiempo mi rola favorita del No Cities Left y sigue siendo una de mis favoritas de todos los tiempos, es de lo más triste que he escuchado y siempre me provoca una sensación extraña... la comparto con usted, clávese en la letra y en el video, luego dígame si no le dieron ganas de llorar. Es terrible, esa canción no puede cantarse con la gran sonrisa con la que la cantó Murray el sábado... es como un fraude, me sentí robado.
En esta su sección favorita de Los Sueños, "Con qué está traumado Su Servidor últimamente", les presento a Waldeck.
Qué tal? Esta se llama Whydidwefire he gun? del álbum del 2007, BallroomStories.
KlausWaldeck comenzó su carrera como pianista en su natal Viena a la corta edad de seis años, a los 15 dejó la música y se metió a estudiar leyes, luego de abandonar su carrera de abogado de derechos de autor volvió de lleno a la música para el gusto de todos los melómanos.
Según el propio Waldeck, la inspiración para volver a la música vino del mismísimo Harrison luego de verse envuelto en una demanda por, supuestamente, fusilar una vieja rola motown.
Y mejor decisión no pudo haber tomado; luego de mudarse a Londres, reclutó a JoyMalcom, vocal de la banda inglesa de AcidJazzIncognito y a Brian Amos, quien había trabajado con PressureDrop. A partir de 96, Waldeck ha editado algunos álbums de estudio y producido algunos de remixes, los cuales tienen gran éxito en Austria y que son difíciles de conseguir, incluso en internet.
En 2006, Waldeck edita este genial BallroomStories, una exquisita colección de temas que tienen como base el jazz pero que no dudan en entrarledescaradamente al electro, al trip-hop y hasta al dub. Temas digamos... lounge, cercanos a bandas como SaintGermain o Koop, en su mayoría instrumentales y algunos cantados con dulces voces femeninas y masculinas, y la constante presencia de instrumentos de viento que suenan rústicos y salvajes dentro de la finura del jazz clásico, cortesía, por supuesto, del piano del buen Klaus. Todo un agasajo musical.
Aviéntese un clavado en Waldeck, querido lector. Descubrirá por qué es mi banda favorita de la semana y por qué no he podido dejar de escucharlos. Enjoy!!!
Otros riffs muy famosos, de los que identifican a la canción desde las primeras notas son estos: Purple Haze, el primer gran éxito de Jimi Hendrix, que según él, le llegó por medio de un sueño, fue su primer sencillo y llegó al número tres en el Reino Unido, mientras que en Estados Unidos, no llegó ni al cincuenta, la rola es alucinadísima y por supuesto se dijo que era el resultado de un mega pasón del Dios de la guitarra, como si un pasón te hiciera genio, la canción forma parte de Are you Experience? de 1967; el segundo riff conocidísimo es el de American Woman del grupo canadiense Guess Who, American Woman fue la primera canción de un grupo canadiense que llegó al número uno de las listas de popularidad gringas en 1970, año en que apareció este álbum.
Seguimos con Steppenwolf y su canción emblemática Born to be Wild, que sirvió de soundtrack del film de culto Easy rider, después de esto, otras películas de motociclistas también la incluyeron, de Born to be... se han hecho montones de covers, a mí me gusta en especial el que hizo Etta James, el álbum homónimo también es de 1967; otro de estos lineamientos melódicos famosos es el que acompaña a Sweet Home Alabama, de los jefes del rock sureño Lynyrd Skynyrd, la susodicha canción es sin duda la que mayormente identifica a esta banda legendaria, Sweet Home...es parte del álbum "Second Helping" de 1974..
Y no podía faltar el famosísimo riff de Light My Fire, con el órgano de Ray Manzarek, aparecida en el disco debut de The Doors, álbum exitisísimo que colocó varias piezas en las listas de popularidad y es considerado uno de los más aclamados debuts de un grupo de rock The Doors vió la luz en 1967.
Te dejo estos riffs famosos estimado lector(a) y por supuesto las canciones que los portan, todas clásicas, famosas, entrañables e inolvidables o ¿para tí que significan?
