Los Discos de 1970. American Beauty

GRATEFUL DEAD.

"American Beauty".

1970.

"El Muerto" ya era el gran icono del Rock ácido, el sumo sacerdote de los rituales lisérgicos y la banda de la casa en Haight - Ashbury, capital de la Nación Hippie, cuando grabó su sexto disco, que se distanció de los anteriores, a la vez, que redondeaba y consolidaba un sonido inigualable e inconfundible.

Hasta el año de 1970, Grateful Dead había seguido una línea muy bien definida: mezclas consistentes de rock, sicodelia, blues, country y todos los géneros de la música popular norteamericana que vengan a la mente; larguísimos desarrollos rítmico-armónicos alrededor de la guitarra de Jerry Garcia, en resumen, Rock y Blues básicos, sin extravagancias ni sofisticaciones, un sonido duro, emotivo y el ambiente casi ritual y catársico de las piezas con duración de media hora con solos de guitarra de veinte minutos.

En "Workingman's Dead", del mismo 1970, ya habían anunciado el cambio, que se confirmó con esta Belleza Americana que no es ninguna metáfora, sino música americana concebida, tocada y grabada bellamente, los rasgueos toscos, rudos y enérgicos, se transformaron casi totalmente en arpegios delicados; las voces desnudas y mal educadas, se enlazaron en coros armónicos casi nunca ecuchados en boca del muerto y la dotación instrumental básica del Rock, guitarras eléctricas y tambores, se enriqueció con sonidos acústicos de guitarra no electrificada, mandolinas y pedal steel guitar, el mismo viaje ácido, sin riesgos de ser "malviaje", puro placer, armonía universal y belleza.

El disco se volvió un clásico a menudo considerado como la obra maestra de la aún legendaria banda, un imprescindible de la historia roquera y la quintaescencia del acid rock, además de la constatación de que entre los talentos de Jerry García, Phil Less, Bob Weir, Robert Hunter, Ron McKenan y compañía, también estaban el buen gusto y la delicadeza que se hacen presentes hasta en el diseño de la portada y aún es posible detectar el cambio en la grabación, por fin los Grateful, decidieron dejar a un lado su tradicional forma de grabar discos, casi  "en vivo", en una o dos tomas y con poca posproducción, se acercaron a la nueva tecnología que ya tenía consolas multipistas y que tuvieron que ver mucho con el sonido de este clásico inmortal.

 

 

Los Discos de 1970. All Things Must Pass.

GEORGE HARRISON.

"All Things Must Pass".

1970.

Hay muchos discos en mi vida que me han marcado de diferentes formas y este es uno de ellos, All things must pass, de George Harrison, primera producción solista del beatle solitario, después de la separación del cuarteto, antes había editado dos discos experimentales, sin letras, sólo combinaciones de sonidos, exploraciones que Harrison, al igual que Lennon con sus Two virgins y Life with the lions, realizaron aún siendo parte de The Beatles, pero estos cuatro experimentos no tuvieron la mayor trascendencia, se vendieron y se siguen vendiendo, porque son objetos de culto, pero era claro que los cuatro de Liverpool no se habían vuelto semidioses por hacer ruiditos y grabarlos, sino por ser maestrísimos en el arte de armar canciones, eso era realmente lo suyo.

La separación del cuarteto no había disminuído en nada, la expectativa que despertaba la inminente publicación de un nuevo disco de cualquiera de los ex-beatles, Paul se había adelantado, gracias a esa visión mercadotécnica que siempre ha poseido, siendo el primero que daba a luz una grabación post-beatle y haciendo honor a su característico egocentrismo grabó el más egocéntrico de todos sus discos, en donde él era el productor, el compositor, el arreglista, el que tocaba todos los instrumentos, el que cantaba, el que hacía los coros y tal vez hasta diseñó la portada, en la que por supuesto, estaba una foto suya.

Casi de inmediato, vino All things... el esperadísimo primer disco solista de Harrison quien no contaba con el curriculum musical de Lennon y McCartney, pero era un compositor sobrio, serio y no carente de talento, la canción de The Beatles que a mí más me gusta, es de él: The inner ligth que es un ejemplo de sus capacidades como cancionero, además de ser para muchos beatleómanos, nuestro beatle favorito, el cuate tenía un carisma que no se basaba en la facilidad para exponerse al reflector, como sus compañeritos, sino en todo lo contrario, una personalidad reservada, introvertida y enigmática.

En esos tiempos mi hermana tenía un novio fuera de lo común en nuestro medio que era la Unidad Habitacional Nonoalco-Tlatelolco, porque tenía un poder adquisitivo que la mayoría de los que vivíamos allí no teníamos, el chavo llegaba a verla de traje, pero no vayan a pensar que con un traje viejo de su papá, sino traje nuevo y a la moda, de esos con cuello circular y sin solapas y camisa cuello Mao, que también era de super moda, y siempre le llevaba a su novia, o sea mi carnala, un regalito y a su prospecto de suegra, o sea mi jefa, otro, era un cuate medio mamón y creido, pero que a la vez impresionaba a mi impresionable mente puberta.


Y resulta que un día que era el cumpleaños de mi querida hermanita, el susodicho novio llegó con el super regalo, el regalo de regalos, ni más ni menos que el álbum triple de George Harrison que se llamaba All things must pass. Yo no sé que impresión le causó el regalo a mi consanguínea, pero para mí fue todo un madrazo.

Era una caja de cartón con la foto de Harrison con las barbotas y la greñota, vestido de leñador en un campo abierto y unos pinos al fondo y para completar la escena, unos gnomos a diestra y siniestra, una foto impresionante y misteriosa.

Adentro estaban los tres discos, envueltos en sobres de papel de distintos colores y las letras de las canciones impresas, en el tercero de los discos que es el del jam, como había pocas letras estaban los créditos de todos los músicos participantes, los técnicos, autorías y otros datos que ya entonces para su servidor eran imprescindibles.

Y por último la música, canciones melancólicas y tristes, pero a la vez melódicas y bellas, las canciones típicas de George y así pasé horas días y meses escuchando los discos sin descanso, hasta que llegué a aprenderme varias rolas, aún sin saber ni que decían y entonces aparecieron en el México canta, las traducciones hechas por Carlos Baca que en esos tiempos era algo así como el gurú del hipismo mexicano, un cuate medio charlatán pero conocedor del ambiente hippie y de la música que todos los días aparecía como hongos en tiempos de lluvia, y fue así como empecé a enterarme del contenido lírico del álbum que era en esencia el amor, a su dios, la humanidad y su mujer.

Hay que recordar que Harrison acababa de regresar de una larga estancia en la India, en donde se empapó del misticismo y la religiosidad de ese pueblo y regresaba a su quehacer musical, cargado de la vibra que ese estado de gracia generaba en su interior, el hombre estaba iluminado, en armonía y muy creativo, de modo que la música que grabó en esas circunstancias tenía un toque especial.

De algún modo el álbum se volvió de mi propiedad, porque mi hermana no le hacía mucho caso, escuchaba My sweet lord y párenle de contar, después ella se casó y dejamos de compartir el mismo techo, yo seguía visitándola para platicar, pues esta mujer ha sido siempre una gran amiga, compañera y consuelo y veía como mi adorado álbum envejecia y se deterioraba por causa del descuido, muchas veces propuse adoptarlo para darle la vida que merecía, pero mi manita nunca me lo dió en custodia, de modo que nunca lo tuve en esa presentación maravillosa y sólo lo poseí cuando apareció la versión en C.D.

Pero el caso es que nunca dejó de ser un álbum entrañable, ligado a bellos recuerdos y a una etapa de mi vida en que fuí inmensamente feliz.

Los Discos de 1970. Fun House.

THE STOOGES.

"Fun House".

1970.

 Gonzalo Aróstegui Lasarte.*

Pocas veces el arte de componer e interpretar rock and roll ha alcanzado el grado de perfección y coherencia logrado en Fun House (1970), segundo elepé de los Stooges, último de la formación original y fin también de la relación contractual con Elektra. Si en The Stooges ya descubrimos el sonido característico de la guitarra en wah-wah del maestro Ron Asheton aplicado a clásicos que serán padres del punk rock, la unidad de los siete temas que componen Fun House, la destrucción a la que apuntan y en la que desembocan, el acercamiento al free jazz para fundirlo con la sencillez del lenguaje rock y un Iggy Pop personificando el peligro en sus interpretaciones vocales hacen del segundo trabajo del grupo de Detroit una obra arrebatadora y profundamente inspiradora para cualquiera que haga de guitarra, bajo y batería su forma de expresión.

Grabado en directo en los Elektra Sound Recorders de Los Ángeles, con algún overdub de Ron Asheton, el metálico riff de Down On The Street nos adentra en un mundo de droga y paranoia que se acentúa en Loose y T.V. Eye, dos bombas de relojería de las que beben por igual punk, hardcore y heavy metal. Los majestuosos siete minutos de Dirt, su particular visión bañada en ácido del blues (que los Stooges seguirán retorciendo en Raw Power), ponen fin a la primera cara. Es entonces cuando entra en escena el saxofón de Steven Mackay, epígono de John Coltrane y Ornette Coleman, y, junto a los hermanos Asheton y Dave Alexander, lleva el planteamiento stooge a su máxima libertad, radicalidad y lirismo en 1970 y Fun House, piezas que, siguiendo su propia lógica y la de toda la grabación, sólo pueden concluir en el paroximso atonal y feroz de L.A. Blues, cerca de cinco minutos de ruido infernal que tanto pueden poner fin como dar comienzo a la pesadilla.

Aunque pueda parecer imposible, dada la intensidad y dimensión del logro, los Stooges (Iggy and The Stooges, si hablamos con propiedad; Pop era la figura que fascinaba a David Bowie y a tantos otros, y el que podía dar mayor tirón comercial a la banda), con James Williamson a la guitarra, relegado Ron Asheton a las cuatro cuerdas, serían capaces, tres años después, de igualar el nivel de Fun House con Raw Power, otro álbum soberbio y definitivo. Nacidas de ordenar el caos a su manera, la perfección y coherencia a las que hacíamos mención más arriba, sin embargo, hacen de Fun House, en mi opinión y en último término, el mejor de los discos de los Stooges.

 *Gonzalo Aróstegui, hace un blog especializado en el Rock, desde la Madre Hada Patria, se llama Ragged Glory y es más que recomendable, acaba de publicar su segunda novela "En los antípodas del día", o sea, que es un hombre de letras en serio, y con gran generosidad nos dió el permiso para publicar aquí su texto sobre "Fun House", uniendose así a la celebración del cuarto aniversario de Los Sueños.

 

 

Los Discos de 1970. Eric Burdon Declares WAR.

ERIC BURDON & WAR.

"Eric Burdon Declares War".

1970.

Eric Burdon no es un músico en el sentido ampliado del término, no ha compuesto grandes canciones, en los tiempos de The Animals aparecia como coautor de las piezas pero casi siempre como letrista, no es un ejecutante ni siquiera mediano de algún instrumento y la única, profunda y vital relación que tiene con la música, es su gusto por cantar.

Empezó a hacerlo en forma semiprofesional, en su natal Newcastle con el antecedente de los Animals, que se llamaba Alan Price Combo, no eran nada de otro mundo, una banda conocida solo localmente, como cientos que había a fines de los sesentas en el Reino Unido.

Con sus dos cartas fuertes, su tecladista Alan Price y Burdon quien había aprendido a cantar a la sombra de su adoración por Ray Charles, emigraron a Londres y allí todo cambió, encontraron quien se interesara en ellos y con el nuevo arreglo que Price hizo de la vieja y tradicional canción folk norteamericana "The House of the Rising Sun" como punta de lanza, se fueron anotando un éxito de ventas tras otro. 

No tenían a un Eric Clapton como instrumentista virtuoso, no tenían a un Winwood como músico completísimo, no tenían a Jagger y Richards o Lennon y McCartney, como mancuerna de compositores sobresalientes, pero tenían un sonido negro, buenos e imaginativos arreglistas en la disquera y un cantante sin competencia en todo el Reino Unido para la música negra (el único que estaba a la altura era Van Morrison), eran una banda con bastantes limitaciones, pero sabían sacar el mejor provecho de sus fortalezas.

Con la finalización de la década, también se acabaron The Animals, empezaron por cambios continuos en la alineación y terminaron desintegrándose, fue entonces cuando Eric, se dejó seducir por la tierra prometida de la paz, el amor y las flores, emigró a la costa oeste norteamericana, se empapó de la vibra amorosa y el ácido, encontró a la banda ideal para que acompañara a su voz y grabó un álbum maravilloso, un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la historia de la música.

War, al contrario de Animals, era una asociación de grandes músicos, especialistas virtuosos de sus instrumentos y amantes celosos de la música negra, todos habían tocado Blues y Música Soul, pero en el momento estaban inmersos en la experiencia de mezclar el Blues, el Rock, la Sicodelia y el Funk, rama de la música afroamericana que estaba en su apogeo.

El resto fué fácil, escogieron el repertorio, compuesto básicamente por las composiciones de War, más "Tobacco Road" de John Loudermilk y "Mother Earth" de Chapman y las grabaron como una larga suite hipnótica y catársica, los War tocaron como sabían hacerlo, con oficio, libertad, amor, virtuosísmo y emoción y la voz de Burdon sonó como nunca lo había hecho, parece fácil, tan fácil como que se encuentren las dos mitades de algo que siempre debió estar unido.

WAR.

Harold Brown, batería.

Dee Allen. congas y percusiones varias.

Bee Bee Dickerson, bajo y voz. 

Howard Scott. guitarra y voz

Lee Oscar. armónica.

Charles Miller. Flauta y sax tenor.

Lonnie Jordan. piano y órgano.

 

CUMPLEAÑOS DE LOS SUEÑOS.

LOS SUEÑOS CUMPLE 4 AÑOS.

Los Sueños está cumpliendo en este mes, cuatro años de estar activo y lo vamos a festejar con una gran tarea: reseñar y comentar 50 de los discos que se editaron en 1970, ya está la lista en el artículo dedicado al año en forma general e invitamos a los lectores a participar en la celebración de dos formas: eligiendo los discos que les gustaría ver reseñados de la lista mencionada y a colaborar con reseñas críticas de discos de ese año, si te decides por esta forma, manda tu artículo a amblalluna@gmail.com, por supuesto que el escrito llevará el debido crédito al autor.

GRANDES AÑOS DEL ROCK. 1970.

GRANDES AÑOS DEL ROCK.

1970.

 

 

El inicio de la década setentera trajo consigo la consolidación de un gran movimiento roquero, el salto cualitativo resultante de la acumulación de cambios cuantitativos y estuvo lleno de acontecimientos definitivos, relacionados con la nueva música clásica que adquiría el carácter de universal.

Entre estos acontecimientos históricos están: La separación de los Beatles, la aparición de los discos y la película del Festival de Woodstock, La difusión de Jesus Christ Superstar, la más conocida ópera rock de la historia, no la primera, que según parece es S.F. Sorrow (The Pretty Things) pero la que más se acercaba al concepto de "ópera", las muertes de Janis Joplin Y Jimi Hendrix.

En ese año aparecieron en el mercado varios de los que son mis discos favoritos de cualquier género o época: "All Things Must Pass", de George Harrison, la obra maestra de mi beatle favorito; "Benefit" de Jethro Tull, mi primer contacto con esa banda histórica y que curiosamente fue a través de los Dug Dug's,  grupo duranguense que escuchaba domingo a domingo en distintos puntos de la ciudad y que tocaban todo el disco como si fuera el Jethro, me gusta toda la obra de Mr. Anderson, pero este disco es mi preferido. 

Del '70 son también,"Déja Vu" de Crosby, Stills, Nash and Young, otra masterpiece de todos los tiempos; "Eric Burdon Declares War", una maravilla y uno de los grandes discos de blues que he escuchado; el disco debut de Eric Clapton como solista, sencillo, sin el deslumbrante sonido de Cream o Blind Faith, pero con oficio, amor y emoción; "Fire and Water" de Free; "Future Blues", el disco que más me gusta de mi banda de blues blanco favorita, Canned Heat; "Horizons" de The Greatest Show on Earth, obra que escuchaba en mi programa de radio que más seguía y que en ese entonces me deslumbraba. 

No hay forma de olvidar, "Hooker and Heat", el discazo que grabaron los mismos Canned con el maestro del boogie John Lee Hooker; la mencionada rock ópera "Jesus Christ Superstar"; el debut de la J. Geils Band, otro de los grupos de blues blanco que me iniciaron en el género; "Just for Love" que como todos los discos de Quicksilver es de mis favoritos; el tercero de Led Zeppelin, que fue el primero del Zep que escuché maniáticamente; "Mad Dogs and Englishmen" de Joe Cocker, que es de mis álbums en vivo preferidos; "McDonald and Giles" el hermano de "In the Court of the Crimson King".

Otros álbums entrañables que han permanecido en la preferencia de su redactor, pero que también son de una calidad extraordinaria son: "Mona Bone Jakon" del orfebre de la canción Cat Stevens, un disco bello, oscuro y magistral; "Delaney & Bonnie and Friends, On Tour with Eric Clapton", recientemente comentado en este espacio; el disco debut de Sugarloaf, un grupo poco reconocido que a mí me gusta mucho y no solo por su "Green Eyed Lady", canción que fue un hit mundial; "Supersnazz", que por ser de los Flamin' Groovies, ya está en mi lista de consentidos, pero que además aparece en diversas listas de lo mejor de la historia.
 

En otra lista de consentidos está "Stand!" del genial Sylvester Stewart, líder de Sly and the Family Stone, con su asombrosa fusión que resultó en el originalísimo funk sicodélico; la obra maestra de Spirit, "Twelve Dreams of Dr, Sardonicus; "Ecology" de Rare Earth; "Chunga's Revenge" de Zappa y el último disco que grabó Jimi Hendrix, "Band of Gypsys".

Pero no sólo están los que tienen conmigo un lazo afectivo, en ese año se hizo, una cantidad anormal de discos de gran calidad y muchos que ya son clásicos, la lista completa de los que conosco y disfruto desde hace mucho, la mayoría, y desde hace poco los recién descubiertos, es la siguiente:

 





 





 

 

 

1. Abraxas. SANTANA.
2. Absolutely Live. THE DOORS.
3. All things must pass. GEORGE HARRISON.
4. American beauty. GRATEFUL DEAD.
5. Are you ready. PACIFIC, GAS AND ELECTRIC.
6. A song for me. FAMILY.
7. Atom heart mother. PINK FLOYD.
8. Back in the USA. MC5.
9. Band of gypsys. JIMI HENDRIX.
10. Benefit. JETHRO TULL.
11. Blood, Sweat & Tears 3. BLOOD, SWEAT and TEARS.
12. Bridge over troubled water. SIMON & GARFUNKEL.
13. Bryter layter. NICK DRAKE.
14. Burrito Deluxe. FLYING BURRITO BROTHERS.
15. Chicago II. CHICAGO.
16. Chunga’s revenge. FRANK ZAPPA.
17. Closer to home. GRAND FUNK RAILROAD.
18. Cosmo’s factory. CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL.
19. Cricklewood Green. TEN YEARS AFTER.
20. Déja vu. CROSBY, STILLS, NASH AND YOUNG.
21. Desertshore. NICO.
22. Dinosaur swamps. THE FLOCK.
23. Ecology. RARE EARTH.
24. Eric Burdon declares “WAR” ERIC BURDON.
25. Eric Clapton. ERIC CLAPTON.
26. Empty rooms. JOHN MAYALL.
27. False start. LOVE.
28. Fire and water. FREE.
29. First step. SMALL FACES.
30. Frijid Pink. FRIJID PINK.
31. Fun House. THE STOOGES.
32. Future Blues. CANNED HEAT.
33. His band and the Street Choir. VAN MORRISON.
34. Home. PROCOL HARUM.
35. Horizons. THE GREATEST SHOW ON EARTH.
36. Hot Tuna. HOT TUNA.
37. Hooker and Heat. CANNED HEAT 6 JOHN LEE HOOKER.
38. If 2. IF.
39. If I Could do it All Over Again, I'd do it All Over You. CARAVAN.
40. I looked up. THE INCREDIBLE STRING BAND.
41. In Rock. DEEP PURPLE.
42. In the wake of Poseidon. KING CRIMSON.
43. Jesus Christ Superstar.
44. J. Geils Band. THE J. GEILS BAND.
45. John Barleycorn must die. TRAFFIC.
46. Joy of toy. KEVIN AYERS.
47. Just for love. QUICKSILVER MESSENGER SERVICE.
48. Ladies of the Canyon. JONI MITCHELL.
49. Led Zeppelin III. LED ZEPPELIN.
50. Let it be. THE BEATLES.
51. Live. STEPPENWOLF.
52. Live Cream Vol. I. CREAM.
53. Live at Leeds. THE WHO.
54. Lizard. KING CRIMSON.
55. Loaded. THE VELVET UNDERGROUND.
56. Lola versus Powerman and the Moneyground. THE KINKS.
57. Looking in. SAVOY BROWN.
58. Mad dogs and Englishmen. JOE COCKER.
59. Marryng maiden. IT’S A BEAUTIFUL DAY.
60. Mc. Donald and Giles. Mc DONALD AND GILES.
61. Mona Bone Jakon. CAT STEVENS.
62. Moondance.  VAN MORRISON.
63. Morrison Hotel. THE DOORS.
64. New morning. BOB DYLAN.
65. No dice. BADFINGER.
66. On tour, with Eric Clapton. DELANEY & BONNIE.
67. Open. BLUES IMAGE.
68. Parachute. THE PRETTY THINGS.
69. Paranoid. BLACK SABBATH.
70. Plastic Ono Band. JOHN LENNON.
71. Self portrait. BOB DYLAN.
72. Shooting at the moon. KEVIN AYERS.
73. Soundtracks. CAN.
74. Sugarloaf. SUGARLOAF.
75. Sunflower. THE BEACH BOYS.
76. Supersnazz. FLAMIN’ GROOVIES
77. Sweet baby James. JAMES TAYLOR.
78. Stand! SLY & THE FAMILY STONE.
79. Third. SOFT MACHINE.
80. Tea for the tillerman. CAT STEVENS.
81. The going's easy. THE GREATEST SHOW ON EARTH.
82. The Man who sold the world. DAVID BOWIE.
83. The last puff. SPOOKY TOOTH.
84. Third. THE SOFT MACHINE.
85. Time and a word. YES.
86. Trespass. GENESIS.
87. Trout mask replica. CAPTAIN BEEFHEART AND HIS MAGIC BAND.
88. Twelve dreams of Dr. Sardonicus. SPIRIT.
89. U. THE INCREDIBLE STRING BAND.
90. USA Unión. JOHN MAYALL.
91. Vehicle. THE IDES OF MARCH.
92. Willy and the Poorboys. CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL.
93. Woodstock. VARIOS.
94. Workingman’s dead. GRATEFUL DEAD.  
95. Yeti. AMON dUUL.

LOS DISCOS DE 1972. Mama Lion.

MAMA LION.

"Preserve Wildlife"

1972.

 

Lynn Carey nacida en 1946, como hija de un actor, inició su carrera siendo actriz y modelo, pero esta bella dama también tenía talentos musicales, tocaba la guitarra, componía canciones y cantaba, pero no como muchas que siendo mujeres guapas, graban discos que los admiradores de su belleza van a comprar indefectiblemente.

Ya desde fines de los sesentas Lynn cantaba en distintas bandas, pero fue hasta 1972 cuando, al convertiese en la vocalista del grupo Mama Lion, logró notoriedad en esta faceta, acababa de morir Janis Joplin y el eco de su voz aún resonaba y de cierto modo se había creado una corriente de rock-blues con cantantes blancas de piel y negras del alma, jóvenes amantes del blues que habían asimilado la forma de cantar de las afroamericanas.

Con un timbre de voz entre "la sacerdotisa" Pense y de la "bruja cósmica" Janis, se unió al selecto grupo de cantantes blancas de blues que llenaban una parte del espectro discográfico y caminó junto a Grace Slick, Julie Driscoll y Lydia Pense, todas consentidas de este blog, a Lynn la tenía un poco olvidada, pues siempre me pareció una copia descarada de Janis, pero ahora que hemos estado revisando los discos del año 1972, vale la pena rescatarla para los que no la conocen y recordarla a quienes admiraron algún día su obra como cantante y por supuesto, su belleza.

La banda de Lynn, era bastante competente, sin utilizar metales lograba un sonido pesado y muy blusero gracias a los teclados de Jim Howard; y el liderazgo conjunto del bajo Neil Merryweather y el guitarrista Rick Gaxiola, la batería estaba a cargo de Coffi Hall, solamente grabaron este disco, el más conocido y su debut, además de uno que salió en 1973.

"Preserve Wildlife", no es un disco que haya marcado rumbos, ni supera a ninguno de Janis, Lydia o Julie, la sanísima trinidad del blues blanco y femenino, y sin embargo es un disco hecho con oficio, cantado más que decorosamente y muy disfrutable.