LOS DISCOS DE 1968. S.F. Sorrow.

THE PRETTY THINGS

"S.F. Sorrow"

1968 

La explosión del rock inglés en la segunda mitad de los años sesenta, empezó con un interés inusitado por el R & B, que paradógicamente, estaba bastante olvidado y despreciado por la juventud norteamericana y una mayoría abrumadora de las bandas inglesas conocidas como históricas: Stones, Animals, Spencer Davis, Jathro Tull, Traffic, Them, Faces, Led Zeppelin, Cream, Zombies y muchas más empezaron como intérpretes de Blues y sus formas moderno-urbanas.

Los Pretty Things, admiradores de Bo Diddley y de quien tomaron el nombre, como el de una de sus canciones, no fueron la excepción, se formaron como grupo en 1963 y sus integrantes originales fueron: Dick Taylor con la guitarra, Phil May con la voz y la armónica, Brian Pendleton tocando guitarra de armonía, John Stax llevando el ritmo con el bajo y Viv Prince completando la sección rítmica en los tambores.

Iniciaron su carrera discográfica con algunos singles de regular éxito de los que el primero fue "Rosalyn", incluida en el álbum de covers de Bowie "Pinups" y por el que su redactor supo de los Pretty, hubo dos o tres más que al final formaron parte de su disco debut en 1965, grabaron un álbum más en la línea del R & B  y no pasó de que los consideraran imitadores de los Rolling Stones, pero a partir de 1967 todo cambió, los seductores aires de la sicodelia transformaron su visión de la música como muchas bandas que no la pudieron resistir.

"Emotions" fue el inicio del despegue de creatividad que se mantuvo creciendo y llegó a su cenit con "Parachute", una obra maestra de la sicodelia británica, a la altura de la que usted escoja mi querido lector, llámese "Disraeli Gears", "Odessey and Oracle", "Shine on Brightly", "Ogdens' Nut Gone Flake", Mr. Fantasy", "Sgt.Pepper's Lonely" Hearts Club Band" o "Their Satanic Majestics Request" ( de Cream, The Zombies, Procol Harum, Small Faces, Traffic, Beatles y Rolling Stones, respectivamente), por nombrar a algunas masterpieces del género.

Después vendría "S.F. Sorrow" de 1968, considerado, la primera ópera rock de la historia, anterior a "Tommy", aunque sin los reflectores de aquella, pero con una consistencia y calidad indiscutibles, música de rock imaginativa y emotiva en un formato hasta entonces virgen y que requería, solvencia compositiva y ejecutiva, elección inteligente de los elementos a combinar y el espíritu de la época, libre romántico y amoroso; colorido, rebelde y futurista.

Para continuar con "Emotions" había cuerda e ideas, a Phil May se le ocurrió escribir una historia protagonizada por Sebastian F. Sorrow que va desde su nacimiento, su vida amorosa, la guerra y su dolorosa realidad imposible de soportar, salvo con la locura para concluir con sus reflexiones finales en la vejez, para ir de acuerdo con el tono sicodélico, May creó una historia surrealista con muchos puntos de contacto con "Tommy", la polémica acerca de si, una historia copió a la otra o al contrario es ocio puro, los dos creadores estaban en el mismo canal y sus intereses literarios e ideológicos eran muy similares.

La historia no tiene nada de extraordinario: los orígenes comúnes de Sorrow, quién casualmente o premonitoriamente se apellida "dolor o tristeza", lo llevan a conocer la injusticia en la fábrica del pueblo, el amor que resulta de un enamoramiento y los planes juveniles de matrimonio se ven frustrados y la desilusión lo llevan a participar en la guerra, sobrevive a ella y a su regreso emigra al parecer a América y cuando su prometida va en su búsqueda, el globo en que viajaba estalla y ella muere.

El dolor y la desesperación lo llevan a un viaje a su interior, otro tema muy socorrido en la época por los músicos del rock, el viaje es inducido por un personaje fantástico que lo lleva por un viaje surrealista que bien fue tomado por May de varias obras literarias hasta que Sebastian regresa con lo aprendido y ya en la vejez saca sus conclusiones.

Si la historia no es un portento literario, la música ideada por los Pretty, tiene la audacia de explorar estructuras musicales que los colocaron como inovadores en el ambiente revolucionario que permeaba a toda la música juvenil británica y esta característica convirtió a S.F. Sorrow en una obra fundamental en el rock británico, en el rock de cualquier época y aunque no ha recibido aún el reconocimiento justo, ha sido revalorada, reeditada y conocida por más melómanos, de modo que otras generaciones están conociéndola.

Por último, tal vez un factor que hizo al disco poco atractivo, es que apareció con una portada memorable por su diseño y si tuviera que participar en un concurso de la peor portada de la historia tendría muchas posibilidades de ganar, al poco tiempo apareció "Tommy" de The Who, con la conocidísima portada que se volvió célebre e inmortal y digan lo que digan, estoy seguro de que las portadas de un disco y otro, tuvieron mucho que ver en sus éxitos.

 

LOS DISCOS DE 1968. The Kinks are the Village Green Preservation Society.

 

THE KINKS

"THE KINKS ARE THE VILLAGE GREEN PRESERVATION SOCIETY"

1968

 

 

 

Los Kinks tienen un significado especial en mi vida, era un adolescente quinceañero cuando a mis oídos llegaron los grupos de la "Ola Inglesa", como se llamaba a los grupos que lanzados por la industria disquera británica, invadieron norteamérica y el mundo entero, a la cabeza de la poderosa armada musical británica estaban por supuesto The Beatles, The Rolling Stones, The Animals, The Hollies y The Kinks seguidos por una gran cantidad de bandas, pero a mí, no sé por que extraña razón, no eran los Beatles ni los Rolling quienes me seducian como los Kinks con sus canciones que programaba la radio y un disco que quién sabe porqué, habian publicado en México y teníamos en casa.

Entonces no sabía que la producción disquera de mis ídolos ya constaba de seis o siete discos y conocí a toda la obra del genial Ray Davis, cerebro del grupo, mucho tiempo después, o sea a principios de los ochentas y más aún cuando llagó el CD y la posibilidad de conseguir todas estas grabaciones, pero fue en el año de 1968 cuando se grabó esta obra maestra de tardío reconocimiento, porque en su momento no vendió y fue olvidado muchos años.

El kilométrico nombre "The Kinks are the Village Green Preservation Society" es un conjunto de canciones que fue componiendo Davis a lo largo de varios años y tenían un tema común, la vida del campo, las costumbres de la gente sencilla, el contacto con la naturaleza y todo esto en contraste con la vida moderna y en contradicción con las grandes ciudades actuales en una añoranza de la inocencia de sus antepasados, idealizando esa vida sencilla ya desaparecida.

La grabación se convirtió en uno más de los discos "conceptuales" como fueron bautizados por tratar y desarrollar un tema o narrar una historia con canciones ligadas entre si, Ray Davis aborda asuntos como: Villa Verde, una canción anterior que hablaba de extrañar a la gente sencilla de esa aldea; la historia de Walter, su amigo desaparecido; recuerdos de viejas costumbres de pintar a los parientes y sus albums; retratos de personajes pueblerinos, Y animales de la granja o mascotas de los niños entre otros temas que en conjunto narran la historia.

LOS DISCOS DE 1968. The Beatles.

THE BEATLES

The Beatles

1968

Tres discos de The Beatles se disputan el privilegio de ser el mejor que hicieron los genios de Liverpool: "Revolver", "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y el que nació llamado homónimamente para posteriormente ser bautizado como "White Album", este último fue compuesto, grabado y publicado, inmediatamente después de Sgt. Pepper... cuando todavía asombraba y una cantidad importante de bandas estaban grabando música bajo la influencia del celebrísimo Club Band.

Al parecer las opciones eran: seguir en la línea y hacer otro disco que ampliara la veta sicodélica o dejar intocado el icono e ir a otra cosa que en declaraciones de McCartney, la idea era " tocar más como un grupo, utilizando nada más que los instrumentos que necesatábamos, en lugar de emplearlos solo por diversión", como muchas veces sucedió, diversión amalgamada con talento nato de los Beatles.

Lennon por su parte declaró en 1970 también sobre el "Album Blanco": " No me interesa el concepto de Sgt. Pepper; puede que sea mejor, pero, creo que mi música es superior en el Album Blanco porque en ella soy yo mismo", ambas declaraciones, coincidian en que los cuatro músicos se sentían mejor componiendo, arreglando y cantando con sus instrumentos de siempre, las composiciones con las que llegaba cada uno para ser completadas, enriquecidas y terminadas.

 A principios de 1968 los Beatles con sus parejas y amigos viajaron a la India, estaba de moda entre norteamericanos y británicos la meditación trascendental que enseñaba el Maharishi y el acercamiento a las religiones orientales, entre otros amigos y famosos estaban Mia Farrow la actriz norteamericana, Mike Love de los Beach Boys y el músico escocés Donovan, el ambiente de tranquilidad y estudio, trajo como beneficio que los cuatro compusieron una buena cantidad de canciones que al regreso se vería, la mayoría poseían una calidad extraordinaria, había más y nuevas canciones de Harrison y hasta una composición de Ringo.

Si bien la participación de los cuatro músicos en la composición, las ideas, las aportaciones y la grabación de excelentes canciones, anunciaban un nuevo disco (ahora doble) memorable y clasico instantáneo, por otra parte, el ambiente entre Lennon y McCartney a punto de la ruptura entre los dos, contagiaban la falta de armonía y hasta gente cercana como Geoff Emerick el ingeniero de sonido renunció a seguir soportando ese ambiente envenenado y George Martin no encontraba la forma de recuperar la armonía perdida entre sus antigùos protegidos, Ringo por su parte procuraba estar en el estudio lo menos posible.

El resultado final fue ese disco doble con cuatro canciones de Harrison entre las que destacan "While my guitar gently weeps", consagraba a George como compositor de grandes alturas, además de las acostumbradas composiciones de Paul y Lennon, baladas, rock y piezas experimentales como Revolution 9, las que se volvieron inmortales fueron: "Back in the U.S.S.R" y "Ob-la-di, Ob-la-da" de McCartney y de Lennon: "Julia" dedicada a su madre y joya invaluable de las baladas intimistas y "Happiness is a warm gun", un blues-rock que asombraba a propios y extraños.

Las ventas fueron exitosísimas, y la portada que también volvía a marcar vanguardia (cuántas veces las portadas de los Beatles fueron copiadas), portada blanca con la leyenda The Beatles con letras pequeñas) a pesar de todo aparecía la idea del auge, con la compañía Apple y el estreno de la película de dibujos animados "Yellow Submarine", pero el fin de la asociación de los cuatro liverpulenses, estaba a la vuelta de la esquina, después se grabó "Let it be" publicada como coda y el último de sus grandes discos con nombre del famoso estudio de grabación inmortalizado por ellos.

LOS DISCOS DE 1968. Super Session.

MIKE BLOOMFIELD & AL KOOPER

SUPER SESSION

1968

Mike Bloomfield y Al Kooper, se conocieron en la grabación de Highway 61 revisited, de Bob Dylan y de inmediato comprendieron que podían complementar sus talentos y formaron un dúo que hizo presentaciones sensacionales que afortunadamente han sido editadas y puestas a disposición del gran público, pero la grabación estelar de estos dos músicos la hicieron en 1968, acompañados por Steve Stills, la llamaron Super Session, porque estaba pensada como una jam session, como se llama en el jazz, a las sesiones musicales donde los músicos improvisan con sus instrumentos, en un ejercicio gozoso y lúdico.

Esta es la tónica del disco, hacer versiones de canciones de otros y combinarlas con piezas concebidas por ellos dos, entre las prestadas están Man's temptation de Curtis Mayfield; It takes a lot to laugh, it takes a train to cry de Bob Dylan, aparecida originalmente en el Highway 61...y Season of the witch, la inmensa pieza musical de Donovan, covereada en forma sensacional.

A este disco lo han considerado historiadores y críticos del rock como "la obra maestra del blues blanco" que ya es decir mucho, pues el blues hecho por músicos blancos ya tiene una larga historia y en ella hay grabaciones extraordinarias, el caso es que han pasado 47 años y sigue siendo reeditado, ¡sí lector, lo puedes conseguir en las tiendas de discos! y sigue siendo escuchado, por cincuenteros de preferencia, pero también por muchos melómanos jóvenes, una joya que no puede faltar en tu fonoteca, y si no tienes ni un disco rockblusero, empieza tu colección con este.

LOS DISCOS DE 1968. Music in a doll's house.

FAMILY

"Music in a doll's house"

1968

Family es una banda que estaba en la oscuridad y sigue siendo un grupo incomprendido, subvaluado y sólo venerado por minorías de melómanos que no siempre apreciamos pronto su música, en mi caso muchas décadas después, no estaban en la corriente principal, no evidenciaban su vena blusera, no formaban parte del grueso de las bandad británicas que estaban adoptando el rudimentario rock and roll norteamericano, no tenían el brillo de las bandas históricas y no quedaba claro que estaban hacíendo un nuevo rock.

Sus inicios en  Leicestershire en 1967, se distinguian del grueso de los grupos londinenses porque eran un grupo avant garde, en el sentido experimental y no estaban pensando sólo en la música sino en una combinación de disciplinas artísticas que estaban lo más lejos posible del gusto de la masa.

Para 1968 tomaron en serio la elaboración de su primer disco que significaba entrar al negocio de la música con la intención obvia de entrar al mercado, pero su música tenían muy poco en común con sus compañeros que estaban produciendo "el nuevo rock británico" que ya en sí era toda una revolución.

La grabación se hizo en 1968 y a pesar de que en ese momento, había una gran cantidad de propuestas en el universo del rock y muchas de ellas eran extraordinarias, imaginativas y libres, la de Family era realmente vanguardista.

Los músicos que conformaban la banda, eran todos multiinstrumentistas y esto les permitió una grabación de gran riqueza tímbrica, creada por instrumentos de todos los tipos, cuerdas, aliento, y percusión, que en piezas de estructuras complejas, daban a luz un sonido que hoy, sigue sonando un paso adelante, pero que en 1968, era algo extraordinario. El sonido de La música en la casa de muñecas, es una mezcla ecléctica, muy bien lograda de: folk, sicodelia, rock ácido y jazz y aunque en ese tiempo no estaba aún patentada la etiqueta rock progresivo, este disco era un anticipo muy claro.

Desde que empieza el disco, hay que reorganizar la mente porque no es posible entender nada con nuestro viejo cerebro maravillado con los Beatles, Rollings, Cream, The Who, e incluso Pink Floyd, todas ellas viejas glorias clásicas, tal vez la única banda emparentada muy lejanamente con ellos es Jethro Tull, pero el asunto es que, "Music in a doll's house" está impregnado de ácido lisérgico y mucho más, la voz de Chapman, por ejemplo, no sólo está cantando rock, en su voz hay teatro, literatura y poesía, de allí que la voz del susodicho tenga esa teatralidad única.

Y no se diga de las estructuras musicales, de la utilización de los instrumentos, de las músicas de cualquier espacio y tiempo, es una visión universal, irreverente, desencadenada y por desgracia, muy a menudo incomprendida, haz la prueba con tus conocidos y lleva un registro del tiempo que escucha el disco cada escucha y a ver cuántos lo escuchan completo y aún más, cuántos lo escuchan completo y algo transforma su vida.
 

  La alineación de Family para esta grabación, que no fue siempre la misma, era:

Roger Chapman: cantante principal, armónica y sax tenor.
John Whitney: guitarra líder y steel guitar, que es una guitarra metálica con un sonido muy especial.
Jim King: sax tenor y soprano, armónica y voz.
Ric Grech: bajo, violín, cello y voz.
Rob Towsend: batería y percusiones.

Las canciones con las que debutó Family en el mercado del rock eran todas composiciones de Chapman y Whitney, con la excepción de Never like this, que fue compuesta por Dave Mason, quien además fué productor, hay varias piezas extraordinas por encima de las de por sí especiales, las más reconocidas po el consenso de la crítica son sin duda: "Me My Friend", "Hey Mr Policeman" y "Peace Of Mind", la lista completa de piezas es:

1. Mellowing grey.
2. Never like this.
3. Me my friend.
4. Variations on a theme of hey Mr. policeman.
5. Winter.
6. Old songs for new songs.
7. Variations on a theme of the breeze.
8. Hey Mr. Policeman.
9. See tthrough windows.
10. Variations on a theme of me my friend.
11. Peace of mind.
12. The Chase.
13. Voyage.
14. The breeze.
15. 3 X time.

CANCIONES FAVORITAS. Call on me.

"CALL ON ME"

Autor: Sam Andrew

Intérprete: Janis Joplin

Janis Joplin igual que la gran Lady Day, como apodaban a Billie Holiday, eran cantantes con voces mal educadas, silvestres e imperfectas y sin embargo, fueron más famosas y aclamadas, además de mitificadas, que las grandes voces educadas, perfectas y refinadas, por eso la pregunta de rigor es ¿qué tenían Janis Y Billie que las hizo diosas del canto y leyendas inmortales?

La respuesta a tan trascendental pregunta, la han expuesto, los críticos, historiadores, melómanos y observadores de diversas épocas y espacios: Janis Joplin y Billie Holiday tenían la rara sensibilidad y la insólita habilidad para comunicar, más que palabras, emociones, poseían en sus voces unas riquísimas "paletas tonales", que daban colorido a cada pieza que interpretaban, a cada idea que comunicaban, a cada verso que declamaban y a cada palabra que salía de sus labios.

Imagina lector, que las dos damas, tenían en sus paletas, todos los sentimientos y emociones humanas y además, todos los matices de esos sentimientos y emociones, de modo que ponían el "color adecuado" a cada palabra que cantaban y eso, estimado lector, es un don divino, con Janis y con Billie, puedes escuchar las palabras y además sentir la tristeza, la alegría, la incertidumbre, la desolación, el amor el desencanto, la impotencia, el coraje, la felicidad y sobre todo, el dolor, ese dolor que ambas cargaron a lo largo de sus vidas atormentadas.

Call on me, es una canción de infinito amor y generosa solidaridad, es la declaración de incondicionalidad amorosa, resumida en un llamado salvador cuando el mundo se derrumba y la esperanza llora, es el canto del desesperado que sin encontrar el rumbo de su vida, tiene la fuerza para ofrecer su presencia y apoyo a quien como él, está a punto de abandonarlo todo y eso no lo dice la letra de la canción ¿ya te diste cuenta? lo dice la voz de Janis.

LLÁMAME.

Bueno, amor, cuando los tiempos sean malos
Llámame, cariño
Y yo iré a tu lado.

Cuando estés en problemas y te sientas muy mal,
Entonces, llámame, cariño, vamos, llámame y te ayudaré.
¡Sí!

Un hombre y una mujer se tienen el uno al otro,
Para encontrar su camino en el mundo.
Te necesito, cariño, como el pez necesita el mar.
No te lleves tu dulce, tu dulce amor lejos de mí.

Querida, cuando estés deprimida y te sientas muy triste,
Bueno, no te ahogarás. Yo estaré ahí también.
No estás sola, yo estoy contigo.

Cualesquiera que sean tus problemas, amor, no me importa.
Un hombre y una mujer se tienen el uno al otro,
Para encontrar su camino en el mundo.
Te necesito, cariño, como el pez necesita el mar.
No te lleves tu dulce, tu dulce amor lejos de mí.

¡Por favor! Entonces, querida, cuando los tiempos sean malos,
Llámame, cariño, sólo llámame.

CALL ON ME.

Well, baby, when times are bad,
Now call on me, darling,
and I’ll come to you.

When you’re in trouble and feel so sad,
Well, call on me, darling, come on call on me, and I’ll help you.
Yeah!

A man and a woman have each other, baby,
To find their way in this world.
I need you, darling, like the fish needs the sea,
Don’t take your sweet, your sweet love from me.

Baby, when you’re down and feel so blue,
Well, no, you won’t drown, darling, I’ll be there too.
You’re not alone, I’m there too,
Whatever your troubles, honey, I don’t care.

A man and a woman have each other, baby,
To find their way in this world.
I need you, darling, like the fish needs the sea,
Don’t take your sweet, sweet love from me!

Please! So baby, when times are bad,Call on me, darling, just call on me. 





 

LOS DISCOS DE 1968. The family that plays together.

SPIRIT

"The family that plays together"

1968

The Family plays together, grabado en 1968, fue el segundo disco de la banda californiana Spirit, formada por Randy California, guitarrista excepcional, compositor y cantante; Ed Cassidy, baterista prófugo del ambiente jazzero que también tocaba teclados; Mark Andes, compositor , bajista y cantante y Jay Ferguson, percusionista y cantante.

Después de haber grabado Spirit, su grabación debut, que resultó un disco excepcional, con un sonido propio y maduro, vino The family... que representaba el reto de superar o por lo menos mantener, la calidad de las grabaciones, el reto, fue superado con creces en este álbum, que sintetiza las propuestas musicales del momento y otras que aún no aparecían.

Ejemplo: I got a line on you, tiene un sonido cercano al de Santana y aun más al que después patentó Rare Earth, con percusiones latinas y la guitarra de Randy, con apariciones discretas, pero fundamentales; It shall be, Poor Richard y Silky Sam, que podrían ser clasificadas como sonido costa oeste, a lo Spirit, con esa capacidad que tenía la banda para combinar elementos de forma magistral; Drunkard, un rolón inclasificable, con arreglos de cuerdas y cambios rítmicos; It's all the same, rock duro, con tintes sicodélicos a cargo de la guitarra de Randy, produciendo efectos que anticipaban los mejores momentos de Page en el Zeppelin y la batería de Cassidy, marcando el rumbo de la canción y dándose tiempo para un solo lucido y enérgico: el momento culminante del disco está en Aren't you glad, pieza inmensa que tiene la característica de ser una obra maestra y al mismo tiempo una canción que podría haber sido un éxito comercial, desde mi punto de vista, está a la altura de Sunshine of your love o White room de Cream, con California, otra vez, en plan de maestro.

El torrente de luz deslumbrante que produce The family... es, en resumen, la combinación acertada y genial de: el virtuosísmo de California, llevando con sus líneas melódicas y sus experimentaciones sónicas a cada canción por rumbos sorpresivos e impredecibles, es el elemento sin freno que ejerce su libertad sin cortapisas, la dirección del maestro Cassidy quien desde la batería y los teclados, contiene a las canciones, les da rumbo, estructura y forma, una especie de contrapeso al desbordado talento de Randy, el bajo exacto de Andes, uno de esos bajistas que convertían al bajo en instrumento solista y la inclusión de otros elementos, coros, arreglos de cuerdas, flautas, violín solitario, todo ensamblado de forma impecable.

Lista de canciones.

1. I got a line on you.
2. It shall be.
3. Poor Richard.
4. Silky Sam.
5. Drunkard.
6. Darlin'if.
7. It's all the same.
8. Jewish.
9. Dream within a dream.
10. She smiles.
11. Aren't you glad.

LOS DISCOS DE 1968. Sweetheart of the Rodeo.

THE BYRDS

"Sweetheart of the Rodeo"

1968

The Byrds es el grupo de folk-rock norteamericano de mayor importancia, por sus raíces folk, por su originalidad e identidad inconfundibles y por sus aportaciones al rock, que no fueron pocas, sus discos roquerofolksicodélicos son insuperables, la utilización de coros como armonías, el sello de sus guitarras y la gran habilidad para amalgamar géneros, rítmos y estructuras sónicas provenientes de los más diversos espacios y tiempos los colocaron entre las bandas históricas y clásicas del rock.

Para estos músicos caracterizados por su despreocupado y ligero paso de un territorio musical a otro como si todos fueran propios, no fue cosa de otro mundo hacer un disco extraordinario de country rock, género siempre presente en sus grabaciones, en canciones sueltas o en porcentajes significativos de un álbum determinado, sólo que "Sweetheart..." es country de principio a fin y nota por nota, una cátedra de como hacer discos redondos de rock ranchero, sin altibajos ni fisuras, ¿el secreto?, además de las habilidades ya enumeradas, haber tenido en la alineación de la banda, en exclusiva y sólo para esta grabación, al gran maestro, al que muchos consideran el creador del híbrido en cuestión, Gram Parsons.

Parsons ya había terminado el ciclo con su primera banda y fue invitado por Chris Hillman a integrarse a The Byrds, que por esos días estaba diezmado, había sido despedido David Crosby y Michael Clarke, se había ido por su cuenta, además de que la banda ya había pasado por sus mejores tiempos y sus mejores discos, estaba alicaída y desvitaminada, de modo que la incorporación de Parsons fue vitamina y vida para la moribunda leyenda.





Parsons aportó al disco, su conocimiento de la música ranchera, sus habilidades como músico y sus talentos como arreglista y compositor, por su gestoría se invitó a un grupo de músicos y a sus instrumentos que dieron color y vida al sonido de "Sweetheart...", los instrumentos y sus ejecutantes, invitados para la grabación fueron: piano: Earl P Ball; Guitarra Steel: Lloyd Green y Jaydee Maness; Banjo: John Hartford y Guitarra: Clarence J. White.

Y para completar el momento y la circunstancia afortunados, las canciones muy bien elegidas abarcan una gama rica de compositores, empezando por Bob Dylan, para no variar la banda cuyo nombre está "entre los primeros lugares de los Nombres Más Pendejos del Rock" (José Agustín dixit), incluyó dos canciones de su compositor favorito; una de Woody Guthrie, varias de compositores de vena ranchera; otras de los compositores habituales de la banda y otras más del maestro Parsons.

LOS DISCOS DE 1968. Odessey and Oracle.

THE ZOMBIES

"Odessey and Oracle"

1967

Los Zombies sólo grabaron tres discos y en general son considerados como una banda de singles, sobre todo por el arrollador éxito de "She's not there", de "Time of the season" y de su versión de "Summertime" la pieza más famosa de la monumental "Porgy and Bess" ópera-gospel de Gershwin, eran ingleses, pero no profetas en su tierra y su mayor popularidad la lograron en la Unión Americana, donde hicieron incontables jornadas de giras por todo su territorio.

En 1967, antes de disolverse como banda, debido a las desavenencias entre Rod Argent y Chris White, los dos miembros que lidereaban a la banda, desde su estatus de ser los que componían las canciones, grabaron este disco que en varias ocasiones y por varios entes, ha sido considerado: disco clave para su época, uno de los mejores del año 1968 y uno de los 500 mejores de toda la historia que aunque ya había sido grabado, fue lanzado en Abril del '68 en el Reino Unido y posteriormente en Norteamérica.

Antes de Odessey... los discos de los Zombies eran una mezcla de canciones de sus dos compositores y covers de canciones famosas, pero en el que se reseña, por primera vez, todo el material grabado era propio y en su realización se conjuntaron diversos factores que le dieron su calidad atemporal: la calidad de Argent y White como armadores de canciones; el "momento de la época", pleno auge de la sicodelia que los hizo concebir, un disco de complejas estructuras y texturas musicales; la calidad que como instrumentistas tenían todos y cada uno de los muertos ambulantes y las armonías vocales insuperables que imaginaron y plasmaron.

De modo que hicieron una obra maestra de Rock-pop-sicodélico, fina y elegante, sobria y envolvente, una de esas que por mucho tiempo fueron subestimadas o llanamente ignoradas, pero que, al paso del tiempo, fueron revaloradas y situadas en el sitio correspondiente entre las mejores de su momento y de cualquier tiempo.

 

LOS DISCOS DE 1968. Beggars Banquet

THE ROLLING STONES

BEGGARS BANQUET

1968

 

"Beggars Banquet" grabado entre Marzo y Julio de 1968 era ya, la obra de una banda joven y experimentada a la vez, el séptimo disco grabado en el Reino Unido mostraba a los talentosos Rolling y a la vez. la forma en que habían crecido y aprendido, todas sus cinco grabaciones primeras son sorpresivas, siempre incorporaron novedades, incursiones en variados géneros musicales y las capacidades crecientes del milagroso encuentro de los cinco Stones.

Los Stones estaban concientes de que apenas empezaba la historia, en 1967 fuertemente influidos por la sicodelia, como cultura juvenil, fascinante, cautivadora y esperanzadora, no pudieron ignorar la música y sus nuevos sonidos, pocos grupos juveniles de todo el mundo resistieron experimentarla, Los Rolling Stones hicieron en el mencionado año, su álbum experimental y sicodélico "Their Satanic Majesties Request", considerado un fracaso por los melómanos, los críticos y hasta por los propios Rolling, varias décadas después fue valorada y rescatada de la injusticia.

Dando vuelta a la página, decidieron iniciar nueva grabación, en su terreno, en sus elementos y con la música conocida y amada, Blues y Música Country, el nuevo  productor norteamericano al principio fue rechazado por Jagger, según su propia confesión Mick pensó: "Oh dios mio, es lo que me faltaba. No pienso que mi ego pueda soportar que algún tipo con sangre Yankee venga aquí y me diga que sonido debo sacar de The Rolling Stones", cuando le dijeron que se trataba de Jimmy Miller quien ya había trabajado con  The Spencer Davis Group y Jagger recordó que había producido el disco de Traffic, se convenció de que era una buena elección.

Renovados y volviendo a su música más querida, se pusieron a componer y grabar febrilmente, mostrando una vez normal que tenían una creatividad inagotable, de ese estado de inspiración, surgieron piezas que se volvieron clásicas y constituyendo una de las colecciones más notables de la historia: "Sympathy for the devil", una de las más notables de todos los tiempos, irreverente, sarcástica y narrando una historia de la humanidad contraria a todas las historias oficiales de todas las clases dominantes, mostrando a Lucifer revelando la "verdadera" historia.

Otras piezas que siguen siendo inmortales, son las perfectas: "No expertations", una bella balada impregnada de ambiente country y pieza de amores dolidos y soledades sin remedio; "Dear Doctor" es otra obra perfecta difícil de preferir de "Parachute woman", canción amorosa de una mujer que es comparada con un paracaídas, salvadora, guía, y en los nuevos tiempos tomados en sus manos por las mujeres.

"Street fighting man", otra considerada himno generacional, sobre las revoluciones juveniles en todo el orbe en el 1968, la Guerra de Vietnam y los tiempos revolucionarios que iban a cambiar al mundo radicalmente; "Prodigal son", "Stray cat Blues", y prácticamente todas y cada una de las canciones, fueron consideradas obras maestras, dueñas de una homogenidad pocas veces logradas.

CANCIONES FAVORITAS.

BOREDOM

Intérprete: Procol Harum

Autores: Gary Brooker, Keith Reid y Matthew Fisher 

Boredom es una canción extraña en la carrera de Procol Harum, no entra en ninguna etiqueta, no tiene tintes sicodélicos, no acude al rock metálico ni coquetea con el rock sinfónico y a la vez demuestra la gran cantidad de recursos musicales, instrumentales y literarios.

Contiene una mezcla de ritmos y percusiones entre caribeños y polinesios o algo cercano a los mares del pacífico, despliega una dulzura que tranquiliza, produce gozo y se convierte en canción favorita, también puede ser que esos extraños aires marítimos tengan que ver con la temática marítima del disco .

La guitarra acústica de Robin Trower muestra una faceta más del músico, la maestría de este guitarrista inigualable, siempre sorprendente conocedor de muy variadas técnicas y habilidades, la letra que se refiere al aburrimiento, está llena de sarcasmo, aludiendo a las mil actitudes humanas, que pretenden revolucionar, alcanzar algo trascendente o de plano simular que no se hace lo que se anuncia para que al final, "siempre, todo sea lo mismo".

 

ABURRIMIENTO.

Algunos dicen que lo harán y algunos dicen que no lo harán
Algunos dicen que lo hacen y dicen algunos que no lo hacen
Algunos dicen que deben hacerlo y otros dicen que no podrán
y algunos dicen que pueden y no falta quien diga que no puede
En suma, todo es lo mismo
pero díganme si hay algún cambio
Algunos dicen que no hay nada y otros dicen que hay demasiado
Algunos dicen que han comenzado, mientras que algunos dicen que renunciaron
Algunos dicen que van y hay quien dice que ya estuvo
Sí, algunos dicen que están buscando y otros dicen que ya lo vieron
En suma, todo es lo mismo
pero avísenme si hay algún cambio.





BOREDOM.


Some say they will and some say they won't
Some say they do and some say they don't
Some say they shall and some say they shan't
and some say they can and some say they can't
All in all it's all the same
but call me if there's any change
Some say there's nothing and some say there's lots
Some say they've started while some say they've stopped
Some say they're going and some say they've been
Yes, some say they're looking and some say they've seen
All in all it's all the same
but call me if there's any change