Los Discos de 1970. Led Zeppelin.

LED ZEPPELIN III.

1970

El Blues es una música enraizada profundamente en las condiciones étnicas. históricas y emotivas de un grupo social, es un elemento de identidad tan fuerte y necesario que, ofrece una resistencia invencible al cambio, no puede dejar de ser lo que es ni transformarse, porque pierde su naturaleza emblemática y la gente que con él se cobija y se alimenta, queda desamparada y sin identidad.

A fines de los sesentas y principios de la década siguiente, se produjo contra el Blues una pequeña revuelta, en Norteamérica consistió en que, jóvenes músicos blancos se atrevieron a tocarlo y grabarlo, eso sí, con gran respeto y veneración, sin tratar de cambiarle nada y haciendo esfuerzos sobrehumanos para que sonara como el de los grandes maestros afroamericanos; en el Reino Unido, la revuelta tuvo tintes iconoclastas, pues al igual que en América, músicos jóvenes y blancos reivindicaron al Blues como la música que querían tocar, sólo que ellos trataron de darle un aire propio, lo mezclaron con su música tradicional y con los sonidos nuevos del rock, produciendo una música deslumbrante que podía llamarse "Blues sicodélico".

Cream, The Jimi Hendrix Experience y Led Zeppelin, fueron los grandes creadores de ese género que prometía mucho, pero los Cream, no quisieron ir más allá, Hendrix no tuvo tiempo para ir más allá y sólo la super banda Led Zeppelin, mantuvo levantado el estandarte. Led Zeppelin III, fue el "ir más allá", después de dos grabaciones deslumbrantes que inauguraron un sonido único, a pesar de los intentos de ser copiado, donde el blues adquirió una dimensión distinta, con la misma emoción y alma, pero con sonidos vanguardistas, virtuosos y finos. 

Para que eso fuera posible se necesitaba una super banda y el Zep lo era, con un guitarrista que desde entonces se sabía que iba a ser uno de los más grandes, uno de los mejores vocalistas de todas las épocas, un genio de la batería y uno de esos bajistas que como los del Jazz, usaban el instrumento más allá de su función rítmica.


Led Zeppelin III, cambió el rumbo del dirigible, en la primera parte se escucha un hard rock impecable, de gran fuerza y finura al mismo tiempo y en el lado B   del LP original, una cara desconocida o poco exhibida del mítico cuarteto, un rock acústico con tintes country, Page y Plant llevaron a su nivel que hoy conocemos, el juego llamada-respuesta, tensión-distensión característico de la banda y la base rítmica Bonham- Jones, crearon el fondo sonoro ad hoc a ese duelo de virtuosismos.


La conocidísima "Inmigrant Song" llegó al número 20 del top americano y el álbum fue uno de los acontecimientos del año en Gran Bretaña, llegando de inmediato al número 1 y vendiendo copias como pan recién horneado hasta llegar al triple platino, con él, los "zepelinos" lograron la hazaña de hacer un rock de gran originalidad, sin concesiones y además popular y todos pensaban que el dirigible no subiría más, pero todavía faltaba el IV, consumación de todos los elementos y sus combinaciones presentadas en este disco histórico.

Los Discos de 1970. Traffic.

TRAFFIC

"John Barleycorn Must Die"

1970

"John Barleycorn Must Die", es un disco que a menudo es señalado como el mejor de Traffic, pero hay otros que también reciben esa distinción, yo nunca he podido decidir entre éste, "Traffic" y "Mr. Fantasy", pero si me preguntan ¿cuál es el mejor disco que ha grabado Steve Winwood?, contesto sin vacilar que es John Barleycorn... y no se comete ningún acto injusto con tal afirmación, porque el susodicho es un álbum con composiciones de Winwood, su voz, su piano, su órgano y su guitarra, una obra del niño prodigio del Rock Inglés y sus amigos.

Es el disco donde Traffic aparece con su formación más reducida: el mencionado Winwood, Chris Wood, tocando saxos y flautas y Jim Capaldi en percusiones y letras, se produjo en el momento en que la banda se estaba reuniendo después de haber estado disuelta un tiempo en el que Steve, su alma, se incorporó al supergrupo Blind Faith, al término de esa aventura Winwood tenía planes de hacer un disco como solista, a su antojo y a su tiempo, sin las presiones y tensiones que había en el all stars de donde venía.

Así que el material que tenía esbozado se redondeó con la mejor compañía y en el mejor ambiente: la de los amigos y el de la camaradería, o no es cierto  querido lector, ¿que en los discos de Traffic se respira armonía, amistad, diversión y relajamiento?, Steve y Jim Capaldi hicieron mancuerna excelsa para componer las canciones, Chris Wood hizo un trabajo impecable y fino en los alientos y la voz del niño prodigio estaba en su mejor momento, con su timbre y sentimiento "soulero" de sus tiempos con Spencer Davis más un nuevo color que había adquirido en el ambiente sicodélico de la Fé Ciega.

Otra novedad en ese Traffic, era la fuerza contenida a propósito para crear una tensión muy especial que llega a remansos totalmente deselectrificados, como en la pieza homónima del disco, que es una canción del folk inglés, de modo que esta pieza y sus compañeras son uno de los grandes acontecimientos discográficos del año 1970 y no porque haya escalado muy alto las listas de popularidad o haya contenido un gran éxito, sino porque, tenía un espíritu contrario, una intención artística muy definida y un desprecio notable por la comercialidad.

Los Discos de 1970. Van Morrison.

VAN MORRISON

"Moondance"

1970

George Ivan Morrison creció escuchando Jazz, blues y música country, que su padre coleccionaba y traía de sus viajes a la Unión Americana y a los doce años tuvo su primera guitarra, luego tomó clases de sax y de piano, aprendió a tocar la armónica y lo que más lo distingue, aprendió a cantar con el estilo de la música afroamericana.

Fundó varias bandas de skiffle antes de la que lo hizo famoso Them, que ya sorprendía por el dominio que tenían sobre todos los géneros de la música negra y por la voz de su cantante, empapada de blues y soul, considerando que eran irlandeses y ni siquiera norteamericanos blancos (aunque hay que recordar la famosa frase del film "The Commitments", cuando Jimmy Rabbitte les dice a los miembros de su banda que pretende ser una banda de soul, "los irlandeses somos los negros de Europa").

Con Them obtuvo varios hits mundiales, uno de ellos inmortal y clásico "Gloria", muchas veces grabado por diversos artistas, terminado el ciclo con esa banda, Van Morrison se dedicó a hacer discos como solista y su debut fue extraordinario, se llama "Astral Weeks" y es considerado como uno de los discos más importantes de la historia del rock, de modo que un inicio tan prometedor, requería de continuidad, la fórmula Van Morrison, se la ha dado por varias décadas.

Su segundo disco salió al mercado en 1970 y se llama "Moondance" como una de las piezas que con el tiempo se volvió clásica y la cantan y han grabado varios cantantes, especialmente del mundo del Jazz y es como su antecesor y casi toda la obra de Van Morrison, una fina mezcla de Blues, Soul y Jazz, con la voz negra más espectacular del rock inglés, músicos más que competentes y las piezas de la autoría total de "Van the Man", como lo llaman sus seguidores más fieles.

Pero ¿qué tienen de especial las piezas musicales de este artista? que están profundamente enraizadas en la música afroamericana, que para Van, la música negra es la música negra sin distingos y en todas sus piezas están todos los géneros, mezclados con maestría y naturalidad, pero además la mezcla se condimenta con finos toques de folk celta y toda la tradición musical europea, produciendo un resultado siempre atractivo, pero además de gran calidad.

En la actualidad Van Morrison es un icono de la música en el mundo entero, con reconocimientos institucionales y de muchos músicos que se han inspirado en él y sigue grabando sus discos, a veces más cargados a la música negra y otras hacia el folclor de su sufrida tierra, pero siempre con maestría y su voz del alma que parece será eterna.

Los Discos de 1970. I Looked Up.

THE INCREDIBLE STRING BAND

"I Looked Up"

1970

A principios de los años setentas, el folk-rock era un género que gozaba de excelente salud, en América The Byrds, las distintas formaciones de C, S, N & Y y los solistas como James Taylor, Nick Drake, Dylan, Leonard Cohen y otros, rebozaban creatividad, eran muy populares y vendían su música muy bien.

Del otro lado del Atlántico, había ejemplos notables de gente que hacía su propia mezcla de folclor y rock, el más famoso en el nivel planetario era Donovan, también estaban Fairport Convention y la sui generis, The Incredible String Band, que tenía como su génesis, al trío formado por Mike Heron y Robin Williamson, dos escoceses aficionados a la música folclórica de su país, multiinstrumentistas que tocaban entre los dos entre 25 y 30 instrumentos y con habilidades de compositores ambos, y el tercer elemento que completaba al grupo que era Clive Palmer, amigo común de los dos.

La Increíble no hubiera pasado de un grupo más de intérpretes folclóricos, si Heron y Williamson, la base creativa, no hubieran sido dos tipos con gran imaginación, dotes poéticas y mucha audacia, no exenta de una fina intuición, para amalgamar géneros aparentemente incompatibles, nadie sabe aún cómo le hicieron, pero eran capaces de armar piezas musicales con el folk escocés, el blues, el Jazz, la música oriental (hindú y árabe), además del rock y la sicodelia.

La obra de la Increíble es asombrosa y una avalancha de poesía y música de gran belleza, pocas veces vista con tanta generosidad en el rock y eso porque su influencia sicodélica y la constante interacción de los increíbles con las bandas de rock británico, los colocaron dentro del movimiento roquero, pero en realidad The Incredible String Band, es un grupo de fusión que hoy, estaría en los anaqueles de la World Music.

Williamson y Heron, eran dos poetas que hacían canciones de todo lo habido y por haber, lo mundano y lo divino, los detalles cotidianos y lo trascendente, Heron tenía el don de mirar las cosas pequeñas de la naturaleza y la cultura humana, Williamson, el de la vista panorámica, ya sea de la naturaleza, la sociedad humana o la parte mística y espiritual; también acoplaban las músicas que conocían y amaban, con una facilidad que se confundía con naturalidad y con sus dos o tres decenas de instrumentos de percusión, cuerdas y algunos teclados, de su cultura o de la oriental, hacían una música de gran colorido.

"500 Spirits or the Layers of the Onion" (1967) y "The Hangman's Beatiful Daughter" (1968), han sido consideradas, las obras magnas de esta banda, pero toda su producción, aún con altibajos es de calidad muy disfrutable, en 1970 echaron al mundo dos producciones "I Looked Up" y su segundo álbum doble llamado "U", del primero se trata este artículo, un disco grabado cuando la banda había tenido muchas bajas y altas en el personal y estaban tratando de redefinirse, sorprende la aparición de instrumentos eléctricos y descontrola una cierta irregularidad del álbum: tiene piezas notables como "When You find Out Who You Are" de Williamson, una de esas largas historias contadas en forma de suite; "This Moment" y "The Letter" de Heron, dos canciones excepcionales en letra y presentación musical, las otras tres piezas sin ser notables, tienen ese toque delicioso de la música del pueblo, sencilla, ingenua y muy auténtica.

No conozco a nadie, aparte de nuestros dos héroes, que haga música propia y contemporánea, con las estructuras de la música tradicional y no suene superpuesta en algún momento o modernizada o poco auténtica y ese es uno de los aspectos asombrosos, increíbles para estar a tono, que tiene la Entrañable Banda de Cuerdas, si los conoces, es el momento de revisitarlos, si no dejas de escucharlos, intensifica tu pasión y si no los conoces, acércate a ellos, mínimamente te van a sorprender.

NUEVO DISCO. Fiona Apple.

FIONA APPLE

"The Idler Wheel is Wiser"

2012

Los "fans" de Fiona Apple, debemos tener la virtud de la paciencia, desde su álbum debut en 1996, sólo hemos celebrado la aparición de un trabajo nuevo de ella, tres miserables veces, en ese año conocimos "Tidal", multiaclamado por crítica y público, después tuvimos que esperar tres años (1999), con el siglo agonizante para disfrutar "When the Pawn", la siguiente espera, fue de seis años, hasta 2005, cuando se volvió de todos nosotros "Extraordinary  Machine", con una Fiona alejándose del tono Pop e incursionando en terrenos experimentales de difícil tránsito, pero de los que salió airosa y siete años después, volvemos a sentir la emoción de esperar el anunciado nuevo disco, ir por él y el supremo deleite de escucharlo por primera, segunda, tercera e innumerables veces.

Pero por fin, desde los últimos días de Junio, apareció en las tiendas "The Idler Wheel is Wiser", en la misma línea de alejamiento del Pop más comercial, en terrenos experimentales más audaces, con arreglos minimalistas, la voz de la señorita Apple en su mejor momento y como protagonista indiscutible, sus canciones, más libres que nunca, alejadas de las reglas, abiertas a todas las influencias, en especial la música afroamericana (gospel y spirituals), y las vanguardias musicales en el mundo sinfónico y en el Jazz, si "Extraordinary... parecía ser la obra cumbre e insuperable de Fiona, vivimos engañados durante siete años, aquí está la verdadera obra maestra de Apple, bueno hasta que salga un nuevo trabajo y diga lo contrario.

Fiona Apple McAFee Maggart, a sus 35 años está convertida en una artista muy completa, no sólo hace canciones y las interpreta, sino que se ha vuelto una compositora y alquimista de los sonidos extraordinaria, no te pierdas de escuchar lo que hace en este disco con unos cuantos instrumentos y su voz, a veces superpuesta en una armonía vocal de cuatro o cinco voces, cantando al estilo de la música religiosa negra, utilizando acordes disonantes en los momentos de mayor dramatismo, creando arquitecturas sónicas sorprendentes, contando sus historias siempre interesantes y revelándose como artista plástica con todo el arte ilustrativo del álbum.

Los Discos de 1970. Nick Drake.

NICK DRAKE

"Bryter Layter"

1970

Para seguir con los trovadores solitarios, cantautores o cantantes de folk-rock, muy en boga por los años setenteros, aquí está un caso muy especial, un misterio sin resolver, el extraño e insólito caso de Nick Drake, su obra, su personalidad, su ignorada carrera musical y su consagración post mortem, hasta convertirse en la actualidad en un artista de culto, un músico reconocido por críticos e historiadores, pero que casi nadie ha escuchado, porque a pesar de todo, los tres discos que grabó, nunca se han vendido masivamente.

Nick nació en Birmania por azares del destino, pues su padre quien era ingeniero había llevado a la familia a vivir en ese exótico país, donde estaba la compañía en la que trabajaba, a los cuatro años  de edad de Nicholas Rodney, su nombre oficial, la familia regresó al Reino Unido y se instalaron en un poblado cerca de Oxford, las biografías de Drake acotan que, ambos progenitores de Nick, eran gente culta, amantes de la música y las artes en general y que procuraron los mejores colegios a su alcance para sus hijos.

A muy temprana edad, aprendió a a tocar: piano, guitarra, clarinete y sax y en la adolescencia empezó a componer canciones, ya permeadas desde entonces por su personalidad retraída, introvertida y dada a la depresión, estudió literatura inglesa en la Universidad de Cambridge, pero antes de terminar la carrera, la abandonó y se fue a Londres para dedicarse de lleno a la música, allí conoció al productor de la banda de folk-rock Fairport Convention, quien produjo su primer disco, mismo que no conozco, pero que según las reseñas, era de gran calidad, con Nick tocando su guitarra de forma sobresaliente, cantando con esa voz triste y emotiva a la vez y contando sus historias poéticas, con un mínimo de instrumentos.

El disco tuvo ventas muy bajas y la crítica se dividió entre quienes lo consideraron el disco sobresaliente de un músico prometedor y los que dijeron que tenía buenas letras, pero era muy aburrido, corría el año de 1968 y Drake contaba con veinte años, al parecer Nick creía mucho en sí mismo y no esperaba que su debut discográfico fuera tan ignorado, pero a la vez, rehuía a la promoción con presentaciones en vivo, las que son descritas por quienes las presenciaron así: Nick sentado con la vista clavada en el piso, sin dirigirse al público ni para presentar las canciones y mostrando una mezcla de inseguridad y retraimiento extremo.

En 1969 regresó a Londres, abandonando otra vez los estudios con el disgusto de su padre, para intentarlo otra vez, presentó varias canciones a Boyd, su productor, y éste que creía en el talento de Nick, decidió hacer una producción con arreglos más complejos, variedad instrumental y las excelentes canciones de Drake, el álbum quedó listo al año siguiente, con la participación de algunos de los fairport y de John Cale, además de una dotación instrumental que incluía, además de guitarra acústica y piano, bajo y guitarra eléctricos, flauta, sax, viola y harspicordio (tocados por Cale), celeste y órgano.

En "Bryter...están algunas de las mejores canciones de Nick la bella "Northern Sky", por ejemplo, una canción de amor como pocas veces se han escrito; "One of These Things First" o "Fly", melancólica y desesperada, un aspecto novedoso en los discos de rock que tenía el álbum es una introducción, un intermedio y una coda instrumentales, enmarcando uno de los discos más tristes y más bellos de la historia, porque finalmente, la tristeza es la forma más acabada de la belleza.  

Estos arreglos y nueva instrumentación, ampliaron el característico folk-rock de Drake, con exactos y notables aires de Jazz, pero una vez más, el álbum "Bryter Layter" que era una joya de composición, arreglos y ejecución, vendió pocas copias y tuvo peor acogida de la crítica, hechos que sumieron a Nick en estados depresivos más alarmantes que lo normal, su padre ya no le ayudaba económicamente y sólo vivía de las regalía de la disquera, se volvió más introvertido y se sospecha que tomaba drogas con asuidad y ese hecho agravaba su inestable equilibrio síquico, todavía en 1972 hizo un tercer intento discográfico, el llamado "Pink Moon", sin más que su voz y su guitarra y por supuesto pasó desapercibido.

Para 1974, Nick, había vuelto a casa de sus padres, había estado hospitalizado por una crisis nerviosa y sufría depresión casi todo el tiempo, razón por la que tenía que tomar antidepresivos, el día 25 de Noviembre de ese año, su madre lo encontró en su cuarto, muerto por sobredosis de medicamentos, nunca quedó aclarado si la ingesta excesiva fue un accidente o un acto suicida y sólo una década después, Nick Drake empezó a ser redescubierto, con músicos jóvenes que se declaraban sus "fans" dispuestos a reivindicarlo, canciones dedicadas a él y hasta libros sobre su vida y obra.

"Bryter Layyter" no fue un álbum notable en 1970, de hecho pocos se enteraron de que había salido a la venta, pero con el tiempo se ha vuelto una obra reiteradamente señalada como maestra, un álbum de culto y la reivindicación tan esperada y nunca presenciada por el extraño Nick, el poeta que murió a los 26 años, después de vivir una vida atormentada, incomprendida y paradógicamente luminosa, varias décadas después, Elliott Smith, nos haría recordar la vida la obra y la muerte de Nick, con una semejanza asombrosa.

Los Discos de 1970. James Taylor.

JAMES TAYLOR.

"Sweet Baby James".

1970.

Un repaso panorámico y bastante esquemático de la evolución del Rock pondría al principio lo que se puede llamar la "etapa Pop del Rock", cuando la música se hacía con un destinatario claro, los teenagers; era una mercancía que si no se vendía, perdía su razón de ser; y tenía un formato muy definido que no cambiaba,: música sencilla, ritmo excitante, letras sosas y temática casi exclusivamente adolescente. A partir de la segunda mitad de los sesentas, con la eclosión del Rock británico, se inició la transformación ininterrumpida hasta ahora del género juvenil y la década de los setentas fue la más prolífica en la aparición de subgéneros o formas de hacer Rock: la sicodelia, el progresivo, el hard rock, el punk, el rock sinfónico, y no recuerdo pero seguro hay más, entre todos estos planteamientos, también se dió un movimiento de trovadores, o juglares, o cantautores o como se les quiera llamar a los artistas solitarios que interpretaban sus propias canciones, casi siempre con pocos instrumentos, arreglos sencillos y letras de alta calidad y temática intimista o social. 

Entre estos cantores están: Leonard Cohen, Jackson Browne, Donovan, el propio Dylan y James Taylor, entre otros, éste último, nació en Boston, su padre era médico y catedrático universitario, su madre, cantante de ópera y por esta influencia, los cinco hermanos Taylor, se dedicaron a la música, ninguno con el éxito de James, pero todos hicieron su lucha por destacar, de muy joven estudió cello y guitarra, formó varias bandas sin trascendencia y después de una depresión aguda que lo tuvo hospitalizado, fue a Inglaterra a buscar una disquera que le grabara su disco debut, allí conoció a Peter Asher, el Peter del dúo Peter and Gordon, que consiguió gran éxito con la canción de Lennon y McCartney "A World Without Love", Asher consiguió que Apple grabara el disco debut de Taylor que él mismo produjo.

El disco que es excelente, pasó desapercibido, pero le sirvió para que de regreso a Estados Unidos, consiguiera contrato para grabar su segundo álbum "Sweet Baby James" en Warner Brothers, mismo que fue uno de los más exitosos de 1970, estuvo en el el top ten, la mayor parte del año, además de que "Fire and Rain", llegó al puesto 3 de la famosa lista, también hizo que Taylor se volviera muy popular, apareciera en portadas de revistas y por si fuera poco, en la grabación conoció a la legendaria Carole King, quien fue su apoyo incondicional a partir de entonces.

Pero el hecho de que "Sweet Baby James" haya sido un disco sumamente comercial, no lo hace carente de valores artísticos, al contrario tiene muchos y notables: las letras de Taylor, sencillas y directas, pero no carentes de un aire poético, los temas que van de las reflexiones intimistas a los paisajes bucólicos de su patria y la música que como en el caso de otros trovadores tiene como base el folk, pero que James adereza con su concepto muy original del Blues, sí, el álbum es esencialmente de folk pero también esta permeado absolutamente por la música del alma.

Los Discos de 1970. John Lennon / Plastic Ono Band.

JOHN LENNON / PLASTIC ONO BAND.

1970.

Uno de los acontecimientos traumáticos para el Rock en 1970, fue la separación oficializada de los Beatles, el terrible golpe para los fans del cuarteto de Liverpool, se aliviaría con los discos individuales de John, Paul, George y Ringo que no tardaron en aparecer, en ese mismo año se editaron "All Things Must Pass" de George, "McCartney" de Paul y "Plastic Ono Band" de Lennon, los tres nacieron históricos, estaban destinados a ser clásicos y ya eran de los discos más importantes del año, antes de ser grabados, sólo por ser las primeras grabaciones individuales de los Beatles después de su separación.

El disco de John se produjo en medio de un estado de excitación extraordinario de su autor, los acontecimientos de los últimos meses, intensos y definitivos, habían cambiado a Lennon o por lo menos habían potenciado y agudizado los rasgos más claros y conspícuos de la personalidad "lennoniana".

La disolución de su matrimonio con Cynthia, su casamiento con Yoko, sus inicios en el activismo político, las desavenencias con Paul, la separación de la banda y su viaje a New York, donde pretendían (John y Yoko), someterse a una terapia de "grito primario" (signifique lo que signifique y trátese de lo que se trate), pero fueron obligados a abandonar la Unión sin conseguir su objetivo, fueron todos, acontecimientos que provocaron en Lennon una ruptura, reflexión y replanteamiento de su vida, sus creencias y sus valores , en este estado, regresó a Inglaterra y se puso a componer canciones, las que grabó en el disco, que es un testimonio fiel del momento coyuntural por el que pasaba.

"Mother" y "My Mummy's Dead", son el cierre de un círculo de luto iniciado décadas atrás con la muerte de su madre que sólo había aparecido tímidamente en sus canciones cuando compuso "Julia"; "Found Out" y "God" son su declaración de escepticismo y desilusión con lo vivído y lo creído hasta ese momento; "Working Class Hero" y "Isolation", sus críticas a la sociedad enajenante, deshumanizada y castrante; "Love", "Well, Well, Well" y "Look at Me", su reformulación del concepto "amor" a la luz de su pasión amorosa por Yoko y "Hold On" su infalible racordatorio al mundo de que era un mártir que tenía que ir, casi siempre a contracorriente.

"Plastic Ono Band" fue el grito de parto del nuevo Lennon que con él, hacía un cierre (the dream is over), no sólo con su vida pasada, sino también con los sesentas, este aspecto está también presente en todas las piezas que descubrían al Lennon más auténtico, transparente y desnudo, sin el cobijo e influencias de sus compañeros beatles, de modo que el mundo supo por fin, que parte del cuarteto era la "lennoniana" en estado puro.