Aparecido originalmente como disco doble en Japón grabado por la nueva banda de Hancock formada por ex Headhunters, el legendario grupo de Herbie y nuevos miembros, en sus presentaciones de 1975 en el archipiélago japonés, el repertorio tiene como su referencia el disco famosísimo de 1970 con el homónimo de su primera banda y es el producto inmediato de otra agrupación memorable llamada Sextant y de su disco del mismo nombre.
"Watermelon man" y "Chameleon" son las nuevas versiones de dos piezas históricas del disco debut de Herbie en 1970 y el disco apareció a nombre del pianista y sólo en Japón por problemas con los derechos de utilización de los nombres de las bandas con las disqueras.
El disco es un ejercicio magistral de una agrupación de virtuosos enraizados en el Jazz, pero también en el Blues, el Funk y el Rock el trabajo de Clark en las percusiones es un sello aparte y el virtuosismo de Hancock en el piano acústico y los teclados eléctronicos mientras que Maupin enriquece la idea con los variados timbres de los instrumentos de aliento, de algún modo "Flood" es un repaso, una síntesis y un camino nuevo.
La aparición del primer disco de Real de Catorce fue un gran acontecimiento y le dió mayoría de edad al Rock Mexicano. Este es el mejor grupo de rock-blues de toda la historia musical mexicana, encabezado por José Cruz, su alma e imagen, son ya un clásico con su historia cortada por la desgracia.
Hace
como veinte años fui a ver a Roberto González a un local de Tlalpan de
efímera existencia , refugio del movimiento rupestre y antes de que
Roberto cantara, salió un chavo que interpretaba sus canciones con guitarra y
armónica de manera sobresaliente, excelente ejecutante de uno y otro
instrumento, cantante más que aceptable y letras de calidad poética.
Meses
después, estaba viendo en la TV, la transmisión de uno de los añorados
Festivales de Blues de la Ciudad de México, aquellos que nos permitieron
conocer en México, prácticamente a todos los grandes del blues, Koko
Taylor, Muddy Waters, John Lee Hooker, B.B. King y muchos más y subió al escenario a echar un palomazo, un chavo que evidentemente no venía con la banda que tocaba, al poner atención me dí cuenta que el músico de extrema juventud que palomeaba con su armónica en forma magistral era el mismo que teloneó a Roberto González en aquella ocasión, después se hizo famoso Real de Catorce y supe que mi viejo conocido era José Cruz.
Desde el disco debut supimos que estabamos en otra época, que el rock ochentero de mi patria estaba más que superado, con excelentes músicos y un compositor extraordinario que además hacía un Rock-Blues muy elaborado, más allá de la tradición, con pinceladas de Jazz, bolero, y sicodelia, un Blues que les corría en las venas lleno de detalles y giros de genialidad, todas las piezas eran obra de Cruz y la banda completa estaba formada por:Julio Zea, Carlos Torres, Fernando Ábrego y Jorge Velasco, ilustres personajes que escribieron esta página sobresaliente de nuestro rock.
En los años setenta, concretamente en 1971, los Rolling Stones eran una delicia, hacían canciones sencillas y bellas en un año extraordinario con bandas y compositores que ponían a volar nuestra imaginación y estremecían nuestros sentidos, "Flores Muertas" de Keith Richards y Mick Jagger es una de mis favoritas de esos días, esa época y de toda la vida, una de amor y desencuentro, también suena a amor imposible por absurdas convenciones sociales o como decía Selena "somos de distintas sociedades".
En ella tampoco los Rolling dejan de ser los chicos mal educados e irrespetuosos, mal vestidos, despreciados, pero no dejados, resulta genial la petición a la desdeñosa, despréciame y para que se sienta, mándame flores muertas que yo corresponderé poniendo rosas en tu tumba, la frase que causó escándalo es la que alude al uso de la heroína, "en el sótano con una aguja y una cuchara", más claro ni el agua, el abandonado por la dama haciéndole al "yonqui".
FLORES MUERTAS.
Bueno, cuando estás allí sentada en tu silla tapizada de seda hablando con algunos de esos ricos que conoces bueno, espero que no te vean en mi harapienta compañía y bueno, sabes que nunca podría estar solo.
Mata mi orgullo pequeña Susie, mátalo ya se que te crees la reina del subterráneo y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas mándame flores muertas por correo mándame flores muertas para mi boda y no olvidaré poner rosas en tu tumba.
Bueno, cuando estés sentada en el asiento trasero de tu Cadillac rosa haciendo apuestas el día del Derby de Kentuck yo voy a estar en mi cuarto del sótano con una aguja y una cuchara y otra mujer alejando mi dolor.
Mata mi orgullo pequeña Susie, mátalo ya se que te crees la reina del subterráneo y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas mándame flores muertas por correo mándame flores muertas para mi boda y no olvidaré poner rosas en tu tumba.
DEAD FLOWERS.
Well, when you're sitting there in your silk upholstered chair
Talkin' to some rich folk that you know
Well, I hope you won't see me in my ragged company
Well, you know I could never be alone.
Take me down little Susie, take me down
I know you think you're the queen of the underground
And you can send me dead flowers every morning
Send me dead flowers by the mail
Send me dead flowers to my wedding
And I won't forget to put roses on your grave.
Well when you're sitting back in your rose pink Cadillac
Making bets on Kentucky Derby Day
Ah, I'll be in my basement room with a needle and a spoon
And another girl to take my pain away.
Take me down little Susie, take me down
I know you think you're the queen of the underground
And you can send me dead flowers every morning
Send me dead flowers by the mail
Send me dead flowers to my wedding
And I won't forget to put roses on your grave, yeah
El año 1966 es sin duda el inicio del Rock moderno, el despegue de la música británica y el nacimiento de la sicodelia musical y cultural iniciaron la época más importante del género, la que se ha llamado la década prodigiosa, los grandes años y otras denominaciones, en ese año vieron la luz discos históricos que iniciaron la oleada de creatividad más impresionante y que se extendería hasta 1973 años más o años menos, la explosión inglesa retroalimentó al Rock americano y se quedaron para siempre dos o tres decenas de grabaciones inmortales, los 15 que aquí aparecen tienen además de su valor histórico y estético que incluyen "videos" que reproducen los discos completos.
AFTERMATH (THE ROLLING STONES). "Aftermath" es uno de los más famosos y venerados álbums de los Rolling Stones, después de tres discos anteriores lanzados en el Reino Unido (en USA ya era el sexto) es el primero sin covers y puras piezas de Jagger y Richards, tuvo un recibimiento extraordinario, número 1 en Gran Bretaña y segundo en Norteamérica, se distingue por la riqueza en la composición: empezando con "Paint it black" muy "estoniana" y a la vez muy inglesa, y además destaca la letra depresiva y adolescente, "Stupid girl" va por el mismo camino hasta que aparece la dulce y conmovedora "Lady Jane", pieza de amor, de paisajes enraizados en la Isla británica, en historias medievales y talento desbordante, y quién le quita méritos a "Under my thumb", la vida azarosa, incierta y por la que vale la pena, el Blues de los Rolling refuerza la idea de variedad musical y luego también hay canciones que el tiempo hizo clásicas, "High and dry", "It's not easy", "I'm waiting" y la genial "Going home" geniales todas de distintas formas, en especial la última, en "Aftermath" creció el verdadero y único sonido rolling.
FACE TO FACE (THE KINKS). Con "Face to Face" se
inició la llamada "época de oro de los Kinks" que se extiende hasta
1971, con una serie de grabaciones excepcionales: "Village Green",
"Arthur" o "Lola", todas más o menos en los límites del "álbum
conceptual", la característica observación social de ácida mirada y
crítica devastadora que entiéndase, no estaba en los terrenos de la
canción de protesta, sino del comentario agudo e inteligente de la vida
social inglesa, en todos los niveles sociales y todos los espacios.
Se dice que Ray Davis,
el líder y compositor principal de la banda, pasaba por un momento
difícil que lo tenía al borde del colapso nervioso y el trabajo de
composición de las canciones del disco le sirvieron de terapia, con lo
que salíó ganando, pero no más que el disco y que la música de los
Kinks, que dió un salto cualitativo notable, el estado de exaltación que
experimentaba Davis, produjo una de las colecciones de canciones poproqueras más notables de todos los tiempos.
96 TEARS
(QUESTION MARK AND THE MYSTERYANS).
Question Mark and the Mysterians, como
si fuera el grupo de los Mistariosos y su líder Question Mark,
ingenioso juego de palabras que se les ocurrió a estos chavos, hijos
todos de mexicanos que formaron una banda de rock-blues muy exitosa que
llegó al sitio número 1 de las listas de popularidad con la canción que dió título a su disco más conocido de 1966.
Pero Los Misteriosos
no eran un grupo de un solo éxito, sino una banda de rock y sobre todo
de blues muy consistente, su disco más conocido, el que se llamaba
precisamente 96 tears, ha sido considerado por distintos críticos e
historiadores, como uno de los grandes discos de la historia del Rock,
se ha vuelto una grabación "de culto" bastante difícil de conseguir y
muy codiciada por los coleccionistas. El susodicho disco, es un
agasajo de principio a fin, con piezas compuestas por los Misteriosos
que eran: Bobby Balderrama, Frank Rodríguez, Frank Lugo, Eddie Serrati y
el líder, cnatante y principal compositor Rudy Martínez, complementadas
con algunos covers extraidos
del blues o del soul, su versión de la legendaria "Stormy Monday",
incluida en el disco en cuestión resulta sobresaliente.
THE PSYCHEDELIC SOUND
(THE 13th FLOOR ELEVATORS). Formado
en Austin, Texas, fueron de los primeros en crear música que reflejara
de alguna forma las percepciones experimentadas bajo el efecto de las
sustancias sicotrópicas, pero también podrían ser considerados como
pioneros de la sicodelia musical que hiciera explosión, pocos años
después de la edición de este disco. La música de Roky Erickson,
guitarra y voz; Tommy Hall que producía extraños sonidos con una
cantimplora para tomar whiskey y era el principal compositor; Benny
Thurman, bajo; Stacy Sutherland, guitarra y John Ike Walton, batería, no
era como la que reconocemos como sicodélica, con muchos instrumentos,
influencias y desbordes de creatividad, en tiempos de los elevadores, la
sicodelia estaba en su etapa de deshinibición, de libertad para sacar
todas las emociones sin cortapisas, hasta la catarsis de ser posible. El
disco que les presentamos, queridos lectores es ya un clásico del rock,
un documento histórico y una aproximación a la primera sicodelia, el
disco es de 1966, para que le midan y ubiquen temporalmente al disco y
comparen con lo que estaban haciendo otros grupos que tuvieron más
trascendencia en la Historia.
ROGER THE ENGINEER
(THE YARBIRDS). Producido por Paul Samwell y S. Napier para la disquera Columbia en Agosto de 1966, con la incorporación de Jeff Beck sustituyendo a Eric Clapton, la grabación se hizo en una semana, las piezas estaban compuestas ya y ensayadas de sobra después de las giras del grupo por Europa y Estados Unidos, lo que aportó a la mítica banda también un prestigio como el grupo número uno de la sicodelia británica, la mezcla ya muy trabajada de Blues, Rock duro y la muy particular visión del Rock ácido que tenían los ingleses, eran vistos como el ariete británico de la música revolucionaria, para muchos este disco que era el nuevo sonido de los Yar, fue el antecedente directo de Cream y Led Zeppelin. Es indudable que Jeff Beck tuvo un papel definitivo en el sound del disco, la capacidad de Beck para llenar de sonido las piezas y los riffs muchas veces tomados de prestado del Blues hicieron la revolución y el milagro.
BUFFALO SPRINGFIELD.
(BUFFALO SPRINGFIELD). De esta banda de Folk y Rock surgieron tres músicos que hicieron carrera exitosa: Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay, los dos primeros formaron parte de Crosby, Stills, Nash and Young y Furay se incorporó a Poco al desaparecer Buffalo, su debut fonográfico fue el homónimo de fines del '66, publicado por la disquera Atco. Las composiciones de Stills y Young con raíces folk y country, aderezadas con instrumentos eléctricos y dominante influencia roquera dieron a conocer pequeñas joyas como "Sit down, I think I love you" de Stills, por otra parte, las piezas de Neil Young revelaron a un compositor extraordinario, el disco con éxito mediano fue revalorado años después cuando se reveló como una obra que marcaba rumbo.
PET SOUNDS.
(THE BEACH BOYS). Grabado para Capitol con dirección de Brian Wilson es la obra maestra de los Beach Boys y según la propia declaración de Wilson, "Rubber Soul" fue su inspiración, al conocer el disco "beatlero", entendió hacia donde apuntaba el rumbo de la música, lo menos que dijo es que Rubber era muy estimulante e interesante y pasó dos meses componiendo el que quería que fuera la superación del que hasta el momento consideraba obra suprema. Con Tony Asher, un publicista que contribuyó a la escritura de las letras que Wilson ideaba y Asher pulia, el impulso de Rubber hizo que "Pet Sounds" representara un salto descomunal con relación de todo lo antes hecho por los Beach, no sólo los textos dejaron atrás las anodinas letras playeras, también la estructura musical cambió la historia del grupo sino también de la vida de Brian, es historia conocida que Wilson consumió mucho LSD mientras trabajaba y para las crónicas de la época, fue el inicio de la locura del compositor que incluso lo retiró de la música.
BLONDE ON BLONDE
(BOB DYLAN). Pasa la vida, Dylan festeja su medio siglo de carrera y sigue haciendo discos, pero sus grabaciones de 1965 y '66 siguen siendo la gran obra de Mr. Zimmerman, "Blonde on Blonde" cerraba la célebre trilogía y quedó registrado como el primer disco doble del Rock, a la distancia del tiempo más a menudo aparece como una de las masterpieces del género, de ese híbrido patentado por el ícono, una aleación de Blues, Rock y Folk. El asombro nacía de varias piezas: "I want you", "Visions of Johanna" y "Just like a woman", las tres perfectas, con una nueva forma de narrar, más cruda, más terrenal que las metáforas acostumbradas antes, pero el gran manifiesto musical y poético es "Sad eye lady of the lowlands", el mundo en decadencia prendido de un alfiler, el de los desesperanzados del planeta. Así que Blonde... es el nacimiento de un nuevo género, la experimentación de los discos dobles y la cátedra dylaniana de como hacer nuevas cosmovisiones.
FREAK OUT (THE MOTHERS OF INVENTION). La banda se llamaba sólo The Mothers, pero los quisquillosos directivos de las disqueras pidieron el agregado al nombre para no ofender a las madrecitas santas o no dar a entender que se burlaban de ellas, en alguna entrevista Zappa dijo ahora sí burlándose "Como si el nombre fuera el gran problema" y con toda razón pues había llegado a la música y a la industria del disco uin compositor sui generis que además de derramar talento, poseía un sentido del humor caústico y una inclinación inevitable hacia la falta de respeto a todo. En el disco debut de las Madres, la policía, el amor, la música Pop, la sociedad, las creencias y la moral pasan revista, son enjuiciadas sin solemnidad y sirven para reir y echar desmadre explosivo y tan surrealista como subversivo.
FRESH CREAM.
(CREAM). El célebre trío inició carrera discográfica con este álbum con canciones propias, tradicionales y clásicas del Blues, no siempre apreciado y bastante opacado por los discos posteriores, tiene la virtud de ser muy parejo, con un sonido acabado y definido como un producto único resultado de las habilidades compositivas e instrumentales. "I feel free" (Jack Bruce, Pete Brown) – 2:51 "N.S.U." ("Non-Specific Urethritis") (Bruce) – 2:43 "Sleepy Time Time" (Bruce, Janet Godfrey) – 4:20 "Dreaming" (Bruce) – 1:58 "Sweet Wine" (Ginger Baker, Godfrey) – 3:17 "Spoonfool" (Willie Dixon) – 6:30 "Cat's Squirrel" (Tradicional, arreglos: Cream / S. Splurge) – 3:03 "Four Until Late" (Robert Johnson) – 2:07 "Rollin' and tumblin'" (Muddy Waters) – 4:42 "I'm so glad" (Skip James) – 3:57 "[[Toad (canción)|instrumental]" (Baker) – 5:11
THE INCREDIBLE STRING BAND (THE INCREDIBLE STRING BAND). El otro pilar
en que estaba sostenido el Folk-Rock británico de los
sesentas-setentas, era The Incredible String Band, nacida en Edimburgo,
Escocia, como un trío de música folkroquerasicodélica, que era la única
forma de estar en todos los géneros que les gustaban a Mike Heron, Robin
Williamson y Clive Palmer, alineación de la Increíble al grabar su
disco debut. Mike Heron y Robin Williamson, fundadores y sustento de "La Increíble Banda de Cuerdas" no fueron modestos al
decidir este nombre para su banda, pero tampoco mentian, su concepto
de banda de rock-folk-sicodélico-orientalista-místico-celta, era
realmente increíble con un sonido "acústico", rara vez se incluían
instrumentos eléctricos, que recogía el folclor de su tierra , la
música celta, el rock sicodélico, la música hindú y la música árabe.
Pero no sólo musicalmente, la obra de la
Increíble, era un coctel, también temáticamente y en la construcción de
sus letras, el pragmatismo era la línea a seguir y sus canciones
incluían, leyendas escocesas y celtas, temas bucólicos, misticismo
oriental, discursos jipiosos, canciones de amor y
otros temas, siempre vestidos de las sutilezas, finezas, arcaísmos y
bellezas de las mezclas de sonidos tomados de cualquier parte del mundo y
cualquier tiempo, por Heron y Williamson, que fueron siempre la
Increíble, pues todos los músicos que los han acompañado, han sido, más o
menos, pasajeros.
TAKES OFF.
(JEFFERSON AIRPLANE). La banda se formó en 1965 en la Meca del hipismo teniendo como base la unión de Marty Balin y Paul Kantner, reclutaron a Signe Toly Anderson como cantante, Jack Casady en el bajo, Skip Spence en batería y Jorma Kaukonen en la guitarra líder. El disco que abrió la
creatividad del Jefferson lanzó este primer aviso de lo que vendría, una
explosión de imaginación y un éxito extraordinario que los llevó a ser
la banda mejor pagada de Norteamérica en el '67, incluye dos covers
"Tobacco Road" de Loudermilk, la pieza folk que se volvió favorita de
varios grupos que la recrearon y "Let's get together" de Chester Powers,
mejor conocido como Dino Valenti el líder de Quicksilver Messenger
Service, quien compuso esta canción que se volvió un himno juvenil de la
época hippie.
FIFTH DIMENSION.
(THE BYRDS). A principios de 1966 Gene Clark dejó a los Byrds y todo apuntaba hacia la decadencia y sisolución de la banda, como es sabido contratos son contratos y hay que cumplir con ellos, así que Crosby y Roger Mc Guinn se pusieron a componer canciones para suplir al ausente y el resultado fue que ellos mismos se descubrieran y firmaran con su nombre y personalidad, la mayor sorpresa fueron las canciones inspiradas en la ciencia ficción a la que Roger era adicto: "Fifth Dimension" y "Mr. Spaceman" fueron directo a las alturas y la alucinada "Eight miles high" de Crosby con Clark es desde entonces ejemplo de una clásica del tema de la utilización de sustancias que abren la mente. Y como suele suceder, la obra de emergencia y el resultado de la descomposición de la famosa banda o tal vez su decadencia, resultó ser uno de los mejores discos del año, de la banda y de la historia.
A QUICK ONE.
(THE WHO). Publicado el 9 de Diciembre de 1966 con producción de Kit Lambert, en el segundo disco los Who hicieron el experimento de poner a trabajar a todos en la composición y la tarea era que cada músico aportara dos piezas, a Daltrey no le dió más que para una canción "See my way" pero en cambio Entwistle se revelo con habilidades compositivas y pasó a ser el segundo a bordo de Towshend, la composición de Pete llamada "A quick one, while he's away" y duración de más de 9 minutos fue el primer intento de un álbum conceptual o una ópera rock que se hiciera realidad con Tommy después.
PSICHEDELIC LOLLIPOP.
(THE BLUES MAGOOS). En 1966 aparecieron por primera vez dos discos que como título usaban la palabra psychedelic (sicodélico), este y el del mismo año de The 13th Floor Elevators, había nacido la denominación para el espíritu musical y la cultura que estaba llegando rápidamente al mundo.
Los Blues se presentaron con un single que volteó las miradas hacia ellos "We ain't got nothin' yet" fue su pieza más conocida, les abrió camino y consiguió para este grupo de Nwe York el contrato de su primera grabación que mostraba a la banda como un grupo de garage como se dice de grupos "rupestres", con un sonido amateur, pero con el sonido que les dió una aura de grupo de culto.
La alineación que grabó el disco y se mantuvo hasta el '69 era: Ralph Scala - teclados y voz, Emil "Peppy" Thielhelm - guitsarra y voz, Ron Gilbert - bajo, Mike Esposito - guitarra, y Geoff Daking - batería y percusiones.
LET'S WORK TOGHETHER(CANNED HEAT). 1970
fue un año muy productivo para Canned Heat, además de "Future Blues",
sacaron al mercado un disco en vivo llamado "Live in Europa" y el muy
célebre "Hoocker 'n' Heat", álbum doble con John Lee Hoocker que revivió
la carrera de éste e hizo que las nuevas generaciones se interesaran en
él. Para
la grabación de "Future Blues" tuvieron que buscarle sustituto a Vestine, quien
dejó al grupo temporalmente, el reemplazo fue Harvey Mandel,
guitarrista de primera que estuvo en la lista de candidatos para suplir a
Mick Taylor en los Rolling Stones y fue el último disco que grabó Alan
Wilson, pues murió mientras se grababa el disco con Hoocker, unos meses
después de concluido el Blues del Futuro.
La razón de que este sea un álbum
singular está: en el repertorio conformado por grandes piezas de blues
ejecutadas magistralmente, pero sobre todo al sonido "grasoso" o
"rasposo", dirían otros, que le imprimieron a la grabación, el bajo de
Larry Taylor y la guitarra de Harvey Mandel, quien estaba allí en
ausencia de Vestine haciendo un trabajo impecable y creativo, para que
sepas con exactitud de que hablamos cuando decimos "sonido grasoso",
basta con escuchar "Let´s work together" o "Sugar Bee" y notar que el sonido de bajo y guitarra no se escucha "limpio"
sino con cierta distorción, con cierta suciedad, al estilo de los
músicos afro y poco utilizado por los "blanquitos" que preferían los
sonidos claros y limpios.
BLACK NIGHT (DEEP PURPLE)."In
Rock" es otro de los grandes acontecimientos del año 1970 para el rock
británico y mundial. Como álbum de transición entre el Purple de sus
primeros tres discos y el que sobrevive en este nuevo siglo, presentó
grandes innovaciones y sorpresas: en primer lugar, las incorporaciones
de Roger Glover como bajista y de Ian Gillan como cantante y la nueva
química asociativa que éstos lograron con la guitarra de Blackmore, y en
segundo lugar, el consecuente vuelco hacia el rock duro, aún con tintes
progresivos y sicodélicos, pero ya encaminado inevitablemente hacia el hard. "Black night" se publicó en Junio de 1970 como single y posteriomente agregado a la edición de los 25 años de "In Rock" como bonus track, desde su primera publicación nació clásica con su poderoso riff la no menos potente voz de Gillan y el aviso de los tiempos venideros, un rock duro y "metalico".
ARE YOU READY? (PACIFIC, GAS AND ELECTRIC). Charlie Allen era un cantante soulero que le daba a Pacific, Gas and Electric ese sonido negro que la distinguió, la banda estaba formada por exelentes músicos que además amaban al Blues, el Gospel, el Soul y toda la música del alma, de su disco de 1970 la pieza con el nombre del álbum fue éxito mundial, universal y atemporal.
AIMLESS LADY (GRAND FUNK RAILROAD). Una más de esas infalibles canciones dedicadas a las damas misteriosas, fascinantes, entrañables e inalcansables, es el gran número de un álbum lleno de buenas piezas en el momento en que el trío histórico conquistaba el mundo, con su rock sencillo sin complicaciones pero irremediablemente escuchado, gustado, adoptado y guardado para la vejez, muchas veces quisimos defenestar al Grand Funk por su falta de finura y virtuosismo, pero precisamente el virtuosismo de los Grand era llegar a las víceras.
MOTHER (JOHN LENNON) Uno de los acontecimientos traumáticos para el Rock en 1970,
fue la separación oficializada de los Beatles, el terrible golpe para losfansdel cuarteto de Liverpool, se
aliviaría con los discos individuales de John, Paul, George y Ringo que no
tardaron en aparecer, en ese mismo año se editaron "All Things Must
Pass" de George, "McCartney" de Paul y "Plastic Ono Band"
de Lennon, los tres nacieron históricos, estaban destinados a ser clásicos y ya
eran de los discos más importantes del año, antes de ser grabados, sólo por ser
las primeras grabaciones individuales de los Beatles después de su separación.
Mother fue la canción que se escuchó con más fervor, Lennon seguía convocando emociones y nobles sentimientos, su inagotable sufrimiento y su vocación de mártir le dieron la inspiración para ésta nueva clásica que completa "Julia" la primera pieza dedicada a su mamá, "Mother" se incluyó en una versión más corta en "Shaved Fish" de 1975.
INMIGRANT SONG (LED ZEPPELIN).Escrita por Jimmy Page y Robert Plant, con ella se abre el "Led Zeppelin III" y tiene como tema una historia de los vikingos precristianos, aquellos que conocieron los ingleses y otros pueblos europeos por las incursiones guerreras y saqueadoras, la canción comienza con la frase: "Venimos de la tierra del hielo y la nieve", letra de Pant que nació en su mente en Junio de 1970 durante sus conciertos en Islandia, la letra inicial tomó el rumbo de la historia de Leif Ericson (970-1020), explorador islandés al que se considera como uno de los primeros que llegaron a América del Norte.
El riff de Page imita los remos de las naves vikingas y el inicio vocal refiere a los supuestos gritos guerreros de estos guerreros legendarios, la pieza resultó la más popular del disco, ha sido usada para películas y frases de Plant en la canción se hicieron célebres por distintas razones " The hammer of the gods will drive our ships to new lands", el "Martillo de los Dioses" ha sido usado para nombrar a la música zepeliana.
AGAIN AND AGAIN (THE GREATEST SHOW ON EARTH). De la banda británica de nombre kilométrco que grabó sólo dos discos "Horizons" fue el más exitoso, las
canciones tratan temas del momento, la naturaleza, la iluminación, el
amor, la posibilidad de un mundo mejor y tienen toda esa ingenuidad y
candidez de los grupos de esa época, música dulce y mensajes
"positivos", exaltación de los más nobles sentimientos humanos y fé
ciega en la redención humana, todo eso que había en el rock poco antes
de que llegaran las generaciones de desilusionados y furiosos
encabezados por los punks.
La que más conocimos en México fue la que bautizó al álbum y su único gran éxito medido por popularidad y ventas fue “Real Cool World” pero mi favorita es "Again and again" dulce, melancólica, con instrumentos no eléctricos en el inicio, cambio de ritmo vertiginoso y agresivo para concluir serena y esperanzadora.
SON OF YOUR FATHER (SPOOKY TOOTH). Escrita por Bernie Taupin y Elton John apareció en "The Last Puff". Uno
de los grandes discos británicos de Rock y de fines de los sesentas es "Spooky Two" de
Spooky Tooth, pieza maestra de la composición, la ejecución, la
capacidad para captar el momento histórico e incorporar gran cantidad de
elementos de diversos origenes. De modo que
todo lo que hizo esta banda de suprema calidad, después de el "Two",
fue inevitable, absurda y lastimosamente subestimado, la muestra es el
que podría ser oficialmente considerado el siguiente registro
magnetofónico de Spooky, haciendo la aclaración de que en medio de los
dos está "Ceremony".Pero si se
hacen a un lado los prejuicios y se desmitifica un poco al antecesor, se
descubre que "The Last Puff" no tiene nada de "obra menor" y sí mucho
de sobresaliente, desde el excelente cover de "I'm the Walrus", siguiendo con "The Wrong Time", su maravillosa intensidad y todos y cada uno de los tracks hasta "Song of your father" mi favorita.
BLACK MAGIC WOMAN (SANTANA). "Abraxas"
es el álbum perfecto de Santana, en el que todo está excesivamente
cuidado: el equilibrio entre fuerza y delicadeza, entre todos los
componentes genéricos del sound y los papeles que van
desarrollando los instrumentos, inclusive hay un equilibrio perfecto
entre las partes cantadas y las instrumentales, de modo que da la
impresión de fluir sin contratiempos ni tensiones, no es uno de esos
discos que angustian al oyente o exacerban sus emociones, no es tampoco
el disco para poner a trabajar a las neuronas, es simple y llanamente un
disco para disfrutarse de forma relajada y placentera, sin que se tenga
la impresión de que está uno rebajando su nivel como escucha y
entregándose al comercialismo y la autocomplascencia, perdiendo la
exigencia, que es lo mínimo que tiene que conservar un buen melómano.
Por
supuesto que de este disco salieron muchos éxitos para toda la vida, o
muchas piezas que se hicieron clásicas: "Black Magic Woman", "Oye como
va", "I hop you're feeling better", "Samba pa' tí" o "Icident at
Nashabur", con la aclaración de que las dos últimas son enteramente
instrumentales, factor que suele hacer a las piezas menos populares,
pero eso no fue obstáculo para que se hicieran de muy buenos lugares en
las listas de ventas.
AFTER MIDNIGHT (ERIC CLAPTON). Después
de haber estado en el Olimpo y de ser considerado el guitarrista más
importante del Rock británico, a muy temprana edad, Eric Clapton se la
creyó demasiado, no soportó el peso de la fama, se enamoró de la mujer
equivocada, tomó demasiadas drogas o evidenció su frágil estructura síquica, puede ser una, dos o
todas, pero el caso es que su prometedora carrera se estaba despeñando a
fines de los sesentas. Dejó
Cream, le tuvo fé ciega a Blind Faith, se disfrazó de Derek y estuvo
casi retirado hasta que sus amigos unieron esfuerzos para prestarle un
hombro donde se apoyara y le organizaron el famoso "Rainbow Concert"
donde Pete Townshend, Rick Grech, Jim Capaldi, Ron Wood, Steve Winwood y
otros tocaron con Eric, para juntar dinero que sirviera para sanear las
finanzas "claptonianas" y para su rehabilitación. El resultado de esta etapa fue el regreso de Clapton a la música y este disco extraordinario, para mi gusto el mejor de Clapton solista y en él salieron por lo menos dos clásicas "After midnight" y "Blues Power".
LOLA (THE KINKS). En 1970 se publicó "Lola versus Powerman and Moneygoround" que tenía mucho de disco conceptual y que abordaba el tema de la industria musical con todos sus apéndices: críticos, prensa, editores, sindicatos y directivos de las disqueras, como era acostumbrado se lanzaron dos singles del disco "Lola" y "Apeman", las dos tuvieron gran éxito en ventas y en el recibimiento de la crítica. Lola tiene de especial que es tal vez la primera canción que tiene como personaje a un transvesti y su tratamiento es como solía ser por obra de Ray Davis, jocosa y ácida, el muchacho que se prenda de quien conoce en un club y aún sabiendo o al menos sospechando que es hombre no niega su gusto por la fascinante Lola.
BRIDGE OVER TROUBLED WATER (SIMON AND GARFUNKEL). Otro
gran acontecimiento del año 1970, fue el último disco de estudio de
Simon and Garfunkel, con Paul Simon en pleno dominio de las técnicas y
trucos de la composición, los arreglos y la producción en general,
tomando como base la fórmula ya más que probada de las piezas muy
orientadas hacia el folk, letras muy "literarias", las famosas e
infalibles armonías vocales que eran el sello inconfundible del dueto y
una combinación de piezas de Simon, de alto impacto, variadas,
melódicas, excelentemente bien arregladas, para conquistar a cualquier
público.
Como
resultado, el disco estuvo paseando por los lugares más altos de las
listas en un lado y otro del océano, iluminando y emocionando al planeta
con canciones impecables en su hechura que gustaban a chicos y grandes e
incluso que podían ser clásicas que versionara medio mundo, por supuesto que el gran hit fue la que le dió nombre al disco y que ahora es ya una clásica inmortal.
LOVE GROWS (EDISON LIGHTHOUSE). Fue grabada en estudio con músicos de sesión, compuesta por los productores Tony McCaulay and Barry Mason, cuando se publicó en Enero de 1970 y llegó al primer lugar en el Reino Unido más el 5 en Estados Unidos, tuvieron que armar una banda que apareciera en TV y presentara la exitosa canción, el grupo se formó con músicos de estudio, su frontman era un cantante de estudio llamado Tony Burrogs y su repertorio se armó con canciones de diferentes grupos, por supuesto que la banda no vivió mucho y pasó al olvido, pero "Love Grow" se convirtió en una clásica que sigue viva.
LAYLA (DEREK AND THE DOMINOS). Con el tiempo se convirtió en la canción más conocida de Eric Clapton, el disco se llamaba "Layla and other assorted love songs" porque la pieza del título la compuso a Patty Boyd esposa de George Harrison y no era una canción de amistad a la esposa de su amigo, sino una canción de amor apasionado porque Eric estaba perdidamente enamorado de la dama, en un principio la canción no tuvo nada de especial pero cuando se supo la historia de amor que contenía se volvió una clásica.
MY SWEET LORD (GEORGE HARRISON). Con la separación de los Beatles vino All things... el
esperadísimo primer disco solista de Harrison que se publicò despuès del de McCartney, George no contaba con el
curriculum musical de Lennon y McCartney, pero era un compositor
sobrio, serio y no carente de talento, hay
que recordar que Harrison acababa de regresar de una larga estancia en
la India, en donde se empapó del misticismo y la religiosidad de ese
pueblo y regresaba a su quehacer musical, cargado de la vibra que
ese estado de gracia generaba en su interior, el hombre estaba
iluminado, en armonía y muy creativo, de modo que la música que grabó en
esas circunstancias tenía un toque especial. De todas las canciones que asombraron al mundo llenas de religiosidad y amor, destacó "My Sweet Lord" clásica instantánea y éxito mundial, hasta la fecha se identifica con la obra de Harrison más que ninguna otra.
HORIZONS (THE GREATEST SHOW ON EARTH). "El
Espectáculo más grande sobre la tierra" era un nombre más que
megalómano pero aún así, la banda no defraudaba, formada por los
hermanos Garth y Norman Watt Roy - en algún lugar de Inglaterra - como
dijo Harrison, tenían como modelo a bandas norteamericanas del tipo de
Blood, Sweat & Tears o Chicago, así que se dieron a la tarea de
reclutar ejecutantes de metales, mientras ellos se hacían cargo de
guitarra, bajo y voces, otro apoyo fundamental era Mike Deacon en el
órgano,
El
resultado de grabar Horizons, fue una especie de catálogo de lo que se
hacía en esos tiempos, a ratos suena a "Hair" el musical sobre los hippies, en
otros suena a Flock o a Blood, Sweat... y a varios grupos, pero a pesar
de las influencias notorias la banda tiene personalidad propia y la
visión que les daba la cultura musical europea. En Mèxico la pieza "Horizons" se escuchaba mucho en la radio y fue un éxito para los oyentes mexicanos.
NO MATTER WHAT (BADFINGER) "No Matter What" fue el super éxito de Badfinger,en un principio, fueron
caminando con el talento que como compositor tenía Ham, autor de esta pieza, pero ya para
este segundo disco todo el grupo se reveló con talento para la
composición, todas las canciones del disco son de buena a excelente
calidad, sin embargo, este fue un álbum poco reconocido en UK, pero con
gran éxito en Norteamérica, al grado de que muchos escuchas, entre ellos
yo, pensamos por mucho tiempo que Badfinger era un grupo gringo.
Su letra es muy sencilla y sin
rebuscamientos, una simple canción de amor y amistad, pero musicalmente,
está muy bien construida, mezclando las canciones melódicas del tipo
beatle con el hard rock vigente, tiene una dulzura que se mezcla con
energía pura en un contraste imposible de ignorar, la canción te llega
por varios frentes, por su ritmo, por su melodía o por su letra, pero te
llega.
HOMEWORK (THE J. GEILS BAND). John Geils
amaba el blues y a muy corta edad, empezó a formar bandas para tocarlo,
en su natal Boston se encontró con el complemento perfecto, dos músicos
negros que se habían metido en los cuerpos de dos blancos, uno de
ellos, cantante fuera de serie, era Peter Wolf, al otro, armoniquista
excepcional, se le conocía como Magic Dick, aunque en realidad se llamaba Richard Salwitz y con ellos formó la banda que los llevaría a la inmortalidad, The J. Geils Band. En el disco con que
debutaron, de 1970, aparece esta canción que es un blusazo de la autoría
de Othis Rush, Al Perkins y D. Clark, maestros negros del género que
escarba en el alma y mueve al cuerpo, los amigos del señor Geils,
hicieron una versión insuperable, llena de ritmo y energía, con la voz
de Wolf en su mayor potencia blusera y toda la banda gozando el
maravilloso acontecimiento de tocar el blues.
LADY D' ARBANVILLE (CAT STEVENS). Esta
es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida, la
música, triste y dulce, la letra, una obra maestra del buen decir ¡que
bella descripción de la muerte y de la tristeza que esta provoca!
Dos
años antes Cat Stevens, cuando ya empezaba a ser conocido y había hecho llegar
algunas de sus canciones a las listas de popularidad, enfermó de
tuberculosis y pasó más de un año entre hospitales y reposo en casa y
parece que ese período de descanso forzoso, le permitió reformular su
posición ante la música y las canciones, compuso una gran cantidad de
piezas que se alejaban del tono Pop que hasta ese momento lo había
caracterizado y al volver a la actividad, las presento a Paul
Samwell-Smith, el bajista de The Yardbirds, quien hizo mejor carrera
como productor que como músico, éste produjo "Mona Bone Jakon", uno de los grandes discos de 1970.
VEHICLE (THE IDES OF MARCH). The Ides of March, nunca fue un grupo extraordinario, ni hizo discos históricos, el mejor de ellos es precisamente Vehicle, pero
pasaron a la historia con esta canción inmensa que pegó con tubo en todo
el mundo, en los mismos tiempos en que Chicago y Blood Sweat & Tears
llevaban a lo sublime este formato de banda con metales y bases en el
blues. Su
caractarística de canción potente y rítmica, con un acompañamiento de
metales, un bajo persistente y una voz muy blusera, hicieron de ella un
acontecimiento mundial, la letra es la de una canción de amor de su
época,el extraño que se sabe atractivo, promete a la joven que corteja,
llevarla a donde quiera y cumplirle todos sus deseos: llevarla a
cualquier lugar en su sedán, convertirla en estrella de cine o
simplemente que siga siendo como es y él pueda conquistarla, la frase
que se volvió clásica fue esa especie de plegaria donde declara su amor a
la mujer amada, y para enfatizar sus convicciones le dice al Dios
poderosísimo de todos los cielos que él sabe cuánto la ama.
SWEET JANE (VELVET UNDERGROUND). "Sweet Jane"
es una de las más inspiradas y perfectas composiciones de Reed, aunque
oficialmente este firmada como de la autoría del grupo completo, es
obvio que es una pieza "louridiana", con esa rítmica casi minimalista,
esa furia, esa rebeldía y esa pasión que Lou tiene y que en la juventud
era aún más violenta.
Personajes
típicos de Reed, oscuros, marginados, traumados o desadaptados y
retratos de un "american way of life" en decadencia, sin el
romanticismo ni la ingenuidad, tan sólo la vida cruda y real, las
emociones brotando como borbotones de sangre y un cierto matiz sepia,
como si la historia fuera el regreso a una escena ya pasada, sin duda
mi canción favorita de Velvet que aunque la escuche cientos de veces me
sigue emocionando y me eriza la piel.
THE MAN WHO SOLD THE WORLD (DAVID BOWIE). El segundo álbum de Bowie y
ya estaba el primer cambio en la carrera de este hombre que no podía
quedarse donde estaba, había en el equipo dos personajes fundamentales, Tony Visconti
como productor en este y muchos discos más, constituyendose en parte
indispensable del sonido Bowie. El otro personaje
importantísimo era Mick Ronson, el guitarrista de extraordinarias
cualidades sin quien los discos de esta etapa no hubieran sonado así,
Ronson les imprimía un sello muy especial, con Bowie, sin Bowie y a
pesar de Bowie.
De este disco salió a
la inmortalidad la canción que da nombre a toda la obra y que años
después tuvo se segundo aire cuando Kurt Cobain y compañía, lo grabaron
en la última grabación de Nirvana, curiosamente no es uno de los discos
con más canciones exitosas pero sí es, uno de los más completos y
disfrutables por su homogeneidad y consistencia.
TEACHER (Jethro Tull).
Benefit ha sido desde hace más de
treinta años mi disco favorito del Jethro y uno de mis consentidos de
toda la vida, con esas historias terrenales y
divinas a la vez y la extraña mezcla de sonidos perfectamente
ensamblados en un estilo incomparable, donde se unen armoniosamente el
sonido duro del rock y las suaves baladas folk o los sonidos medievales;
los instrumentos eléctricos con su fuerza y energía y los acústicos,
suaves y delicados, difícilmente puedo decidir cuál es mi canción
favorita del álbum, pero "Teacher" lleva una pequeña ventaja a las demás. Es
una de las grandes canciones de Anderson, con un riff que engancha, la
voz cavernosa, las intervenciones esporádicas o en solos de la flauta,
un bajo exacto que guia, y la letra de uno de los grandes compositores
del rock inglés, con un lenguaje vasto y evocador de imagenes e historia
que no se queda en lo descriptivo, sino que escarba en la naturaleza
humana para encontrar su esencia.
LET IT BE (THE BEATLES). La famosísima canción compuesta por Paul McCartney tuvo como inspiración como muchas otras en un sueño, Paul soñó a su madre fallecida en 1956 y ésta le decía que todo iba a estar bien, los Beatles como grupo estaba agonizando, la empresa Apple no funcionaba bien y había muchos problemas así que la "mamá Mary" aconsejaba que dejara los problemas y se resolverían solos, en el sueño Paul escuchaba "let it be" y esa frase fue su estribillo, se publicó como single junto con "You know my name" el 6 de Marzo de 1970, no hay que explicar su éxito en el momento y hasta la fecha, una clásica universal.
GREEN EYED LADY (SUGARLOAF). Jerry Corbetta y Dave Riordan son los autores de este superéxitazo del año 1970, lanzado como single e incluido en el álbum "Sugarloaf" de la banda del mismo nombre, clàsica instantánea que desde entonces aparece en todas las recopilaciones del año, de los setentas y de la historia del Rock. La banda impactò al mundo con su sonido sicodèlico y de hard rock, despuès de su primer disco grabaron "Spaceship Earth" y no hubo más, pero su sonido se quedó para la historia, la banda norteamericana es un grupo clásico que siguiò en activo hasta mediados de la década, inolvidable para las generaciones setenteras.
SPILL THE WINE (ERIC BURDON & WAR). Se publicó como single en Mayo de 1970 y en pocas semanas llegó al número 3 de las listas, forma de medir las piezas más exitosas del año.
Con
la finalización de la década, también se acabaron The Animals, fue entonces cuando Eric, se dejó seducir por la tierra
prometida de la paz, el amor y las flores, emigró a la costa oeste
norteamericana, se empapó de la vibra amorosa y el ácido,
encontró a la banda ideal para que acompañara a su voz y grabó un álbum
maravilloso, un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la
historia de la música.
War,
al contrario de Animals, era una asociación de grandes músicos,
especialistas virtuosos de sus instrumentos y amantes celosos de la
música negra, todos habían tocado Blues y Música Soul, pero en el
momento estaban inmersos en la experiencia de mezclar el Blues, el Rock,
la Sicodelia y el Funk, rama de la música afroamericana que estaba en
su apogeo.
PARANOID (BLACK SABBATH) lanzada como sencillo, con "The Wizard" como lado B, en el UK en julio de 1970, se dice que se compuso e incluyó en el segundo disco de Black Sabbath como relleno y luego elegida para nombrar al disco que originalmente se llamaba "War Pigs", la disquera cambiò el nombre para "no herir suseptibilidades" y confundir a los activistas contra la Guerra de Vietnam, la banda inglesa fue una de las pioneras del metal y su sonido fue novedoso y aceptado en el nivel planetario, "Paranoid" fue uno de los grandes éxitos mundiales y desde entonces, clásica del Rock universal.
ALL RIGHT NOW (FREE).
Canción escrita por Andy Fraser y Paul Rodgers para el exitoso "Fire and Water" de 1970, disco de la banda Free, la canción llegó al número 2 de singles en el Reino Unido y el 4 en Estados Unidos, además fue éxito número 1 en varios países.
"Fire and Water" que ya era su tercer disco, se volvió un clásico casi instantáneo, abriéndose paso con "All Right Now", con un riff de
esos memorables y una fuerza fresca y demoledora, fue un exitazo que
permitió a escuchas y críticos poner la debida atención a todo el disco,
que tiene joyas como "Mr. Big" y "Don´t Say Your Love me", con grandes
dosis de Blues en el panorama hard que domina al disco y en donde
Rodgers, demuestra su valía. Free fue uno de los ejemplos más
representativos del hard rock británico y en especial del hard
londinense, conviviendo con propuestas cercanas pero únicas como la de
Ten Years After o la de Bolan y su T Rex, develaron uno de los momentos
más emotivos y esperanzadores del rock en el Reino Unido, una especie de
reivindicación de las virtudes primitivas del género, un regreso a los
tiempos románticos en que el rock era pura fuerza, emoción y rebeldía.
