JAZZ. Freddy Hubard.

FREDDIE HUBBARD

"Straight Life"

1970

¿Qué tienen en común estos discos históricos del Jazz?: "The Blues and the Abstract Truth" de Oliver Nelson; "Free Jazz" de Ornette Coleman; "Ascension" de John Coltrane; "The Quintessence" de Quincy Jones y "Doin't Alright" de Dexter Gordon. Además de ser grabaciones atemporales y clásicas, contaron todas con la participación del trompetista Freddie Hubbard.

A Hubbard se le considera en el selecto grupo de los grandes trompetistas de toda la historia del Jazz, junto a Gillespie y Miles Davis o los que fueron sus grandes influencias, Clifford Brown y Lee Morgan. Desde muy temprana edad, tuvo contacto con la música y con el ambiente del Jazz y a los veinte años se trasladó a New York y se integró al ambiente del jazz de la "Gran Manzana".

Allí tocó con algunos de los que ya eran o estaban en vías de ser, grandes monstruos del género y en 1960 grabó su primer disco como líder de grupo, "Open Sesame", una obra maestra que lo puso en la atención de críticos y público, para empezar a ser considerado un virtuoso de su instrumento, cuando contaba apenas con 21 años, esa grabación que ya es histórica, le abrió las puertas de las grandes disqueras, de los grupos importantes del Jazz y de las estrellas que empezaron a llamarlo para colaboraciones con él.

Hubbard supo asimilar influencias varias, integrarlas y lograr un sonido único, que lo distingue de otros grandes de la trompeta sin lugar a confusiones, gracias a sus capacidades musicales y al lugar que se ganó en el difícil y competido mundo del Jazz, pudo integrar formaciones all stars sin problemas, los grandes músicos del momento, lo buscaron primero como colaborador y aceptaron después, su liderazgo en algunas de las grandes grabaciones del Jazz que están firmadas por el señor Hubbard.

Es ese el caso de"Straight Life", registrada en 1970 en los afamados estudios de Rudy Van Gelder, bajo la producción de Creed Taylor y con un grupo de puros consagrados, virtuosos y míticos instrumentistas que conjuntaron sus talentos para dar vida a una obra extraordinaria: Freddie Hubbard en la trompeta; Joe Henderson, considerado el gran heredero de Coltrane y Sonny Rollins en el sax; George Benson, el virtuoso guitarrista; Herbie Hancock, la gran revelación en el piano, en el mismo año de su consagración por su participación en "Bitches Brew de Miles; el extraordinario Ron Carter, bajista estelar de Miles Davis entre 1963-1968; Jack DeJohnette, otro músico legendario en tambores; y Richie Landrum, en percusiones.

El disco incluye tres pistas de larga duración: "Straight Life", que en el LP original ocupaba toda la cara A y "Mr Clean" más "Here's That Rainy Day" que complemantaban la cara B, éste formato de piezas largas, parece el más ad hoc para un combo con tantas estrellas, sólo así se crea el espacio necesario para el lucimiento personal, al tiempo que se procura la compenetración grupal.

Por supuesto que es un álbum de absoluta recomendación, puedes escuchar la pieza que da nombre al disco en el "video" y darte una idea del contenido de esta obra maestra del Jazz.

CANCIONES FAVORITAS. Al Kooper.

AL KOOPER & MIKE BLOOMFIELD.

(Like a rolling stone)

Era el año de 1965 y en los estudios de Columbia, se estaba grabando el histórico disco de Bob Dylan, Highway 61 revisited, a ese lugar acudió Al Kooper, músico de estudio que, en ese tiempo tomaba pequeños trabajos de vez en cuando y esperaba participar en la grabación de la sensación del momento, el casi adolescente Dylan.

Kooper había acudido al enterarse de que necesitaban a un guitarrista, llegó y mientras esparaba a que empezara la sesión, observó a otro músico que ensayaba con su guitarra, al escucharlo Kooper, comprendió que no tenía oportunidad, el chavo que estaba allí, calentando los dedos, era un prodigio con la guitarra, su nombre, lo sabría después, Mike Bloomfield.

Pero como no tenía nada mejor que hacer, decidió quedarse a presenciar la sesión de grabación, tiempo después, se hizo un receso y todos se fueron a comer, el pobre de Al era literalmente, el pobre de Al, y no traía ni para un pinche hot dog, así que mientras los otros regresaban, se entretuvo tocando un Hammond que estaba allí y que ni siquiera estaban utilizando.

Como en su mente aún estaba la canción que se estaba grabando, se puso a improvisar una entrada con el mencionado órgano, al reiniciarse la grabación, empezó a tocar la entrada que acababa de inventar, el productor le hizo señas de que dejara de tocar y de estropear la toma, pero Dylan, le pidió que siguiera, así nació una de las introducciones a una de las canciones, más famosas de la historia, la rola voló y voló hasta los primeros lugares de popularidad y en la actualidad es considerada por muchos como la mejor canción de todos los tiempos, además de ser el emblema del dylanismo, "Like a rolling stone".

A partir de ese momento, Kooper y Bloomfield, tocaron juntos en inumerables ocasiones, llegando a constituir un dueto que hizo varias grabaciones y presentaciones memorables, su disco Super Session, es considerado como "la obra maestra del blues blanco", pero esa... es otra historia. 

 Like a Rolling Stone (escucha aquí)

JAZZ. "Cannonball" Adderley.

KNOW WHAT I MEAN?

CANNONBALL ADDERLEY

1961

Julian Adderley, el famoso saxofofonista conocido por la historia como "Cannonball", es uno de los músicos que participaron en en la grabación del disco más emblemático del Jazz, el más vendido de la historia y para muchos críticos el mejor de todos los tiempos, el multicitado, aclamado y mitificado "Kind of Blue" de Miles Davis, en esas memorables sesiones de grabación, tocó por primera vez con Bill Evans, era el año 1958 y en los años posteriores, Cannonball requirió de los servicios del exquisito maestro del piano en varias ocasiones.

Una de estas coincidencias sucedió en 1961, cuando Adderley llamó a Bill Evans a participar en la grabación que estaba por iniciar para que lo acompañara con su piano e hicieran un ejercicio magistral y demostración de virtuosismo por partida doble en emotiva competencia-complementación, pero la misión que tenía Evans, no terminaba allí, Adderley quería que fuera su director artístico, eligiendo el repertorio, haciendo los arreglos y eligiendo a los encargados de la sección rítmica bajo-batería y dicha elección no pudo ser mejor, Percy Heat en el bajo y Connie Kay en los tambores, es decir, una de las bases rítmicas más prestigiadas del mundo del Jazz, la de planta del Modern Jazz Quartet.

En esta grabación, llamada "Know what I mean?", Cannonball logró una obra maestra de la era post bop, que tiene como uno de sus encantos irresistibles, el contraste excitante de su estilo fluído, imaginativo y enérgico, con su sax inconfundible y legendario, con los estilos finos, exquisitos, exactos y sentimentales de Evans, Kay y Heat, los tres músicos de tradición "europea", con formación académica y "clásica.

Pero también es uno de los grandes discos de Bill Evans, donde demuestra su extraordinaria capacidad de adaptación a cualquier estilo o exigencia, con su depuradísima técnica, su genio y virtuosismo, complementados por una acertada elección del repertorio con dos piezas propias: la conocidísima y bella ""Waltz for Debbie" y la que le dió nombre al álbum.  "Who cares" de Gershwin y "Venice" de John Lewis, fueron otras afortunadas elecciones, pero los momentos estelares se localizan en las extraordinaria versiones de "Toy" de Clifford Jordan y "Elsa" de Earl Zindars.

De modo que "Se lo que significa" una grabación así, una obra maestra, una cátedra de como tocar Jazz excelso, una invitación para el que se acerca al género y una pieza indispensable en la fonoteca del melómano, recomendada sin vacilaciones, para escuchar siempre y descubrir siempre algo nuevo en ella.

JAZZ. "The Bill Evans Riverside Years".

BILL EVANS

"The Bill Evans Riverside Years"

Bill Evans, alguna vez distinguido con el mote de "El poeta del piano", es un inmortal del Jazz y de la música en general, nacido en 1929, vivió una de las épocas más creativas, revolucionarias y virtuosas del Jazz, época plagada de grandes instrumentistas, grandes compositores y fuertes convulsiones-revoluciones que transformaron al género y en ella Bill Evans, siempre transitó con suprema elegancia, técnica extraterrestre y emoción incomparable.

Inició su carrera tocando en orquestas de medio pelo en la inmediata postguerra, para que después, fuera llamando la atención de los músicos más importantes del medio, como Charles Mingus, Art Farmer o Lee Konitz, mientras tocaba con Mingus, fue "descubierto" por Miles Davis, quien con ese ojo infalible que tenía para detectar a los músicos fuera de serie, lo contrató y ese evento lo llevó a grabar el disco más vendido de la historia del Jazz y una de sus grandes obras maestras: "Kind of Blue".

Entre 1959 y 1961, se asoció con Scott LeFaro, en el bajo y Paul Motian en batería y se convirtieron en el trío más revolucionario de la época, creando obras inmortales, bajo la premisa de que no hay base rítmica y solista; no hay armonía y melodía fijos para cada instrumentista, sino un diálogo constante entre los tres instrumentos.

Y hace unas semanas encontré en mis exploraciones melómanas, un tesoro invaluable: "The Bill Evans Riverside Years", una caja con cinco discos: el primero que grabó a nombre propio, "New Jazz Conceptions", conteniendo una muestra clara de lo que vendría como una explosión de creatividad y virtuosismo; "Everybody Digs Bill Evans", segundo disco como artista líder y protagónico y que si fue éxito de ventas y crítica; el primero grabado en 1956 y el otro en 1958, no cuentan con las colaboraciones de LaFaro y Motian, pero ya perfilan los rumbos que habrían de venir.

Después están dos joyas indiscutibles, ambas grabadas con el mítico Trío: "Portrait in Jazz" y "Explorations", del '59 el primero y del '61 el segundo, es decir los límites de la gran época del trío de Evans y para terminar, un "en vivo" con la famosa formación, grabado en 1961 también, en el también mítico Village Vanguard y que se llama "Sunday at the Village Vanguard".

CANCIONES FAVORITAS. She smiled sweetly.

"She Smiled Sweetly"

Autores: Mick Jagger y Keith Richards

Intérprete: The Rolling Stones

En el '67, cuando los Rolling ya habían empezado a revolucionar su música, que era casi exclusivamente una mezcla de Blues, R&B Y canciones del tipo de las que hacía su gran inspiración, su ídolo y venerado maestro Chuck Berry, empezaron a incorporar sonidos que estaban en el ambiente, venidos del otro lado del mundo, la lejana California y reinterpretados por los rockers británicos, al amparo de sus propias tradiciones y cultura musical, hicieron discos inmortales como "Aftermath" y "Their Satanic Majesties Request".

Y entre esos dos, grabaron uno que no siempre fue justamente valorado, el magnífico "Between the Buttons" que contenía canciones clásicas: "Let's Spend the Night Together" y Ruby Tuesday" fueron las más famosas, pero también había otras que por su impecable hechura se hicieron inmortales.

Es el caso de "She Smiled Sweetly", bella y delicada canción de Jagger y Richards, quienes tenían esa ambivalencia de hacer piezas llenas de energía, irreverencia y furia, pero también finas y elegantes baladas amorosas, con esa sencillez de las grandes canciones que exaltan las bondades del amor y sus estremecedoras sensaciones, con imágenes contundentes; en She smiled... se plantea una canción desesperada, un torrente de emociones tormentosas, que se vuelven serenas y apacibles... sólo porque "ella sonrió dulcemente".

ELLA SONRIÓ DULCEMENTE.

¿Por qué surgen estos pensamientos, tejiéndose a lo largo de mí?

que parecen quedarse día tras día

y no desaparecen, aunque trate de todas las formas.

Pero ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

y dijo no te preocupes

oh, no no no.

En dónde, dentro de ella lo esconde

que mantiene la paz, la mayor parte de cada día

y no quiere desaparecer, mi pelo se está volviendo gris

Pero ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

y dijo no te preocupes

oh, no no no.

No es nada, un cuándo o un porqué

no sirve de nada intentarlo, estás aquí

empezando una y otra vez.

Esto es lo que ella dijo suavemente

y entendí por una vez en la vida 

sintiéndome bien todo el tiempo.

Porque ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

ella sonrió dulcemente

y dijo no te preocupes

oh, no no no.

SHE SMILED SWEETLY

Why do my thoughts loom so large on me?

They seem to stay for day after day

And won't disappear, I've tried every way

But she smiled sweetly

She smiled sweetly, she smiled sweetly

And says, "Don't worry, oh, no, no, no"

Where does she hide it inside of her?

That keeps her peace most every day

And won't disappear, my hair's turning gray

But she smiled sweetly

She smiled sweetly, she smiled sweetly

And says, "Don't worry"

"There's nothing in why or when

There's no use trying, you're here

Begin again, and over again"

That's what she said so softly

I understood for once in my life

And feeling good most all of the time

'Cause she smiled sweetly

She smiled sweetly, she smiled sweetly

And said, "Don't worry, oh, no, no, no

Oh, no, no, no, oh, no, no, no"

LOS DISCOS DE 1967. The Velvet Underground and Nico.

THE VELVET UNDERGROUND 

"The Velvet Underground and Nico"

1967

"The Velvet Underground and Nico" fue una propuesta sumamente original en el año 1967, no es un disco sicodélico, no es hard rock ni tenía los destellos de rock progresivo, no estaba en la mainstream o en alguna de las mainstream hegemónicas del momento, sus antecedentes lo marcaron y la asociación de dos músicos sui generis con el principal artista contracultural del sofisticado New York de fines de los años sesentas, le imprimió su sello único.

Los líderes de Velvet John Cale y Lou Reed, eran dos músicos poco comunes en la escena del rock, Cale refinado y culto, con una cultura y preparación musicales muy firmes y ricas; Reed un tipo desquiciado que entendía su mundo y su momento como pocos y al entenderlo lo retrataba en una música primigenia, virulenta y directa, la combinación de ambos talentos y visiones de su arte, era el sello distintivo de la banda.

Tal vez por eso buscaron a Andy Warhol, o los buscó Andy Warhol o se encontraron azarosamente, pero el caso es que para el gurú del arte pop, un grupo de rock como este, encajaba muy bien en su proyecto multidisciplinario, donde confluían, música, artes plásticas, danza, teatro, cine y todas las manifestaciones del arte.

Mucho se ha escrito sobre la imposición de Nico, la cantante alemana cercana al círculo de Warhol como cantante de Velvet, para su álbum debut y del disgusto de Reed que nunca aceptó la imposición y nunca simpatizó con Nico, al contrario de Cale que fue el artífice principal de los discos que la alemana grabó como solista posteriormente.

Pero el caso es que a la furia de Reed, la sabiduría musical de Cale y la voz "oscura" y fría de Nico, hicieron una combinación especial, no apreciada  en su momento, pero reivindicada y convertida en objeto de culto con el tiempo, un disco extraño y fascinante que no se parecía a nada de lo que se hizo en ese año ni se había hecho antes.

Y para hacer más mítica el aura de esta obra, está la portada, obra del mismo Warhol, que se prestó a los escándalos habituales con la censura y los guardianes de las buenas costumbres, porque con el dibujo del plátano venía la frase que invitaba a pelarlo y si se recorría el velo, aparecía un segundo plátano, pero éste de color piel en clara referencia fálica.

Y el escándalo tuvo su continuación cuando los censores pasaron de la portada a las letras de las canciones, con personajes "louridianos" típicos: perdedores sobrevivientes, ambientes sórdidos, referencias a las drogas, al sexo, la violencia y la "parte oscura" de la naturaleza humana que para Reed era la dominante.

The Velvet Underground y Nico.

Lou Reed – voz, guitarra solista y guitarra ostrich.*

John Cale – viola eléctrica, piano, celesta en "Sunday Morning", bajo, coros.

Sterling Morrison – guitarra solista y rítmica, bajo, coros.

Maureen Tucker – instrumentos de percusión.

Nico – cantante, voz en "Femme Fatale", "All Tomorrow's Parties" y "I'll Be Your Mirror"; coros en "Sunday Morning".

*Guitarra afinada de modo distinto al convencional, un invento de Lou Reed en sus afanes experimentales.

LOS DISCOS DE 1967. The Doors.

THE DOORS

"The Doors"

1967

Este también es del 67, otro disco clásico imprescindible en cualquier discoteca roquera que se respete, quien haya vivido en esos años, recordará el impacto producido por The Doors en el mundo de la música con un sonido hipnótico, que no sólo producía Morrison con su voz y el fabuloso timing que poseía para ir soltando las frases o para sostener un ambiente de tensión que de pronto estallaba en catarsis, también estaba el órgano de Manzarek, sus texturas y sus solos muy cercanos al virtuosismo de los músicos del Jazz y por si estos dos no fueran suficientes para hacer una música absolutamente seductora para oídos expertos o principiantes, estaba Krieger, el que sabía más de música y tenía en su cerebro, un panorama más completo e imaginativo de los sonidos, las estructuras posibles de armar y el conocimiento de diversos géneros que podía traducir al lenguaje de su guitarra.

La música de este cuarteto angelino rompió géneros, trascendió el ámbito musical e invadió el literario, y fue en ese momento, el único grupo americano que podía enfrentar a las bandas británicas que dominaban el ambiente y los mercados, su primer disco que aquí comentamos, tiene varios títulos de "el mejor", es considerado el disco más importante del grupo, uno de los mejores debuts de la historia roquera, uno de los grandes discos del año en cuestión, compitiendo con una cantidad increíble de obras maestras de todos los tiempos y está en las listas diversas que se hacen de las mejores cien grabaciones de la historia.

Los personajes que hicieron posible esta obra atemporal y los instrumentos que utilizaron en la grabación fueron:

Jim Morrison - voz

Robby Krieger - guitarra

Ray Manzarek - órgano, piano, teclado y bajo

John Densmore - batería.

Todas las canciones fueron escritas por The Doors, excepto cuando se indica.

Break on Through (To the Other Side)» – 2:30

Soul Kitchen» – 3:35

The Crystal Ship» – 2:37

Twentieth Century Fox» – 2:33

Alabama Song (Whisky Bar)» (Brecht, Weill) – 3:17

Light My Fire» – 7:07

Back Door Man» – 3:34

I Looked At You» – 2:23

End Of The Night» – 2:53

Take It As It Comes» – 2:20

The End» – 11:44

LOS DISCOS DE 1967. Surrealistic Pillow.

JEFFERSON AIRPLANE

"Surrealistic Pillow"

1967

"Surrealistic Pillow", segundo disco de estudio de Jefferson Airplane, es el más emblemático de la banda sanfranciscana, grabado y publicado en 1967, llegó en el momento adecuado y al lugar correcto: el momento más alto del movimiento hippie y en voz de una de las bandas más representativas de la música hippie.

Antes de grabar el disco, el aeroplano cambió de baterista y de cantante principal, llegó como percusionista Spencer Dryden y para cantar y tocar varios instrumentos, además de componer las dos piezas que más sobresalieron del disco, Grace Slick quien se convirtió desde ese momento en la figura con la que se identificaba al grupo.

Los Jefferson habían estado destacando dentro del movimiento flower power y ya eran uno de los grupos más identificados con él, y por lo tanto eran de los creadores del género, en esta segundo disco lo refinaron y llevaron a su máxima evolución al grado de que para muchos críticos, historiadores y cronistas, es "el disco de la sicodelia", el que mejor sintetiza las características estéticas, ideológicas e históricas de la música sicodélica, el Rock ácido y el sonido Costa Oeste, nombres distintos que se le dieron a distintos matices de este movimiento contracultural de finales de los años sesentas del siglo pasado.

También tiene el honor de ser considerado "el disco del Verano del Amor" algo así como su banda sonora, no sólo por su vigencia en el momento, sino porque toda la música y lírica del disco son el retrato más vivo de dicho suceso, hay muchos discos identificados con el movimiento hippie, con la cultura sicodélica, con el rock ácido y con el más amplio "sonido Costa Oeste", pero ninguno tan ligado en el imaginario colectivo como este.

En la grabación participó activamente Jerry García, como productor, y músico de sesión e incluso como compositor, según sus afirmaciones, aunque en el disco no se le da ese crédito y siempre ha habido un halo de misterio en torno a su participación que parece innegable y que le da una plusvalía  a la obra por ser García uno de los grandes íconos del movimiento.

Somebody to love y White Rabbit llegaron a los primeros lugares de las listas de popularidad y son desde entonces las canciones con las que más se identifica a Jefferson Airplane además de las que revelaron a la divina Grace como compositora respetable de canciones.

Los miembros de la banda en el momento de la grabación, fueron la alineación más destacada y consistente  de su historia y estaba conformada así:

• Marty Balin: voz, guitarra y diseño del álbum.
• Jack Cassady: bajo y guitarra rítmica.
• Spencer Dryden: batería y percusiones.
• Paul Kantner: guitarra y voz.
• Jorma Kaukonen: guitarra líder y voz
• Grace Slick: voz, piano, órgano y flauta.

LOS DISCOS DE 1967. Procol Harum.

PROCOL HARUM

"Procol Harum"

1967

"A whiter shade of pale" fue un éxito mundial absoluto, se convirtió en una clásica instantánea y por supuesto que la conocimos en México, y era imposible no enterarte de su existencia si tenías un aparato de radio, donde la programaban muchas veces en cada día.

Por mucho Tiempo consideré a Procol Harum como un grupo de un solo éxito, en Mexico sólo se editó el EP con la mencionada y el disco completo se editó hasta que apareció la versión en CD, no estoy seguro de esto, pero yo nunca ví el LP, después comprendí que las cerradas mentalidades de los que manejaban las disqueras en esa época, catalogaron inmediatamente al LP, como un disco no comercial.

Procol Harum es hoy para su redactor, uno de sus grupos favoritos, con el tiempo y una revisión de sus primeros discos me llevó a entender la importancia de esta banda: entonces descubrí a un grupo portentoso de músicos, encabezado por Gary Brooker, excelente cantante y buen pianista; Mathew Fisher, el organista que asombraba al mundo con su virtuosísmo (la introducción de "A whiter... es la prueba fehaciente); Robin Trower, el guitarra líder que imprimía el toque roquero a la música fina y compleja del grupo; B.J. Wilson, el baterista que llevaba el y los ritmos de las intrincadas piezas y un miembro con todos los derechos que era Keith Reid, quien no tocaba ni cantaba nada, pero era el autor de las letras, el pie del que cojeaban el 80% de las bandas, Reid era un poeta que proveía a la música del grupo del complemento adecuado, el bajo fue el instrumento que no tuvo un dueño permanente y estuvo en manos de varios ejecutantes.

La deslumbrante belleza de su canción emblemática, opacó al resto de su álbum debut y de su obra posterior, pues fue lanzada como single meses antes que el LP, "A whiter shade of pale", llegó de inmediato al sitio más alto de popularidad en el Reino Unido y a los primeros cinco de la Unión Americana y a pesar de la enorme importancia y calidad de por lo menos, sus cuatro primeros discos, Procol Harum nunca más tuvo un disco o una canción exitosa y diez años después de su creación, la banda desapareció.

El tiempo ha revalorado a este grupo histórico y a su ópera prima como innovadores y una conjunción de extraordinarios músicos que crearon un sonido muy original y único, inetiquetable porque hicieron rock sinfónico, se anticiparon al dark, pusieron algunas de las bases inamovibles del Rock progresivo británico y combinaron a la perfección la finura del rock que venía: progresivo y sinfónico, con la sicodelia y además con un sonido hard que aportaba Trower.

Los diálogos entre Brooker y Mathew Fisher que resaltaban el virtuosismo de éste en una gran cantidad de "solos" memorables, las letras de Reid, y la calidad vocal de Brooker, más el trabajo a veces discreto y otras destacado de Trower, son el sello de este álbum delicioso que nunca cansa y se escucha siempre con gran placer.

LOS DISCOS DE 1967. Mr. Fantasy.

TRAFFIC

"Mr. Fantasy"

1967

Otro disco sorprendente en un año extraordinario en sorpresas fue el debut de la banda Traffic, una grabación de una gran madurez que no parecía el inicio de una carrera discográfica, el secreto era que si bien, era una banda recién formada, sus integrantes eran músicos con curriculums respetables y grandes talentos.

Lidereados por Steve Winwood, el niño prodigio del Rock británico, conocido mundialmente por su participación en el grupo de Spencer Davis y consagrado por su protagonismo en Traffic y posteriormente en la super banda Blind Faith, compositor, cantante excepcional,  y multiinstrumentista; encontró respaldo y complemento en los fundadores de la histórica banda: Jim Capaldi y Dave Mason, ambos músicos experimentados, talentosos y con habilidades notables para componer canciones, al llegar Winwood al grupo, también se incorporó Chris Wood y así quedó conformada la alineación estelar de Traffic y la que grabó el disco de su debut en el mundo de los registros magnetofónicos:

Jim Capaldi:  tambores, percusión, voces

Dave Mason: guitarra, mellotrón, sitar, percusiones hindúes, bajo y voz. 
Steve Winwood: órgano, guitarra, bajo, piano, clavecín, percusión voz y arreglos.
Chris Wood: flauta saxofón, órgano, percusión, voz.

Mr. Fantasy a diferencia de muchos de los grandes discos del año, no está orientado a la sicodelia ni es una obra maestra del género, está dominado por la influencia soul y blusera de Winwood, pero incorporó además, finos toques de Jazz aportados por Wood y sus instrumentos de viento; Mason colaboró varias composiciones y la parte "folk" del disco y Capaldi estaba inspirado como compositor y participó en casi todas las piezas en ese rubro.

El omnipresente Steve Winwood, con sus 19 años de edad, participó en 7 de las diez piezas como compositor, cantó, hizo arreglos y tocó varios instrumentos, pero no hizo solo el disco, esta es una de las características de esta obra inmortal, que a pesar del avasallador protagonismo de Steve, sus compañeros no son comparsas, hay una aportación de igual importancia de cada uno de ellos en cualquier rubro: todos tienen un peso importante en las elaboradas composiciones, Capaldi, Winwood y Mason, son voz líder en diversos momentos, todos hicieron coros y tocaron más de una decena de instrumentos entre los cuatro.

Así que si me salen con que la primera super banda de Rock en la que participó Winwood, fue Blind Faith, no se las compro, este era un super grupo al que sólo le faltaba que todos sus miembros fueran muy conocidos, pero en talentos y habilidades, estaban a la par de cualquiera de cualquier parte del globo. Mr. Fantasy es un imprescindible: en la historia del Rock británico, en la historia del Rock mundial, en la historia de los discos debut de una banda, en su década y en cualquiera.

La lista de canciones y los créditos de la composición, en el disco original del Reino Unido son los siguientes:

1.	"Heaven Is in Your Mind"	Jim Capaldi, Steve Winwood, Chris Wood
2.	"Berkshire Poppies"	Capaldi, Winwood, Wood
3.	"House for Everyone"	Dave Mason
4.	"No Face, No Name, and No Number"	Capaldi, Winwood
5.	"Dear Mr. Fantasy"	Capaldi, Winwood, Wood
6.	"Dealer"	Capaldi, Winwood
7.	"Utterly Simple"	Mason
8.	"Coloured Rain"	Capaldi, Winwood, Wood
9.	"Hope I Never Find Me There"	Mason
10.	"Giving to You" (album version)	Capaldi, Mason, Winwood, Wood

Un dato adicional es que en Estados Unidos el LP salió modificado y en la edición de 2000 para CD fueron agregados otros "tracks"

LOS DISCOS DE 1967. Forever Changes.

LOVE

"Forever Changes" 

1967

Arthur Lee fue el primer hippie negro, pues aún en el año que revisamos, había música para blancos y otra para negros, los jóvenes afroamericanos no se interesaban mucho por la música de la "jipiada", la sicodelia, el rock ácido ni otras manifestaciones de la música juvenil y basta ver los documentos gráficos de los grandes festivales "hippies" para darse cuenta de que el público que asistió a ellos era abrumadoramente sajón.

Lee, nacido en Memphis y emigrado a California, se dejó encantar por la revolución sónica con epicentro en el estado soleado, poseía de nacimiento un genio musical especial que le permitía, entre otras gracias, componer canciones sobresalientes y extraordinarias.

Lee fue el Fundador de la, por mucho tiempo menospreciada banda Love, y junto con Bryan MacLean, el creador de este disco considerado, uno de los más importantes de su década y de toda la historia del rock, obra maestra de la música sicodélica, con una base de instrumentos no eléctricos e inclusión de cuerdas e instrumentos de aliento metal, propios de la música sinfónica.

En su momento no causó gran impacto entre el público, había demasiadas novedades deslumbrantes y "Forever Changes" era uno de esos discos que van descubriendo sus aciertos y genialidades después de ser escuchados innumerables veces, no llegó ni a los cien mejores en las listas en Norteamérica, aunque el oído aristocrático de los británicos, lo llevó hasta el puesto 30.

Si Sgt. Pepper te parece un disco complejo y recargado hasta el barroquismo, "intelectual" y deslumbrante, síntesis de genialidad y belleza, espera a escuchar "Forever Changes" y después hablamos.

La lista de canciones de la grabación original es la siguiente, en la posterior grabación en CD, fueron agregados 7 cortes:

1. Alone Again Or (Maclean, 03:16)
2. Una casa no es un motel de la ONU (Lee, 3:31)
3. Andmoreagain (Lee / Maclean, 03:18)
4. The Daily Planet (Lee, 03:30)
5. Old Man (Maclean, 03:02)
6. The Red Telephone (Lee, 04:46)
7. Tal Vez el pueblo seria el que me h Entre Clark y Hilldale (Lee, 03:34)
8. Vive y deja vivir (Lee, 05:26)
9. The Good Humor Man He ve TODO COMO ESTE (Lee, 03:08)
10. Charlatán en el verano (Lee, 02:24)
11. De ajustar la Escena (Lee, 06:56)

Los músicos que grabaron el disco fueron, los cinco miembros de la banda y otros artistas "de sesión" que aparecen en segundo término:

• Arthur Lee: guitarra vocalista director, arreglista
• John Echols: director guitarra
• Bryan MacLean : guitarra rítmica, vocalista, arreglista (director vocalista en "Alone Again Or" y "Old Man")
• Ken Forssi: Bajo
• Michael Stuart: Batería y percusión

Músicos complementarios.

• Billy Strange: guitarra en "Andmoreagain" y "The Daily Planet"
• Don Randi: piano en "Andmoreagain" y "The Daily Planet"
• Hal Blaine: Batería en "Andmoreagain" y "The Daily Planet"
• Carol Kaye: (posiblemente) Bajo en "Andmoreagain"
• David Angel: arreglista, orquestales Arreglos
• Orquesta: Robert Barene, Arnold Belnick, James Getzoff, Marshall Sosson, Darrel Terwilliger (violines); Norman Botnick (viola); Jesse Ehrlich (violoncello); Chuck Berghofer (contrabajo); Bud Brisbois, Roy Caton, Ollie Mitchell (trompetas); Richard Leith (trombón)

LOS DISCOS DE 1967. Days of Future passed.

THE MOODY BLUES

"Days of Future Passed"

1967

The Moody Blues es una de las bandas históricas inglesas, fundada en 1964 en Birmingham, tierra proveedora de grandes bandas, que empezó. como muchas otras, tocando Blues, cuando los jóvenes ingleses estaban redescubriendo el Blues estadounidense y ello les sirvió de basamento para desarrollar su propio Rock.

Después de colocar dos "singles" en el mercado y hacer algunas giras, grabaron su primer L.P. con muy poco éxito, luego vino una recomposición en la alineación y se inició el proyecto de su segundo disco, que es el que nos ocupa, por sus influencias y formación, por sus inquietudes y por los aires que soplaban y empezaban a caracterizar a una época, los miembros de The Moody Blues, decidieron abrir nuevas rutas, otras formas de componer alejadas del Rock simple y del Pop, instrumentos poco comunes en el género y fusión de géneros musicales que nadie creía posibles.

Pero resultó que a alguien en la empresa discográfica, se le ocurrió que sería buena idea hacer y grabar una versión Rock de la "Sinfonía del Nuevo Mundo" de Dvorack y pensó con acierto que los Moody eran la única banda en el Reino Unido que podía hacerlo, el resultado no tuvo que ver con la famosa Sinfonía, que sólo sirvió de inspiración para la creación de uno de los primeros discos de Rock Sinfónico de la historia.

"Days of future passed" fue pionero en varios aspectos: uno de los primeros discos conceptuales, con un tema que va desarrollándose a lo largo de toda la obra y que era el paso de un día hasta que llega la noche; uno de los primeros discos de Rock Sinfónico; tal vez el primero que incluía textos recitados que reforzaban la historia y uno de los primeros discos en que se utilizó el mellotrón, ese arcaico antecedente de los sintetizadores.

La grabación fue todo un éxito en el momento, por novedoso y original, después en 1978, fue remasterizado y editado en versión CD, y volvió a convertirse en éxito y por último, en 2006, se lanzó al mercado una edición de lujo para conmemorar 40 años de edad de la grabación clásica reconocida por críticos y público, como uno de los más importantes de la historia.

En la edición original, la lista de canciones, como movimientos de una sinfonía, con subtemas o submovimientos, era así:

Lado A

1. The Day Begins: The Day Begins / Morning Glory
2. Dawn: Dawn Is a Feeling
3. The Morning: Another Morning
4. Lunch Break: Peak Hour

Lado B

1. The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?) / (Evening) Time To Get Away
2. Evening: The Sunset / Twilight Time
3. The Night: Nights in White Satin / Late Lament

Y la alineación de músicos que grabó el disco con el acompañamiento de la Orquesta del Festival de Londres:

Justin Hayward - guitarra, piano, teclados, voz
John Lodge - bajo, guitarra, voz
Mike Pinder - teclados, mellotron, piano, relatos
Ray Thomas - instrumentos de viento, percusión, teclados, voz
Graeme Edge - batería, voz