LOS DISCOS DEL '70. The Man Who Sold the World.

 
DAVID BOWIE
THE MAN WHO SOLD THE WORLD.
1970.

El segundo álbum de Bowie y ya estaba el primer cambio en la carrera de este hombre que no puede quedarse donde está y tiene que estar cambiando constantemente, de entrada había en el equipo dos personajes fundamentales, Tony Visconti como productor en este y muchos discos más, constituyendose en parte indispensable del sonido Bowie.

El otro personaje importantísimo era Mick Ronson, el guitarrista de extraordinarias cualidades sin quien los discos de esta etapa no hubieran sonado así, Ronson les imprimía un sello muy especial, con Bowie, sin Bowie y a pesar de Bowie.

Por otra parte, el sonido es extraordinariamente consistente, explosivo y emotivo y en esto tiene que ver mucho, el trabajo de Ronson, pero además el tono desencantado de la voz de Bowie hacen de este disco único en la discografía del camaleón, tan dado a repetir un "sonido " en dos o tres álbums, hasta perfeccionarlo y sacarle todo el jugo.

De este disco salió a la inmortalidad la canción que da nombre a toda la obra y que años después tuvo se segundo aire cuando Kurt Cobain y compañía, lo grabaron en la última grabación de Nirvana, curiosamente no es uno de los discos con más canciones exitosas pero sí es, uno de los más completos y disfrutables por su homogeneidad y consistencia.

LOS DISCOS DEL '71. Vintage Violence.

JOHN CALE.
"Vintage Violence".
1971.

John Cale nació en Gales en una extraña familia muy normal, el padre tenía dificultades para relacionarse con su introvertido hijo y la madre lo sobreprotegía, sufrió abuso sexual por parte de ¿adivinen quién? ¡un sacerdote! uno de esos casos que casi nunca suceden pero que al niño John le tocó y cuando se disolvió la banda que lo catapultó a la fama y a la historia, grabó su primer disco solista que se llama "Violencia añeja" que no era un título escogido al azar.

Su educación musical tuvo sus bases en la música sinfónica y en las vanguardias y el instrumento que aprendió a tocar primero fue la viola, la misma que en el Velvet Underground creaba esos ambientes y texturas tan especiales y contrastantes con la aspereza de la voz de Reed y sus guitarrazos, al disolverse Velvet, se dedicó un tiempo a producir discos que en varios casos se hicieron clásicos y luego grabó la primera obra totalmente suya con composiciones, arreglos, canto ejecución de instrumentos y producción en general.



Como en Velvet la parte notoria era la protagonizada por Lou Reed, la otra mitad siempre estuvo a la sombra y se hizo notar cuando apareció este disco, aquí están las melodías folk, los rocanroles impecables y las baladas oscuras con cierto toque sinfónico que después de revisar la obra de Cale se hacen evidentes en el telón de fondo de la obra velvetiana, el primer disco de John Cale es un disco redondo e impecable pero era sólo el aviso de las obras potentosas que vendrían.


Aquí se descarga el disco.

LOS DISCOS DEL '71. Layla and Assorted Love Songs.

DEREK AND THE DOMINOS.
"Layla and Other Assorted Love Songs".
1971.

Layla es un disco con aura, nació como el álbum del sufrimiento y del martirio del que había sido nombrado "dios de la guitarra", el carismático por introvertido Eric Clapton que tenía miedo de cantar y se concretaba a tocar su guitarra con las habilidades maravillosas que le dió la naturaleza. Para entonces, ya había tocado con los Yardbirds, con Mayall y su escuela de blues, después fue vanguardia de la música sicodélica con los extraños, asombrosos e inigualables sonidos del increíble Cream y de allí dió el salto al que se considera el primer "supergrupo" de la historia del rock, Blind Faith.

Pero dicen los historiadores, cronistas y biógrafos que para entonces Eric estaba más que "lampareado" por tener siempre encima de él, varios potentísimos reflectores y necesitaba un poco de anonimato, así que aceptó la invitación de los hermanitos Bramlett a quienes conoció en la gira de Blind Faith y con quienes entabló una bonita y efímera amistad, porque más tarde se "agarraron del chongo", allí pensaba, que tendría el papel discreto que deseaba como el guitarrista de Delaney y Bonnie, de esta asociación y la gira que hicieron, salió "Delaney, Bonnie and friends, on tour with Eric Clapton" que es para el gusto de su redactor, uno de los grandes discos en vivo de la historia del rock.



La asociación con la banda de los Bramlett siguió cuando ellos le produjeron su primer disco solista y lo acompañaron los amigos, o sea, la banda de Delaney y su hermana Bonnie, en una grabación que extrañamente muchos críticos desprecian, pero que a su servidor le parece de lo mejor de Clapton como solista, pero el caso es que, Eric el introvertido y tímido, no había conseguido el descanso anónimo que perseguía, con los Bramlett lo anunciaban aparte de los demás músicos y su disco solista era un disco de Clapton y entonces emprendió el proyecto llamado Derek and the Dominos"

Clapton era Derek y los Dominos, Bobby Withlock tocando órgano y cantando; Carl Radle, el extraordinario bajista siempre subvalorado por la historia; y Jim Gordon, un baterista excepcional que tampoco tuvo nunca un reconocimiento a la altura de sus cualidades, además aparecía como un invitado de lujo, Duane Allman, el malogrado y excepcional guitarrista de los Hermanos Allman, banda de blues blanco norteamericana, histórica y fundamental.



.El repertorio tiene como su estelar la canción del título que se hizo famosa porque corrió el rumor de que estaba dedicada a un amor secreto del tímido Eric, que además era esposa de un amigo, al final todo esto resultó cierto, la musa inspiradora era Patty Boyd, la esposa de George Harrison y además a Clapton, se le hizo relidad la love story, porque cuando Boyd se divorció de Harrison le dió el gusto de estar casada con él, nada menos que durante ¡diez años!

El resto del repertorio son canciones compuestas por Clapton, Clapton y Withlock, blues clásicos de los favoritos del "mano lenta" y una versión muy bien pensada de la bella "Little Wing" de Jimmi Hendrix, la banda que ya hacía un buen rato que tocaba junta y en vivo, estaba más que compenetrada y lo que podía haber sido un choque de virtuosos opacándose uno al otro entre Clapton y Allman, resultó, una complemantación perfecta, los dos lucen, los dos crean, improvisan y los dos se pusieron a la cabeza de la lista de los grandes de la guitarra con esta grabación, uno de los grandes discos de Eric Clapton.

Aquí se descarga el disco.

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LOS DISCOS DEL '71. Pearl.

JANIS JOPLIN.
"Pearl".
1971.

Janis Joplin estaba convirtiéndose con cada disco en la gran diva del blues blanco, inalcanzable para sus colegas e imitadoras, la combinación de su voz áspera y cruda con la emoción y el sentimiento que transmitia, sólo eran comparables con las que transmitía la mismísima Lady Day y como ella, era autodestructiva y sufrida, igual que Billie sufrió de más por amar de más y por necesitar sentirse querida y como la señora Holiday, se volvió adicta a todo lo que le calmara el dolor y le levantara la autoestima.

En el momento de grabar "Pearl", parecía que las cosas estaban cambiando, como en el caso de Jim Morrison, estaba haciendo esfuerzos para depender menos del alcohol y las drogas, parecía que al fin, había encontrado la pareja con la que tendría estabilidad, porque por más rebelde que la Janis fuera, por más mujer progresista y lo que a usted se le ocurra, esto era de suma importancia.



También tenía nueva banda, con músicos más completos y competentes que su vieja banda que era más entusiasta que virtuosa, la elección del repertorio era impecable y la voz de la "bruja" estaba en plenitud, como siempre lo estuvo, todo estaba puesto para que fuera el mejor o uno de los mejores discos de una larga y prometedora carrera, sólo que el 4 de Octubre de 1970, cuando el disco aún no estaba completo, había una pieza sin su voz y otra sólo con su voz, murió de sobredosis de heroína, la que estaba tratando de dejar y "Pearl se convirtió en su álbum póstumo.

Ésta condición de álbum póstumo, lo convirtió en un clásico instántaneo cuando salió a la venta al año siguiente, pero no sólo esa condición tiene que ver con la canonización de la obra, sin ser la mejor que para este servidor es "Kozmic Blues", tiene todos los ingredientes para ser un inmortal, Piezas excelentes, buenos músicos y Janis en plenitud de fuerza y sentimiento, es difícil decidirse por algunas piezas como las mejores, porque hay un nivel de calidad muy constante, mi favorita es "Me and Bobby McGee, pero me gusta cada canción y cada momento de ellas.

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LOS DISCOS DEL '71. L.A. Woman.

THE DOORS.
"L.A. Woman"
1971.

L.A. Woman salió para venderse en las tiendas unos meses antes de la muerte de Jim Morrison, se presentaba como una buena noticia, parecía la resurrección de la mítica banda, con Jim, rescatado del caos en que vivía y la inminente desintegración del grupo parecía alejarse y tal vez por eso tuvo un gran recibimiento, a los pocos meses de que empezó a ser escuchado, Morrison murió en París y las canciones del álbum se volvieron todas clásicas.

¿Qué tanto influyó la muerte de Morrison en la consagración de éste álbum? la respuesta de su seguro tecleador es que mucho, y pienso que hay por lo menos tres discos de la banda mucho muy superiores en toda la línea "The Doors", "Strange Days" (mi favorito) y el inmediato anterior "Morrison Hotel", repeso y repaso L.A. y no le encuentro la coherencia, la fuerza y la inspiración de los tres mencionados y me suena a Los Doors autoplagiándose, repitiendo las mismas fórmulas que les dieron fama.

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No es un disco que aburra o que no pueda escuchar completo, al contrario, es bastante agradable, mantiene la calidad instrumental de los dos hacedores de la música doorsiana, Manzarek y Krieger, se oye a Jim, más libre pero sin la pasión de antaño y tiene canciones bien armadas, con melodías pegajosas, y de este modo resulta el más "comercial" de los discos de la banda, no la despedida más deseada pero sí una despedida decorosa, el disco que grabaron después sin Morrison, ni caso tiene que se comente, daba pena ajena.

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LOS DISCOS DEL '71. The Yes Album.

YES.
"The Yes Album"
1971.

A mediados de 1970, los integrantes de Yes, estaban siendo presionados por la disquera Atlantic, para entregar su nuevo álbum, con la órden disfrazada de sugerencia de que dicho disco debería contener un potencial hit, así que se enclaustraron en una granja, viejo truco de las bandas de rock presionadas o en crisis, para dedicarse en cuerpo y alma, sin distracciones a trabajar exhaustivamente su nueva obra.

Además de los instrumentos, llevaban a su más reciente y flamante adquisición, el guitarrista Steve Howe, sustituyendo a Peter Banks, considerado el lado flaco de la banda y con Howe, esperaban un canbio cualitativo importante en el sonido global. no está de más decir que las expectativas sobre Steve se cumplieron con creces y se quedó con el puesto titular para siempre.

El trabajo de tiempo completo, colectivo e interactivo les permitió experimentar con nuevos sonidos: la voz de Anderson se nota más suelta que en grabaciones anteriores y enfrenta retos más difíciles de los que sale más que airoso; Tony Kaye logró texturas de fondo con su órgano, que aunque no estén en el primer plano, son un soporte fundamental del nuevo sonido que estaba logrando la banda; el virtuosísmo de Howe con la guitarra acústica (The Clap) y la fuerza de sus riffs, junto con la hiriente sonoridad de sus "solos", cambiaron el rumbo de la música del quinteto y el bajo de Chris Squire produciendo verdaderos truenos le dieron un "volúmen" extraordinario a la obra en general.



En Julio de 1970 hicieron una presentación en vivo para mostrar su nuevo material próximo a salir en disco y la respuesta favorable fue unánime entre público y crítica, el deslumbrante despliegue de sonoridades nuevas y recursos rítmicos, melódicos y armónicos surtió su efecto, después se fueron al estudio con el productor Eddie Offord quien pulió el sonido, lo abrillantó y enriqueció con nuevas ideas y dicen que fue allí donde parieron a su obra maestra del álbum "Starship Trooper", con Aderson cantando como ángel en remansos de formato acústico en contraste con tormentas eléctricas furiosas, cambios de ritmo y "paisajes" coloridos en una gran suite que es una de sus obras más importantes.

Pero también hay otras piezas de hechura sobresaliente, a mí me gustan especialmente "Yours is no Disgrace" y "I've Seen All Good People" dos piezas redondas y sin desperdicio alguno, con sentido siempre bien definido, entrada, desarrollo y culminación sin sobresaltos molestos o brincos sin sentido, éste disco de Yes tiene la importancia histórica de significar el cambio de rumbo de la banda de un rock muy cargado a la sicodelia a otro instalado en lo progresivo; también es importante porque con él inició la verdadera obra trascendente de la mítica banda inglesa que marcó un rumbo que habrían de seguir muchos.

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LOS DISCOS DEL '71. Nursery Cryme.

GENESIS.
"Nursery Cryme".
1971.

Segundo o tercer disco de Genesis con Peter Gabriel como líder, genio creador, director, compositor, arreglista, acompañado por cuatro músicos fuera de serie, excelentes instrumentistas y todos también, con notables habilidades para componer, de modo que Genesis era un auténtico supergrupo del tipo de Traffic o Led Zeppelin o alguna otra agrupación de superdotados.



No se si es el disco que consolidó a la banda o si nacieron consolidados, tampoco se si es el álbum de la madurez o hay otros más naduros, para mí, exceptuando "The Lamb Lies on Brodway", todos los discos de Genesis tienen el mismo nivel compositivo, estilístico y temático y sin contar el mencionado que me parece el anuncio de lo que haría Gabriel como solista, hay un sólo, larguísimo y genial álbum de Genesis (el Genesis de Gabriel) que empieza con "Trespass" y termina con "Selling England by the Pound", cuatro discos que podrían haber sido el único álbum cuádruple de la historia del rock.



Hoy escribimos sobre Nursery en especial por ser otro de los grandes discos del '71 y tiene el sello más conocido de Genesis en su primera etapa, antes de la salida de Gabriel: las historias llenas de imaginación y buen decir; la extraordinaria creación de "ambientes" sonoros para cada canción, únicos y sobresalientes, aún en un medio como el "progresivo", donde son comunes; la amalgama perfecta de rock, jazz, música "folk" y música sinfónica; y la increíble cantidad de recursos diversos para armar las canciones, sus arreglos y su ejecución, hoy no tengo que decir a nadie que Genesis es uno de los grandes acontecimientos de la historia del rock, pero pensemos lo que fue en su momento, en el contexto musical que hemos estado revisando y del que ya tenemos un buen panorama.

Aquí se descarga el disco.










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LOS DISCOS DEL '71. Meddle.

PINK FLOYD.
"Meddle"
1971.

El sexto disco de estudio de Pink Floyd se hizo en los tiempos libres durante la gira para presentar "Atom Heart Mother", con la exigencia de la compañía (Capitol) de entregar un nuevo álbum, y sin tener ninguna composición terminada para empezar a grabar, desde el registro magnetofónico de su segundo disco, los Floyd no habían llegado al estudio a componer, siempre tenían material nuevo para iniciar.

La historia dice que la metodología para hacer el disco fue: hacer un plan general que consistía en trabajar sobre una secuencia de acordes y una idea también general del "tono" emotivo de cada pasaje y que cada músico trabajara en un canal distinto de la grabadora sin saber que estaban haciendo sus compañeros, un experimento desesperado para avanzar en la tarea, pero pasaban los días sin que lograran armonizar o empatar nada, ni conseguir una pieza más o menos completa, al final todos estos "retazos" de música, no fueron tan en vano, pues fueron utilizados para armar la pieza más popular del álbum, "Echoes".



Mientras esto pasaba, cada uno de los "pink", trataba de avanzar con la parte lírica y no dejando este trabajo a Waters, como solía suceder, de modo que "Meddle" es uno de los discos de Pink Floyd con mayor contribución grupal en este campo, después de varios experimentos, como trabajar sobre un riff de guitarra o una línea de bajo o incluir todo tipo de sonidos del ambiente, el álbum fue tomando forma y aunque no tiene una temática central como otros y son canciones "sueltas", la experimentación y el proceso de creación colectiva lo hizo un álbum que suena muy coherente desde el punto de vista musical.

Al final, el talento de Roger Waters, Nick Mason, David Gilmour, y Rick Wright, produjeron una obra que auguraba ser un fracaso y que salvó los escollos con bastante dignidad, incluso "Meddle" aportó tres piezas a la lista de clásicas del grupo: "One of this days", "Fearless" y "Echoes".

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LOS DISCOS DEL '71. whatevershebringswesing.

"whatevershebringswesing"
1971.

Kevin Ayers se dió a conocer en el mundo del rock de forma no poco notoria, como miembro fundador de Soft Machine, el impactante grupo de "rock sicodélico en transición al progresivo", por ponerle una etiqueta que oriente un poco, con ésta banda grabó "The Soft Machine", el primero de los tres álbums, todos celebradísimas piezas de caza de los coleccionistas y miembros recurrentes de las listas de los mejores discos de la historia.

Ayers es y ha sido siempre un músico de amplio espectro, de niño viajó a Malasia y allí vivió varios años con su madre y el segundo esposo de ésta y se empapó del trópico, sus colores, olores, sonidos y ritmos, es hijo de un productor de la BBC, admirador declarado de Syd Barret y Lou Reed, escucha consetudinario de jazz y música vanguardista y relacionado estrechamente con la "escena de Canterbury, en donde tuvo cercana relación con varios de los mienbros de Caravan.

La personalidad de Ayers es un claroscuro de radicales contrastes, dueño de un talento musical extraordinario, podría estar entre los grandes creadores del siglo, pero extrañamente, siempre ha rehuido a los grandes reflectores, a la fama y a los reconocimientos, alejándose del "triunfo" en el momento preciso en que está a punto de llegar, tal y como sucedió después del asombro e impacto que causó el primer disco de Soft Machine, banda a la que abandonó antes de la consagración y desde entonces se ha dedicado a hacer álbums como solista de extraordinaria manufactura, siempre llenos de imaginación, creatividad y sorpresas.



El de marras, es el tercer disco de la producción "ayeriana" y anticipo de su álbum más aclamado, el famoso "Bananamour", de modo que es una obra producto de la experiencia, los talentos en plena madurez, la creatividad en su punto más alto y el momento histórico, lleno de propuestas diferentes e inovadoras que exigian a los creadores a parir productos de las más altas calidades, porque, se quisiera o no, existía una competencia muy intensa por llegar a las creaciones más deslumbrantes.

El tercer hijo de Kevin Ayers tiene, junto con él y para su creación a excelentes instrumentistas, con algunos nombres notables y una dotación de instrumentos rica sin exageración, pero la verdadera riqueza del disco son las muy variadas propuestas en cada una de las composiciones, hay canciones perfectas, las pongas en el género que las pongas como la que abre el banquete; oscuras e impactantes como "Margaret"; festivas rayando en lo circence como "Oh my"; más oscuras y desquiciadas como "Song from the bottom of a well"; melancólicamente bellas como la que da título al disco; de obvia inpiración loureediana como "Strangers in blue suede shoes", hay muchas formas de leer esta obra, pero la que destaca por encima de cualquier lectura es la que sigue la riquísima creatividad de este artista oscuro, que se oculta en las sombras y de vez en cuando lanza al mundo su última creación, casi siempre deslumbrante.

Aquí se descarga el disco.