LOS DISCOS DE 1969. Stand up.

JETHRO TULL

"Stand Up"

1969

Si "This Was" es una obra maestra del blues-rock británico, "Stand Up", no es su continuación y esto resulta raro en una banda que empezaba su carrera; ¿por que no seguir con algo que era popular, innovador y podía ser explotado un rato más? Parece que la respuesta es que Ian Anderson tomó el control total del concepto Jethro, componiendo, arreglando y diseñando, paso a paso uno de los "sounds" o conceptos musicales más originales de toda la historia del Rock.

El delicioso blues a lo Jethro que distingue al álbum debut de la banda ya no aparece o está perfectamente camuflado, en cambio, hay muchos elementos variados y de diversos orígenes amalgamados por la mente libre y creativa de Mr, Anderson: el folclor celta ocupa mayores espacios, la música de cámara se revela como influencia importante, la cosmovisión que reflejan las letras, con raíces en el folclor, el costumbrismo, los mitos y un mundo mágico desaparecido por la irrupción de la sociedad industrial y urbana, son todos elementos que en este disco definieron al Jethro Tull histórico.

Hay joyas como "Fat Man" donde Anderson toca una mandolina, instrumento totalmente inusual en el rock, una especie de balada tradicional tocada solo con la mandolina, percusiones y la voz, extraordinaria y novedosa; está también "Bourée", que es la Bourée en Do menor de J.S. Bach, con un tratamiento de Jazz-rock y no aparecido en el rock antes, la flauta de Anderson, virtuosa y emotiva, apoyada solo por una sección rítmica de bajo y batería que le imprimen su sello contemporáneo.

En "Stand Up" está también una canción llamada "We used to know", que no tuvo gran trascendencia, a pesar de ser una gran canción, hasta que The Eagles, banda norteamericana que alguna vez fue "telonera" del Jethro en sus giras por norteamérica, la recicló, para no decir que la plagió y la convirtió en la célebre "California Hotel". Anderson nunca inició acción legal contra este plagio y tuvo la gentileza y caballerosidad de sólo denunciarlo y aún considerarlo un tributo, ¡bofetada con guante blanco!, pues finalmente el Hotel California fue un fenómeno y éxito en el nivel planetario.

El resto del disco está lleno de sorpresas y piezas de extremo preciosismo que habrían de aparecer reiteradamente en la historia de la banda, "Reason for waiting" es una de ellas y favorita de quien escribe, pero en general es un disco muy parejo en su calidad y es difícil distinguir las mejores partes, el primer gran disco clásico de una banda clásica.

Y por último, otro aspecto para destacar, es la ilustración de la funda, una ilustración de James Grashow, quien era conocido como ilustrador de libros para niños e hizo un diseño que también contribuyó a esa gran revolución que significaron las portadas de los discos de Rock.

LOS DISCOS DE 1966. 96 Tears.

QUESTION MARK AND THE MYSTERIANS

"96 TEARS"

1966

En casi un siglo de emigración masiva de mexicanos a los Estados Unidos, la situación ha cambiado mucho, de los primeros emigrantes discriminados y sobrexplotados a la gran cantidad de empresarios, profesionistas, funcionarios públicos, deportistas y hasta gobernantes mexicanos o de padres mexicanos que actualmente triunfan en Norteamérica, hay un abismo.

En el rock, la situación no ha sido distinta, a los roqueros mexicanos les ha costado trabajo extra destacar en el medio gringo, pero aún así, una gran cantidad de paisanos han puesto su nombre en los anales históricos del rock norteamericano, mi amigo Asael de "La Crema Rock", publicó una lista bastante completa al respecto.

Pero un grupo pionero en este aspecto fue ¿ (o sea question mark) o signo de interrogación and The Mysterians, en los discos aparecía indistintamente ¿ and The Mysterians o Question Mark and the Mysterians, como si fuera el grupo de los Mistariosos y su líder Question Mark, ingenioso juego de palabras que se les ocurrió a estos chavos, hijos todos de mexicanos que formaron una banda de rock-blues muy exitosa que llegó al sitio número 1 de las listas de popularidad con la canción que dió título a su disco más conocido de 1966.

Pero Los Misteriosos no eran un grupo de un solo éxito, sino una banda de rock y sobre todo de blues muy consistente, su disco más conocido, el que se llamaba precisamente 96 tears, ha sido considerado por distintos críticos e historiadores, como uno de los grandes discos de la historia del Rock, se ha vuelto una grabación "de culto" bastante difícil de conseguir y muy codiciada por los coleccionistas.

El susodicho disco, es un agasajo de principio a fin, con piezas compuestas por los Misteriosos que eran: Bobby Balderrama, Frank Rodríguez, Frank Lugo, Eddie Serrati y el líder, cnatante y principal compositor Rudy Martínez, complementadas con algunos covers extraidos del blues o del soul, su versión de la legendaria "Stormy Monday", incluida en el disco en cuestión resulta sobresaliente.

LOS DISCOS DE 1968. Crown of Creation.

JEFFERSON AIRPLANE

"Crown of Creation"

1968

El cuarto disco de estudio de Jefferson, es el que tuvo mayor éxito comercial, llegando al número 6 en las listas de los más vendidos y es uno de esos ejemplos de discos comercialmente exitosos y a la vez, de gran calidad artística, equilibrio y fuerza emotiva, desde que empieza con la bella "Lather", compuesta por la no menos bella Grace Slick, el extraño aire de "In Time" de espíritu decididamente sicodélico y alucinado, la combinación de instrumentos acústicos y eléctricos la voz protagónica y corista de la Divina Gracia, y la guitarra de Kaukonen en plan maestro y acidez memorable..

En "Triad" de David Crosby otra vez la voz de Grace hace magia y el arreglo minimalista le permite el lucimiento; "Star Track", recupera el sonido inigualable del Aeroplano, con Marty Balin, a punto de apearse del avión en la voz principal, revelándose como vocalista excepcional, los coros de Grace y el sonido eléctrico del antiguo Aeroplano, el de "Surrealistic... y "Takes off"; en "If you feel" hay un nuevo impulso con el regreso de Grace como cantante principal, la guitarra de Kaukonen en solos memorables, la riqueza sónica de esta banda incomparable potenciada... anunciando la muy corta pero magistral "Crown of Creation", del estilo del que después sería su himno "Volunteers" con momentos de gran intensidad alternados con los de exquisita calma y dulzura.

Aparece como una una especie de continuación de "After Bathing at Baxter's", el disco que dejó atrás el estilo folk de la banda y la convirtió en un emblema de la música "ácida", de la sicodelia y el sonido San Francisco, es sin duda uno de los grandes discos del Aeroplano,a la altura de sus dos antecesores y del mencionado "Volunteers".

LOS DISCOS DE 1967. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

THE BEATLES

"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".

1967

Para muchos, es el disco más importante de la historia del Rock, para otros, el más influyente, otros piensan que es el más revolucionario y algunos más, el más creativo, su portada fue innovadora y paradigmática, ha sido parodiada, copiada y reverenciada desde hace más de cuarenta años y en muchas publicaciones de esas que compendian lo más importante de un año, aparece como un icono del año 1967.

La concepción del disco tiene sus historias que rayan en el mito, la más conocida es la que nos dice que Brian Wilson, ese genio desperdiciado que lidereaba a los Beach Boys, quedó muy hondamente impresionado cuando escuchó "Rubber Soul" de The Beatles, lo consideró una obra maestra de la música popular y de cualquiera, le pareció que era la obra que innovaba al Rock y un paso adelante en su desarrollo, a la luz de esta inspiración, decidió hacer un disco que lo superara.

Y así creó el también mítico "Pet Sounds", que al ser escuchado por Paul McCartney, sirvió de referencia y competencia, Paul al igual que Wilson, decidió que él sabía como podría ser superado "Pet Sounds", del que dijo que era "el mejor disco vocal que se había hecho" y siguiendo la idea, pensó a Sgt Pepper... como un disco conceptual, o lo que es lo mismo, un disco donde todas las canciones estuvieran unidas por el mismo concepto, o por el mismo hilo temático.

Otro antecedente de su grabación, es el hartazgo al que habían llegado los cuatro de Liverpool, de las presentaciones en vivo y la decisión de abandonarlas para siempre para concentrarse en cuerpo y alma a las grabaciones de estudio, una coincidencia más fue que tenían al productor perfecto para un proyecto así, George Martin, genio de la experimentación sónica en el estudio, y este no es un dato irrelevante, puesto que el trabajo de Martin creando "efectos especiales", representa un alto porcentaje en el carácter revolucionario del álbum y en su desbordante creatividad.

Todas estas circunstancias, más el signo de los tiempos, la erupción de imaginación que produjo la sicodelia y toda la música joven que se hacía en esos momentos, se conjuntaron para crear esta indiscutible obra maestra del arte universal, clásica en forma inmediata, señaladora de nuevos caminos, representativa de una época, documento histórico y objeto entrañable para millones de personas que de una u otra forma lo incorporamos a nuestra vida y nuestra historia personal.

LOS DISCOS DE 1968. A Long Time Coming.

THE ELECTRIC FLAG.
"A Long Time Comin'"
1968.

Después de su fructífera sociedad con Al Kooper, y de producir una obra maestra del blues blanco, Mike Bloomfield, fundó esta banda que es una de las pioneras del Rock-Jazz, sin la sofisticación y complejidad de los debuts de Chicago y Blood Sweat & Tears, "A Long Time Comin'", es rock, blues y toques de jazz en estado puro, sin sutilezas, sólo la fuerza y la pasión de un grupo de amantes de esos géneros.

Este es el disco con el que debutó The Electric Flag, fue grabado en 1967 y apareció en las tiendas al año siguiente, abajo del nombre del grupo aparece la leyenda: An American Music Band. y es una especie de advertencia de lo que el público va ha escuchar.

La leyenda apuntaba en dos sentidos, advertir que la grabación contenía música nacida en los Estados Unidos, jazz, blues y rock, además de distinguirse, de algún modo, de la avalancha de grupos ingleses que invadía a la Unión Americana.

La banda fue formada por Mike Bloomfield y la inició, invitando al tecladista Barry Goldberg y a Harvey Brooks, que también tocaba guitarra como Bloomfield, pero que allí sería el bajo, Bloomfield había conocido a ambos cuando grabaron Highway 61 revisited, el famoso disco de Dylan.
los invitados de Mike, invitaron a su vez, a un baterista excepcional que a pesar de tener sólo 19 años, ya tenía un curriculum impresionante, su nombre: Buddy Miles, la alineación se completó con Nick Gravenites, el que sería después un compositor de canciones excepcional, para que cantara y en la sección de metales entraron al quite, Peter Strazza y Marcus Doubleday.

Todos los miembros de la banda tenían, unos más que otros, habilidades como compositores y la unión de todos los talentos, crearon muy buenas canciones, además de los tratamientos sonoros que le dieron a cada una, la grabación es ya una clásica de la música americana y del blues hecho por blancos.

LOS DISCOS DE 1968. Child is Father to the Man.

BLOOD SWEAT AND TEARS

"Child is Father to the Man".

1968

Al Kooper empezó su carrera musical a muy temprana edad, a los quince años, ya tenía su primera banda y a los 16, ya había escrito su primera canción que fue éxito de ventas: "This Diamond Ring", grabada por Gary Lewis & The Playboys; ya hemos hablado de su afortunado encuentro con Mike Bloomfield y de la fructífera sociedad que mantuvieron por algún tiempo y que produjo varios de los álbumes de blues hechos por blancos más notorios de la historia.Pero la historia de estos extraños amantes blancos del blues, no termina allí y tiene una de sus ramificaciones en la carrera posterior de Al, quien al disolver su sociedad con Bloomfield, formó la banda conocida como Blues Project, un quinteto que también tuvo trascendencia histórica con tres álbums de estudio destacados y varios en vivo, de un blues fresco e innovador.




Dice el propio Kooper, que de chavo, a los dieciseis años vió por primera vez a la banda de Maynard Ferguson y que de inmediato lo atrapó la fuerza y la intensidad de la sección de metales y desde entonces tenía la idea de formar parte de una banda de blues, jazz y rock en donde la sección de metales fuera primordial, de modo que al salir de Blues Project se dió a la tarea de formar la histórica y legendaria Blood Sweat & Tears, con la que irónicamente sólo grabó éste, su álbum debut y no vivió con ellos la esplendorosa carrera que vendría después..

La combinación del rock-blues, ya muy común en ese momento, con toques finísimos de jazz en un formato de banda de rock con un tecladista excepcional y una sección de metales que aportaba el sabor jazzero, más las ya maduras composiciones de Kooper dieron lugar a uno de los álbums debut, más celebrados de la historia, exhuberante de sonoridades, emotivo, fuerte y delicado, creando una amalgama de géneros rayando en la perfección y muy probablemente haya sido la grabación que inauguró un nuevo género: el bautizado como jazz-rock (el "Chicago Transit Authority es de 1969), que habría de dar frutos de excelente calidad a fines de los sesentas y principios de los setentas.

A esta banda histórica, hija de la iniciativa y la inspiración de Kooper, le habrían de seguir la pista y el ejemplo grupos del peso del mencionado Chicago, Pacific, Gas & Electric, Cold Blood, Electric Flag (la banda de Mike Bloomfield con la misma idea que ésta), Flock, If y muchas más.

LOS DISCOS DE 1968. This was.

JETHRO TULL

"This Was"

1968

Jethro Tull empezó como muchas bandas inglesas, tocando Blues y música negra norteamericana en general, y Ian Anderson, su líder y sustento era: además del cantante, guitarrista y tocaba armónica, antes de que decidiera dejar la guitarra y adoptar la flauta, el mismo Ian declaró en alguna ocasión que había muchos guitarristas excepcionales en el Reino Unido y el no quería ser uno más de tercera categoría, así que decidió aprender a tocar la flauta e incorporarla a su concepto musical.

Para 1968, dicho concepto ya estaba consolidado, con una base sustancial de Blues, pero matizado por innumerables elementos del folk inglés, la música de cámara, el jazz y el rock, pero lo que llamaba más la atención, el que habría de ser el sello distintivo, fue sin duda la flauta, y no porque fueran la única banda que incluía una flauta en su dotación instrumental, sino por el papel protagónico del instrumento en el sonido de la banda.

Muchas bandas clásicas del Rock, hicieron algo novedoso, abrieron puertas y caminos, hicieron revoluciones, pero Jethro hizo una de las más originales y sorprendentes, con una mezcla afortunada de elementos que armonizan a la perfección: la voz con ese timbre extraño y misterioso, el papel importante de los instrumentos no eléctricos y la omnipresencia de la flauta, en un contexto que remite siempre a músicas tradicionales y antiguas, sin dejar de ser contemporáneo.

A Jethro a menudo, se le clasifica como un grupo de Rock progresivo, y si esto es así, sería uno de los más originales y únicos, si es Rock sicodélico, lo sería también, y así en cada categoría, el disco debut de la banda, es una joya preciosa, nunca considerado entre lo mejor del Tull, pero en un ejercicio de redescubrimiento, resulta tan sorprendente, rico y disfrutable como cualquier otro, con el "extra" de ser el que más refleja el momento de la metamorfosis, de uno más de los grupos que tocaban Blues (de manera sobresaliente por cierto), a una banda histórica y mítica.