LOS DISCOS DE 1972. Harvest.

NEIL YOUNG.

"Harvest".

1972.

 

"Harvest" es una especie de coda y cambio de rumbo del movimiento country-rock, en su vertiente Costa Oeste, con episodios épicos y de gran brillantez: los discos de The Byrds, Buffalo Sprinsfield y Crosby, Stills, Nash & Young representan estos momentos memorables y con todas estas formaciones tuvo que ver Young.

Dicen los anales históricos que en 1971, Young se trasladó a Nashville para presentarse en el programa de Johnny Cash, sumo sacerdote del country y que por azares del destino, estuvieron en la misma emisión, Linda Ronstadt y James Taylor, su viaje a Nashville obedecía también a la misión de grabar un nuevo disco (cuarto como solista) e invitó a los notables personajes a participar en él, al mismo tiempo armó una banda con músicos de estudio a la que llamó The Stray Gators, el improvisado grupo estaba formado por: Ben Keith, guitarra "steel", Kenny Buttrey, Batería, Tim Drummond, bajo, Jack Nitzsche, piano y guitarra "slide".

Ya entrados en la grabación, Neil invitó también a sus antiguos compañeros David, Stephen y Graham, los famosos, C, S & N y el productor Elliott Mazer, contrató a la London Symphony Orchestra que ya sabía desde entonces que acompañar a grupos de rock o grabar clásicos del rock con arreglos orquestales era negocio muy rentable y con este personal, Mazer y Young, se lanzaron a plasmar el disco más vendido de la historia del compositor canadiense. 

"Harvest" es un parteaguas en la vida de Young, le permitió ver el guiño del éxito comercial en un momento en que no estaba conforme con lo que estaba haciendo, no porque fuera de mala calidad o contrario a sus principios, sino porque quería cambiar y ese álbum fue el laboratorio para experimentar las diversas rutas posibles y deseables: su primero y único super éxito comercial y número uno de las listas de popularidad, el anuncio de su obra en los setentas, las temáticas en sus letras, de la ternura al desasosiego, de la euforia a la rabia y en medio de estas emociones potenciadas, el retrato de una Norteamérica agotada, perdida y megalómana.

Neil Young nunca imaginó el éxito de esta grabación y como buen artista marginal, contracultural y celoso de su independencia y genuinidad, renegó siempre de él, expulsó para siempre de su repertorio "en vivo" a "Heart of Gold" e hizo todo lo posible por borrar la imagen que pudiera haberse generado en torno a él y a su obra por culpa de "Harvest" y fue tal la aplicación que puso en esto que, marcó toda su carrera posterior y le adjudicó un sello personal e inconfundible, el sello Neil Young de "On the Beach", "Zuma", "Rust Never Sleep" y otras grabaciones celebradas y canonizadas por críticos, público e historia.

Pero el hecho de que "Harvest" no le guste a Young, no significa que no tenga valor estético o social, el personaje inspirado, genial y sabio que se llama Neil Young no sabe hacer malos discos, ni solo ni acompañado y siempre aparece, le guste o no, la chispa de genialidad, la frase profunda, el arreglo desconcertante y disfrutable, la pieza emotiva hasta las lágrimas o la euforia y sobre todo, la honestidad de este artista que toda su vida ha dicho lo que piensa y ha tocado lo que le gusta.

LOS DISCOS DE 1972. Gumbo.

DR. JOHN.

"Gumbo".

1972.

 

New Orleans es una de las ciudades con mayor riqueza histórico-musical en todo el mundo: fundada en 1718 por colonos franceses, cedida a España en 1764 y recuperada para Francia por Napoleón en 1800 fue vendida a Estados Unidos por el propio Napoleón en 1803, en la famosa compra de Louisiana.

Hasta aquí ya se habían sumado: la influencia francesa en costumbres, arquitectura, idioma y música, la española con su rica amalgama latina, ibérica y arábiga. además de que habría que agregar la tradición anglo, traida por los colonos británicos, pero aún faltaba la influencia más poderosa, la que cohesionó a todas las otras y abrió un abanico de las más variadas tonalidades y matices, esa fue la influencia africana (del África subsahariana, porque la norafricana ya estaba). 

New Orleans, tiene en su historia haber sido la cuna de varios géneros musicales norteamericanos, el cajún, el zydeco los más conocidos, la música de bandas con instrumentos de aliento metálicos (New Orleans Brass) y tiene el honor de ser considerada ni más ni menos que la cuna del Jazz, con la milagrosa mezcla de las bandas de metales de corte militar que también tocaban en bailes, los pianistas de ragtime y las percusiones africanas que llegaron a la ciudad con los miles de esclavos oriundos de ese continente y que juntos crearon el primer estilo propiamente jazzístico, conocido como el estilo New Orleans, precursor del famoso Dixieland.

En New Orleans nació uno de los grandes maestros del Blues, pianista excepcional y mezclador de géneros que empezó con la guitarra pero un mal día, recibió un balazo en un dedo, durante un pleito en uno de los antros de "mala muerte" en donde tocaba y que son los sitios donde se hacen los grandes, entonces cambió al piano y con este instrumento se volvió inmortal.

 Nacido hace más de 70 años, creció a la sombra de las mencionadas influencias: blues, música de banda de su tierra, zydeco, boogie woogie y rock, géneros que ha ido fusionando de forma casi natural hasta conseguir un estilo de blues que se aleja en muchos momentos de lo que el escucha común conoce como "el Blues" (Muddy Waters, B.B. King, Willie Dixon y un gran etcétera).

Gumbo es uno de sus grandes discos ¿cuál no? con toda la variedad de sus influencias, con toda su maestría al piano, con su voz de sacerdote vudú (en New Orleans hay mucha población haitiana y se practica mucho el vudú) y con la siempre acertada compañía de músicos que como él, sienten la música en el alma y la tocan con el corazón.

También están varios de sus grandes éxitos: Iko Iko, una pieza maestra como sacada de una ceremonia vudú; Big Chief, Mess Around, donde Mr. Rebennack, verdadero apellido del Dr. demuestra su virtuosismo al piano; Junko Partner y Tipitina, además de la sobrosísima Those lonely lonely nights, el álbum incluye, al principio una pieza de Huey Smith y al final un medley (popurri) de canciones de este que es uno de los idolazos del Dr. y de quien tiene mucho en su forma de tocar el piano, otro alumno de Smith podría ser Fats Domino, para que te des una idea.

LOS DISCOS DE 1972. Some Time in New York City.

JOHN LENNON Y YOKO ONO / PLASTIC ONO BAND.

"Some Tme in New York City".

1972.

 

La composición y grabación de "Some Time in New York City", tuvo como contexto la mudanza de John Lennon y su idolatrada Yoko a los Estados Unidos, concretamente a la ciudad de New York, donde y desde su llegada, empezaron a tener problemas con las autoridades por sus manifestaciones políticas a favor o en contra de diversos sucesos, ya estaban encarrilados en la actividad de hacer protestas públicas y además empezaron a frecuentar a Abbie Hoffman, subversivo de tiempo completo que era todo un ícono de la rebelión juvenil anti guerra de Vietnam, esta "perniciosa" compañía, acentuó el incipiente activismo político de la famosa pareja.

Por otra parte, Yoko empezaba a revelarse como "compositora" de canciones y el álbum doble se considera el primero que hicieron juntos, con el consiguiente deteriodo de la calidad artística en comparación con los dos discos anteriores (no puedo evitarlo, Yoko me resulta muy antipática y la considero un fraude gigante que creció con la complicidad e ingenuidad de John); la banda que acompañó a la pareja en la grabación del disco de estudio fue Elephant's Memory, que por esos días gozaba de regular popularidad como banda de rock sicodélico.

Para el segundo disco del "doblete", se incluyó parte de un concierto que se realizó el 15 de Diciembre de 1969 con invitados especiales (special guest) con nombres del tipo de Eric Clapton, George Harrison o Keith Moon (primeras tres piezas) y otro parche de otras tres piezas de otra presentación ocurrida en junio de 1971 con una agrupación que llamaron Plastic Ono Mothers y que como supones querido lector, era la unión de la banda  de la señora Ono y su esposo desconocido, más las mismísimas Mothers of Invention del genio del vigésimo siglo, Frank Zappa.

El repertorio compuesto por canciones de John, de Yoko y de John y Yoko, es el catálogo completo de las causas justas a las que había que adherirse si se pretendía ser un activista social que se respetara: a favor del feminismo, contra la discriminación, a favor de la lucha de las Panteras Negras, contra el encarcelamiento de John Sinclair, a favor de Angela Davis, contra la represión y maltrato de los presos políticos en las cárceles, a favor de la independencia irlandesa, contra la matanza de independentistas en Irlanda del Norte, en Enero de 1972.

No es el mejor disco de Lennon y es bastante irregular, por la intromisión de Yoko y el extraño pastiche que hicieron con el segundo disco (suena a recolección de cintas desechadas), pero tiene un valor histórico doble: muestra a Lennon en la época en que volvía a estar vivo y muy activo, gracias a la doble causa de su activismo político (un tanto ingenuo y disperso) y a su amor por Yoko (un tanto ingenuo y concentrado) y es también un testimonio de la época y la agitación política que se desbordaba por todos los rincones de la Unión Americana y el mundo.

Y para agregar un plus al valor histórico, están los dos trozos de concierto, extraños e históricos que de no haber sido incluidos en el Some Time...tal vez nunca se hubieran hecho del conocimiento público.

LOS DISCOS DE 1972. Feedback.

SPIRIT.

"Feedback".

1972.

Los Red Roosters, eran una banda del montón en Los Angeles, entre un cúmulo de grupos filosicodélicos que pugnaban por sobresalir, muchos de ese montón nunca salieron, hace falta tener algo fuera de lo común para sobrevivir y ellos lo tenían, a su joven, casi niño, guitarrista Randy California y a su cantante y compositor Jay Ferguson y como la vida siempre está expuesta al azar, un día la madre de Randy le presentó a su nuevo novio, un baterista del ambiente del Jazz que decía haber tocado con Julian Adderley, Gerry Mulligan e incluso el inmenso Mr. Monk.

Ed Cassidy, un cuarentón como veinte años mayor que Randy y amigos, recicló su carrera formando la banda que habría de hacerse célebre con el nombre de Spirit, incorporando a John Locke, un tecladista versátil y elegante, el quinteto se completaba con Mark Andes, el bajista de los roosters .

Con la extraordinaria forma de tocar de Randy, alabada por El mismísimo Jimi Hendrix y tan injustamente relegada por la historia y las crónicas; la intuición de Ferguson para componer canciones fuera de serie; las importantes aportaciones de Locke en los teclados y el liderazgo de Cassidy, más el siempre eficiente bajo de Andes, grabaron, entre 1968 y 1970 cuatro álbums, todos históricos, todos incluidos en una u otra ocasión entre los mejores de la historia roquera, terminado el último de la tetralogía que para muchos es la gran obra maestra de Spirit, "Twelve dreams of Dr, Sardonicus", la banda prácticamente se desintegró, Ferguson y Andes formaron Jo Jo Gun, y Randy inició carrera de solista, Cassidy quien necesitaba de la banda, reclutó a nuevos integrantes y conservó a Locke, con este nuevo Espíritu, grabó el quinto disco y es el que aquí se comenta.

Por esa razón, "Feedback" desconcierta, provoca desconfianza y lleva fácilmente al prejuicio, pero sin embargo no es un disco prescindible, no tiene el sello de Randy California, pero tiene a un Locke sublimado, no suena al Spirit con inumerables pasajes jazzísticos, sicodélicos y progresivos, pero presenta un rock sólido, experimentado, con mucho oficio y en algunos momentos extraordinario, que no desmerece estar firmado por Spirit.

LOS DISCOS DE 1972. Caravanserai.

SANTANA.

"Caravanserai"

1972.

Primer disco de Santana donde incursionó en el jazz, la música ambiental y las grabaciones de música instrumental (de las diez piezas sólo dos tienen letra), es un anuncio de los registros que haría posteriormente con John McLaughlin y el que realizó con Alice Coltrane y en él está la primera pieza tomada directamente del repertorio jazzístico (Stone Flower, de Jobim).

También está marcado por una renovación de la banda, con la salida de David Brown, bajista original del grupo; Mike Carabello en percusiones y la inminente partida de Greg Rolie, fundamental en el sonido de los tres primeros álbums con su órgano, ya no participó en todas las piezas porque su relación con Santana era muy conflictiva y estaba medio retirado por su decisión y medio despedido por el líder del conjunto.

En ese año Santana empezaba a hacer sesiones de meditación al estilo hindú por invitación de John McLaughlin, quien ya había formado la Mahavishnu Orchestra, banda de la que Santana era asiduo escucha, este acercamiento a la cultura y religiosidad de Oriente, más su creciente interés por el Jazz, fueron los motores del cambio en las formas de hacer música para el músico jaliscience, y el título mismo del disco refleja esta situación, Caravanserai es el nombre que se le da a los refugios en medio del desierto, donde las caravanas descansan y reponen fuerzas y víveres.

El triunfo inesperado y vertiginoso había sumido a Santana y compañeros en una dinámica de trabajo intenso, consumo abusivo de sustancias estimulantes, conflictos internos y mareo provocado por la fama, con el bautizo al álbum y el cambio hacia una música más "intelectual" pero a la vez más espiritual, Carlos Santana pretendía darse un descanso, revalorar al mundo y la vida, crecer como artista y trascender en lo que había elegido como misión para alabar al ser divino.

En ese sentido "Caravanserai" es un trabajo muy valiente y muy personal, pues hasta ese momento la banda Santana había sido un grupo sin aparente liderazgo que no fuera el colectivo, pero a partir de éste cuarto disco, se hace evidente que cada grabación es un proyecto personal de Carlos Santana, y por otra parte hay una actitud arriesgada al romper con la fórmula hasta entonces exitosa de la fusión rock-blues-música caribeña, se dice que los directivos de CBS, no estaban contentos con el cambio pues temían que una música tan elaborada y compleja, tan alejada del sonido "Santana" ya conocido y exitoso, fuera un fracaso comercial.

En los hechos fue un fracaso comercial a corto plazo pero la aceptación de la crítica y la acogida que tuvo entre un auditorio nuevo que buscaba música de esa tónica lo convirtió en disco de grandes ventas a largo plazo, un clásico que nunca ha salido del catálogo vivo, el que se reedita constantemente.

El personal que participó en las sesiones fue muy numeroso y de las más diversas procedencias, era invitado al estudio y en la medida que se iban grabando las piezas se elegía a los participantes, ésta metodología copiada de las grabaciones en el Jazz, fue también fundamental en el resultado que para muchos es la incursión de Santana en el Jazz de fusión y su alejamiento del rock, al que regresaría mucho tiempo después.

 

 

LOS DISCOS DE 1972. The Grand Wazoo.

FRANK ZAPPA / THE MOTHERS.

"The Grand Wazoo"

1972.

"The Grand Wazoo", el otro disco de Zappa de 1972 se ubica en dos de los muchos campos de la música que el compositor fuera de serie exploró: está entre las incursiones que hizo en los terrenos del Jazz y se encuentra también en el conjunto de discos que grabó con composiciones hechas con arreglos orquestales, así que podríamos etiquetarlo, en términos generales como Jazz orquestal, con sus debidas reservas porque...

Está pensado para grupo de rock con guitarras y bajo eléctrico, teclados de inspiración jazzística y orquesta de alientos tanto de madera como de metal, además de las percusiones que pasan del Rock al Jazz con gran flexibilidad, de modo que cuando don Frank hace sus solos de guitarra suena a disco de rock, entre duro y progresivo, pero también tiene momentos en que esos solos entran totalmente en los terrenos del jazz.

Las secciones de vientos están organizadas y utilizadas desde dos referencias: la de las orquestas sinfónicas y la de las grandes orquestas de Jazz, léase: Duke Ellington, King Oliver o Count Basie de quienes toma indudablemente los elementos que ellos incorporaron para hacer del Jazz orquestal, música de extraordinaria complejidad, equiparable a la sinfónica.

A lo largo de la grabación van apareciendo todos estos elementos tan dispares, pero que en esta obra maestra no riñen ni se anulan, los pasajes serenos y los caracterizados por energía intensa e incluso furia; las partes inoquívocamente roqueras y las inconfundiblemente jazzísticas, se alternan o sobreponen enriqueciéndose y las orquestaciones para instrumento de viento de ambas clases fungen como puentes o fondos sonoros que dan volumen al sonido global y le marcan sus crescendos y diminuendos ambientando el tono épico que pretendió Zappa con este álbum conceptual que narra la historia de un sátrapa antiguo que  decide formar el ejército más poderoso del mundo, constituido por varias decenas de miles de músicos, una de esas alegorías que Zappa hacía para llamar la atención sobre algún asunto.

Los antecedentes de esta masterpiece son: "Lumpy Gravy", "Hot Rats", "200 Motels" y por supuesto "Waka / Jawaka", el álbum que marcó para Zappa el rumbo de este y póteriormente hizo otras incursiones en el Jazz: "Jazz from Hell" y "Sleep Dirt", serían un ejemplo y en la música orquestal: "Orchestral Favorite", sus grabaciones con Pierre Boulez y la London Symphony Orchestra.   

LOS DISCOS DE 1972. Waka / Jawaka.

FRANK ZAPPA.

"Waka / Jawaka".

1972.

Es el álbum inmediatamente posterior a "200 Motels", el que era el soundtrack de la película "experimental" hecha por el mismo Zappa y que se llamaba igual, en ella hay una combinación de rock, jazz y elementos de comedia musical, Waka /Jawaka es un puente entre la mencionada música de película y una de las grandes obras de toda la historia "zappiana", la incursión de Zappa plenamente en el Jazz orquestal, con una numerosa dotación de instrumentos de viento, percusiones y la infalible guitarra de Zappa, en su disco del mismo año que este, "The Grand Wazoo".

Pero volviendo a Waka...según el propio autor, es una continuación de "Hot Rats", otra obra magistral del genio de Baltimore, que en su primera edición tenía el subtítulo "Progresive rock" y que no significaba otra cosa que el interés de Zappa y compañía por romper todas las barreras del rock, recurriendo en especial al Jazz como elemento catapultador.

 Si vamos a los terrenos de las etiquetas que casi siempre son inexactas pero en algo orientan, Waka es un disco de Jazz-rock en toda la línea, en el tenor de "Bitches Brew" o "In a Silent Way" de Miles Davis y de los primeros grupos que se registran en éste género, todos lidereados por alumnos de Miles: Weather Report, Mahavishnu Orchestra o Return to Forever.

Con todo esto tiene que ver Waka / Jawaka: con la revolución "Milesiana" de fines de los setentas, con el grandioso "Hot Rats", con el portentoso "Grand Wazoo", con Mahavishnu, con Weather Report, pero sobre todo, con el genio inquieto de Zappa, el hombre que como Miles, no podía permanecer mucho tiempo haciendo lo mismo y curiosamente, en esos días, los dos llegaron al mismo punto, Miles yendo del Jazz hacia rl Rock y Zappa, desde el Rock para acercarse al Jazz.

Como álbum de transición o como álbum "puente", no ha tenido gran reconocimiento, sin embargo es un gran disco, con un solo punto débil, según el que esto redacta, es una obra dispareja, carente de la unidad de las grandes creaciones, parece como si se cayera a medio camino o como si fueran dos discos distintos, de modo que para colocarlo entre las grandes obras del autor que nos ocupa, yo me quedaría con la pieza que da inicio, que se llama "Big Swiffy" y que ocupaba todo un lado del LP original, el otro lado que inicia con dos piezas cantadas, se puede obviar y llegar al final con la pieza que bautiza al disco, otra de formato extenso con largos planos, arquitectura consistente y virtuosismo instrumental a cargo de la guitarra de Zappa, el piano de Don Preston que suple a George Duke, encargado de los teclados en la pieza de inicio y la sección de metales que da cuerpo y sustancia al conjunto total.

 

LOS DISCOS DE 1972. Oscured by Clouds.

PINK FLOYD.

"Oscured by Clouds.

1972.

Fue el segundo proyecto realizado por Pink Floyd para musicalizar una película, el primero se llevó a cabo en 1969, cuando eran una sensación del rock inglés, avalados por sus dos extraordinarios álbums con que debutaron, Barbet Schroeder, en ese entonces, gran promesa del cine francés, los llamó para que musicalizaran su película "More".

Tres años después, el mismo Schroeder, volvió a pedirles la musicalización de su nuevo trabajo cinematográfico, el éxito de "More", sabía muy bien el cineasta, se debía en buen porcentaje a la música de la banda legendaria y como en la anterior ocasión, aceptaron la oferta y se hicieron un tiempo para componer y grabar el disco en dos semanas, ya para entonces sabían que hacer un soundtrack, requería de otros métodos, otros enfoques y otras visiones.

Al igual que en la anterior ocasión, el director de la cinta les proporcionó una copia de la película, les explico el tema, visión y espíritu del film y los momentos que deberían ser musicalizados, los Pink se encerraron en el estudio, con una máquina de grabación de 16 pistas y su inventiva, las 16 pistas tienen que ver, por supuesto, con el resultado final, pues les permitió experimentar con un mayor número de opciones.

Esa metodología que demandaba un disco destinado a ser el fondo musical de una película obligó a Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason a hacer un disco distinto de lo que habían estado haciendo, se produjo una ruptura en la continuidad anterior y fue la base de experimentación para la siguiente obra, la multiaclamada y muchas veces considerada "la obra maestra de Pink Floyd", The Dark Side of the Moon".

Por supuesto que Oscured by Clouds, la pista sonora de la película "El Valle", contiene muchos anticipos de la obra siguiente, amplió el panorama de sus creadores y les permitió una especie de "descanso", que los distraía de la pesada carga de ser una de las bandas de rock más importantes del mundo en el momento y reiniciar el camino renovados para producir su trabajo más célebre.

LOS DISCOS DE 1972. Waterloo Lily.

CARAVAN. 

"Waterloo Lily"

1972.

Caravan aportó desde su natal Canterbury una opción más al rock inglés, un sonido catalogado casi siempre como "progresivo" aunque en realidad empezó siendo un grupo muy influido por la sicodelia, su disco más exitoso, "In the Land of Grey and Pink" aparece en muchas publicaciones como uno de los más importantes de la historia del rock y es el que marca la metamorfósis hacia el rock de mucha elaboración identificado con la corriente progresiva.

Canterbury es una ciudad provinciana pero a la vez una urbe con tradición cultural y artística, de ella surgieron varias de las bandas "progresivas" más importantes: Caravan, Soft Machine y Camel, tienen un origen común y un sonido con características similares que ha sido etiquetado como "El Sonido Canterbury" o la "Escena Canterbury". Lo que según los expertos, distingue a la Escena de Canterbury de la Londinense y del Rock Progresivo en su modalidad "sinfónica" es el apego a la raíz Pop, presente en las melodías, mismas que en el rock sinfónico están prácticamente ausentes y una influencia del Jazz, manifiesta en el gusto por las improvisaciones de los instrumentos solistas.

Después del éxito de "In the Land...", y la salida de David Sinclaire, fundamental en el sonido del "Gris y Rosa", había dos opciones: un "refrito" de la obra maestra o buscar nuevos rumbos que no pueden ser del todo nuevos y que corren el riesgo de perder la orientación y hacer un álbum que signifique un descenso y eso, suele ser grave para cualquier banda, sin embargo, los que se quedaron y el recién ingresado Steve Miller, decidieron correr el riesgo.

Waterloo..., corrió el riesgo cambiando sin cambiar, alterando el orden y la preponderancia de los factores para alterar el producto; las melodías siguen siendo muy cuidadas y parte fundamental del sound global; las improvisaciones dentro de estructuras importadas del Jazz, se vuelven más protagónicas; las piezas se disringuen más una de otra, gracias a la utilización de rítmicas más variadas y complejas y los momentos de intensidad están mejor contrastados con los de calma.

Los teclados dejan de ser protagonistas y ese papel es tomado por guitarras y metales y Miller aporta una forma distinta de utilizar el piano y el órgano, sin la furia de Sinclair, pero con una delicadeza y elegancia nuevas, el resultado fue, un "después de los clásicos", uno de esos discos que tienen como referencia y competencia una obra maestra concebida en momentos de extrema inspiración, que tal vez ya no es la misma, pero que es sustituida por razón, inteligencia y virtuisismo.




 



 

 

 



 


 

SE FUE SPINETTA.

MURIÓ LUIS ALBERTO SPINETTA.

Ayer falleció, a los 62 años de edad, uno de los padres del Rock Argentino, "El Flaco" Luis Alberto Spinetta, quien junto con Litto Nebbia, Moris, Javier Martínez o Tanguito, empezaron a tocar rock en la Argentina, desde que hizo sus primeras grabaciones con su banda Almendra, se distinguió como un compositor de canciones fuera de serie y muy prolífico, después formó la banda Invisible, con ella grabó el clásico "Durazno Sangrando", luego vendría otra de las bandas fundamentales en la historia del rock Argentino, Pescado Rabioso, entre 1980 y 1984, publicó cuatro discos extraordinarios, los mejores de su carrera, según el gusto del que esto redacta, con la banda llamada Spinetta Jade y que tenía un fino sonido de Jazz-rock, inigualable en el rock argentino e hispanoparlante (hasta donde he escuchado).

Desde mediados de los ochentas, hizo discos como solista con muy diversos compañeros, uno de mis favoritos es "La,la,la" de 1986, con Fito Páez, si hacemos una revisión de los músicos que llevaron a cabo algún proyecto con el "Flaco", pocos quedarían fuera de la lista, la contribución de Spinetta al rock argentino y latinoamericano es, sobre todo, su forma de acometer la tarea del compositor, teniendo como principio un compromiso con la calidad literaria y musical, sus letras siempre se distinguieron por su tono metafórico, con un manejo rico del lenguaje y por sus mensajes siempre tratando de llegar a lo profundo de lo que fuera, ni en sus primeras canciones se descubre a un Spinetta superficial.

En lo musical, fue creador de estructuras sonoras también exigentes con ellas mismas, nunca transigió con el Pop fácil pero vendible, siempre tuvo la intención de hacer música compleja que exigiera al talento del que compone y de los ejecutantes y esas cualidades de la obra de Spinetta, se agradecen y se agradecerán siempre, la Argentina roquera y la que no, ha de estar en un profundo luto, como el que produce siempre la partida de la gente buena que no hizo otra cosa en la vida que crear belleza. 

Y por si todo esto no fuera suficiente, como aporte, Spinetta fue también uno de los grandes "violeros", como dicen los argentinos a los guitarristas, experimentador de sonidos desde que el rock argentino daba sus primeros pasos y no existía referencia de como tocar la guitarra líder, el "Flaco" y Claudio Gabis dieron la muestra.

 

LOS DISCOS DE 1972. Foxtrot.

GENESIS.

"Foxtrot".

1972.

1972 marcó un cambio importante en los rumbos del rock, se hizo más que notoria la explosión del rock progresivo, como un género bien definido, con numerosas bandas y muchos seguidores y empezó a brillar con gran intensidad la vertiente sinfónica del género: sofisticación extrema en la complejidad de las estructuras musicales, textos e historias, ejecuciones virtuosas, muy a menudo hechas por músicos con formación en los conservatorios y las escuelas de música y piezas de muy larga duración (lo que permitiera el formato LP.) inspiradas en las grandes sinfonías, con sus movimientos, sus cambios de ritmos e intensidades, además de una rica paleta tonal que narre una historia paralelamente al texto.

Una de las grandes bandas del "progre", que llevó al extremo estas premisas fue Genesis, lidereada por un genio musical de nombre Peter Gabriel y un grupo de excelentes instrumentistas, desde el álbum anterior ya se habían incorporado Phil Collins en la batería, voz y composición, además de Steve Hackett  en las guitarras y junto con Tony Banks en todo tipo de teclados electrónicos y convencionales y Mike Rutherford en bajo, cello y guitarra de 12 cuerdas, formaron la alineación estelar de Genesis, la que produjo los mejores discos de la banda, la que le sacó más jugo a las composiciones de Gabriel y la que en su tiempo era el "trabuco" más impresionante del rock, sólo competido por la otra banda británica que estaba alzando el vuelo (Yes) y los inventores, padres e iconos del género (Pink Floyd).

El cuarto disco de Genesis era ya el segundo con esa alineación de ensueño y estaba presentando la consolidación del sonido que los caracterizó, es a mi gusto, un poco menos intenso que el anterior "Nursery Crime", pero igual de virtuoso, con grandes pasajes sinfónicos, donde hay un lucimiento brillante de los solistas, incluido Gabriel con su instrumento orgánico (la voz), que era capaz de alcanzar un dramatismo extraordinario y una gran variedad de matices, Hacket y Banks con guitarras y teclados agregaron la delicadeza y la furia, según fuera el requrimiento y Collins con Rutherford crearon la base rítmica ad hoc.

En Foxtrot, apareció por primera vez una pieza que ocupaba todo un lado del disco LP, Supper's Ready, con 22.58 minutos de duración y que pasó con creces la prueba de la coherencia, el desarrollo siempre interesante y emotivo, además de la resolución entre movimientos y final, en resumen, éste disco, su antecesor y los dos posteriores, se convirtieron en una extensa obra maestra del rock, con pequeños altos y bajos,una hazaña increíble y pocas veces lograda por banda alguna.  

La portada que representa una cacería de zorras, fue creación de Paul Whitehead y trata de englobar diversas imágenes que se refieran a los temas de las piezas del disco y su idea general, es un collage, que recoge ideas de todo tipo incluso elementos que no sólo tienen que ver con el disco, sino también con la historia de la banda.

 

LOS DISCOS DE 1972. Close to the Edge.

YES.

"Close to the Edge"

1972.

 
Cuando grabaron "Close to the Edge", el quinteto all stars que conformaba Yes, estaba abordando su quinta grabación, ya habían sorprendido con sus dos primeros álbums por su inovación y su capacidad para hace aleaciones consistentes y efectivas, habían dado el gran paso hacia el sonido definitivo de la banda en "The Yes Album" y dado a luz su primera masterpiece, "Fragile" del año anterior, su lado más flaco que había sido no tener un guitarrista a la altura del virtuosismo de los demás músicos se subsanó con la llegada de Steve Howe, quien cambió, abrillantó y enriqueció el sonido de la banda, la única "debilidad" muy relativa de "Fragile", era un cierto individualismo de cada instrumentista y esto puede ser o no, un defecto.

En este contexto, la composición y grabación de Close...representaba un reto mayor, el más importante que se les había presentado hasta el momento, como banda conocida en todo el mundo y que estaba bajo la lupa de la crítica y el público, la solución para que el álbum respondiera a las expectativas fue: mantener el despliegue de virtuosismo en las composiciones y ejecución, pero reforzando la labor de equipo, la coherencia y equilibrio entre la aportación de cada uno y el formato que permitiera esto.


Tres largas piezas conformaban el disco, una de ellas ocupaba un lado completo del LP original y en el lado B, estaban las otras dos,es decir, formato de larga duración, porque con tantos virtuosos de su instrumento se necesita tiempo para el lucimiento y el despliegue de posibilidades; estructura de sinfonía, con movimientos sucesivos que desarrollan "un tema", pero también al estilo del jazz, en el que cada músico tiene una parte que va exponiendo en un desarrollo coherente.

Para muchos críticos, este es "el disco" del rock progresivo, el que llevó hasta sus últimas consecuencias al género y si esto es cierto, se debe a que cada uno de los participantes :Jon Anderson en la voz, Steve Howe, en las guitarras eléctricas o acústicas; Chris Squire en el bajo; Rick Wakeman, en teclados y Bill Bruford en tambores, tenían en mente transformar al rock radicalmente, llevarlo a extremos de complejidad que no conocía y elevarlo a la categoría de música elitista, para oídos refinados y lo mejor del caso es que, tenían los conocimientos, el dominio técnico y la inspiración necesarios para emprender tan ambiciosa misión.

Por supuesto que también en su momento recibió críticas ácidas, fue acusado de pretencioso y grandielocuente, sin embargo resistió la prueba del tiempo y cuarenta años después, nadie lo desbanca de su lugar como clásico atemporal, pero como nada es perfecto, también tiene su lado flaco, el lado flaco de casi toda la obra yesiana, las famosas letras de Anderson, encajadas en bellas melodías, pero bastante caóticas y arbitrarias, de esas que hacen pensar a los principiantes que están plenas de profundidad, sabiduría y poesía, pero que escuchadas reiteradamente y peor aún analizadas, son de mala calidad literaria, aunque sí, un pretexto excelente para el lucimiento de uno de los grandes vocalistas del rock de la época que escojas, querido lector.