Las ciudades mexicanas de fines de los sesentas donde había grupos de rock como para crear un movimiento importante eran: El D.F. Guadalajara, Tijuana, Monterrey y la frontera norte en general, en el resto del país prácticamente no existía el rock, era música que escuchaba muy poca gente en otros lugares del país, por eso llamó la atención El Tarro de Mostaza, grupo de Poza Rica, Veracruz y más aún que hubieran conseguido un contrato con la disquera Capitol.
Por esta distinción y por la calidad del disco, es otra de las grabaciones de culto del Rock Mexicano, por la riqueza de recursos musicales, por el virtuosismo de los músicos, por atreverse a hacer un disco con letras en castellano y por su calidad en los textos muchos coleccionistas que ni habían nacido cuando se vendió el disco, lo buscan obsesivamente.
Los integrantes de la agrupación, compositores y ejecutores de la música que pasaron a la historia de nuestro rock eran: Juan Felipe Castro guitarrista, Jorge López organista, Francisco Javier cantante, Osar García baterista y Santiago Galván bajista, ellos crearon su grupo en 1965 y cuando grabaron su disco famoso ninguno tenía más de veinte años, el día que fueron escuchados en Capitol, de inmediato los contrataron y les pidieron cambio de nombre, de The Sounds, nombre anglosajón a uno más castizo y en la corriente de la música juvenil sicodélica, así se les ocurrió a los productores "El Tarro de Mostaza" en clara alusión a la marihuana.
Tal vez por su extrema juventud, por lo difícil que era ser músicos de rock en México o por muchas otras razones, el grupo tuvo existencia efímera pero dejaron esta joya de las que sin duda habría muchas otras en otro lugar o en otra época o en otro planeta, pero esos años fueron verdaderamente heróicos para los amantes del Rock en este "surrealista" país como dijo un día Breton asombrado de una realidad que no comprendía.
Este disco es mítico, un objeto de culto ambicionado por los coleccionistas y una joya del Rock sicodélico Mexicano, se dice que el grupo se inició en Puerto Rico con los hermanos Frank y Pol Tirado, además de Orlando 'Orly' Vázquez quienes ya habían participado en grupos gustosos de la música sicodélica en especial la británica, de Puerto Rico fueron invitados a la República Dominicana por un grupo llamado los X6, dec'ian que en la otra parte de la isla había oportunidades de tocar y faltaban músicos, los únicos que se animaron para emigrar fueron Frank y Orlando, este se quedó con los Masters en la Dominicana y Frank se incorporo a los X6 cambiaron de nombre y así nació Kaleidoscope con esta alineación:
Frank Tirado (Puerto Rico) - Bajo y voz Pedrín García (España) - Guitarra Julio Arturo Fernández (Dominicano) - Teclados y Rafael Cruz (Dominicano) - Batería
En la Dominicana estuvieron tocando en distintos locales y ganaron un concurso de Rock, esto les abrió la oportunidad de grabar un disco, los jovencísimos músicos se entregaron en cuerpo y alma a la composicióny el resultado fue sorprendente por la calidad de las piezas en artistas de tan extrema juventud.
Mientras tanto en Orfeón disquera mexicana, Edgar Zamudio que buscaba grupos de ese género invitó a Kalidoscope para venir a México y aquí editarles el disco, cuentan que el guitarrista y el tecladista decidieron quedarse en la Dominicana, Frank llamó a su hermano y con Rafael Cruz que también siguió la aventura se trasladaron a México con Héctor Gutiérrez como nuevo guitarrista, en México hicieron presentaciones en los lugares de moda para esta música con gran éxito y hasta en la TV, esto convenció a Orfeón de grtabar y editar el disco, encargaron la portada a Bodo Molitor quien ya había grabado su disco y realizada su portada muy reconocida y el disco salió a la venta con unos cuantos cientos de ejemplares. Y por esas circustancias inexplicables se volvió una leyenda, los ejemplares en L.P. se venden como joyas y ya ha habido quienes han hecho grabaciones en CD de modo que ya no es del todo imposible tener esta joya en casa.
En 1972 el Grupo de Reynosa, Tamaulipas grabó su único L.P., por la cercanía con los Estados Unidos estaban permeados del Rock gringo, este y dos sencillosfueron su trabajo discográfico, en algún momento fue llamado "El Led Zeppelin mexicano" dicen unos y otros cronistas lo comparaban con Deep Purple, por exageración o para la propaganda pero el título no les quedaba mal, excelentes músicos que sorprendían porque siendo su cultura mexicana y norteña conocían el rock setentero y lo componían y tocaban muy bien.
En el '71 llegaron a la Cd. de México para hacer una prueba en la disqueraCISNE
RAFF, la única que grababa a los grupos mexicanos, la aceptaci{on fue inmediata, registraron sus piezas en inglés y castellano, en esos tiempos existía la absurda creencia de que el rock se vendía mejor en idioma anglosajón y al final así se vendieron los peimeros sencillos y el L.P.
Las versiones castellanas nunca se comercializaron, la disquera se vendió a "Melodi" y en el terremoto de 1985, el más devastador de la historia moderna mexicana, desaparecieron los masters de muchos grupos mexicanos, los miembros del grupo que eran el guitarrista Cesar Cal, el bajista
Saúl Soto, el vocalista Daniel Valens y el batería Guillermo Garibay se mantuvieron tocando en la difícil época de los "hoyos fonquis" con todo y persecusión de la prensa y la policia y aún en el siglo presente han seguido activos, no han vuelto a grabar nada, tal vez ya sea el tiempo.
El '68 fue un año extraordinario para el Rock de un lado y de otro del mundo, Jimi Hendrix estaba en ambos continentes, su música gringa y negra por todos lados, la incorporación de la revolución británica y sus compañeros que para muchos eran meras comparsas equivocadamente, dieron al sonido de la "Experiencia" el espíritu británico que se integró a la increíble cretividad de Hendrix.
Pocos músicos en el Rock como Hendrix: instrumentista de otro planeta, cuarenta años después no igualado, ni copiado, permaneciendo en su pedestal, maravilloso creador de música y letras e insisto, siempre apoyado y alimentado por Noel Redding y Mitch Mitchell, la música de este tercer disco de Jimi y compañía es para muchos un anticipo del rock progresivo cinco años después y esto confirmalo dicho, es notable la perfección de la obra, no tiene desperdicio y es puro talento y maravillas de la primera nota a la última.
Dicen las crónicas que el productor Chas Chandler renunció cansado del perfeccionismo de Jimi que grababa decenas de pistas de las mismas piezas hasta estar completemente satisfecho, en muchos momentos grababa él mismo partes del bajo o la batería, ademas de los miembros del trío, contó con la participación de grandes y famosos músicos: Jack Casady, Al Kooper, Dave Mason, Buddy Miles, Steve Winwood, Chris Wood y Brian Jones, para nombrar a los más conocidos.
No es necesario recomendar a "Electric... como disco del año pues es mucho más que eso, es uno de los grandes discos de la historia y de la corta carrera de Hendrix, para su redactor el mejor de todos los discos de Hendrix vivo de de los inumerables discos póstumos.
Hasta donde sé, no se había hecho un intento como este para comentar, analizar y recordar una lista que como cualquier otra es necesariamente polémica y que aborde una historia significativa y lo más completa posible del Rock Mexicano, los primeros discos mexicanos de Rock aparecieron en 1960, de modo que en 2010 el género cumplió medio siglo y el libro en cuestión pretende revisar esas cinco décadas.
Los coordinadores David Cortés y Alejandro González Castillo seleccionaron los cien discos esenciales y los comentaron con el apoyo de 28 comentaristas relacionados con el Rock de diversas formas: músicos, compositores, periodistas, productores, todos conocedores de una buena parte de la discografía roquera.
Inicia desde "Pólvora" de los Locos del Ritmo de 1960, el disco pionero de nuestro Rock y "Jamaica Sky" de Toño Quirazco del '65, para seguir con los grupos del 68 al 73, etapa rica en producciones discográficas y antes de la persecusión de los roqueros y las dificultades para grabar dscos, los ochentas, noventas y fin del siglo destacan por más y mejores producciones, pasando por muchos géneros y estilos hasta el siglo actual, las críticas y comentarios de los cien discos, narran también una historia del Rock Méxicano, las menciones de solistas y grupos trascendentes y las particularidades de cada disco, la editora es Grupo Editorial Tomo S.A.
La lista completa de los discos que comenta el libro son las que a continuación aparecen:
Los Locos Del
Ritmo - Rock! (1960)
Toño Quirazco -
Jamaica Ska (1965)
Kaleidoscope -
Kaleidoscope (1968)
El Tarro De
Mostaza - El Tarro De Mostaza (1968)
La Revolución De
Emiliano Zapata - La Revolución De Emiliano Zapata (1971)
Bandido - Bandido
(1973)
Náhuatl - Náhuatl
(1973)
Three Souls In My
Mind - Adicto Al Rock 'N' Roll (1973)
Dug Dug's - El
Loco (1975)
Nuevo México -
Hecho En Casa (1975)
Chac Mool - Nadie
En Especial (1980)
Decibel - El Poeta
Del Ruido (1980)
Botellita De Jerez
- Botellita De Jerez (1984)
Iconoclasta -
Reminiscencias (1984)
Silueta Pálida -
Silueta Pálida (1984)
Size - El Diablo
En El Cuerpo/La Cabellera De Berenice (1984)
Casino Shanghai -
Film (1985)
Varios - Éxitos
(Comrock) (1985)
Luzbel - Metal
Caído Del Cielo (1985)
Rodrigo González -
Hurbanistorias (1986)
Atoxxxico - Punks
De Mierda (1987)
Jorge Reyes -
Comala (1987)
Cecilia Toussaint
- Arpía (1987)
Tex Tex - Un Toque
Mágico (1988)
Massacre 68 - No
Estamos Conformes (1989)
El Personal - No
Me Hallo (1989)
Secta Suicida
Siglo 20 - Secta Suicida Siglo 20 (1989)
Caifanes - Volumen
II (1990)
Flor De Metal -
Ciudad Azul (1990)
Real De Catorce -
Mis Amigos Muertos (1990)
Maldita Vecindad Y
Los Hijos Del Quinto Patio - El Circo (1991)
Caifanes - El
Silencio (1992)
El Haragán Y
Compañía - Valedores Juveniles (1992)
Maná - ¿Dónde
Jugarán Los Niños? (1992)
Arturo Meza - A La
Siniestra Del Padre (1992)
Tijuana No! - No!
(1992)
Transmetal -
Burial At Sea (1992)
Jaime López/José
Manuel Aguilera - Odio Fonky. Tomas De Buró (1993)
Artefakto -
Des-Construcción (1993)
La Castañeda -
Sevicios Generales II (1993)
Fobia - Leche
(1993)
Liran' Roll -
María (1993)
Café Tacvba - Re
(1994)
Guillotina -
Guillotina (1994)
Santa Sabina -
Símbolos (1994)
Sergio Arau - Mi
Frida Sufrida (1994)
34-D - 34-D (1996)
La Barranca - El
Fuego De La Noche (1996)
Control Machete -
Mucho Barato (1996)
Garrobos -
Garrobos (1996)
Humus - Malleus
Crease (1996)
Nine Rain - Nine
Rain (1996)
The Sweet Leaf -
Take A Hit (1996)
Consumatum Est -
Nadie Habla Perfecto (1997)
Hocico - Odio Bajo
El Alma (1997)
Julieta Venegas -
Aquí (1997)
Molotov - ¿Dónde
Jugarán Las Niñas? (1997)
Nona Delichas -
Nona Delichas (1997)
Los Esquizitos -
Los Esquizitos (1998)
La Lupita -
Caramelo Macizo (1998)
Plastilina Mosh -
Aquamosh (1998)
Sonios - 200
Fonios (1998)
Café Tacvba -
Revés/Yo Soy (1999)
El Sr. González Y
Sus Cuates De La Chamba - El Sr. González Y Sus Cuates De La Chamba (1999)
Jumbo - Restaurant
(1999)
Panteón Rococó - A
La Izquierda De La Tierra (1999)
Sociedad Café -
Emergiendo (1999)
Titán - Elevator
(1999)
Intestino Grueso -
¡A Qué Juventud Tan Cotorrona! (2000)
José Luis
Fernández Ledesma Y Margarita Botello - Sol Central (2000)
Ultrasónicas - Yo
Fui Una Adolescente Terrosatánica (2000)
Varios - Nortec
Collective: The Tijuana Sessions Vol. 1 (2001)
La Perra -
Fricción Visual (2001)
Zurdok -
Maquillaje (2001)
La Live Band - La
Live Band (2002)
Los De Abajo -
Latin Ská Force/Ská (2002)
Charlie Monttana -
Hotel Barcelona (2002)
Murcof - Martes
(2002)
Varios -
Emergente. Un Retrato De La Escena Alternativa Mexicana (2002)
Volován - Volován
(2002)
Banda Elástica -
Ai Te Encargo (2003)
San Pascualito Rey
- Sufro, Sufro, Sufro (2003)
Zoé - Rocanlover
(2003)
Cabezas De Cera -
Metalmúsica/Aleaciones Aleatorias (2004)
Lost Acapulco -
Acapulco Golden (2004)
Varios - Back Up:
Expediente Techno Pop 1980-89 (2005)
La Barranca - El
Fluir (2005)
Los Nena - Volumen
II (2005)
Descartes A Kant -
Paper Dolls (2006)
Jaime López Y Su
Hotel Garage - Grande Sexi Tos (2006)
Alonso Arreola -
LabA: Música Horizontal (2007)
Alex Otaola -
Fractales (2007)
Joe Volume &
Los Vincent Black Shadows - I (Heart) Broken (Heart)'s (2007)
En Octubre de 1968 se publicó el sexto álbum del compositor escocés Donovan en Estados Unidos solamente, ciertos problemas judiciales relacionados con los contratos impidieron su publicación en el Reino Unido, Donovan escribió las canciones a finales de 1967, inmediatamente después de la grabación de "A Gift from a Flower to a Garden" y de su visita a la India donde se cargó de energía, se empapó del ambiente místico con sus compatriota los Beatles e intercambió ideas, consejos y música de gran provecho para todos, se dice por ejemplo que Donovan enseñó a McCartney y a Lennon algunos acordes y trucos de técnica guitarrística mientras que Harrison contribuyó con algunas líneas que el escocés incluyó en sus canciones. La realidad de verdadero peso era que Donovan se encontraba en estado de gracia, transpirando talento, pleno de ideas y de influencias venidas de la Norteamérica hippie, de su música tradicional, su increíble capacidad para crear historias y su poesía llena de imágenes y conceptos, el resultado fue uno más de los tres o cuatro álbums que sucesivamente mostraron al mundo la genialidad del señor Leitch, el ya mencionado más "Wear your love like heaven", "Sunshine Superman" y "Hurdy... son obras fundamentales para conocer la obra de Dono y la historia del Rock Inglés.
El '68 también nos trajo esta joya de muchos kilates, el primer disco verdaderamente contundente y nacido para pasar a la historia protagonizado por Janis Joplin, antes había participado en su disco debutante con su primera banda, una grabación muy dispareja, algunas piezas que anunciaban al gran acontyecimiento y otras que no conectaban con los oyentes.
Janis ya estaba en San Francisco sumergida en el mundo hippie en contacto con la nueva música ácida y tal vez eso y su asombrosa voz la llevaron al Festival de Monterey, ella sorprendía a los nuevos públicos que la topaban y en los meses posteriores grabaron el segundo disco de la banda, en el primer mes se vendieron un millón de copias, el grupo había despegado y todos sabían que era Janis la que impulsaba el fenómeno, así que este clásico instantáneo martavilló al mundo, no hay mucho que agregar, se vendió entonces y sigue vendiéndose, se reedita de todas las formas y no deja de escucharse, si no forma parte de tu discoteca, estás cometiendo un grave error, apresúrate a corregirlo.
Soft Machine, el grupo de culto, precursor del Rock Progresivo y con una duración de varias décadas, debutó en la grabación de discos en el año de 1968, sus fundadores provienen de la escena de Canterbury, esa rama del Rock Británico de fines de los sesenta que dejaron una estela y un estilo muy reconocible, sus miembros eran el trío que se hizo célebre como músicos vanguardistas que no sólo estaban en la corriente sicodélica, sino también el Jazz y otras experimentaciones que desembocaron en el Rock Progresivo Inglés.
Robert Waytt: batería y voz principal Mike Ratledge:Teclados Kevin Ayers: Bajo, voz principal (en temas 10 y 12), coros (en 7 y 9), piano (en 5)
Personal Adicional.
Hugh Hopper – bajo (en 13) The Cake – coros (en 12)
El que destacó desde el principio fue Kevin Ayers que pronto salió de la banda e inició una carrera de solista con albums memorables y celebrados como obras trascendentes de un músico con talentos especiales, él y sus compañeros Waytt y Ratledge junto con Hooper compusieron estas piezas oscuras y surrealistas, ácidas y experimentales, llenas de magia y energía, la obra completa de The Soft Machine es muy diversa con muchos músicos participando en ella, Wyatt y Ratledge estuvieron juntos en los tres o cuatro discos posteriores, este último pèrmaneció hasta 1975, toda la obra es muy interesante pero el debut, con la genialidad de Ayers es sin duda insuperable.
ELEANOR RIGBY. Paul McCartney encontró el acorde con que iniciaba Eleanor Rigby y la primera línea, la que dice que ella recoge arroz en la iglesia donde hubo una boda y luego pidió a los otros Beatles que completaran la letra, fue John quien hizo la mayor parte del texto, incluyendo el nombre de la protagonista, inventó al padre McKenzie y en general modeló la historia, después Paul declaró que la letra era de él en su mayoría y esto nunca se aclaró, luego en el estudió se la mostraron a George Martin y este vió de inmediato a las cuerdas que se agregarían, el resultado fue una canción que se escuchó en el mundo con asombro y críticas unánimes, la ha cantado medio mundo y la han grabado muchos de los más notables cantantes de todos los géneros.
YOU CAN'T HURRY LOVE. En 1966 se dió a conocer
esta canción, interpretada por The Supremes, escrita y producida en la
que en ese tiempo era la fabrica más grande de éxitos musicales en serie
y en serio, La Motown que tenía el catálogo más impresionante de
artistas negros que le metían con fé al soul, el blues, el R&B y el Funk, todo aderezado con fuertes dosis de gospel, la
canción fue un exitazo mundial que no tuvo problemas para llegar a los
lugares más altos de las listas de ventas en Estados Unidos, El Reino
Unido y muchos países.
Dieciseis años después,
volvió a llegar a los primeros lugares de popularidad en la versión de
Phil Collins, el cantante británico que fue voz y batería de la fabulosa
banda Genesis y que se pintaba solo para cantar como negro la música Soul americana.
RIVER DEEP, MOUNTAIN HIGH. Phil Spector, el mago del negocio de la música tenía el contacto con compositores que hacían equipo con él y cuando no encontraba el hit que necesitaba, él mismo se ponía a escribir, así compuso River Deep... para Ika y Tina Turner, la pareja musical que estaba arrasando con las ventas, la canción, rompe con la costumbre de Spector de publicar canciones que abordan las relaciones amorosas de mil formas, muchas canciones son el reflejo de las situaciones por las que pasa el compositor, es el caso de este éxito que rompió récords de ventas y terminó siendo una de las mejores canciones de la historia.
SUMMER IN THE CITY. Escrita por John Sebastian, Marcos Sebastian y Steve Boone, los Lovin' Spoonful tenían buen equipo de compositores y con esta canción dieron en el blanco, estuvo en los primeros lugares de popularidad durante tres semanas y después ingresó a las listas de las inmortales, incluida siempre en las diferentes listas de las mejores de la historia, los sonidos ambientales de la ciudad en el Verano fueron un acierto indiscutible para que ahora la canción sea histórica.
WILD THING. Wild thing fue escrita por Chip Taylor y grabada por la banda americana The Wild Ones, pero fueron los Troggs británicos quienes la hicieron acontecimiento mundial, los Trogloditas tenían ángel, no eran grupo de una canción tuvieron varios éxitos y álbums más que aceptables, en Wild thing juegan con los acordes de manera muy original, un tanto desfasados con el canto, este riff originalísimo dió la vuelta al mundo.
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WINCHESTER CATHEDRAL. Gran éxito mundial del '66, compuesta por Geoff Stephens y grabada con músicos de sesión, el impacto mundial hizo que se creara la The New Vaudeville Band, para hacer un disco completo y giras, el nombre lo inventó Stephens por su gusto a la música británica de vaudeville, ninguna otra canción del grupo tuvo éxito pero ni falta hacía, con las ventas de Winchester no fueron olvidados nunca, se hizo otra versión casi idéntica por un tal John Smith and New Sound, por supuesto que fue olvidada al día siguiente mientras que la original recibió premios y reconocimientos en todo el orbe.
VISIONS OF JOHANNA. Visions of Johanna ha sido considerada por muchos críticos como una de las canciones más importantes de la historia, con un lenguaje deslumbrante en el que las palabras y las imágenes van y vienen, se transforman y adquieren diversos significados, Dylan la trabajó de muy diversas formas hasta estar satisfecho: cambió versos, corrigió frases, cambió de nombre, la grabó varias veces y las presentó en vivo, pidió a sus músicos mil y uno cambios y al final apareció en "Blonde on Blonde", parte de la gran trilogía de obras maestras de los años 65 y 66.
SUNNY AFTERNOON. Se dice que Ray Davis,
el líder y compositor principal de la banda, pasaba por un momento
difícil que lo tenía al borde del colapso nervioso y el trabajo de
composición de las canciones del disco le sirvieron de terapia, con lo
que salíó ganando, pero no más que el disco y que la música de los
Kinks, que dió un salto cualitativo notable, el estado de exaltación que
experimentaba Davis, produjo una de las colecciones de canciones poproqueras más notables de todos los tiempos, "Sunny Afternoon" es una de estas canciones difíciles de igualar, se volvió clásica de inmediato al aparecer como single y preparación para publicar el multicelebrado "Face to face".
96 TEARS. Los Mysterians nacieron en Texas todos hijos de mexicanos y criados en Michigan, antes otros mexicanos o hijos de ellos trataron de triunfar en Estados Unidos, Richie Valens estaba lográndolo antes de morir muy jóven en el célebre avionazo de 1959 con el llorado Buddy Holly, pero fueron los mexicoestadounidenses: Rudy Martínez, Robert Balderrama, Frank Rodriquez, Frank Lugo y Robert Martínez los que hicieron la proeza, 96 lágrimas es un potento y casi un milagro, es increíblemente sencilla: el riff del órgano, la base rítmica de guitarras y tambores más la voz de Rudy, pero a nadie se le había ocurrido, nadie conjuntó esos elementos y crearon una de las canciones más famosas, más escuchadas, más vendidas y más refriteadas de la historia.
SCARBOROUGH FAIR. La canción es muy antigua, tradicional de la música inglesa tal vez medieval, ha sido cantada y grabada por quien quiera, no sólo porque es de todos, también por su gran belleza, su versión más conocida en el mundo entero es la que grabaron en 1966 Simon y Garfunkely apareció en la muy popular película "El graduado", por bella y triunfadora ganó un lugar entre las grandes canciones de 1966.
PAINT IT BLACK. Aftermath de 1966 es una de las cumbres de la obra de los Rolling, es un disco perfecto y de él salieron hacia la fama varias piezas, las más notorias que se hicieron clásicas fueron la dulce "Lady Jane" y la triste y desolada "Paint it Black", la que describe al mundo oscuro, negro y sin los colores de la vida cuando la depresión nos hace su presa, se publicó como single y posterior a su gran éxito apareció en la edición de Aftermath norteamericana, tuvo gran impacto en Estados Unidos y el Reino Unido, en ambos lados del mundo fue primer lugar de las listas además de sitios similares en muchos otros países.
EIGHT MILES HIGH. Ocho
Millas De Altura fue escrita por David Crosby, Roger McGuinn y Gene
Clark del grupo The Byrds, una de las bandas de folk rock que surgieron
como consecuencia de la fiebre dylaniana, cuando este, empezó a
deslumbrar al mundo con sus canciones y muchos grupos empezaron a grabar
versiones de las piezas de Mr. Zimmerman, apareció en el álbum de
nombre Fifth Dimension y fue producido por Jim Dickson, para el sello
discográfico Columbia.
WOULDN'T IT BE NICE. En el '66 Brian Wilson compuso, arregló y grabó el disco más elaborado y complejo de su carrera, había escuchado "Revolver" de los Beatles y quedó asombrado, asi que se propuso hacer un disco mejor que el susodicho, los arreglos instrumentales son una verdadera "pared" de sonido, con instrumentos de todo tipo, no sólo los del Rock y los arreglos vocales como de costumbre eran el sello de calidad de los Beach, would't it... se promovió como single después de la presentación de "Pet Sounds" aprovechando el éxito rotundo del disco y la canción.
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TAXMAN."Taxman" es una puerta,
la que abrió a la expansión la música "beatle" y se dice que la canción
que empezó la revolución de la música popular, más importante en muchas
décadas, es la pieza con que abre "Revolver", La canción dedicada a los
cobradores de impuestos que ya diezmaban las formidables ganancias de
los cuatro "nuevos ricos", fue compuesta por George Harrison, quien no
componía con la fecundidad de John y Paul, pero que cada vez aportaba
más canciones al acervo "beatlesco" e invariablemente sus piezas eran
joyas deslumbrantes. Es una canción de
protesta contra el sistema y en especial contra el sistema tributario
que según palabras de George: "si andas por la calle, te van a cobrar
impuestos por los pies", se dice que Lennon colaboró de forma importante
en la composición, aunque es esencialmente una canción de George muy sui generis
GOOD VIBRATIONS. Good Vibrations es la
canción más conocida de los Beach Boys, y además una de las más
escuchadas e incluso reinterpretadas de toda la historia del rock, es
una especie de himno de los sesentas, con el mensaje que permeaba todo
en esos tiempos: el amor, la libertad, lo positivo, la armonía,
sintetizadas en las "buenas vibraciones" y no es arriesgado afirmar que
el uso de la expresión "buenas vibras" como sinónimo de energía
positiva, tenga su origen en esta canción.
