LOS DISCOS DE 1969. Barabajagal.

DONOVAN

"BARABAJAGAL"

1969

Cuando Donovan grabó "Brabajagal" entre 1968 y 1969, ya era famoso. había pasado por ser "el Dylan británico", como cantante "folk"; había hecho sus discos que chorreaban ácido: "Sunshine Superman", "Mellow Yellow", "Wear your love like heaven" y "A gift from a flower to a garden", que lo convirtieron en uno de los representantes más sobresalientes de la sicodelia británica y también había publicado su inetiquetable y exquisito álbum llamado "Hurdy Gurdy man".

Así que al parecer, ya habia hecho lo que tenía que hacer, era conocido en todo el mundo, era un "rockstar" sin objeciones, incluyendo visitas a la cárcel por posesión de drogas como cualquier estrella roquera que se respete, pero su espíritu aventurero y su insaciable sed de innovarse y hacer cosas distintas lo llevaron a intentar una vez más la tarea de hacer un disco de folk-rock-pop-sicodelia que fuera memorable.

Y lo consiguió a base de experiencia; su extraordinario talento para crear melodías, comparable con el de Sir Paul Mc Cartney; su amplia cultura musical que abarcaba: música folk, rock, blues, jazz, música celta, música oriental y música sinfónica y su inagotable inspiración para crear textos brillantes, de calidad literaria y mágicos, por las imágenes que siempre fue capaz de evocar.

"Barabajagal" fue grabado a partir de noviembre de 1968, con Mickie Most como productor, el mismo que producía al Jeff Beck Group y se dice que para ahorrarse el trabajo de buscar músicos de sesión o una banda de acompañamiento para la grabación, Most utilizó los servicios de Beck y su banda, además de que también participaron varias celebridades más de nombres como: John Paul Jones, Nicky Hopkins, Rod Stewart, Ron Wood y Aynsley Dunbar, los tres ultimos del grupo "beckista".

Por problemas con la compañía, sólo fue publicado en Estados Unidos y no existió edición británica del disco hasta 2005, cuando se reeditó en CD incluyendo varios tracks inéditos, resultado de las mismas sesiones de grabación.

LOS DISCOS DE 1969. Nashville Skyline.

BOB DYLAN 

NASHVILLE SKYLINE

1969

Bob Dylan es entre otras características, un inconforme y al no ser un gran experimentador con los sonidos intenta cambiar de estilo, temáticas y formas de decir las cosas constantemente, ya había decepcionado a sus fans cuando cambió del estilo folk-acústico al eléctrico-roquero y apenas empezaba a convencer a la crítica y al público cuando, después de las tres grandes obras maestras Bringing it all back home, Highway 61 revisited y Blonde on Blonde, les cambió la jugada a críticos y público, para desatar nuevos enconos y ataques.

El nuevo viraje fue hacia la música ranchera, country dirían los gringos, y la nueva provocación empezó con un disco llamado John Wesley Harding, música de vaqueros, historias de bandoleros, paisajes bucólicos y otras cosas "inaceptables" en el gran mesías del rock.

Y ya encarrerado e ignorando las críticas produjo este segundo disco de música ranchera, sólo que este era aún más country y lo que más irritó a fans y crítica era que había dejado atrás las letras politizadas, las frases mesiánicas y la "filosofía profunda" el nuevo disco de Dylan tenía sólo canciones dedicadas al amor concreto por una mujer, los pasteles del pueblo, las muchachas granjeras y todo lo que se le antojó en uno de los discos más injustamente tratados de toda su carrera.

Pasó mucho tiempo para que Nashville Skyline fuera revalorado aunque dos de sus canciones ya eran clásicas dylanianas: Girl from the north country y Lay lady lay, para mi fortuna escuché este disco sin saber nada de lo que acabo de narrar y pude gozar sin prejuicios, este disco inmensamente disfrutable de Dylan en plan de cantante de ranchero.
En Nashville todas las canciones tienen melodías muy agradables, letras sencillas y sentidas y los arreglos bien campiranos le dan una frescura insuperable, hay varias cancionísimas: To be alone with you y One more night, tiernas y bellas canciones de amor; otras como Peggy Day y Country pie, como para bailar en el jaripeo, otras, canciones melancólicas como para cantar de noche junto a una fogata, mientras las reses duermen y hasta una instrumental, precisamente la que da nombre al disco.

Como a mí me gustó desde el principio, nunca pude entender por qué era considerado uno de los discos más malos de Mr.Zimmerman, pero me valía madres y hasta la fecha lo sigo degustando con gran placer.

LOS DISCOS DE 1969. Clear.

SPIRIT

CLEAR

1969

El tercer disco de Spirit tenía la difícil tarea de superar o al menos igualar a los dos anteriores, obras maestras del rock-jazz-sicodélico, producido por el grupo, las expectativas que habían despertado esos discos precedentes, obligaban al grupo a mantener, por lo menos, el nivel de creatividad y calidad que los tenía considerados como un grupo para conocedores exigentes.

Pero la fórmula libertad- virtuosismo-audacia, volvió a funcionar, el álbum contiene grandes creaciones del tipo de Dark eyed woman o 1984, de obvia referencia orweliana, este último e incluidas en los dos videos que acompañan a este artículo.

La grabación es muy pareja y variada, nuevamente se estableció una especie de tensión creativa entre la energía desbordada de Randy California con su guitarra roquera y las finas aportaciones extraidas del Jazz por parte de Ed Cassidy, integradas a las bien estructuradas composiciones del primero.


El disco es un viaje alternado de piezas y momentos netamente roqueros, con las pinceladas sicodélicas y largos momentos definitivamente jazzísticos, estos contrastes no sólo se presentan de pieza a pieza, sino dentro de una misma unidad, un ejemplo claro de esto está en el track 12, llamado New dope in town, de entrada Clear, puede parecer una obra demasiado ecléctica y desconcertante, pero si se escucha reiteradamente, poco a poco se va descubriendo la lógica de las estructuras creadas por estos músicos que se convirtieron en grupo de culto, reiteradamente revalorado.

LOS DISCOS DE 1969. Ceremony.

SPOOKY TOOTH / PIERRE HENRY

"CEREMONY" 1969.

Este es un disco que busqué por muchos años, habiendo escuchado escrupulosamente los dos anteriores y maravillándome de sus sorpresas, me llamaba poderosamente la atención escuchar éste, que suponía vendría in crecendo, con relación a It's all about y Spooky two, por si fuera poco, tengo entre mis discos favoritos The Last Puff, el cuarto disco de esta banda, de modo que éste era una especie de "eslabón perdido".

Pero como no hay plazo que no se cumpla... por fin cayó en mis manos, aguzé todos mis sentidos, me deshice de prejuicios tanto como pude y me dispuse al disfrute sucesivo e ininterrumpido del tan esperado álbum.La primera sorpresa es que "Ceremony" es un álbum conceptual y aún más, es una misa electrónica, según reza el subtítulo de la obra, de inmediato hice la relación con el único disco que conozco de Pierre Henry y que se llama "Masse de Liverpool" o sea, Misa de Liverpool en francés, puesto que esa es la nacionalidad del afamado músico.

La segunda es que la susodicha misa fue compuesta por el propio Henry y Gary Wright, el organista de Spooky, de lo que resulta un disco típico de esta banda con la voz desgarrada de Mike Harrison, las estructuras roqueras-bluseras y hasta "gospelianas" que acostumbraban, pero aderezadas por los efectos extraños y experimentales de un Pierre Henry que empezaba a traspasar límites en la creación musical.

Si eres fan de Spooky Tooth y además un integrista musical, esta mezcla podrá parecerte un sacrilegio, pero si recordamos que la legendaria banda inglesa era una de las que marcaron pautas para el nacimiento del rock progresivo, podrás llegar a la conclusión de que la asociación se dió de una cierta forma "natural", el espíritu rebelde de Henry y la necesidad de encontrar nuevas rutas de los ingleses se conjugaron de modo que parece como si ha medida que avanza el disco la compenetración va creciendo y las aportaciones de un lado y otro se escuchan cada vez menos forzadas.

Creo que aún habré de descubrir mucho en esta obra, pero por lo pronto me parece que su importancia histórica es evidente, fallido o exitoso, este disco marca un hito en la historia del rock británico, si consideramos que se grabó hace cuarenta años, que va de la mano con lo que estaba haciéndo Pink Floyd; que es uno de los primeros discos "conceptuales" de la Historia y uno de los primeros intentos de hacer música religiosa a partir del rock, parece evidente por ejemplo que "Jesus Christ Superstar", abrevó en esta fuente.

Pero hasta aquí mis consideraciones, ahora procede que tú, estimado lector(a), saques tus conclusiones escuchando las muestras que a continuación se incluyen.

LOS DISCOS DE 1969. A Salty Dog..

PROCOL HARUM

A SALTY DOG

1969

Portada del EP. "Una pálida sombra"

Conocí a Procol Harum entre 1967 y 68, es decir, cuiando A whiter shade of pale, era un éxito mundial, el disco se había editado en muchos países y la canción se programaba en el radio muchas veces al día, en México, sólo apareció el EP, con el nombre de "Una Pálida Sombra", que fue como se le conoció en el medio radiofónico mexicano.

Portada del CD doble.

Por muchos años consideré a Procol Harum, como uno de esos grupos de un solo éxito, aunque sabía que contaba con una discografía amplia, hasta que leí el libro de José Agustín "Los Grandes Discos del Rock" y me encontré con que el reconocido autor, incluía a esta banda entre los grandes, pero no con "Procol Harum" su primer disco, sino con el segundo "Shine on brightly" y cuando encontré una edición en CD que incluía a los dos álbums primeros de la banda, no dudé en que debía adquirirlo.Y entonces descubrí a un grupo portentoso de músicos, encabezado por Gary Brooker, excelente cantante y buen pianista; Mathew Fisher, el organista que asombraba al mundo con su virtuosísmo (la introducción de "A whiter... es la prueba fehaciente); Robin Trower, el guitarra líder que imprimía el toque roquero a la música fina y compleja del grupo; B.J. Wilson, el baterista que llevaba el y los ritmos de las intrincadas piezas y un miembro con todos los derechos que era Keith Reid, quien no tocaba ni cantaba nada, pero era el autor de las letras, el pie del que cojeaban el 80% de las bandas, Reid era un poeta que proveía a la música del grupo del complemento adecuado, el bajo fue el instrumento que no tuvo un dueño permanente y estuvo en manos de varios ejecutantes.

Y ya entrados en materia, me dí a la tarea de conseguir el tercer disco de esta banda histórica, el que se llama "A Salty Dog" y si su antecesor me parecía una joya del género rocanrolero, este me pareció la confirmación de que Procol Harum fue un grupo fuera de serie, poco reconocido que sin problemas debería estar al lado de Deep Purple, Pink Floyd, Zappelin y todos los grupos que la historia reconoce como los creadores y revolucionadores del rock.

En "A Salty..." se amalgaman todas las influencias de sus autores: el rock, el blues, el jazz y la música sinfónica sin forzarlas, gracias al talento de estos músicos y si bien, en los tres discos el centro de la atención está en la voz de Brooker, en los dos primeros el instrumento solista por excelencia es el órgano de Fisher, pero en este, lo que más destaca, después de la voz de Reid es la guitarra de Robin Trower convertido en un gigante del instrumento con solos grandiosos y firmes riffs que dotan de enorme energía a las piezas, hay algunas que como "Boredom" anticipan a otros discos famosos (In the land of grey and pink de Caravan), pero en general los recursos desplegados en este álbum marcaron senda para otros grupos y otros discos inmortales, y como resulta muy difícil escribir lo que se debe escuchar, los "videos" anexados son más que suficientes para conocer a esta obra.

LOS DISCOS DE 1969. Happy trails.

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE

HAPPY TRAILS

1969

El Sonido Costa Oeste, nombre que se le dió al conjunto de invenciones sónicas que produjeron varios grupos de rock californianos, específicamente de San Francisco, a fines de los sesentas y principios de los setentas, no es fácil de caracterizar porque es el resultado de una gran cantidad de factores diversos que se conjuntaron en una coyuntura histórica específica y en esta coyuntura coincidieron aspectos culturales, sociales y políticos especiales.

En lo social, la clase media urbana anglosajona, había crecido numéricamente, económicamente y culturalmente, el conservadurismo tradicional de la sociedad gringa, heredado de los fundadores de las trece colonias, europeos que huían de las persecusiones religiosas posteriores a la reforma luterana y el sisma del cristianismo y que en su calidad de perseguidos religiosos, se habían convertido en fanáticos, había llegado a su límite y los jóvenes clasemedieros que ahora tenían más acceso a la cultura y la información, lo estaban rebasando y lo rechazaban por hipócrita y sustentador de una doble moral. 

Esa doble moral consistía en una fingida religiosidad extrema, represión sexual y exaltación de los valores cristianos, mientras que el capitalismo avanzaba arrolladoramente, robando, corrompiendo, abusando y prostituyendo a la sociedad entera y este reclamo contra la moral hipócrita fue la base del discurso hippie, complementado con una añoranza por el pasado y las formas sociales tradicionales precapitalistas.


Hasta aquí hablamos del discurso ideológico, común a todo el rock de la época, pero el verdaderamente difícil de caracterizar era el musical, muy ecléctico, formado de una combinación de rock, blues, jazz, folk y country, más los nacientes sonidos de la sicodelia y cada grupo tenía un sello propio dependiendo de las dosis de cada uno de estos elementos tuviera, verbigracia: el componente mayoritario del Muerto (Grateful Dead) era el blues y los de Quicksilver eran el folk y el country.

Este es el disco más celebrado de Quicksilver, una maravilla de la originalidad y la capacidad de consolidar un estilo, la mayoría de los discos de la banda exceptuando "Shady Grove" que es un caso aparte, muestran ese estilo pero de un modo un tanto disperso y en "Happy Trails" está concentrada la esencia mercuriana, conformada en esos sonidos de las guitarras inimitables, desgarrados y prolongados, sus coros y esa forma de cantar bien ranchera y las pinceladas sicodélicas que aportaba Valenti, fallecido en 1994.

La parte medular del álbum la constituye una especie de suite, llamada "Who do you love" y que en el LP era el lado uno del disco, ejercicio también inédito en esos días, un viaje catársico que pasa por todos los géneros mencionados y utiliza remansos al estilo del jazz, alternados con los momentos de gran intensidad, participación masiva de la banda en estos, lucimiento personal en aquellos, si ya conoces esta joya que es un clásico del rock en directo y en general, es el momento de revisitarlo, si no lo conoces, asiste a una ceremonia de iniciación en la fe quicksilveriana y de paso hagamos un homenaje Valenti a casi veinte años de su desaparición.

LOS DISCOS DE 1969 Spooky Two.

SPOOKY TOOTH

SPOOKY TWO

1969

El segundo disco de Spooky Tooth consolida la tendencia del debut, una banda de rock-blues, con la inevitables influencias de la sicodelia y de algún modo. un adelanto del rock progresivo, es una obra rica en matices, timbres y cambios de ritmo.

Producido en 1969, dió a conocer a este grupo leyenda del rock inglés, formado por: Mike Harrison,voz; Gary Wright, teclados y voz; Luther Grosvenor, guitarra; Greg Ridley, bajo y Mike Kellie, batería.

Al igual que It's all about, su debut , Spooky Two, es un gran disco lleno de sorpresas, en la forma de combinar los cinco instrumentos y las dos voces de dos estupendos vocalistas, el tono dominante es el blues, pero ese blues británico de fines de los sesentas tan particular y expresivo, plagado de referencias sicodélicas en los solos de guitarra y en la forma de emplear los teclados.

La gran variedad de recursos vocales que utilizan Harrison y Wright, también le dan a la obra un brillo especial y el dominio de los diversos ritmos y sus cambios, al estilo de The Doors, para tener una referencia, hacen de Spooky Two, un disco sin fisuras, consistente y rico, todo un clásico de la música de rock.

La discografía completa del grupo consta de nueve álbums que van de 1968 hasta el 2001, pero los mejores son los primeros cuatro o cinco, después los continuos cambios en el personal, que a muchos grupos beneficia, al Tooth no le hizo mucho bien, pero allí queda la obra de este grupo fundamental en la historia del rock británico.

La lista de canciones que se incluyen en el álbum son:

1. Waitin' for the wind.
2. Feelin' bad.
3. I've got enough heartaches.
4. Evil woman.
5. Lost in my dream.
6. That was only yesterday.
7. Better by you, better than me.
8. Hangman hang my shell on a tree.

CANCIONES FAVORITAS. King of the Road.

KING OF THE ROAD

Autor: Roger Miller

Intérprete: The Proclaimers

"King of the road", es una vieja cancion country compuesta por Roger Miller, uno de esos cantantes y compositores que fueron etiquetados dentro de la corriente "Nashville sound", fue dada a conocer por su autor en 1965 y fue uno de sus grandes éxitos, yo la conocí de segunda mano, por la interpretación de los gemelos Reid, mejor conocidos como The Proclaimers.

Los hermanos Reid son gemelos nacidos en Escocia, empezaron su carrera musical en una banda de "punk" y desde 1983 se convirtieron en "The Proclaimers", han grabado una decena de discos desde entonces y suelen actuar mucho en vivo, de esta forma han viajado mucho, son unos auténticos trotamundos.

Como muchas bandas, pasaban el tiempo tocando en pubs hasta que fueron descubiertos y empezaron a ser "teloneros" de grupos más populares y así empezaron a ser conocidos, han vendido muy bien sus discos siempre, la mezcla que lograron de rock y folk es muy atractiva y los gemelos tienen un feeling muy especial que a su servidor lo hizo seguirlos en cuanto los conoció.

La canción es una road song, quién sabe si esto exista, pero parodiando al género cinematográfico, le queda el nombre, porque aborda el tema del vagabundo, o el solitario, o el paria, o el desesperanzado que vive en la carretera, de un sitio a otro, tomando empleos temporales, mendigando si es necesario, pero poseyendo un tesoro que no tiene la gente con casa, trabajo y familia: una libertad casi absoluta.

Se incluye también el video con la versión original, para contrastarlas.

REY DE LA CARRETERA

Remolque en venta o alquiler, habitaciones en alquiler, por cincuenta centavos,
sin teléfono, sin piscina, sin mascotas, ya no tengo nada de cigarrillos,
ah, pero dos horas de empujar la escoba, te compra el alquiler de una pequeña habitación de cuatro por doce.
Soy un hombre acaudalado, de ninguna manera, rey de la carretera.

Tercer furgón del tren de medianoche, destino Bangor, Maine, 
traje y zapatos viejos y muy usados, no pago las cuotas sindicales
fumo cigarros viejos que he encontrado, cortos, pero no demasiado gruesos
Soy un hombre acaudalado, de ninguna manera, rey de la carretera.

Sé que todos los ingenieros en todos los trenes, 
todos los niños y todos sus nombres 
y cada folleto en cada ciudad 
y cada cerradura que no está bloqueada, y cuando no hay nadie alrededor, canto.

Remolque en venta o alquiler, habitaciones en alquiler, por cincuenta centavos,
sin teléfono, sin piscina, sin mascotas, ya no tengo nada de cigarrillos,
ah, pero dos horas de empujar la escoba, te compra el alquiler de una pequeña habitación de cuatro por doce.
Soy un hombre acaudalado, de ninguna manera, rey de la carretera.

Remolque en venta o alquiler, habitaciones en alquiler, por cincuenta centavos,
sin teléfono, sin piscina, sin mascotas, ya no tengo nada de cigarrillos,
ah, pero dos horas de empujar la escoba, te compra el alquiler de una pequeña habitación de cuatro por doce.
Soy un hombre acaudalado, de ninguna manera, rey de la carretera.

KING OF THE ROAD.

Trailer for sale or rent, rooms to let fifty cents
No phone, no pool, no pets, I ain’t got no cigarettes
Ah but, two hours of pushin’ broom buys a
Eight by twelve four-bit room
I’m a man of means by no means, king of the road

Third boxcar midnight train, destination Bangor, Maine
Old worn out suit and shoes, I don’t pay no union dues
I smoke old stogies I have found, short but not too big around
I’m a man of means by no means, king of the road

I know every engineer on every train
All the children and all of their names
And every handout in every town
And every lock that ain’t locked when no-one’s around
I sing...

Trailers for sale or rent, rooms to let fifty cents
No phone, no pool, no pets, I ain’t got no cigarettes
Ah but, two hours of pushin’ broom buys a
Eight by twelve four-bit room
I’m a man of means by no means, king of the road

Trailers for sale or rent, rooms to let fifty cents
No phone, no pool, no pets, I ain’t got no cigarettes
Ah but, two hours of pushin’ broom buys a
Eight by twelve four-bit room........

LOS DISCOS DE 1969. Blind Faith.

BLIND FAITH

"BLIND FAITH"

1969

Blind Faith es considerado el primer supergrupo de la historia del rock, ganándole por algunos meses a la formación de Humble Pìe, el rock británico había crecido tanto que ya había superstars y cientos de bandas de donde salían músicos al por mayor y las primeras bandas, aquellas de la "ola inglesa" estaban desapareciendo, liberando a músicos de probada capacidad, experiencia y renombre, de allí la denominación de supergrupo que luego alguien cambiaría a all stars.

Cream, la excepcional banda pionera del rock sicodélico británico, terminó su ciclo y liberó a Eric Clapton, para muchos el mejor guitarra de todo el Reino Unido y a Ginger Baker, que era sin duda el mejor baterista del rock en toda la Gran Bretaña, y por más que le pienso, no localizo a ningún "gringo" que le pudiera hacer sombra, así que me atrevería a decir que de todo el mundo. 

Con ellos dos la banda ya prometía pero también se unió el niño genio del rock inglés, tecladista, compositor, cantante excepcional y a sus veinte años, ya un superstar del rock, con un currículum que incluía, su participación estelar en el grupo de Spencer Davis y en Traffic, para completar la alineación de supermúsicos, llamaron a Rick Grech, bajista y violinista que dejó a Family, otro grupo histórico del rock británico.

Blind Faith, el unico àlbum de estudio que grabó el supergrupo, llegó a la parte alta de las listas en ambos lados del Atlántico en su primera semana de estar en venta, porque la expectación que creó la prensa sobre la formación de este "super cream" surtió su efecto, antes de que el disco saliera a la venta, Blind Faith dió un concierto gratuito en Hyde Park, uno de los parques más famosos de Londres y ya se podía ver lo que había que esparar de la Fé Ciega.

El álbum, expectativas o trucos publicitarios aparte, es una joya del arte roquero, con tres composiciones de Winwood, de excelente factura, cantadas con la voz "soul" que poseía Steve, infinitamente superior a la de Jack Bruce en Cream, la guitarra más blusera de Clapton pero con los aún frecuentes toques sicodélicos herencia de Cream, la maestría de Baker, dirigiendo el rumbo de las canciones, dándoles o restándoles intensidad, enmarcándolas,  y dotándolas de volumen y personalidad.

El papel de Grech por discreto, no fue menos importante, con el bajo, con el "solo" de violín en "Sea of Joy" y con los coros que aportó, el resto del repertorio se compone de una pieza de Buddy Holy, otra de Clapton y la final que es obra de Ginger Baker, con unos "solos" magistrales de Winwood alternados con otros de Eric "Dios" Clapton. y por supuesto, del propio Baker.

Por si no lo sabías, querido lector(a), este es uno de los discos más importantes de la historia del rock, una obra maestra de ese género musical, recomendable para todo público, de cualquier edad como un testimonio histórico y como una grabación extraordinaria. Y para acrecentar el aura mítica del disco, la portada hizo su humilde aportación, con la bella foto de una casi niña, puberta con el pecho desnudo y un avión de plata, que fue censurada porque según algún censor, el avioncito era un símbolo fálico y la niña, desnuda era una falta al pudor.

Tal fue el escándalo que en Estados Unidos apareció con otra portada y según recuerdo, aquí en México salió con la foto de la banda que originalmente era la contraportada y en la contra, venían las letras de las canciones, detalle que su servidor agradeció infinitamente.

LOS DISCOS DE 1969. Abbey Road.

THE BEATLES

ABBEY ROAD

1969

Texto dedicado a Retro girl, amiga bloguera de muchos años y beatleómana de corazón.

Abbey Road fue el último disco grabado por los Beatles, cuando era inminente la separación y las relaciones entre ellos, eran de alta tensión, suele pensarse que el último registro magnetofónico fue Let it be, pero este se grabó antes de Abbey Road, aunque salió a la venta un año después, así que los antecedentes eran: la racha de las grandes obras maestras "beatleanas", de Revolver al álbum blanco, luego una especie de bache con el irregular Let it Be y para cerrar la carrera discográfica, esta resurrección del espíritu beatle, el disco que según se dice, Paul concibió como "hacer un disco como antes", para lo que llamó a George Martin, el productor de las grandes obras "beatleanas".

El resultado fue que, es considerado una de las grandes obras del cuarteto, para la prestigiada revista Rolling Stone, es el número 14 en la lista de los 500 mejores discos de la historia y fue certificado como disco de diamante, junto con otros cinco álbums de The Beatles, su portada, es también una de las más conocidas de la historia del disco, parodiada casi con tanta frecuencia como Sgt. Pepper, sin que tenga la elaboración de aquella y no sea más que la calle Abbey Road, donde estaban los estudios donde The Beatles grabaron la mayoría de sus discos y ellos cruzando dicha calle.

Parece que el secreto de la alta calidad de la grabación se debe a varios factores que fueron confluyendo azarosamente: está integrado por canciones que ya habían sido grabadas pero no publicadas, otras no completadas, pero en general ya había un trabajo anterior; la labor de George Martin, ideando los "acabados" de muchas de ellas y creando las orquestaciones que sirvieron de "puentes" para enlazar las ocho canciones del popurrí, que también se sabe, eran canciones a medias, no terminadas o apenas esbozadas que así unidas, hicieron el "mejor lado B" de la historia, de acuerdo con muchos críticos e historiadores y el esfuerzo que hicieron todos para terminar la historia dignamente con un buen disco.

Las novedades y partes sobresalientes que se juntaron para hacer de Abbey Road un disco memorable son varias: la segunda pieza más larga de la historia Beatle, "I want you" de casi ocho minutos, el comentado popurrí, la aparición de dos canciones exitosísimas de George, "Something" y "Here comes the sun", la primera fue el primer sencillo número uno de Beatles que no era una composición de Lennon y McCartney y la "coda" del disco "Her Majesty" que está separada del resto de las canciones y no aparecía en los créditos, siendo la primera "pista fantasma" de la historia.