LOS DISCOS DE 1968. The Crazy World of Arthur Brown.

ARTHUR BROWN. 

"The Crazy World of Arthur Brown".

1968

Otro reperesentante del rock sicótico, hijo conceptual de Screamin' Jay Hawkins es el inglés Arthur Brown, quien era desquiciado en tiempos de la sicodelia, una combinación extrema que entre otras cosas lo llevó a tener un número 1 en las listas inglesas y 2 en las norteamericanas con la clásica de clásicas "Fire", canción sensacionalista, satánica, macabra y de excelente hechura."El Mundo Enloquecido" es hermano en apariencia de los discos de Lord Sutch, pero Brown tenía muchos más talentos y un colaborador que fue clave para la realización de esta joya discográfica, que cuarenta y tantos años después, es una clásica del rock sicodélico y en general, el susodicho colaborador era Vincent Crane, otro loco muy talentoso que colabora en la composición de las canciones, los arreglos de éstas y la ejecución de algunos instrumentos.



Por otra parte, la voz enloquecida de Brown, seguramente influida por Jay Hawkins (esta es una inferencia personal, no lo he encontrado documentado en ninguna parte, pero la concepción de sus shows y el cover que hizo de "I Put a Spell on You", me hacen pensar que era fan de él) era la voz perfecta para esta locura musical, deliciosamente sicodélica y hasta divertida, todas las piezas son de gran calidad excelentemente cuidadas y ambientadas, amén de el "cover" mencionado que aparece como "bonus" junto con otras grandes canciones de Brown y Crane que complementan un discazo desde cualquier punto de vista recomendable.

LOS DISCOS DE 1968. Astral Weeks.

VAN MORRISON

"Astral Weeks"

1968

¿Te acuerdas de "Gloria", la famosa canción que dieron a conocer unos muchachos que creíamos eran parte de la "ola inglesa"? ¿Y te acuerdas que esa banda que se hizo famosa con "Gloria" en el nivel planetario, se llamaba Them? Gloria tuvo su versión en castellano hecha en México por los Rockin Devil's y a lo largo de los años ha ido cosechando  montones de versiones, es bastante difícil saber cuántas bandas han grabado la famosísima canción y mucho más difícil saber, cuántas bandas la han tocado, seguro que son miles, el cómico Dave Barry, a propósito de la enorme popularidad de "Gloria" en el mundo entero y de su accesibilidad para que cualquiera que empiece a tocar una guitarra la toque, dijo;  "Si lanzas una guitarra escaleras abajo, tocará "Gloria" hasta llegar al final".

La canción no era extraordinaria en su confección, tres acordes, una letra adolescente, un ritmo contagioso y nada más, si se distinguió de cientos de canciones "pop" que se editaban cada año (Gloria es del 64), fue porque el vocalista de Them no era un cantante del montón, no era un cantante pop más, y no era sólo un cantante; George Ivan Morrison, tenía una voz extraordinaria en su timbre, su potencia y sobretodo era extraordinaria en el ambiente británico, porque era la voz de un cantante de blues o soul y eso era totalmente insólito en el Reino Unido por esos años y si agregamos que la juventud inglesa de la época veneraba a los grandes bluesmen norteamericanos, Van Morrison poseía un tesoro envidiable y además, componía canciones y tocaba casi cualquier instrumento musical que cayera en sus manos.

Al disolverse la banda, después de dejar constancia de su calidad con varios éxitos de ventas y ocho álbums, el irlandés del norte ya famoso por su voz y facilidad para componer canciones sobresalientes, antiguo vocalista de Them, inició carrera como solista bajo el apelativo de Van Morrison y debutó con el disco bautizado como "Blowin' your minds" con el sello Bang Records en 1967, con canciones que Van the man, había compuesto para Them y alguna que otra recién compuesta, resultando un disco bastante intrascendente, olvidado y supongo que nunca reeditado.

De modo que para muchos historiadores, el verdadero debut de Van Morrison como solista es "Astral Weeks" su primera grabación con Warner Brothers y además, su obra maestra, combinación de todas las influencias que forman su cultura musical: folk, rock, blues, soul, en notables proporciones y alguna otra que aparece en pequeños destellos y lo notable del ejercicio de "fusión", es la asombrosa congruencia, la impecable armonía, la mágica combinación y en resumen, la gran maestría que Van muestra como compositor de canciones, talento ya mostrado antes, pero sin duda consolidado en esa obra.

Otros atributos que posee "Astral... es por supuesto la voz en plena madurez del cantante y los arreglos que según las crónicas, fueron creación colectiva del grupo de músicos que Lewis Merestein, productor del disco trajo del ambiente del jazz, el mismo productor cuenta que las sesiones de grabación fueron todo menos que armoniosas o camaraderiles, Van tocaba sus canciones acompañándose con la guitarra y la única directriz que lanzaba era: "toquen lo que quieran" y al parecer, esa libertad fue factor determinante.

El método de ir agregando detalles, armonías, sonidos y texturas a las desnudas canciones con sólo voz y guitarra, fue la clave para que el resultado final fuera una obra maestra, considerada en múltiples ocasiones entre las mejores grabaciones de todos los tiempos, ampliamente recomendada, deliciosamente escuchada y después de un tiempo de disfrutarla, entrañable y necesaria.

LOS DISCOS DE 1968. Ogdens' Nut Gone Flake

SMALL FACES.

"Ogdens' Nut Gone Flake"

1968

El quinto álbum del grupo inglés formado y lidereado por Steve Marriott quien después también estuvo al frente de Humble Pie, es considerado por muchos, el mejor de toda la discografía de Small Faces y de su sucesor Faces, para muchos otros, como uno de los grandes álbums de toda la historia del rock y por si fuera poco, en su momento tuvo gran éxito comercial y llegó al número uno de las listas inglesas en 1968.

"Ogdens' nut...tiene la también la característica histórica de ser uno de los muchos álbums de rock que nacieron bajo el estímulo y la influencia de "Sgt, Pepper's Lonely Hearts Club Band", la obra maestra del rock y la música en general que abrió caminos como pocas y representó al espíritu de la sicodelia, sintetizado precisamente en la capacidad ilimitada de expandir la mente, el conocimiento, la percepción y los sentidos y estos atributos produjeron una música genial y revolucionaria sin la que no hubieran existido muchas de las manifestaciones artísticas desde la segunda mitad del siglo pasado, hasta ahora.



El disco que recomendamos hoy, fue grabado por Steve Marriott en la guitarra y el canto, el bajo de Ronnie Lane, los teclados de Ian McLagan y la batería de Kenney Jones, pero esto no nos dice nada, lo verdaderamente trascendente fue el momento de inspiración que como compositores e intérpretes estaban pasando Marriott y Lane, en especial y el cuarteto en general, de modo que la música que produjeron es un portento: creativa, fina, poderosa, imaginativa, atrevida, rica en matices y aunque no tiene la instrumentación y los arreglos casi orquestales del Sargento Pimienta, en imaginación y talento creativo, estos londinenses no le piden nada a los oriundos de Liverpool, es un disco que debe estar en tu colección.

LOS DISCOS DE1967. Ten Years After.

TEN YEARS AFTER

"Ten Years After"

1967

Alvin Lee era uno de esos jóvenes británicos que amaban el Blues, el mismo Blues que a fines de los sesentas, tenían olvidado sus contemporáneos norteamericanos; John Mayall, Alexis Korner, Brian Auger, Spencer Davis, eran las cabezas visibles, los líderes de las bandas que cultivaban el Blues y con ellos, muchos jóvenes que lo escuchaban y lo tocaban como su quehacer cotidiano.

Y por supuesto que empezaban a destacar los cantantes que lograban igualar, aproximarse o reinterpretar a las grandes voces de la música negra: Eric Burdon, Van Morrison, Joe Cocker o Steve Winwood, destacaban en este rubro; y también nacía una clase de héroes de la guitarra encabezada por Clapton y todos los que pasaron por las bandas de Mayall, Jeff Beck y Mick Taylor; Jimmy Page, que venía de otra escuela de Blues llamada Yardbirds y muchos otros.

Pero en estas historias y crónicas del Blues Inglés, pocas veces aparece Alvin Lee, con las mismas estrellas que lo clasifiquen como perteneciente al grupo de los grandes, ni como líder de banda, ni como cantante y menos como guitarrista, a principios de los setentas, habia una corriente de opinión, bastante generalizada que etiquetaba a Lee como un guitarrista "rápido", incluso como el más veloz del mundo y a su banda como importante, más no histórica ni fundamental para la Historia del Rock Británico.

En 1967, Lee junto con Leo Lyons, bajista, el baterista Ric Lee, su hermano y Chick Churchill en teclados, grabó el primer disco de Ten Years After y comenzó una carrera lenta pero firme, que habría de despegar después de su memorable actuación en el Festival de Woodstock y se tiene la creencia de que en ese momento (1969), la banda estaba en su mejor momento, pero en realidad el mejor momento de la banda estuvo presente y sin interrupción, desde la formación del grupo y hasta la publicación de "Space in Time" de 1971.

Hoy, Alvin Lee ya no está en este mundo (el 6 de Marzo cumple un año de muerto) y parece que empieza a haber una revaloración de su quehacer musical y una forma de hacer revisión de esa obra es recordar su disco debut de 1967, con composiciones de los grandes del Blues como Willie Dixon o de los nuevos valores blancos del Blues americano como Al Kooper, pero sobre todo, con las composiciones de nuestro personaje, solo o con colaboración, sus interpretaciones impecablemente "bluseras" y llamativamente británicas de la música propia y ajena.

Entre la misma discografía de la banda, su disco debut no aparece como de lo mejor, hay discos más espectaculares, más innovadores, más sicodélicos, más eclécticos, pero "Ten Years After" de 1967, es una obra maestra del Blues blanco, impecablemente tocado, conmovedoramente emotivo y notablemente creativo, la voz de Alvin no era extraordinaria, pero eso se suplía con la pasión y la emoción; la base rítmica bajo-batería, era más que correcta y los teclados hacían su trabajo con eficiencia e inspiración, pero hay mención aparte para el trabajo instrumental de nuestro homenajeado, que desde esta grabación y en todas las que hizo, se mostró como un maestro de técnica sobresaliente y una pasión por el Blues que rebasaba su depurada habilidad.

LOS DISCOS DE 1967. Disraeli Gears.

CREAM

"Disraeli Gears"

1967

Disreali Gears, es una obra maestra del rock sicodélico, es un disco emblemático del género, porque contiene todos los elementos que definieron a esa corriente musical, en sus años de auge, a fines de la década sesentera y principios de la siguiente, sus autores fueron Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, el trío que era promocionado como uno de los primeros "supergrupos" del Rock, porque estaba formado por músicos consagrados, todos rokcstars reconocidísimos.

Es uno de los álbums fundamentales en la música popular,  "Disraeli Gears" del trío que también hizo historia con el nombre de Cream, un ejemplo muy claro del sonido del grupo, una muestra de lo que aportaba cada quien y de la conjunción casi mágica que se dió entre estos rockers célebres, la voz de Bruce es el elemento que en principio resalta, no era una voz espectacular, no le llegaba ni a los talones a Plant o a Daltrey, por ejemplo, pero era la voz ad hoc, para la alucinante música de Cream, tanto virtuosísmo instrumental, necesitaba de una voz discreta.

Es una obra maestra que cuenta con: la conjunción perfecta del bajo de Bruce y la guitarra de Clapton, el primero, vibrante y contundente, la segunda, virtuosa e hiriente, con esas notas de una agudeza extraordinaria y sus ráfagas de sonido, esto es ya, extraordinario pero no todo, lo mejor está en donde menos se imagina, donde menos suele estar, en la batería que en el caso presente, es la batería de Ginger Baker que no era de este mundo o al menos no del mundo del rock ni del occidental, porque Ginger dejó muy atrás a los redobladores de tambores que eran en general los bateristas roqueros y poseía un sentido polirítmico, más de los africanos que de un inglés, en él se puede ver en forma por demás didáctica, esta genialidad de Baker que era y será el mejor baterista de la historia del rock y que me perdonen Moon y Bonham, para seguir con las comparaciones odiosas.

Fue grabado en tiempo récord, en Nueva York, durante una gira del famoso trío y sus visas estaban a punto de vencerse, escaló listas de popularidad de todo el mundo y en todas partes llegó muy alto, las piezas "Sunshine of your love" y "Strange Brew", el productor fue Felix Pappalardi, quien también fue co autor de dos piezas, un personaje importante es Martín Sharp, pues no formaba parte de la banda ni del equipo de giras, ni del equipo de producción, pero contribuyó con letras en algunas canciones y diseño la famosísima portada, como diseñador gráfico que era.

LOS DISCOS DE 1966. THE 13th. FLOOR ELEVATORS "THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF..."

THE 13th. FLOOR ELEVATORS 

THE PSYCHEDELIC SOUNDS OF..."

1966

La sicodelia nació a fines de los años sesentas, como la confluencia de tres movimientos contraculturales: la cultura del ácido, promovida por Timothy Leary, como una forma de exploración de percepciones y realidades alternas, para alcanzar estados de altura espiritual no conocidos, a través del consumo de sustancias psicotrópicas; el movimiento hippie,que proponía una forma de vida basada en la libertad, el amor, la imaginación y la paz, ambas se encontraron con el rock, la nueva música juvenil que pretendía revolucionar las formas de vida adultas y proponía una nueva estética musical.

De estas tres corrientes contraculturales, nació la música sicodélica y una de sus primeras manifestaciones fue este disco, tal vez el primero que utilizó la palabra sicodélico para referirse a la música, el grupo que lo creó, eran The 13th Floor Elevators, dicen que en los Estados Unidos, los elevadores no tienen piso 13 y estos músicos eligieron ese nombre como una forma de retar a las convenciones.

Formado en Austin, Texas, fueron de los primeros en crear música que reflejara de alguna forma las percepciones experimentadas bajo el efecto de las sustancias sicotrópicas, pero también podrían ser considerados como pioneros de la sicodelia musical que hiciera explosión, pocos años después de la edición de este disco.

La música de Roky Erickson, guitarra y voz; Tommy Hall que producía extraños sonidos con una cantimplora para tomar whiskey y era el principal compositor; Benny Thurman, bajo; Stacy Sutherland, guitarra y John Ike Walton, batería, no era como la que reconocemos como sicodélica, con muchos instrumentos, influencias y desbordes de creatividad, en tiempos de los elevadores, la sicodelia estaba en su etapa de deshinibición, de libertad para sacar todas las emociones sin cortapisas, hasta la catarsis de ser posible.

El disco que les presentamos, queridos lectores es ya un clásico del rock, un documento histórico y una aproximación a la primera sicodelia, el disco es de 1966, para que le midan y ubiquen temporalmente al disco y comparen con lo que estaban haciendo otros grupos que tuvieron más trascendencia en la Historia.

LOS DISCOS DE 1967. Younger than yesterday.

THE BYRDS

"Younger than yesterday

1967

No es difícil confundir "country music" y "folk music", porque finalmente ambas manifestaciones de la música norteamericana, son tradicionales o folclóricas, pero allá como en México, hay música folclórica (folk) y música ranchera (country) y del mismo modo que el rock permeó muchos géneros y surgió un country rock, también existe el folk rock y sus emblema y máximo representante fue la legendaria banda californiana The Byrds.

En principio eran un trío de folk music pero un día, llegó a sus oídos, la música que estaban haciendo los británicos, la famosa ola inglesa, encabezada por Beatles, Rolling y Animals, misma que arrasó en las listas gringas de popularidad, los líderes del futuro Byrds, Roger McGuinn y David Crosby empezaron a buscar guitarras eléctricas para darle otra dimensión a su sonido, después de la ola inglesa, se dejarían seducir también por la sicodelia, derivando el trío de folk en una banda de folk- rock-sicodélico con tintes country.

El último elemento que se agregó al estilo byrdeano , fue el repertorio de Dylan que fueron incorporando prácticamente en todos sus discos, hasta convertirse en los principales intérpretes y promotores de Mr. Zimmerman, éste, su cusrto disco, es considerado como su obra maestra, por muchos críticos, otros de inclinan por "The Notorious Byrd Brothers" y otros más por " Fifth Dimension", la tripleta de discos no sólo son considerados "la obra maestra de The Byrds", además de esto están entre los mejores álbums de la historia del rock, sólo para que te des una idea de la importancia de esta banda.





Los tres antecesores de esta cuarta entrega, habían sido exitosos por diversas razones, por la novedosa mezcla de folk y rock en "Mr. Tambourine Man", por la expansión del sonido de la banda a espacios inexplorados en "Turn, Turn, Turn!" y por haber hecho la gran obra maestra del folk-rock-sicodélico en "Fifth Dimension", de modo que ¿faltaba algo por hacer?
Este era el reto, además de que se dice que la unidad del grupo estaba bastante deteriorada, Crosby y McGuinn se disputaban el liderazgo y Hillman estaba hasta la madre de los dos, de modo que la tensión de la mala relación no auguraba algo bueno, pero no es el único ejemplo de un disco de rock donde cada quien hace su parte porque ya no es posible la colaboración y emergen cosas inesperadas resultando álbums mejores que los hechos en los momentos de mayor armonía, "Rumors" de Fleetwood Mac, es otro ejemplo famoso.

Younger...es asombroso, parece nuevo e inédito, pero en realidad es recapitulación y síntesis de lo hecho antes, sólo que refinado, retocado y sublimado, tiene a la sátira de la fama del roquero en un rock clásico e impecable, una de las grandes versiones a una rola de Dylan, considerada entre las grandes canciones de la historia "My Back Pages", un homenaje beatle "Have You Seen her Face"; bellas piezas de orfebrería musical, con sonidos extraños como piedras preciosas en el lugar adecuado: "Renaissance Fair"y "Mind Gardens" pertenecen a esta categoría, countryrocks de impecable factura como "Time Between" y "The Girl Withuot Name" y las típicas canciones byrdeanas.

LOS DISCOS DE 1967. After Bathing at Baxter's.

JEFFERSON AIRPLANE

"After Bathing at Baxter's"

1967

A principios de los setentas, cursaba mi bachillerato y allí me encontré con un cuate que compartía mis gustos musicales e inquietudes diversas, era mi amigo Alfredo, conocido por la banda como "El Hendrix", por su afición roquera y por tener cierto parecido con el dios de la guitarra, con él, descubrimos mucha música fascinante de la que se hacía entonces, consiguiendo discos prestados que a la vez nos prestábamos, aún con la recomendación, casi súplica de los dueños de cuidarlos y no prestarlos.

Un día un chavo, que ni era nuestro amigo, pero que sabía de nuestra filia rocker, nos buscó para presumirnos un disco sumamente raro, obviamente importado, de un grupo que sí habíamos escuchado pero nunca en un álbum completo, el susodicho y anunciado disco era "After Bathing at Baxter's", tercer álbum del que habría de convertirse en uno de los grupos favoritos de su servidor, de esa época y de todas las posteriores.

El castigo divino para este presumido fue, que tuvo que prestarnos "el disco que no era de él, sino de su hermano y si se daba cuenta de que lo había prestado, lo iba a matar y bla, bla, bla", tanto lo estuvimos acosando, que prefirió enfrentar a su hermano, con tal de librarse de nosotros, como no éramos abusivos, lo cuidamos y lo devolvimos una semana después, no al día siguiente, como habíamos prometido y tuvimos una semana placentera, escuchando horas y horas la invaluable adquisición, por desgracia en ese momento no había ni cassettes, o sea que, era imposible grabarlo, salvo en nuestra mente, como de hecho fue.

Y así estuvo en mi mente, por décadas, hasta que lo tuve para mi disfrute cuando se me dé la gana, y eso fue apenas hace tres o cuatro años, pero anécdota aparte, el disco muestra al sonido Jefferson en plenitud, Grace esta más divina que nunca, algo hay en su voz en este disco que la distingue de los otros y los demás elementos, que constituían ese sonido, se habían abierto y expandido, las guitarras, los coros, el manejo de ritmos y tiempos, más la magia que siempre tuvo esta banda, que estaba en estado de gracia en el centro de la marea hippie y oficiando sus ritos sagrados.

Pero además de eso After Bathing...es uno de esos álbums conceptuales o temáticos, como solía llamárseles, una suite que abarcaba todo el disco y abordaba el momento histórico que ellos mismos vivían, la brecha generacional, la revolución juvenil, la oposición a la guerra y el amor como la respuesta, aparecen como una cosmogonía, la visión del mundo de la generación del flower power.

Su antecedente es otro álbum de culto del aeroplano "Surrealistic Pillow", pleno de excelentes canciones, pero con predominio de la vena folk y las piezas más convencionales y After... es una especie de ruptura y continuidad, a partir de aquí el sound de la banda adquirió una consistencia y originalidad nunca imitadas.

LOS DISCOS DE 1967. "I had too much to dream (last night)".

ELECTRIC PRUNES.
"I had too much to dream (last night)".
1967.

La sicodelia fue uno de los movimientos culturales y en especial musicales más interesantes y creativos del siglo pasado, basado en la posibilidad de interpretar la realidad desde otras formas de percepción, invocadas con el uso de drogas alucinógenas y con la finalidad de alcanzar un autoconocimiento y sabidurías que a su vez, desembocaran en una relación armoniosa con el universo, esta sería una definición esquemática y muy general de la idea sicodélica.

La música sicodélica se identifica, especialmente con las guitarras distorsionadas de Hendrix o el Clapton de Cream; con las florituras laberínticas y virtuosas de los grandes maestros del "hammond" como Ray Manzarek, Matthew Fisher o Doug Ingle, pero también con el exhuberante sonido "costa oeste" muy influido por el blues y la música folk; con el rock ácido de California, en especial Grateful Dead y con grabaciones demenciales del tipo de la obra maestra de todos los tiempos que se llama "The crazy world of Arthur Brown".

Entonces ¿por qué el disco debut de Electric Prunes es considerado una obra maestra de la sicodelia?, empecemos por tratar de definirlo y a primera instancia, la banda angelina fundada en 1965, suena ecléctica y variada, de un momento a otro aparecen influencias distintas, cambios rítmicos, variedad de instrumentos y formas vocales ricas.

Pero entre toda esta exhuberancia de sonidos, ritmos e influencias, sobresale un marcado interés por la experimentación y la búsqueda de nuevos caminos y en este aspecto tiene mucho que ver el productor Dave Hassinger, con una gran experiencia en producir discos de rock "de la nueva era", entre sus clientes estaban los Rolling Stones, Grateful Dead y Jefferson Airplane, nada más para introducir el curriculum.

Y así llegamos a la respuesta, el disco debut de las "Pasas Eléctricas" es un disco expansivo, explorador, marcador de sendas alucinadas, distintas a las que nos brinda la cotidianidad y esa era la esencia de la sicodelia, independientemente de la gran variedad de propuestas musicales que la conforman, está ese espíritu y voluntad de expandir los sentidos y la mente, y sin duda que esta grabación de la primera época de la sicodelia, logra esta expansión de los sentidos, empezando con el oído que va descubriendo sonidos inéditos y terminando con el cerebro, que procesa estos sonidos y los tranasforma en imágenes, ideas, sensaciones y muchas cosas más.

LOS DISCOS DE 1967. Safe as Milk.

CAPTAIN BEEFHEART AND HIS MAGIC BAND.
"Safe as Milk"
1967.

Siempre resulta sensible, la muerte de un creador de arte o divertimiemtos, esa gente que por estos medios libera sus demonios y su parte divina en vez de andar por el mundo jodiéndole la vida a los demás, por eso les rendimos pequeños homenajes, como este a Don Van Vliet, hombre que como muchos otros nos descubrió rutas sonoras misteriosas y placenteras.

El homenaje consiste en recordarlo a través de su disco debut, puesto a consideración de los melómanos en 1967, el año en que también salió el Sargento Pimienta y muchos otros discos emblemáticos de la época, el inicio de una década prodigiosa para el rock y que terminaría por el 1975 y el mérito de este álbum es que abrió brecha, marcó rumbo y dejó boquiabiertos a muchos en un momento en que esto no era nada fácil, porque en el ambiente del rock abundaban las propuestas con estas características.

En principio salta a la vista el eclecticismo del álbum: blues, boogie, rock, experimentaciones, dominio absoluto de varios géneros, con predominio del rock que es como el hilo conductor, el que cohesiona a los otros géneros que se aprecian y resaltan, pero uno nunca pierde la idea de que se está frente a un disco de rock que corte a corte va develando sorpresas inesperadas.

La primera de ellas es "Sure 'nuff 'n yes I do"", blues de impecable ejecución, con un vocalista (el propio Beefheart) que no les pide nada a los bluesmen más destacados, esto te hace pensar que vas a escuchar un disco de este género y de pronto entra "Zig zag wanderer", un rock muy a la inglesa con continuación en "Call on me", otro rock muy de la época y con fuerte influencia del rock británico, cuando ya te estas acomodando en tu "zona de confort", llega "Dropout Boogie", una extraña canción que te rompe todo el esquema, te inquieta y hasta puede que te irrite, si eres explorador irredento te entusiasmas porque estás en zona de riesgo, "I'm glad" confirma la tendencia, una pieza soul con extrañas vocalizaciones que la hacen desconcertante.

La experimentación con el canto y estructuras poco convencionales continua en "Electricity", pieza entre zappiana y progresiva, a estas alturas ya te está cautivando lo novedoso e inicia "Yellow brick road", una canción muy country pero extraña por la forma de cantar de Van Vliet y luego su exitosa "Abba Zaba", zappiana hasta la médula, "Plastic Factory" es una de esas piezas que caracterizarían al estilo beefheart, blusera, pero con cambios de ritmo y estribillos de rock, más el sello distintivo de la aguardientosa voz del Capitán.

Los tres últimos cortes parecen la definición y consolidación de un estilo que habría de convertirse en legendario, emblema de una época en que el rock estaba en su "big bang" y protagonizaba una expansión constante que parecía nunca terminaría.

LOS DISCOS DE 1969. Monster Movie.

THE CAN.
"Monster Movie"
1969.

Y a propósito de debuts discográficos y sobre el krautrock, como les dió por llamar al rock irreverente alemán de principios de los setentas a los orgullosos ingleses, resulta conveniente reescuchar el disco con que inició su carrera, otro de los símbolos de este rock germánico que se atrevió a desafiar la hegemonia británico-estadounidense, el grupo de Colonia que en principio se llamaba "The Can" y que después quedó solamente en Can.

A Can la formaron Irmin Schmidt y Holger Czukay, tecladista y bajista respectivamente, y después incorporaron a Jaki Liebezeit como baterista, resultando pieza fundamental de la banda y quien llevaba la dirección de la música que tendía mucho a la improvisación propia del jazz, a partir de los tiempos que marca la percusión, el complemento lo hicieron: Michael Karoli en la guitarra y el cantante gringo Malcom Mooney, los gustos musicales de cada uno eran de lo más diversos y estas influencias al juntarse determinaron las características del sonido Can que en el año de 1969 era toda una novedad.

Las mencionadas influencias iban desde Stockhausen, músico admirado por los dos fundadores, el free jazz que era lo que había estado tocando Liebezeit y la parte roquera que aportó Karolli, el resultado final de la mezcla y compenetración de estas tendencias fue una música muy extraña y desafiante, mucho menos experimental que la de sus coetáneos Tangerine Dream, Amon Düül o Faust, en el sentido de la utilización de sonidos electrónicos o instrumentos exóticos, pero igualmente inovador en la rítmica y en la forma de cantar que era una anticipación clavada del futuro punk.

Una forma de abordar la grabación puede ser sin sacarla de su contexto, es decir, volver a 1969 y escucharlo en ese año para descubrir semejanzas y diferencias con otras músicas que se estaban haciendo en el momento o se iban a hacer posteriormente: el primer track empieza evocando a Pink Floyd, pero a un Pink Floyd más parco, más áspero, sin la melodiosidad y exhuberancia sónica de los ingleses, pero a medida que avanza la pieza, las percusiones toman la batuta y adquieren un marcado aire minimalista e hipnótico, los instrumentos acatan esta dirección y la versificación y el canto se muestran con la violencia del punk, ese género futuro que le gritaba su traición a los rockstars de los setentas.

El segundo registro, parece influenciado por el blues y The Doors, la forma de cantar de Mooney es muy a lo Morrison, mientras que un largo "solo" de guitarra que dura toda la pieza, hace algo parecido a las florituras de Manzarek con el órgano en la leyenda angelina, pero nuevamente las percusiones se vuelven protagonistas y la pieza va en un crescendo de mucha intensidad en donde percusión y solo instrumental son el marco para la virulencia del que canta y de lo que canta.

El tercer track, podría haber sido firmado por los Pistols, los Ramones, Clash o The Germs, es "punketo" de principio a fin, pero si estamos en 1969, nos suena también a The Who y por supuesto que a Velvet Underground y así termina el "lado A", volteamos la tortilla y nos encontramos con algo insólito que ya empezaban a hacer otros, sus paisanos de Amon II en su disco del mismo año, por ejemplo, una larga pieza-sinfonía que abarca todo el lado del acetato y que va desarrollando distintos "movimientos" con distintas tónicas, ambientes e intenciones: el acento que hoy llamamos punk al principio, el electrónico-experimental, en seguida, un tercer pasaje muy cargado al rock-blues, y al final, solos alternados de cada instrumentista con el fondo de unas percusiones plirítmicas, muy al estilo del free jazz.

Hoy podría ser un disco muy escuchado en otras partes, para el auditorio actual no presenta casi nada novedoso, pero si eres amante de los documentos musicales por sí solos o los que nutren una visión de época y un contexto histórico, este es un imprescindible, por su significado para el rock alemán, por lo novedoso en su momento y por las aportaciones que hizo a futuras bandas y formas de hacer el rock, si tu interés es este último, como el caso de tu servidor, búscalo sin tregua, la edición que yo encontré es de 2008, muy reciente y muy fácil de conseguir.