MICK TAYLOR, UN STONE MEMORABLE.

MICK TAYLOR, LA MAYOR PÉRDIDA DE LA HISTORIA DE LOS ROLLING STONES.

 Mick Taylor empezó a tocar la guitarra a sus tempranos 9 años y a los 16 tocó con John Mayall en un concierto al que no llegó Eric Clapton, a Mayall le gustó el "palomazo" y un tiempo fue guitarrista de los Bluesbreakers, sustituyendo a Clapton cuando éste dejo a la escuela (perdón, quise decir a la banda del jefe Mayall), en 1969, cuando Brian Jones fue despedido de los Rolling Stones y Keith Richards buscaba a un sustituto de Jones a quien él despidió más que los otros stones, el mencionado Mayall, recomendó a Taylor.

Así empezó una época en la que Mick formó parte de la "Banda más Grande del Mundo" y en ella grabó, media docena de discos, incluidos "Sticky Fingers" y "Exile on Main Street", dos de las obras cumbre de "Sus Satánicas Majestades", en un principio, Mick fue invitado como músico de estudio a las sesiones de grabación de "Let it Bleed", pero el desempeño sobresaliente de Taylor, convenció a todos de integrarlo permanentemente a la banda.

Desde entonces y hasta 1974, los Rolling sonaron grandiosos, el estilo "taylorista", su técnica virtuosa y su enorme creatividad engrandecieron el sonido stone, sus grabaciones en vivo y videos como el famoso concierto de Hyde Park, en homenaje a Brian Jones que acababa de fallecer, son pruebas fehacientes de la enorme calidad de Mick y de su contribución al "rolinestonismo".

En 1974, Mick Taylor dejó a los stones, causando gran impacto en los demás compañeros que consideraban difícil conseguir a un guitarrista que lo igualara, al final se quedaron con Ron Wood, un músico con serias limitaciones, que sólo queda en "competente" y uno siempre se pregunta ¿por qué no consiguieron a alguien mejor? habiendo gran cantidad de instrumentistas mucho más calificados que Ron, la respuesta parece ser que Wood es el mejor amigo de Richards, el jefe stone, así que solo queda el recuerdo del sonido fabuloso de los Rolling Stones cuando tocaba con ellos Mick Taylor.

NOVEDADES. "Chimes of Freedom" The Songs of Bob Dylan (Amnesty International).

CHIMES OF FREEDOM "The Songs of Bob Dylan".

AMNESTY INTERNATIONAL.

Con el doble pretexto de la conmemoración del medio siglo de existencia de Amnistía Internacional y los cincuenta años de carrera discográfica de Bob Dylan, salió a la venta en todo el mundo, un álbum cuádruple con 73 canciones del gran icono de la canción y la cultura norteamericanas y universales, interpretadas por 73 artistas, cada uno con una pieza clásica o no clásica de Mr. Zimmerman, en una variedad de estilos, nacionalidades y generaciones.

Entre los participantes en el doble homenaje, están las grandes leyendas del rock: Patti Smith, Pete Townshend, Sting, Lenny Kravitz, Elvis Costello, Jackson Browne, Joan Báez, Bryan Ferry, Paul Rodgers, Sinéad O'Connor, Jeff Beck, Dave Matthews, Kris Kristofferson, Eric Burdon, Marianne Faithfull, Mark Knopfler y Pete Seeger, varias generaciones de músicos admiradores de Dylan.

Están artistas no roqueros como Diana Krall, Angelique Kiojo o el fenomenal Kronos Quartet; bandas y solistas menos clásicas y más nuevas, pero muy conocidas como: Zyggy Marley, My Morning Jacket, Queens of the Stone Age, Bad Religion, My Chemical Romance, Maroon 5, para ser un disco de total actualidad hasta incluye a la cantante más famosa en estos días, sí por supuesto que hablamos de Adele, también hay un "cover" memorable de parte de Taj Mahal y hasta "chavitas" que empiezan su carrera, todavía en la "ñoñez" como Miley Cyrus y la mexicana Ximena Sariñana que no desmerece con su "cover" de "I want you" y muchos grupos y solistas de los que no puedo decir nada porque me son totalmente desconocidos.

La calidad de los arreglos y las interpretaciones es muy pareja, algunos números son muy apegados al origen, pero también hay aportaciones notables e interesantes que demuestran que las canciones de Dylan, tan sencillas y ajenas a sofisticaciones que no sean las de los textos, son ideales para ser "covereadas", en resumen, es un álbum altamente recomendado para "fans" de Dylan, amantes de los discos de "covers" y exploradores sónicos de cualquier especie.

  

LOS DISCOS DE 1972. Live Cream II.

 CREAM.

"Live Cream II".

1972.

Después de los cuatro discos de estudio que grabó Cream (o los cuatro y medio, porque "Wheels of Fire" era doble y tenía un disco de estudio y otro en vivo),y con el histórico trío ya disuelto, pero con el eco de sus aportaciones al rock, su enorme éxito y su legado, todavía muy vivo y consistente, se lanzaron al mercado dos discos live de Cream, la extraña mezcla, el blues sui generis, y la magia rotunda que generó el afortunado encuentro de Clapton, Baker y Bruce, especialmente atractivo en sus grabaciones directas.

Por ser un documento histórico sobre uno de los grupos fundamentales del rock inglés, del rock sesentero y del rock universal, "Live Cream II", no puede faltar en una antología de discos editados en 1972, aunque las grabaciones que en él aparecen se hayan registrado en 1968, por supuesto que la selección de las piezas tiene un aire claro de greatest hits y están en ella "Sunshine of your love" y "White room", los dos superéxitos de ventas que tuvo el trío; piezas supremas como "Desert cities of the heart" y "Tales of brave Ulysses", el track list se completa con "Steppin' out" y "Politician", en resumen, un disco en vivo de Cream, con nada de menos ni nada de más que otros discos de Cream, lo que siempre resulta suficiente, por lo menos.

LOS DISCOS DE 1972. Jazz Blues Fusion.

JOHN MAYALL.

"Jazz Blues Fusion".

1972.

Hay dos discos de John Mayall grabados en vivo que son dos maravillas, uno de ellos "The Turning Point", es un concierto de 1969 con la propuesta blusera de Mayall en todo su esplendor, mezcla de su amor al Blues tradicional y las raíces musicales de su tierra, la Gran Bretaña, empezando por su voz muy blusera por la emoción y la pasión, pero muy distinguible de las de los grandes bluesmen del Delta del Mississippi y de Chicago; sus incorporaciones de instrumentos poco usuales en el blues, en el caso de The Turning... este papel lo desempeña la flauta, tocada magistralmente por Johnny Almond y por la estructura en sí de las piezas, enraizadas profundamente en el blues y a la vez, en todo el folk inglés, irlandés y escocés.

El otro disco en vivo que se escucha siempre con gusto y delectación es "Jazz Blues Fusion" de 1972, grabado en su gira norteamericana de ese año en Boston y New York, muy emparentado con The Turning... y a la vez con marcadas diferencias, en 1968, Mayall viajó a California e hizo contacto, no sólo con las grandes figuras del Blues negro, sino también con los jóvenes amantes blancos de la música del alma, allí conoció a Bob Hite y a toda su banda a la que le "robó" a su bajista excepcional, Larry Taylor quien participa en la grabación que comentamos e inició una larga estancia en Norteamérica.

Allí armó una nueva banda con el referido Taylor y cuatro músicos afroamericanos, experimentados y provenientes del Blues tradicional y el Jazz, de modo que, el tono blues-folk-sicodelia del "Punto Cambiante", se transformó en una deliciosa fusión entre Blues y Jazz, un largo jam session. teniendo como base las composiciones de Mayall y a partir de ellas se desarrolla el jam en el más puro sentido del Blues y su hijo, el sofisticado Jazz, con el propio Mayall tocando lo que se le pusiera enfrente: armónica, guitarra y piano; una pequeña sección brass con Blue Mitchell en trompeta y Clifford Solomon en diversos sax; Freddy Robinson en al guitarra de acompañamiento y Ron Selico con todo tipo de percusiones, un combo de excelente sonido y perfecta compenetración.

El disco que me parece, no es muy reconocido y poco mencionado es uno de los grandes del Blues en vivo y si lo ponemos junto a otros memorables del Blues de rostro pálido, no le pide nada a Super Session, Let it Rock o el propio The Tuening Point.

LOS DISCOS DE 1972. Talking Book.

STEVIE WONDER.

"Talking Book".

1972.

El nombre de Stevie Wonder está ligado al éxito, la fama, los reconocimientos y las ventas millonarias de discos, al contrario de muchos músicos afroamericanos (no dije negros para ser políticamente correcto), que a pesar de su genialidad, sólo fueron reconocidos después de su muerte en el peor de los casos y en su retiro, en el mejor de ellos. Wonder ha recibido en vida: veinticinco premios Grammy, veinte premios diversos, que incluyen un Oscar, Comendador de las Artes y las Letras (Francia), Salón de la Fama del Rock, Salón de la Fama de Compositores, Personaje del Año, Embajador de la Paz y otros.

Wonder también ha sido el creador de una treintena de canciones que se convirtieron en éxitos rotundos y ha vendido más de 100 millones de discos en su vida, y en todo esto tienen que ver, por supuesto su genio musical, pero también su contexto el inesquivable contexto, condicionante, para bien o para mal de nuestras vidas.


Stevland Hardaway Judkins, nombre oficial de Stevie, nació en 1950 y para cuando inició la dácada setentera era ya, una de las grandes promesas-realidades de la música soul, la parte más difícil de la lucha por los derechos civiles ya había pasado, la industria musical no sólo no rechazaba a los músicos afro, sino que los buscaba por ser productores de jugosas ventas de discos y ya existía Motown, la disquera de la música soul, funk y anexas, por autonomasia.


Y aunque empezó a grabar discos a muy temprana edad, es en esta década cuando floreció el talento de otro planeta que tiene y es también la dácada de sus mejores trabajos: Music of my Mind, el que estamos comentando y Songs in the Key of Life, son tres joyas de la discografía "wonderiana", y de toda la música soul y las tres nacieron en los setentas, la época gloriosa de Stevie Wonder.

Siguiendo los pasos de Ray Charles, Wonder amalgamó todo su saber musical y todas sus influencias en un estilo rico y variado, transracial y desprejuiciado, para Stevie, la mezcla de los estilos negros y blancos, como para Ray, no era una traición a nada y sí, un engrandecimiento de la música, además de un acto de fidelidad a ella.


En el contexto personal, Stevie atravesaba por un momento difícil, debido a su separación de Syreeta Wright, después de un breve matrimonio y es ésta separación la que marca la tónica del álbum, que es un tratado del amor, sus tristezas y alegrías, su principio y su fin, y fue realizado bajo el influjo de las sensaciones y pasiones que desata el sentimiento amoroso, sea feliz o desdichado, porque se ha comprobado mil veces que los artistas enamorados o atormentados producen a menudo sus mejores obras.


Y aquí aparecen las mencionadas aleaciones de la música soul, dolorosa y profunda, con los elementos, cuidadosamente escogidos del arte musical blanco, hay mucho "Soul", "Funk", coros salidos de las profindidades del Continente Negro, teclados furiosos y plañideros, odas al amor y maldiciones, pero al final, entre la enorme decepción, aparece la fé de Mr. Wonder en el sentimiento humano por excelencia y entre estos ires y venires, Stevie encontró los arreglos que hablan como el título del disco, de la paz, la furia, el desasosiego, la esperanza, la euforia y la resignación de un modo tal que si las piezas no tuvieran letras, todas las pasiones enlistadas seguirían siendo reconocibles.

LOS DISCOS DE 1972. So far.

FAUST.

"So Far".

1972.

El disco debut de Faust daba, por encima de cualquiera otra impresión, la de ser un disco caótico y no por falta de ideas o talentos, sino porque esa era la intención, porque es "el disco" del Kraut, su manifiesto explícito e implícito, su compendio y síntesis.

Las comunas juveniles alemanas de Munich, Colonia, Düseldorf, Frankfurt y Hamburgo, eran muy distintas de las norteamericanas pacifistas y naturalistas, las alemanas fueron el producto de la congregación de estudiantes universitarios, intelectuales anarquistas y artistas radicales, muy politizados y muy activos, en ellas germinó la semilla de grupos como la Fracción del Ejército Rojo o la Banda Baader-Meinhof, pero también la de los grupos de rock alemanes más notables y más radicales.

Ese radicalismo, dicen los historiadores, dislocó los conceptos vigentes en el rock inglés y "gringo", y a la vez los incomodó, los hizo despertar y les dió impulso, la invasión bárbara germánica, como en tiempos del Imperio Romano, cambió al sistema, el elegante, fino y sofisticado rock, sobre todo inglés, tuvo que recordar, al escuchar el krautrock, que el rock era iconoclasta de nacimiento.

Para su segundo disco Faust, ya no tenía la virulencia del primero ni el caos como guía, estructura y fin y sin perder el espíritu rebelde-exploratorio-experimentador, plasmaron una obra maestra donde, siguiendo sus principios, al mismo tiempo que los llevaban adelante, se mostraron como músicos altamente competentes y no solo manifestantes que protestan.

Por ejemplo: el disco empieza con "It's a rainy day, Sunshine girl", hipnótica, con una guitarra frenética y minimalista reforzada por el canto repetitivo de principio a fin, en ella los "Faust", se refieren a las vanguardias musicales europeas del siglo XX, como el mencionado minimalismo y de paso reivindican a uno de los pocos rockers anglos con los que podían identificarse, sí, por supuesto que hablamos de Lou Reed.

Luego, parecen decirle a las bandas progresivas de toda Europa: ¿quieren una muestra de rock progresivo, ortodoxa, equilibrada y virtuosa? aquí tienen "On the way to Abamae", pero no piensen que vamos a seguir con eso, era solo una muestra, lo nuestro es lo que sigue y viene una pieza que para nada desentonaría en su disco debut, "No harm" se llama la susodicha.

Después un track que reivindica al funk, ese ritmo grasoso, abiertamente sexual, retador y barriobajero, "So far", la que contradiciendo las normas de cómo hacer un disco, dando nombre al álbum sin ser la más llamativa, la que va a pegar, la que se hizo para single y criterios por el estilo, "So far" es funk, pero funk a lo Faust.

Ya entrados en calor, la desquiciada "Mamie is blue", obsesiva y deprimente; la burlona, lunática y "zappiana" "I've got my car and my TV"; el jazz perezoso y descuidado, abiertamente provocador de "Picnic on the frozen river"; "My lack space", dadaísta, minimalista, noísta, absurdista y toda la gama de las vanguardias artísticas del siglo; y cierra con "...In the spirit", extraña e inclasificable, un detalle no siempre observado es que, prácticamente no hay espacio silencioso entre una pieza y otra de manera que el disco suena como una única y larga suite  de locos y para locos.

 

 

 

 

 

AGRADECIMIENTO.

La amiga y compañera de este entretenimiento que se hace llamar "la chava pasada de moda" (the retro girl), fue nominada para un premio que no sé en que consiste pero que se llama Liebster Blog Award, ella a su vez debe nominar a cinco blogs que considere merecedores de tal honor, con la única condición de que tengan menos de 200 seguidores y para seguir la cadena que por lo menos servirá para conocernos más entre blogueros y motivarnos mutuamente para seguir escribiendo y retroalimentándonos, decidió nominar a Los Sueños entre sus blogs favoritos, por tal motivo agradecemos la distinción como agradecemos sus artículos, siempre esperados y siempre disfrutados.

Siguiendo con la famosa cadena de nominaciones que supongo que terminará en que todos estemos nominados, mis blogs favoritos son:

Las 100 mejores canciones del rock mexicano. un blog extraordinario por su tema tan original, por su elaboración de gran calidad y su disfrutable lectura que entretiene, pero sobre todo enseña mucho.

El Microscopio del Dr, Winter, del compañero Alazorza, lector compulsivo y agudo que siempre tiene crónicas y críticas de libros que se publicaron y se están publicando en el momento.

On the road. del amigo Alan, una revista donde hay de todo, siempre interesante y reveladora de maravillas.

Stand by me , Conca. de la amiga María, uno de mis blogs favoritos desde hace algunos años, esta amiga escribe con inspiración divina y siempre me emociona.

Ragged Glory. del buen amigo Aróstegui, con reseñas de rock en verdad notables, en un blog que enseña, divierte y abre puertas y ventanas.

Hay blogs que me gustan mucho y hubiera nombrado pero o tienen más de 200 seguidores o ya fueron niminados por otros blogs, así que me quedo con esta lista.

Para que estas nominaciones se hagan efectivas, los nominados deberán:

Mostrar en su blog el logotipo de Liebster Blog y enlazarlo con el blog que los nominó, o sea, "Los Sueños".

Hacer sus cinco nominaciones aclarando que, los blogs mencionados tienen menos de 200 seguidores y que si van a seguir la cadena, deben poner el enlace de quien los nominó.

 

LOS DISCOS DE 1972. Machine Head.

DEEP PURPLE.

"Machine Head".

1972.

"Machine Head", según las crónicas, es el sexto disco de la histórica banda inglesa de rock Deep Purple, y a la vez, es el tercero de Deep Purple II, que no existe como tal, pero que podría ser el nombre de la segunda etapa del grupo, bastante distinguible de la que abarcó sus tres primeros discos.

A mí me gustan los susodichos tres primeros por encima de todo lo que siguió, por ese abordaje tan original de la sicodelia, por sus destellos de "progresividad", su ambiente oscuro y su consistente dominio del hard rock, ¿todo eso en una sola banda?, así es, Deep Purple nació con estrella, saltando la niñez y siendo grande desde el principio, después, solo administró la fama, el talento y a un público insólitamente fiel.

El momento de la transformación que les valió ser considerados como una de las tres bandas-diosas-madre del heavy metal e infinidad de subgéneros, se produjo cuando ingresaron Ian Gillan y Roger Glover, el último un bajista con más recursos y definición que Simper y Gillan, definitivamente la mejor adquisición que pudieron hacer, nada más y nada menos que uno de los más importantes vocalistas de la historia del rock.

Supongo que Glover y Gillan que venían de una banda más pesada, se entendieron con Blackmore e hicieron una alianza en la que redujeron espacios para los barroquismos de Lord y su órgano mientras que Paice se acomodó a las circunstancias, pero el caso es que se perdió a uno de los grupos más interesantes y prometedores del rock inglés de la transición sesenta-setenta y nació una de las grandes leyendas del rock hasta nuestros días.

Pero volviendo a Machine Head, es el disco que más se ha vendido de Purple y puso en el mapa y la historia a "Smoke  on the water", una de las piezas de rock pesado más conocidas con su riff que es también uno de los inconfundibles de toda época, dicen los conocedores del género metálico que "Machine Head" es un paradigma, que vino a cambiar al rock e influyó el nacimientos de muchas bandas vertebrales y señaló nuevos rumbos para que el heavy creciera y viva hasta el presente.

LOS DISCOS DE 1972. Can't buy a thrill

 STEELY DAN.

"Can't buy a thrill".

1972.

Éste disco es importante hoy, pero en 1972, cuando salió para ponerse en manos y oídos de los catadores de música, no lo fue, casi nadie entendió el disco en sí y nadie entendió lo que anunciaba, la semilla que portaba y el buen augurio que para la banda que lo hizo significaba, el mundo del rock vivía la euforia de formas altamente sofisticadas de hacer música como el progresivo y algunos grupos del glam (Yes, Genesis, Pink Floyd, King Crimson, Jethro Tull, Roxy Music o David Bowie) y al mismo tiempo, el regreso a formas más básicas, encarnadas por cantautores rescatadores de la poesía y una música cuasi bucólica, artesanal y "natural" (Jackson Browne, Don McLean, Neil Young, Paul Simon) y a nadie le llamó la atención un grupo que parecía uno más de la inmensa oleada de la Costa Oeste.

Pero Steely Dan era otra cosa,. formado por Donald Fagen y Walter Becker, dos músicos muy creativos, excelentes instrumentistas y con una larga experiencia como músicos de estudio, esa Universidad de la música de donde han salido artistas excepcionales, se habían descubierto dotes de compositores, ya eran instrumentistas múltiples y consolidados, conocían a otros músicos de los que deambulan por los estudios de grabación y sabían de principio a fin, como se hace un disco, de modo que el paso necesario, lógico e inevitable era, grabar un álbum de canciones de rock.

Además de lo ya mencionado, estaba también, la habilidad que tenían para pasar de un género a otro y también para mezclarlos, y así aparecían en una mixtura muy equilibrada que tenía: las melodías del Pop, los ritmos del Rock, la complejidad y finura del Jazz, el festejo del Funk y la habilidad circense para ir de un lugar a otro, sin red y sin caídas.

En todas las piezas de este aparente disco de Rock-pop, hay algo de lo antes mencionado:

En "Do it again", la mezcla de ritmos y un elegante toque de Jazz latino; en "Dirty work",  el aire funk, el devenir preciso de la canción y el breve pero gran solo de sax; en Kings, la anticipación casi exacta de lo que algún día sería el sound Steely Dan; en "Midnight cruises", un viaje al country rock del que hacían C, S, N and Y, como muestra de la maestría que poseían para abordar cualquier género; otra cadenciosa pieza de fino jazz latino-cool en "Only a fool would say that"; la canción hecha para ser hit instantáneo, "Reelin' in the years"; "Fire on the hole", con su solo de piano excepcional y su aire de Blues, que de pronto se va al Caribe; y el cierre es con tres piezas consistentes, imaginativas, dinámicas y con gran swing: "Brooklin", "Change of the guard" y "Turn that heartbeat over again", cada una con sus chispazos de originalidad y genialidad, manifestadas en, coros, solos instrumentales, cambios de ritmo y estructuras complejas y abigarradas que siempre tienen una solución perfecta.