Mañana 30 de Abril es el día internacional del Jazz, esta entrada es parte de la celebración ¡Larga vida al Jazz!
Marcus Miller ya estaba tocando bajo, teclados y clarinete a los 13 años en clubs y como músico de estudio y este trabajo lo llevó a colaborar con diversos artistas famosos. pero su sueño era trabajar con su ídolo desde la infancia Miles Davis y en 1981 grabó el primero de sus discos con el genial trompetista "The man with the horn" y en ese mismo año "We want Miles", en 1982 hicieron "Star People" para que en 1986 se publicara "Tutu" que ganó Grammy como el mejor disco de Jazz del año, en esa joya Miller compuso todas las piezas y tocó todos los instrumentos, el genio de Marcus era ya inocultable y florecía sin detenerse, un dato curioso a propósito del disco es que Miles había planeado hacer su disco con el apenas fallecido Prince, pero al no ser posible lo hizo con Miller.
En 1989 dos años antes de la muerte de Davis, volvió a trabajar con él y ya no hubo más porque en 1991 se fue del mundo terrenal el maestro de muchos, esa época ochentera de Marcus, fue sin duda su plataforma de lanzamiento y también su escuela, desde 1983 ya estaba componiendo, produciendo y grabando sus propios discos hasta completar 13, el último es "Afrodeezia" del año pasado (2015), se grabó en Marruecos, Los Angeles, Río de Janeiro, Nueva Orleans y París, el proyecto tiene que ver con la llamada "ruta de los esclavos" con el que se ha involucrado con la UNESCO para denunciar la esclavitud aún presente en muchas partes del mundo, el título alude claramente la tragedia histórica de África.
Con Miller colaboraron muchos artistas que convirtieron las composiciones de Marcus en joyas artísticas llamadas a ser clásicas:
Los Lobos
son un ejemplo destacado de que el meztizaje es riqueza y la pureza
pobreza, hijos de mexicanos, nacidos y avecindados en Los Angeles,
empezaron su carrera en los años sesentas tocando "covers" de éxitos
roqueros, pero también tocando música tradicional mexicana, Rhythm and
Blues, y música Tex Mex, tuvieron un entrenamiento y fogueo intensivo
en bailes y pequeños locales y se hicieron de un oficio virtuoso, una
unidad envidiable y ese placer que reflejan cuando hacen lo que más les
gusta, la música.
Sus influencias son
variadas y eclécticas: Santo y Johnny, los Creedence, el "Flaco"
Jiménez, Eddie Cochran, la Cumbia Colombiana, Richie Valens, los viejos
maestros del Blues, Jimmy Reed, el Son Huasteco y mucho más, su disco
más celebrado, "How Will the Wolf Survive", es el ejemplo mejor de las
virtudes de esta banda que ya es leyenda angelina y del mundo chicano:
perfecto equilibrio en sus fusiones, de músicas que les pertenecen desde
que estaban en la cuna: virtuosísmo y pleno dominio al interpretar los
géneros que nutren su obra; dotes sobresalientes para la composición; y
gozosos resultados.
El primer disco de un Beatle solo lo lanzó Paul al mercado en Abril de 1970, casi al mismo tiempo que "Let it be" y dicen los chismes que de por sí las relaciones entre los cuatro liverpolianos o como sea el gentilicio de Liverpool, se agravaron más, luego vendría "All things must pass" de Harrison en Noviembre y "Plastic Ono Band" de Lennon en Diciembre, Harrison y Lennon habían hecho discos experimentales antes de estos de canciones, razón por la que se les considera los primeros de Beatles solistas.
Paul hizo su disco el solo, no sabemos si por egolatría, porque podía hacerlo con su talento o por su estado de ánimo que lo inclinaba a la introversión, el caso es que, exceptuando los coros de Linda, todo lo que se escucha: voz y todos los instrumentos los tocó y grabó Paul, lujo que se han dado varios músicos de sobrado talento.
Butterfly de 1967 es el disco más alejado del "hitismo" y el Pop "puro", lo que no quiere decir que no tenga que ver con su raíz y sustancia Pop, en "Butterfly" el Pop de los Hollies es fino y creativo lo que no era ajeno a la histórica banda, sólo que aquí hay una anexión sicodélica afortunada y perfectamente incorporada, sin pretenciones exageradas, sin falsas posturas, el talento de siempre que Allan Clarke y Tony Hicks mostraban además de un Graham Nash inspirado en la composición, los arreglos y la vocalización, en el mar de discos y sencillos muy cargados al Pop, éste es su obra maestra sin renunciar a su causa, enriqueciendo la experiencia y mostrando que los Hollies no eran una casualidad del azar.
Por cortesía de Wikipedia, la información sobre las canciones:
All tracks composed by Graham Nash, Allan Clarke and Tony Hicks.
Side 1 "Dear Eloise" (Allan Clarke, Tony Hicks, Graham Nash) – 3:04
Lead vocals: Allan Clarke and Graham Nash "Away Away Away" (Nash) – 2:19
Lead vocals: Graham Nash "Maker" (Nash) – 2:52
Lead vocals: Graham Nash "Pegasus" (Hicks) – 2:38
Lead vocals: Tony Hicks "Would You Believe?" (Clarke) – 4:08
Lead vocals: Allan Clarke "Wishyouawish" (Clarke, Nash) – 2:04
Lead vocals: Allan Clarke, Graham Nash
Side 2
"Postcard" (Nash) – 2:17
Lead vocals: Graham Nash "Charlie and Fred" (Clarke, Nash) – 2:56
Lead vocals: Allan Clarke "Try It" (Clarke, Nash) – 3:04
Lead vocals: Allan Clarke and Graham Nash "Elevated Observations?" (Clark, Hicks, Nash) – 2:32
Lead vocals: Allan Clarke and Graham Nash "Step Inside" (Clarke, Hicks, Nash) – 2:51
Lead vocals: Allan Clarke "Butterfly" (Nash) – 2:42
Lead vocals: Graham Nash
El legendario grupo de Rock Italiano ubicado en las filas del Rock Progresivo creó varios discos memorables, el que va más allá de lo extraordinario es el que grabaron en 1978, inició en 1972 y desde entonces empezaron a crear una música que era todo menos sonidos populares, decir que eran una banda de Rock Progresivo es lo menos, porque tenían una fuerte influencia del Free Jazz, la música electrónica y un espíritu experimental, en algún momento declararon que su fin era crear una música total, que abarcara todas las fusiones posibles sin fronteras espaciales o temporales.
En ese sentido Area estaba haciendo una música de la globalización varias décadas antes de que la globalización musical fuera algo cotidiano, el otro aspecto a destacar era que los textos estaban muy politizados, Area era una banda anti estatus y muchos otros antis, otro era su posición contra la industria musical, antes de la grabación de su más trascendente disco vieron partir a Paolo Tofani, guitarrista y músico que aportaba una parte importante de la experimentación sónica.
La más importante incorporación al grupo fue la de Demetrio Stratos. extraordinario cantante que falleció a muy temprana edad, Ares Tavolazzi fue otro elemento importante en la restructuración del grupo, la ausencia de Stratos hizo que Area dejara de ser el momento mágico e histórico, después de su muerte sólo grabaron un disco más, la alineación de Area que grabó"gli dei se ne vanno, gli arrabbiati restano!pasó a la historia así:
Giulio Capiozzo - tambores, vibráfono, percusión. Patrizio Fariselli - piano, órgano, piano eléctrico, sintetizador ARP Odyssey, Pro-Sploist, Polymoog, omni. Ares Tavolazzi - bajo eléctrico y acústico, guitarra acústica, mandola, trombón, trompeta de bolsillo, voces.
Demetrio Stratos- vocal, órgano, piano eléctrico y acústico, ocarina.
La larga y azarosa historia del Rock Mexicano buscando su identidad tiene en Pascual Reyes y su banda un capítulo del nuevo siglo, en los tiempos de la globalización cuando la identidad nacional ya no es importante, ahora el truco es querer ser global y en el propósito mostrar lo que se es culturalmente.
El rock de Pascualito es como todo el rock del mundo una música de fusión altamente ecléctica y si se piensa que lo ecléctico es cuestión de tomar de aquí y de allá para después mezclarlo como se pueda y como caiga hay un error de cálculo, se puede hacer así pero no vas a engañar a nadie.
La banda de la Ciudad de México que ya tiene en su carrera 15 años trabajando hizo su más famoso disco en 2003 es considerada su mejor grabación sino también uno de los discos más importantes de la historia del Rock, las letras de Pascual sin caer en lo obvio ni "intelectualizar" demasiado tuvieron el acierto y el talento para integrar rock, música folclórica, caribeña, trip hop, boleros y todo lo que sirva para hacer un disco con base en una cultura músical y general con un aire que sirve de hilo conductor e imaginario popular rescatado desde los años cuarenta hasta el siglo actual.
1969
fue un año muy productivo para el rock, en ese año se grabaron, por lo
menos media centena de discos roqueros que habrían de convertirse en
clásicos: El famoso Abbey Road de los Beatles, Arthur, el gran disco de The Kinks, Barabajagal, uno de los mejores discos de Donovan, el único e insuperable Blind Faith, el segundo y genial disco de Blood Sweat & Tears, El Chicago Transit Authority, Family Entertainment de Family, Goodbye de Cream, el segundo de H.P. Lovecraft, el grandioso Hot Rats de Zappa ,Kozmic Blues, el celebrado disco de Janis Joplin, In the Court of the Crimson King,clásico de clásicos de toda la vida, y los dos primeros de Led Zeppelin.
También aparecieron en ese año: Let it Bleed de los Rolling, el primero de Santana, el fenomenal Shady Grove de Quicksilver, Space Oddity de Bowie, el discazo que se llama Stand! de Sly & the Family Stone, The Corporation, con su disco homónimo, The Turning Point de John Mayall, Tommy, la primera rock ópera, Ummagumma, de Pink Floyd, Volunteers, de Jefferson Airplane y With a Little Help from my Friends de Joe Cocker.
HOT RATS (FRANK ZAPPA). Sólo
a Zappa se le ocurria mezclar violín con instrumentos de aliento
metálicos, piano y órgano, junto a el bajo y la guitarra eléctrica y tú
me dirás, lector, ¡pero si son los instrumentos del rock-blues! sí,
pero la forma en que están mezclados en Hot Rats hacen pensar en
instrumentos de otro planeta, por todas estas razones, Hot Rats se fue
colocando cada vez más arriba en el Hit Parade personal,
hasta llegar a la cima, si hoy me preguntan ¿cuál es mi disco
favorito, el más trascendente de los que he escuchado en mi vida? la
respuesta más segura es: Hot Rats de Frank Zappa.
Pocas veces me ha asombrado tanto un disco, convirtiendose en mi disco favorito, no se si en su año fue un acontecimiento pero el tiempo le ha dado junto con mucha de la música del genio, un estatus de obra universal e inmortal.
CHICAGO TRANSIT AUTHORITY (CHICAGO). Con
la misma fórmula que Electric Flag o Blood Sweat & Tears, un
cuarteto de rock con guitarra líder, bajo, batería y teclados, más tres
músicos que tocaban alientos-metal (trompeta, trombón, sax y flauta) y
la consabida mezcla de tres géneros explosivos y muy maleables, Chicago
logró además una fusión muy equilibrada de piezas experimentales con
otras muy comerciales que los llevaron a realizar ventas millonarias del
álbum doble con que debutaron, producto de dos años de tocar y componer
juntos durante dos años e interminables giras que los llevaron por toda
la Unión Americana.Este
álbum celebradísimo por la crítica y acogido por el gran público,
representó un gran negocio para Columbia, disquera que lo grabó y
distribuyó y de él salieron exitazos como"Beginings", "Questions 67 and
68", "Listen" y un gran cover de "I'm a Man" de Steve Winwood, grabado con anterioridad por el grupo de Spencer Davis.
BLOOD SWEAT AND TEARS (BLOOD SWEAT AND TEARS). "Del
rock and roll pasé al mundo de los graduados de Julliard" declaró
Clayton a propósito de su incorporación a Blood, Sweat & Tears y esa
aseveración dice mucho de la naturaleza del álbum que pretendemos
reseñar, rock en la base, en la columna vertebral y una cubierta
sumamente ambiciosa de música "culta" con el principio y el cierre que
son dos interpretaciones muy personales de la música de Erik Satie, la
primera de las famosas "Gymnopedies", más una muy arriesgada versión de
la clásica de clásicas "God Bless the Child" de la inmortal Billie
Holiday que sale bien librada gracias a las habilidades vocales de
Clayton Thomas.
Hay otros dos covers, "Smiling
Phases" de Traffic y "When I die" de Laura Nyro, ambos tratados de
manera que resultan novedosas, esa inquietud que había en la banda por
hacer una música compleja, culta e intelectualizada permea todo el disco mientras que hay también una veta pop muy bien explotada. De
este álbum que se llevó el Grammy como el mejor disco del año y tuvo
ventas millonarias salieron dos exitazos atemporales "Spinning Wheel" y
"You've Made me so Very Happy",pero la pieza maestra del conglomerado es
"Blues-Part II", un jam que es
también manifiesto de la nueva corriente, una cátedra de lo que los
creadores del jazz-rock pretendían como corriente, escuela o género, en
esta pieza están todos los elementos de la marca registrada: solos
instrumentales al estilo del jazz, riffs roqueros célebres, la voz blusera de Clayton, los arreglos espectaculares de los metales y su toque de pop.
SPACE ODDITY (DAVID BOWIE). Si
consideramos a "Space Oddity" el álbum debut de Bowie, lo que puede ser o
no ser, porque ya existían dos anteriores a nombre de David Jones,
estaríamos hablando de uno de los debuts más espectaculares, asombrosos y
consistentes de la historia del rock, las dos grabaciones anteriores,
firmadas por David Jones, nombre oficial de Bowie, ya esbozaban el
talento y genialidad de uno de los músicos más completos del siglo XX,
pero fue "Space Oddity", el momento de la revelación que sin
exageraciones, asombró al planeta "roquero".
Con
un doble cimiento firme y perfectamente identificable, formado del folk
inglés y lo que entonces ya se podía reconocer como la forma específica
del rock-pop hecho en el Reino Unido, Bowie inició la edificación de la
primera de varias obras maestras y sobre esa base que se complementaba
con sus ya maduros textos, fue agregando elementos que cohesionaban,
creaban claroscuros, sintetizaban estilos, adornaban y dotaban de
elegancia a un conjunto que al final se acercó a milímetros de la
perfección.
En
Space... no hay secretos ni efectos subliminales, desde el principio
está todo a la vista, o mejor dicho al oído, el disco inicia con una
guitarra acústica inequívocamente folk,
luego aparecen la sicodelia y el rock experimental, los cambios
repentinos pero perfectamente calculados para crear un efecto y así, uno
a uno se van mostrando todos los elementos involucrados en la obra,
hilvanando una cadena deliciosa de sorpresas, sonidos tan viejos como
nuevos y una sensación confortable de que todo tiene coherencia y
devenir.
LED ZEPPELIN I (LED ZEPPELIN). El disco se grabó en 30
horas y con un contrato insólito para una banda que hacía su disco
debut, en Atlantic y con condiciones sumamente ventajosas, que hicieron
que la prensa radical acusara a Page de mercenario, el repertorio
elegido por el inobjetable líder, estaba formado por sus composiciones,
viejos blues clásicos, canciones "folk" norteamericanas, una vieja pieza
que interpretaba Eddie Cochran, una canción del folk inglés
transformada hasta lo irreconocible y todo, en un nuevo contexto. Un contexto furioso y
volcánico que empezaba con la devastadora batería de Bonham, metiendo
ruido, ritmo y direcciones diversas; la hiriente, lamentosa o fina
guitarra de Page y la voz inédita en el rock de Robert Plant, quien se
convirtió en el paradigma del canto metalero, ¿cuántos "plantitos"
vinieron después a engrosar las filas del heavy?, difícil saberlo y para
completar, la exacta e indispensable participación de Jones en bajo y
teclados, aportando los contenedores, el necesario otro extremo que
también fue desde entonces un sello del Zep. El disco salió a la
venta en enero de 1969 y en pocas semanas estaba entre los diez más
vendidos en ambos lados del Atlántico, la crítica se dividió entre los
que aclamaban a la nueva revolución del rock mundial y los que los
acusaban de armar un disco con una gran cantidad de pequeños "hurtos"
que estaban en todo momento y que reflejaban el enciclopédico
conocimiento que Jimmy Page tenía del rock, el blues, la música folk y
mucho más.
AS SAFE AS YESTERDAY (HUMBLE PIE). En
1969 Steve Marriott, cantante y guitarrista de Small Faces, se asoció
con Peter Frampton, también guitarrista y cantante proveniente del grupo
The Herd para formar una nueva banda, y entonces se toparon con otro
músico desempleado, el bajista Greg Ridley quien había dejado a la
interesantísima y legendaria agrupación Spooky Tooth y para completar
una banda básica de rock, llamaron a filas al baterista Jerry Shirley,
así nació Humble Pie, uno de los primeros grupos llamados "super", por
formarse con elementos experimentados, de probadas capacidades, ya
consagrados y famosos.
El disco con el que
debutaron es una joyita con todas estas cualidades resplandeciendo y fue
bautizado como "As Safe as Yesterday", perfectamente bien hecho, sin
fisuras ni lados flacos, y es una muestra del crisol en que estaba
convertido el movimiento roquero británico, asimilando influencias
locales y foráneas con maestría deliciosa, "As Safe... es casi un disco
de música negra, con el blues y el soul en primer plano, pero también es
un disco de rock británico hasta la médula, con las infiltraciones del folk irlandés
y escocés, la sicodelia a lo británico y ese sonido inconfundible de
los grupos de la Gran Bretaña a finales de los sesentas.
BLIND FAITH (BLIND FAITH). Blind Faith, el unico
àlbum de estudio que grabó el supergrupo, llegó a la parte alta de las
listas en ambos lados del Atlántico en su primera semana de estar en
venta, porque la expectación que creó la prensa sobre la formación de
este "super cream" surtió su efecto, antes de que el disco saliera a la
venta, Blind Faith dió un concierto gratuito en Hyde Park, uno de los
parques más famosos de Londres y ya se podía ver lo que había que
esparar de la Fé Ciega.
El álbum, expectativas o
trucos publicitarios aparte, es una joya del arte roquero, con tres
composiciones de Winwood, de excelente factura, cantadas con la voz
"soul" que poseía Steve, infinitamente superior a la de Jack Bruce en
Cream, la guitarra más blusera de Clapton pero con los aún frecuentes
toques sicodélicos herencia de Cream, la maestría de Baker, dirigiendo
el rumbo de las canciones, dándoles o restándoles intensidad,
enmarcándolas, y dotándolas de volumen y personalidad.
El papel de Grech por
discreto, no fue menos importante, con el bajo, con el "solo" de violín
en "Sea of Joy" y con los coros que aportó, el resto del repertorio se
compone de una pieza de Buddy Holy, otra de Clapton y la final que es
obra de Ginger Baker, con unos "solos" magistrales de Winwood alternados
con otros de Eric "Dios" Clapton. y por supuesto, del propio Baker.
SPOOKY TWO (SPOOKY TOOTH). El
segundo disco de Spooky Tooth consolida la tendencia del debut, una
banda de rock-blues, con la inevitables influencias de la sicodelia y de
algún modo. un adelanto del rock progresivo, es una obra rica en
matices, timbres y cambios de ritmo.
Producido en 1969, dió a conocer a este grupo leyenda del rock inglés,
formado por: Mike Harrison,voz; Gary Wright, teclados y voz; Luther
Grosvenor, guitarra; Greg Ridley, bajo y Mike Kellie, batería.
Al igual que It's all about, su debut ,Spooky Two, es un gran disco lleno de sorpresas, en
la forma de combinar los cinco instrumentos y las dos voces de dos
estupendos vocalistas, el tono dominante es el blues, pero ese blues
británico de fines de los sesentas tan particular y expresivo, plagado
de referencias sicodélicas en los solos de guitarra y en la forma de
emplear los teclados.
La gran variedad de recursos vocales que utilizan Harrison y Wright,
también le dan a la obra un brillo especial y el dominio de los diversos
ritmos y sus cambios, al estilo de The Doors, para tener una
referencia, hacen de Spooky Two, un disco sin fisuras, consistente y rico, todo un clásico de la música de rock.
HAPPY TRAILS (QUICKSILVER MESSENGER SERVICE). Este
es el disco más celebrado de Quicksilver, una maravilla de la
originalidad y la capacidad de consolidar un estilo, la mayoría de los
discos de la banda exceptuando "Shady Grove" que es un caso aparte,
muestran ese estilo pero de un modo un tanto disperso y en "Happy
Trails" está concentrada la esencia mercuriana,
conformada en esos sonidos de las guitarras inimitables, desgarrados y
prolongados, sus coros y esa forma de cantar bien ranchera y las
pinceladas sicodélicas que aportaba Valenti, fallecido en 1994. La parte medular del álbum la constituye una especie de suite,
llamada "Who do you love" y que en el LP era el lado uno del disco,
ejercicio también inédito en esos días, un viaje catársico que pasa por
todos los géneros mencionados y utiliza remansos al estilo del jazz,
alternados con los momentos de gran intensidad, participación masiva de
la banda en estos, lucimiento personal en aquellos, si ya conoces esta
joya que es un clásico del rock en directo y en general, es el momento
de revisitarlo, si no lo conoces, asiste a una ceremonia de iniciación
en la fe quicksilveriana y de paso hagamos un homenaje Valenti a casi veinte años de su desaparición.
A SALTY DOG (PROCOL HARUM). El disco número tres, el que se llama "A Salty Dog" me convenció de inmediato,
si su antecesor me parecía una joya del género rocanrolero, este me
pareció la confirmación de que Procol Harum fue un grupo fuera de serie,
poco reconocido que sin problemas debería estar al lado de Deep Purple,
Pink Floyd, Zappelin y todos los grupos que la historia reconoce como
los creadores y revolucionadores del rock.
En "A Salty..." se amalgaman todas las influencias de sus autores: el rock, el blues, el jazz y la música sinfónica sin
forzarlas, gracias al talento de estos músicos y si bien, en los tres
discos el centro de la atención está en la voz de Brooker, en
los dos primeros el instrumento solista por excelencia es el órgano de
Fisher, pero en este, lo que más destaca, después de la voz de Reid es
la guitarra de Robin Trower convertido en un gigante del instrumento con
solos grandiosos y firmes riffs que
dotan de enorme energía a las piezas, hay algunas que como "Boredom"
anticipan a otros discos famosos (In the land of grey and pink de
Caravan), pero en general los recursos desplegados en este álbum
marcaron senda para otros grupos y otros discos inmortales, y
como resulta muy difícil escribir lo que se debe escuchar, los "videos"
anexados son más que suficientes para conocer a esta obra.
BARABAJAGAL (DONOVAN). "Barabajagal" fue
grabado a partir de noviembre de 1968, con Mickie Most como productor,
el mismo que producía al Jeff Beck Group y se dice que para ahorrarse el
trabajo de buscar músicos de sesión o una banda de acompañamiento para
la grabación, Most utilizó los servicios de Beck y su banda, además de
que también participaron varias celebridades más de nombres como: John
Paul Jones, Nicky Hopkins, Rod Stewart, Ron Wood y Aynsley Dunbar, los
tres ultimos del grupo "beckista".
Por problemas con la
compañía, sólo fue publicado en Estados Unidos y no existió edición
británica del disco hasta 2005, cuando se reeditó en CD incluyendo
varios tracks inéditos, resultado de las mismas sesiones de grabación.
FAMILY ENTERTAINMENT (FAMILY). Family
se creó en Leicester por la iniciativa de un grupo de estudiantes de
arte y en su período de conformación tuvo varios cambios de personal,
para 1968, año en que grabaron "Music in a Doll House", su
extraordinario disco debut, celebrado por los críticos más exigentes,
pero poco vendido y olvidado, sus miembros eran: Roger Chapman,
cantante, armonicista y saxofonista; John Whitney, guitarrista; Jim
King, que tocaba saxofones, armónica y cantaba; Ric Grech, en bajo,
violín, cello y voz y Rob Townshend con las percusiones.
"Family
Enterteinment" su segundo disco y con los mismos músicos, es también una
joya de principio a fin, con el quinteto, desarrollando una música que,
aún en el contexto expansivo de esos años, era muy rica en la
composición de las piezas, que no se limitaban al rock, sino que tenía
pasajes muy variados donde se asomaban las músicas tradicionales del
Reino Unido y la música "culta", ires y venires de unos escenarios a
otros, con instrumentación muy variada y un vocalista (Chapman) que
tampoco goza del reconocimiento que merece, con la fuerza y emoción de
Joe Cocker y un timbre parecido al de Mike Harrison de Spooky Tooth, era
un cantante fuera de serie.
ARTHUR (THE KINKS). Davis tuvo siempre una
visión crítica y mordaz del "britanismo" de sus coterráneos, de la
sociedad y de la Historia británica y eso a muchos de sus compatriotas
no les agradaba, pero el caso es que Ray era un compositor de altos
vuelos, letrista y melodista extraordinario, habilidades que se
complementaban con una intuición infalible de los tiempos, ritmos,
momentos culminantes y resoluciones literarias y musicales para cada
canción, además había estado incursionando en historias más completas,
los nacientes "discos conceptuales" y la grabación anterior, "Village
Green Preservation Society" ya se acercaba bastante al concepto.
Y resultó que a
principios de 1969, recibió la oferta para musicalizar un aún no
definido programa televisivo o película sobre Australia, por esos días Ray Davis,
producía un disco a The Turtles y apoyaba a su hermano Dave en la
grabación de su primer disco como solista y al parecer esta actividad
tan diversa influyó en la creatividad de Davis que confeccionó una serie
de canciones extraordinarias basadas en el guión del programa que
finalmente, nunca se llevó a cabo, pero como la banda de los hermanos
Davis si tomaron en serio el trabajo, el àlbum se grabó y tuvo críticas
casi siempre favorables en Gran Bretaña y los estados Unidos.
HALLELUJA (CANNED HEAT). El
cuarto disco de Canned Heat, es una continuidad "progresiva" de los dos
primeros, en el sentido de la consolidación del estilo único y muy
original del quinteto angelino con su extraordinario talento para hacer
de los clásicos del género y sus propias composiciones una especie de
"Blues del Futuro", como titularían al poco tiempo al álbum
inmediatamente posterior, un blues tradicional en todos sentidos, pero
con un toque revolucionario y experimental, explorado con amplitud en el
disco doble que lanzaron entre los primeros y estos y nombrado "Livin'
the Blues".
Para
este cuarto disco, volvieron a las raíces con composiciones clásicas de
Muddy Waters o de Fats Domino, pero el grueso de las piezas son obra
del Bob Hite o Alan Wilson, como compositores solitarios, pero la mayor
parte del repertorio es de creación colectiva, síntoma del momento
crucial por el que pasaba la banda, un estado de gracia especial y una
compenetración de esas que no se dan siempre ni duran mucho.
LIEGE AND LIEF (FAIRPORT CONVENTION).El cuarto disco de la banda londinense, el que comentamos en este momento, es uno de los más notables de la discografía convencionalista y
el más folk, porque todas las historias, melodías y canciones son
extraidas de la tradición y la creatividad del grupo está en la
selección de textos canciones y melodías, más los arreglos que amalgaman
perfectamente tradición y actualidad.A estas alturas de una cuarta grabación, ya se había incorporado Sandy Denny, la vocalista que imprimió un nuevo sonido a la convención y
que hacía pareja idónea con el cantante masculino Dave Swarbrick quién
también era el violinista, ambos músicos son la base del sound en
esta grabación, pero además de ellos, debutaba Dave Mattacks, sustituto
del fallecido Martin Lamble y completaban el equipo: Ashley Hutchings a
cargo del bajo, Simon Nicol y Richard Thompson en las guitarras, en una
de las muchas alineaciones que tuvo la banda, después de la grabación
de Liege... se fueron a buscar nuevos horizontes Denny y Hutchings, por
lo que se considera que este disco marca el fin de una época en la larga
vida de Fairport Convention.
CHANGING HORSES (THE INCREDIBLE STRING BAND). "Changing
Horses" de 1969 fue el quinto disco de estudio de la Increíble, que
empezó su carrera discográfica tres años atrás y ya habían asombrado al
mundo con dos grabaciones deslumbrantes, las llamadas: "The 5000 spirits of The layers of the onion" y "The
hangman's beautiful daughter" y fieles a su costumbre de renovarse y
buscar rumbos nuevos, hicieron este disco que tiene como novedad, dos
piezas de larga duración: "White Bird" y "Creation", formatos que les
permitieron crear "ambientes" que sustentaran fantásticas historias y
experimentaciones sonoras con gran diversidad de instrumentos, cambios
de ritmo e incursión en las diversas culturas musicales que eran sus
influencias.
Fue
grabado después de que la Increíble estuvo en el famoso festival, dicen
las crónicas que fue un disco que tuvo ventas bajas y que decepcionó a
sus seguidores, porque parecía una repetición de lo mismo, sólo que sin
dar la sensación de "orden" de discos anteriores. Pero
visto con la perspectiva del tiempo, más bien es un rompimiento y
cambio de rumbo, como lo demostraría su disco posterior y un catálogo de
todas las habilidades, influencias, temas y preocupaciones de Heron y
Williamson, para darles un nuevo orden, nueva perspectiva y nuevos
significados, razones por las que "Changing Horses", el nombre también
alude al relevo, merece ser incluido entre los grandes discos de 1969.
TRUTH (JEFF BECK GROUP). Beck
ya un consagrado, no se metió en honduras ni se complicó la vida,
recurrió a músicos de probada capacidad en el escenario del Rock
Británico y que además eran sus amigos, como invitar a los "cuates" a la
casa, platicar y "echarse la paloma" improvisar, cantar y tocar las
clásicas y una que otra novedad, escuchada recientemente o acabada de
componer.
Sabedor
de sus habilidades con la guitarra, la complementó con un bajo más que
correctamente tocado por Wood, la voz de Stewart que es todo un milagro,
sin ser poderosa ni un prodigio de técnica, es una de las voces más
conocidas del Rock, por ese timbre tan especial, tantas veces tratado de
imitar y tan pocas veces conseguido; trajo también a un baterista de
competencia alta y llamó a un artista "mágico", uno que tenía la
"gracia", el don de dar luz a los discos en los que participaba, el
pianista más extraordinario de toda la historia del Rock, el gran Nicky
Hopkins (¿se nota que soy fan de Hopkins?).
CLOUDS (JONI MITCHELL). Las "Nubes" de Joni
Mitchell, son diez canciones de su autoría, que en su caso era la regla, no la
excepción, finas y bellas, con arreglos sutiles, elegantes e imaginativos,
acompañando a las historias amorosas de la compositora y cantante canadiense
que hoy es todo un mito y referencia de un ciento de cantantes de country, de
folk, de rock y hasta de jazz.
A pesar de que era su segundo
disco "Clouds" suena a un álbum de madurez rara vez superado por Joni
(tal vez sólo "Blue" del '71, lo consigue) y en él se puede apreciar
todo el talento de la señora Mitchell en una combinación rara de juventud, con
su frescura y energía, con la madurez que vendría después y esto es muy difícil
de encontrar en la misma obra, de allí que sea la mejor recomendación para
conocer o redisfrutar a la gran Joni Mitchell, si quieres mi querido lector(a)
hacer o hacerte un regalo que mitigue las penas del atribulado mundo en que
vivimos y poner en tu vida o en la de una persona amada una poca de belleza,
esta obra maestra de la canción es una muy buena alternativa que para
colmo, es un álbum bello desde la portada, un agasajo a la vista.
TOMMY (THE WHO). Una
de esas audacias trascendentes ha sido, crear obras "rockeras", con la
intención y la estructura de las óperas, llamadas por eso "óperas rock"
y que a menudo se confunden con los "albums conceptuales" que se
parecen pero no son lo mismo, la diferencia radica en que los discos
conceptuales contienen una serie de canciones que van desarrollando un
mismo tema o que en su secuencia van narrando una historia con sus
personajes, situaciones, tramas y desenlace, pero contadas en primera o
tercera persona por un solo narrador.
En
cambio las "rocóperas", narran también una historia, pero a través de
diálogos o monólogos, donde los diversos personajes, cantan y actúan sus
partes alternadamente, tal cual como en la ópera, pero a ritmo de rock y
con instrumentos propios del rock.
La segunda de estas híbridas
creaciones que tuvo resonancia mundial, fue un gran acontecimiento para
el mundo del rock y por mucho tiempo fue considerada la pionera del
género, fue "Tommy" (1969) de Pete Townshend, interpretada por su banda
The Who y relata la historia de Tommy, el niño que por un suceso
traumático se vuelve ciego sordo y mudo y posteriormente al ser curado,
se transforma en una especie de gurú o líder carismático.
YES (YES). La otra gran propuesta
del año en el Rock británico, además del debut de Led Zeppelin, fue el
también primerizo álbum de Yes, llamado homónimamente y es un disco
típico de búsqueda, ya se esboza el que habría de convertirse en uno de
los sound más conocidos del Rock y a la vez, hay una mezcla de
géneros e influencias bien amalgamadas, pero no definitivas,
exploratorias y experimentales. Ya está presente uno de
los sellos característicos de Yes que es la voz de Anderson, pero falta
el otro que la hizo una banda inconfundible: el teclado barroco de
Wakeman y todavía no llegaba Steve Howe, el guitarrista que también es
fundamental en el sonido de la histórica banda. El sonido de éste primer
disco, era sobre todo una mezcla de rock duro y sicodelia, con esos
tejidos sónicos que empezaban a ser la característica del Rock
progresivo, densos y virtuosos, porque eso sí, aún sin Wakeman y Howe,
Yes fue desde el principio una banda de músicos virtuosos, porque la
música que hicieron siempre, alejaba a los principiantes e
instrumentistas suficientes.
WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS (JOE COCKER). El
debut de Cocker fue acontecimiento del año, con tres canciones escritas
por él y Stainton, dos de Bob Dylan, una de Pete Dello, la famosísima "Feeling alright" de
Dave Mason, la versión exitosísima de "With a little help of my friend"
de los Beatles, que llegó a ser más conocida que la original, una
clásica del Jazz, "Bye, bye blackbird" y “Don’t let me be misunderstood”, grabada originalmente por Nina Simone, pero reinventada por los Animals.
La voz de Cocker, la Grease, una banda de músicos más que competentes y los invitados de lujo: Tony
Visconti, Jimmy Page, B.J. Wilson, Steve Winwood, Albert Lee, Matthew
Fisher, hicieron un disco de rock, blues, soul y gospel extraordinario,
mezcla perfecta de lo negro y lo blanco, creativo a la hora de hacer
versiones alternativas y un clásico casi instantáneo.
TROUT MASK REPLICA (CAPTAIN BEEFHEART).El músico californiano Don Van Vliet, conocido más como Captain Beefheart tenía como música favorita el blues y el rock, como su futuro amigo Zappa, pero también una fuerte inclinación
a creaciones sónicas de mayor complejidad como el jazz, amén de una
extraña fascinación por la experimentación extrema con los tiempos
musicales, las arritmias y las disonancias, detestadas por los oídos
convencionales.
Todas
esas tendencias y preferencias lo acercaron a Frank Zappa coterráneo,
contemporáneo y amigo, por eso no es nada extraño que hayan colaborado
uno con otro en diversas ocasiones, tal como en este caso, el tercero y
más celebrado disco del Capitán, producido por su cuate Frank, por las coincidencias en gustos y esta participación de Zappa, el disco resulta ser muy zappiano.
Los
críticos e historiadores han dicho de este disco que influyó para la
adopción de sus estilo de bandas como The Fugs, The Residents y muchas
otras de espíritu bizarro, también lo consideran como un álbum que marcó
un nuevo rumbo en el rock contemporáne.
LED ZEPPELIN II (LED ZEPPELIN). El primero, se grabó en
treinta horas, con la banda recién formada, y sus integrantes, empezando
a conocerse, el segundo, se compuso, arregló y grabó durante una gira
por ambos lados del Atlántico, en los tiempos libres que dejaba, la
actividad agotadora de las giras y con las cintas que iban grabando,
acompañándolos a donde iban, la situación opuesta a una grabación
planeada, en un solo estudio y con el tiempo suficiente.
Las canciones las
componían en las habitaciones de hotel y en otros ratos libres iban al
estudio y grababan, dejaban canciones en duda sobre si ya iban a quedar
así, y en alguna entrevista Page, rememoró esos días y confesó que veía
tantas cosas fuera de control, que pensaba que el álbum iba a ser
desastroso, pero como suele suceder en el mundo del Rock, muchos discos
que se han grabado en condiciones de extrema dificultad, han resultado
grandes obras maestras.
MONSTER MOVIE (CAN). Y a propósito de debuts discográficos y sobre el krautrock, como les dió por llamar al
rock irreverente alemán de principios de los setentas a los orgullosos
ingleses, resulta conveniente reescuchar el disco con que inició su carrera,
otro de los símbolos de este rock germánico que se atrevió a desafiar la
hegemonia británico-estadounidense, el grupo de Colonia que en principio se
llamaba "The Can" y que después quedó solamente en Can.
A Can la formaron Irmin
Schmidt y Holger Czukay, tecladista y bajista respectivamente, y después incorporaron a
Jaki Liebezeit como baterista, resultando pieza fundamental de la banda y quien
llevaba la dirección de la música que tendía mucho a la improvisación propia
del jazz, a partir de los tiempos que marca la percusión, el complemento lo
hicieron: Michael Karoli en la guitarra y el cantante gringo Malcom
Mooney, los gustos musicales de cada uno eran de lo más diversos y estas
influencias al juntarse determinaron las características del sonido Can que en
el año de 1969 era toda una novedad.
STAND UP (JETHRO TULL). Si "This Was" es una
obra maestra del blues-rock británico, "Stand Up", no es su continuación
y esto resulta raro en una banda que empezaba su carrera; ¿por que no
seguir con algo que era popular, innovador y podía ser explotado un rato
más? Parece que la respuesta es que Ian Anderson tomó el control total
del concepto Jethro, componiendo, arreglando y diseñando, paso a paso
uno de los "sounds" o conceptos musicales más originales de toda la
historia del Rock.
El delicioso blues a lo
Jethro que distingue al álbum debut de la banda ya no aparece o está
perfectamente camuflado, en cambio, hay muchos elementos variados y de
diversos orígenes amalgamados por la mente libre y creativa de Mr,
Anderson: el folclor celta ocupa mayores espacios, la música de cámara
se revela como influencia importante, la cosmovisión que reflejan las
letras, con raíces en el folclor, el costumbrismo, los mitos y un mundo
mágico desaparecido por la irrupción de la sociedad industrial y urbana,
son todos elementos que en este disco definieron al Jethro Tull
histórico.
