lunes, 20 de noviembre de 2017

1967, EL AÑO DE LA SICODELIA EN EL ROCK. 2





1967, EL AÑO DEL ROCK EN LA SICODELIA II.
 







"24 hours" Ant Trip Ceremony. La banda de Utha que se formó en 1967, tenía una extracción universitaria y se movia en el ambiente universitario, con influencia de la sicodelia, el rock electrónico y literatura futurista y de ciencia ficción, grabaron un solo disco que tuvo un tiraje mínimo (300) y con el tiempo, al volverse un álbum de culto ha sido reeditado.









Resultado de imagen para Everybody's here (The Lost and Found)"Everybody's here". Lost and Found. Única grabación de esta banda Texana que tuvo mucha interacción con los miembros de Los Elevadores del Piso 13 y clara influencia de grupos de la sicodelia, la Costa Oeste y la del Este, los Byrds y Love, armonías vocalesy diálogos entre las guitarras, grandes pasajes folk y letras complejas, fueron la aportación de Lost and Found a la historia de la sicodelia sesentera.








"Supernatural Fairy Tales". Art. Otra banda de un solo disco, esta británica, primero se llamaron The VIP's, para el 67 adoptaron un nombre más vanguardista, sí cierto, suenan a una banda que es una leyenda con Mike Harrison, Luther Grosvenor, Greg Ridley y Mike Kellie y no es casualidad, después de esta grabación se metafoesearon en Spooky Tooth y de allí a la historia.

 






"Tangerine Dream". The Kaleidoscope. Otra banda británica que dejó huella en la historia de la sicodelia, también había Kaleidoscope norteamaricano, más conocida que esta del Reino Unido pero la presente con este disco dejó una joya sicodélica hoy buscada por los coleccionistas y melómanos de todo el mundo, con en inconfundible sello británico, ¿qué en que consiste? no lo se pero suena de esa parte del mundo, las formas de vocalizar, la forma de mezclar sonidos, la suavidad y elegancia del sonido que estremecía al mundo hace cincuenta años.
    





H.P. Lovecraft.  H.P. Lovecraft banda oriunda de Chicago, Illinois, se creó en 1967, para trasladarse a San Francisco, la cuna de la sicodelia, sitio en donde se dio a conocer, su nombre fue tomado, del escritor Howard Phillips Lovecraft, del que eran fanáticos los miembros del grupo, su carrera discográfica fue muy corta pero contundente, solamente dos álbums de estudio y uno en vivo, pero suficientes para colocarlos en el Olimpo del Rock, este es el de 1967, indispensable para todo melómano, coleccionista y explorador de joyas.

 






"Clear Light". Clear Light. Otra banda de Los Angeles también formada a principios de los sesenta, se subieron al tren de la sicodelia, grabaron su primer disco con "covers" sicodelizados y composiciones propias, lograron cierta popularidad y en el mar de grupos y propuestas que aparecían todos los días,  sobrevivieron y su disco fue reeditado, hoy es posible conseguirlo en el mercado mundial (Las tiendas que venden lo que quieras en línea).


   





"The Parable of Arable Land".The Red Crayola.  Mayo Thompson era el cerebro de la banda que se bautizó como "La Crayola Roja", de entrada se asemeja mucho a otra banda que fue muy original y que influyó a otras agrupaciones "13th Floor Elevators", no sólo por el aire minimalista, sino por la participación de , Roky Erickson de ese grupo, otra característica de la Crayola es su visión futurista que anticipó la música electrónica.



 





"Part One".The West Coast Pop Art Experimental Band. Los fundadores de la banda de nombre extenso que pretendía incluir todo un manifiesto: la afiliación geográfica, la música Pop, la vena experimental y todo englobado en el concepto de la sicodelia, eran músicos roqueros y proto poperos hasta que sufrieron una gran transformación el día que vieron la presentación de The Yardbirds, con la experiencia de varios años y los aires que soplaban, tomaron de aquí y allá para manufacturar su segundo álbum y verdaderamente profesional que los hizo populares.

lunes, 10 de julio de 2017

1967 El Año de la Sicodelia.



1967, EL AÑO DE LA SICODELIA EN EL ROCK.  




La Sicodelia no era sólo música, era un movimiento contracultural que abarcaba todas las manifestaciones del arte, de la moral, de la sexualidad, la religiosidad, la visión integral del mundo y la vida, muchas de las otras manifestaciones se perdieron, pero la música que era grabable en la época de los Larga Duración y el mercado expansible que existía, dejaron muchos invaluables testimonios históricos y culturales que los melómanos y coleccionistas convirtieron en joyas codiciadas.

El año sicodélico por autonomasia fue 1967, con la gran cantidad de bandas inmersas en la sicodelia y el Movimiento Hippie, la Meca de ambos San Francisco y el "Verano del Amor", momento cumbre del hippismo y las distintas vertientes de la música asociada a ellos: "Psichedelic Rock", "Sonido Costa Oeste" y "Acid Rock".

Iniciamos una revisión de ese año, hace cincuenta, desde la música sicodélica, renombrando a los muy conocidos y a otros que no lo son tanto pero que tienen su lugar en esa historia, lo que prueban con su vigencia y reediciones actuales. 




"ARE YOU EXPERIENCED" Jimi Hendrix. El álbum debut del genio de la guitarra, el insuperable Hendrix quien fue llevado al Reino Unido, allí se empapó de la nueva música de la isla y sus aires sicodélicos, con ese sello que los diferenciaba del movimiento psiche americano, una música alucinante, profunda y no excenta de la finura y elegancia británicas, de la asociación de Jimi con dos músicos ingleses salió una joya exquisita y avasalladora que ejó perplejos a británicos y americanos, además del mundo entero, la inauguración de una nueva forma de ver al mundo y a la música de Rock. 







"AXIS BOLD AS LOVE" Jimi Hendrix. El sugundo disco de la Experiencia de Hendrix, fue siempre menos aceptado y valorado que el anterior, lo cierto es que superar a la calidad homogenea de la ópera prima del trío lidereado por Jimi, su momento más alto es precisamente la pieza que le dió título, una obra maestra del Rock Sicodélico y otras que se hicieron clásicas e inmortales: "Little Wing", favorita de los amantes del cover, "Spanish Castle Magic" y "Castles made of sand"







BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY. Janis Joplin. El núcleo original que fundó Big Brother and the Holding Company, nombre muy ad hoc con la época, títulos con conotaciones sicodélicas o con muchas palabras, nada de The... y ya, sino todo un concepto o una idea, estaba formado por Peter Albin, guitarrista de Blues y Folk y Sam Andrew, guitarrista con formación en el Jazz y la música de concierto, después de conocerse y tocar juntos decidieron... ¡pues hacer una banda! tal como el perspicaz lector supuso y reclutaron a James Gurley, con las guitarras completas buscaron un baterista, el invitado fue Chuck Jones, condenado al anonimato porque muy pronto fue sustituido por el pintor y batería de Jazz David Getz.
Con esta alineación empezaron a tocar en el salón de baile Avalon en San Francisco como una banda diferente o incompleta, según como quiera verse, porque no tenían un o una cantante y hacían música instrumental con fuertes influencias de Jazz y pincelazos sicodélicos y progresivos, entendiéndose esto como avangard o música contemporánea, pues aún no se acuñaba el término progresivo.
Alguien les sugirió a la texana Janis Joplin y ella aceptó la invitación, en un principio el estilo de Janis no impresionó a los Big, no era lo que esperaban, les parecía muy convencional, una cantante de música folk o country o Blues muy suave, dicen que en un año de estar juntos, Janis mostró todo su potencial y ellos le bajaron a sus pretenciones intelectuales y encontraron el medio perfecto.







BUTTERFLY. The Hollies. Butterfly de 1967 es el disco más alejado del "hitismo" y el Pop "puro", lo que no quiere decir que no tenga que ver con su raíz y sustancia Pop, en "Butterfly" el Pop de los Hollies es fino y creativo lo que no era ajeno a la histórica banda, sólo que aquí hay una anexión sicodélica afortunada y perfectamente incorporada, sin pretenciones exageradas, sin falsas posturas, el talento de siempre que Allan Clarke y Tony Hicks mostraban además de un Graham Nash inspirado en la composición, los arreglos y la vocalización, en el mar de discos y sencillos muy cargados al Pop, éste es su obra maestra sin renunciar a su causa, enriqueciendo la experiencia y mostrando que los Hollies no eran una casualidad del azar.

 




VANILLA FUDGE. Vanilla Fudge. Nacida en el emblemático año de 1967, el año de Sgt. Pepper's Lonely, Their Satanic Majestic, Disraeli Gears, el álbum debut de los Doors y muchos más, es esta una grabación que también ilustra la capacidad expansiva de la música sicodélica, al tiempo que es otra de las obras maestras del género.
Sus creadores eran los miembros de una banda norteamericana de la costa este, en el lado opuesto de donde se estaba produciendo la revolución ácida del rock y el sonido San Francisco, también para ellos este era su disco debut y es una maravilla porque tiene la característica de ser prácticamente un disco de covers, una verdadera cátedra de como transformar canciones de otros en obras maestras propias, incluye dos de los Beatles, la anodina "Ticket to Ride", convertida en pieza mayor y la grandiosa Eleanor Rigby, resaltada.
De manera que el disco debut de los neoyorquinos Vanilla Fudge, es una pieza de colección, para los amantes de la sicodelia, roqueros de corazón, nostálgicos y melómanos en general.


 




THE FLOWER POT MEN. Let's go to San Francisco. La banda británica con inclinaciones al Pop e influencia beachboyera tuvo en el '67 un super éxito con la pieza que bautizó al album, el nombre sicodélico y pacheco de "Los Hombres de la flor de Mota" o algo así, eran lidereados por dos compositores de gran habilidad (John Carter y Ken Lewis) y era común que grandes compositores de canciones Pop entraran a los sonidos de la Sicodelia e hicieran finos disco sicodélicos y ese fue el caso de este clásico de la música roquera alucinante.

 




THE KALEIDOSCOPE. Side Trips. Banda norteamericana que en 1967 debutó con esta joya, con cuatro músicos multiinstrumentales y compositores (David Lindley, Solomon Feldthouse, Christopher Lloyd Darrow), utilizaban instrumentos del Rock pero también del folk, el oriente y lo que estuviera al alcance, hicieron una mezcla muy disfrutable con su inspiración de ´compositores, sus habilidades musicales, su cultura musical global y los sonidos sicodélicos en boga, más que recomendable, es conseguible en su revaloración en las nuevas plataformas digitales.
    




JEFFERSON AIRPLANE. Surrealistic Pillow. Los Jefferson habían estado destacando dentro del movimiento flower power y ya eran uno de los grupos más identificados con él, y por lo tanto eran de los creadores del género, en esta segundo disco lo refinaron y llevaron a su máxima evolución al grado de que para muchos críticos, historiadores y cronistas, es "el disco de la sicodelia", el que mejor sintetiza las características estéticas, ideológicas e históricas de la música sicodélica, el Rock ácido y el sonido Costa Oeste, nombres distintos que se le dieron a distintos matices de este movimiento contracultural de finales de los años sesentas del siglo pasado.








BLOOSOM TOES. We are even so clean. Sgt. Pepper's Lonely de los Beatles es el álbum más influyente de ese año y tal vez de la historia, en '67 muchos discos que se hicieron clásicos nacieron bajo la influencia de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, es el caso de este disco de la banda inglesa Bloosom Toes, permeado hasta los huesos del famoso disco beatle que causó gran impacto a los miembros de la banda y poseedores de un estilo psichedelic muy británico, elegantes, sobrios, dominadores de una cultura musical inglesa y gran creatividad, recrearon de alguna manera el Sargento, teniendolo como cimiento e inspiración para crear un álbum que inexplicablemente no es un clásico con reconocimiento mundial.


 




DONOVAN. A Gift from a Flower to a Garden. Donovan era el más hippie de los rockers británicos, porque no sólo asimiló, adoptó y dio un sello propio a los sonidos de la sicodelia, sino que también hizo suyos, la ideología y el discurso del movimiento flower power. "The gift from a flower to a garden", es el disco más representativo de ese momento de su carrera, junto con el concierto que ofreció en Noviembre de 1967, en un escenario adornado con miles de flores, Donovan se regodeaba con ese papel de líder del movimiento.

jueves, 8 de junio de 2017

LIBROS. "La verdadera historia de Frank Zappa"





"LA VERDADERA HISTORIA DE FRANK ZAPPA"
Memorias
Frank Zappa y Peter Occhiogrosso
(1989 originalmente, edición actual en castellano 2014) 









No es una biografía propiamente, tampoco es una cronología, tiene un subtítulo que dice "Memorias" y son recuerdos más o menos ordenados platicados por Zappa al periodista Occhiogrosso, tiene de todo: comentarios sobre la concepción, arreglo, grabación y suerte con el público de los discos más emblemáticos en su carrera, las peripecias de Zappa con personajes importantes en su vida, sucesos infantiles, adolescentes, sus inicios en la música, sus pininos en el mundo del espectáculo, laberintos de la induistria del disco y de la música, observaciones sobre los compositores y la composición de música, los músicos, sus especialidades y rarezas, la política y los políticos y como telón de fondo, una mirada crítica, burlona e irreverente de la sociedad americana que le tocó vivir.

Estas memorias revelan a un Zappa ya conocido por sus fans en las letras de sus canciones, entrevistas y declaraciones, pero estas memorias muestran su visión del mundo y de la sociedad, el razonamiento de un ser de otro planeta, de esos que se sabían en un mundo extraño e incomprensible y en vez de deprimirse y volverse un atormentado de tiempo completo como muchos artistas en la historia, lo entendió a su manera y con su muy aguda inteligencia, lo criticó, con el arma de la burla, la irreverencia y los argumentos extraplanetarios que sus detractores no sabían rebatir.

Para este redactor fueron sorprendentes varios aspectos que le eran desconocidos: los montones de debates, juicios y declaraciones que a lo largo de su vida sostuvo con medio mundo que quería abusarlo económicamente en la industria del disco, los enemigos gratuitos de su música y sus letras además de la incomprensión de los críticos musicales que casi nunca lo entendieron.

Zappa en vez de deprimirse, se divertía de lo lindo, son muy jocosas las partes donde platica los debates que sostuvo con el comité de señoras ociosas, esposas de senadores que querían revisar todas las canciones en venta, para censurarlas con etiquetas que advirtieran si eran inadecuadas para menores; me sorprendió también darme cuenta que la inmensa mayoría de las canciones de Zappa que parecen surrealistas y bien "pachecas" sólo eran historias de personas con las que trató, ni surrealismos ni alucines de ácido, pues Zappa ni tomaba drogas, no las necesitaba, su cerebro ya estaba a tono.

Muy interesantes resultan también sus relatos sobre la música sinfónica que compuso, sus influencias, su forma de componer, sus aventuras con las Orquestas Sinfónicas y las disqueras, su relación con Boulez (recientemente fallecido) y con Edgar Varèse su primera gran influencia musical cuando apenas era un adolescente, si eres un fan de Zappa, un curioso o no sabes nada de él, este libro es muy ilustrativo, interesante y divertido.



 

viernes, 3 de marzo de 2017

ROCK MEXICANO. In Principio.




ARTURO MEZA
"In principio"
1986


 



La primera estación donde Arturo Meza pernoctó en la Cd. de México fueron los grupos de Rock Progresivo en los ochenta, una de esas bandas muy conocidas era Decibel, la novedad para 1984 era el primer disco "solista" de Arturo como se dice aunque no fuera él solo, pero sí aparecía como líder de banda o grupo como se estila en las agrupaciones del Jazz y su orientación musical era hacia el folclor, la poesía y el Rock.

En el 1986 se editó la segunda grabación de Meza en ese entendido y ésta se convirtió en una joya en varios sentidos: música de alta calidad estética, búsqueda de caminos por cerebros jóvenes y desprejuiciados, la aparición de dos discos en uno, no se si por falta de material para que cada grupo hiciera su disco o por cuastiones de presupuesto o cualquier otra razón.






 Maja Rustige
El caso es que el primer lado del LP es del grupo Nirgal Vallis y en el segundo o B, viene la grabación de Arturo Meza y Maja Rustige, en donde ella toca percusiones de origen tibetano y Arturo cuerdas pulsadas, oglio, mantrams y percusiones, como invitado aparece Alejandro González en la flauta.

Los sonidos con muy marcados aires orientales lejanos y extremos, producen un efecto poco acostumbrado por nuestros oídos pero curiosamente la grabación suena muy emparentada con los sonidos electrónicos muy de moda en todo el mundo del Rock Progresivo y su redactor hubiera jurado que Arturo usó sus teclados electrónicos y digo "sus" porque varios de los que toca él los construyó, sorpresas que da la vida.




viernes, 10 de febrero de 2017

ROCK MEXICANO. Valever.




ENMEDIO
"Vale ver"
1987




Disco por demás extraño, publicado en 1987 por Discos Pentagrama, nunca supe de los orígenes de la banda ni de sus miembros, tampoco supe que grabaran algún otro disco como grupo, nunca he visto una edición en CD y lo más extraño no hay información del disco o el grupo en la red internauta, pero el colmo de los colmos es que no existe información al respecto en las páginas de la disquera, como si nunca hubiera existido y si no lo tuviera en mis manos pensaría que lo soñé o lo imaginé.


 Contraportada

La músia es toda instrumental con los siguientes instrumentos: guitarras de Raúl Peñalosa y Bosho Bonopel, marimbas tocadas por Ma. Helena Saavedra, percusiones a cargo de Ivonne Revah y Nacho Carrillo, batería que ejecuta Rodrigo Villanueva, batería en manos de Yebel Morales y el sax de A. González, los sonidos están entre el Rock y la hoy muy socorrida fusión de todo tipo y de la globalización musical.




 Los músicos


La lista de canciones es la siguiente:

Lado Uno.
Diálogos con Isadora
Para un niño
La cuerda q'me diste
Cambio de actitud
Penas chinas
Estanque

Lado Dos.
Macánica
Las apariencias no engañan... ¡Engánchan!
Te huelen los pies
Los hijos dese.. ¡guey!
Álgebras raras






 


martes, 17 de enero de 2017

ROCK BRASILEÑO. Raça Humana.



GILBERTO GIL

"Raça Humana"

1984 

 





A mitad de los ochenta la música brasileña nos regaló este disco delicioso, mezcla perfecta de combativo Rock con mucho Reggae y músicas de la aleación amazónica (sonidos portugueses, africanos e indios), tradición y modernidad en una sola entrega de la mano del genial Gilberto Gil.

Ya estaban atrás los díaz del "Tropicalismo" con Veloso y otros locos revolucionarios, Gil ha sido figura central de la cultura brasileña y en el gobierno de "Lula" fue nombrado ministro de cultura, su discografía es extensa incursionando en diversos géneros, siempre con mucha imaginación y prejuicio.





jueves, 12 de enero de 2017

JAZZ MEXICANO. Arlequín.




GERARDO BÁTIZ
"Arlequín"
1982


En Mayo de 1982 el Jazz en México estaba en una situación un poco peor que ahora, pocos grupos del género, pocos lugares para tocar y enormes dificultades para grabar discos, pero a pesar de todo siempre ha habido amantes del Jazz, estaba la vieja guardia, los que iniciaron el género varias décadas atrás y también un grupo de músicos jóvenes encabezado por los Hermanos Toussaint, La Nopalera de Cipriano con todos los talentosos artistas que pasaron por allí y Gerardo Bátiz quien participó en varios discos de esa escuela de música y creatividad que era la Nopa.

Hay un disco extraordinario que se llama "Cristal" del susodicho Bátiz con mucha gente del Jazz-Canto Nuevo-Rock y anexas y del que no recuerdo la fecha pero que es muy cercano a este "Arlequín" en la concepción musical, diseño de portada y otros detalles, Arlequín data de 1982 y en él participaron Bátiz, Chuco Mendoza que estuvo en la Nopa, Fernando de los Toussaint (recordarlo en "Tremendo alboroto" disco nopalero, Eniac Martínez (también en la Nop), Cecilia Engelhart ya presentada en "Cristal" y Germán Herrera, percusionista que participó en muchos discos y proyectos de la época.





Como se pude ver, existía un grupo compacto de jovencísimos artistas con múltiples talentos y creatividad que escribieron una página notable de la música mexicana, como suele suceder, su obra y los mismos músicos fueron olvidados y casi nadie los reivindica o reconoce.

De la obra Batiztiana, su redactor conoce "Azul con leche" de 1986 y "Bugambilia" del siguiente año, también ví en alguna ocasión otra grabación llamada "Isla", pero de la que sólo tengo la referencia, en el '84 organizó Alain Derbez, incansable promotor, creador historiador y crítico del Jazz, unas jornadas del género en la Casa de la Paz y de ellas salió el disco de Gerardo en vivo llamado "En Concierto" publicado por Discos Alebrije (otra de las ocurrencias jazzeras de Derbez), y años después se publicó un CD llamado "Soñé" que en principio pensé que era nueva música pero resultó una antología de los discos mencionados.

Después Gerardo desapareció de la escena y a la fecha no sé que fué de él, dice la omnipresente Red que un músico japonés redescubrió a Bátiz y está dando a conocer su obra, ojalá y esto sirva para reconocer a Gerardo, de los otros discos proximamente comentamos. 



 

martes, 10 de enero de 2017

ROCK BRASILEÑO. Secos e Molhados.







 SECOS E MOLHADOS
"Secos e Molhados"
1973







Secos e Molhados era en 1970 y tantos un acontecimiento brasileño y  latinoamericano sobresaliente,  João Ricardo el creador del trío, de la extraña e insólita música, el concepto visual y la poesía musical puso en el mapa mundial a Brasil y su música una vez más en el siglo pasado.

El trío original con Fred y Antonio Carlos se hizo famoso en Sao Paulo (Kurtiso Negro, ubicado en el Barrio de Bixiga), la extraña mezcla de Rock, folclor brasileño, poesía de Cassiano Ricardo, João Apolinário, Vinícius de Moraes y Fernando Pessoa llamó la atención y con la tradicional promoción "de boca a boca" pronto fueron escuchados por mucha gente común o relacionada con el ambiente musical.

Antes de que grabaran su primer disco Fred y "Pitoco" dejaron a Ricardo quien tuvo que refundar al grupo, buscando aquí y allá encontró a Ney Matogrosso el vocalista que encajaba a la perfección en el proyecto, posteriormente reclutaron a Gerson Conrad y con esta alineación hicieron presentaciones y grabaron su primer disco que los hizo conocidos en toda Latinoamérica y el mundo.

Desde entonces en Brasil, pocas agrupaciones han causado tal impacto en el mundo discográfico y del espectáculo, Los Secos y Mojados se importaron a todo el mundo latino e hicieron giras a otros países, en México causaron furor, acompañado de el infaltable morbo por la imagen al estilo glam como el de los Kiss, por hablar de los más conocidos y los comentarios homófobos, pues se decía que lo que llamaba la atención más era su afeminamiento.




Ese primer disco de la sobresaliente banda es ya un clásico de Brasil y la música latina, no es fácil conseguir ahora las grabaciones de los Secos pero vale la pena procurarlas, tal vez en la red se encuentren, por lo pronto puede escucharse en estas especies de videos donde alguien pone al alcance de nuestros oídos estás históricas grabaciones.



viernes, 9 de diciembre de 2016

CANCIONES FAVORITAS. Supón.




"Supón"
Autor e Intérprete: Silvio Rodríguez
1987
 




En 1982 en el disco "Coco loco" de Diego Verdaguer apareció esta canción extraordinaria que no parecía escrita por él, ni por Amanda Miguel, ni Graciela Carballo, habituales compositores de todo lo que Diego cantaba y grababa, la pieza no mencionaba al autor y sólo registraba que era una adaptación de Verdaguer y Anahí, al tiempo se supo que el autor era Silvio Rodríguez y no había aparecido grabada antes, fué hasta 1987 cuando en Chile se publicó la antología de Silvio llamada "Memorias" y allí estaba la pieza grabada por el ignorado compositor.

Verdaguer nunca aclaró las razones por las que no dió el crédito debido a Rodríguez,  pero como era más conocido Diego, mucha gente se hizo seguidora de esta canción creyendo que era la obra maestra del argentino o un momento incrble de lucidez, es justo aunque sea treinta años después, otorgar honor a quien honor merece.

"Supón" o la "Canción del torpe" tiene la misma idea de "Tratado de impaciencia" de Joaquín Sabina, grabada en "Inventario" de 1978, en ambas se narra una historia imaginaria, de esas que nos inventamos todos cuando una persona nos atrae mucho y no sabemos que hacer más que imaginar una situación perfecta donde vamos a tener el final más feliz posible.

Una pieza poco conocida y muy difícil de conseguir en grabaciones físicas como las que queremos los desfasados, las imágenes que sugiere Silvio son bellas y entrañables, cosas de la vida real que nos hacen olvidar el extraño mundo en el que vivimos, por decir lo más amable. 

 

SUPÓN.
 
Supón que en un trabajo productivo
te encuentro en tu pañuelo singular
y luego de ese instante decisivo,
supón que no te dejo de mirar.

Supón que tanto tu fulgor persigo
que aplasto un surco y tengo mi sermón,
que corto un fruto tierno, que me olvido
de mi sombrero bienhechor
y no reparo en el calor
de la hora en que se prende el sol
supón que agua al fin te pido
y supón que ya eres mi canción.

Supón que me presento como amigo,
que te pregunto nombre y profesión,
que miro al suelo y digo que ha llovido
u otro comentario sin razón.

Supón que me has mirado comprensiva
pero no tienes nada que agregar.
Supón que entonces hablo de la vida
como queriendo aparentar
que tengo mucho que contar,
que soy un tipo original.
Supón que ríes divertida
y supón que ya eres mi canción.

Supón que hay una tarde para el cine
y que he llegado una hora después,
porque la ruta extraña en la que vine
no era para acá, sino al revés.

Supón que la pantalla te ilumina,
que rompe y que sujeta tu perfil.
Supón tu mano un ave recogida,
y un cazador, sin más fusil
que un dedo tímido, va a abrir
el sí o el no del porvenir.
Supón que no eres sorprendida
y supón que ya eres mi canción.

Supón que la fortuna es nuestra amiga
y que de tres a cinco puede ser.
Tu padre parte, fumo yo en la esquina:
la puerta, contraseña y tú, mujer.

Supón que entro y que nos abrazamos.
Supón que todo está por agotar:
es la primera vez que nos amamos.
Pero supón que hablo sin parar,
supón que el tiempo viene y va,
supón que sigo viriginal.
Supón que no nos desnudamos
y supón que ya eres mi canción.





domingo, 13 de noviembre de 2016

CANCIONES FAVORITAS. Dance me to the end of love.




"Dance me to the end of love"
Autor e intérprete: Leonard Cohen
1985




Recordar esta bella canción es recordar a Leonard Cohen, el poeta, cantante, compositor de canciones y novelista que acaba de fallecer a los 82 años, Cohen junto con Joni Mitchell y Neil Young fueron parte de la vida de muchos y muchas que crecimos en los años setenta con el Rock de compañía, de entre todos los que hacían canciones y con el tiempo, supimos que los tres canadienses se cocían aparte junto con unos pocos letristas excepcionales de la Unión Americana: Dylan, Patti Smit, Lou Reed, Laurie Anderson y algún otro que no recuerde ahora.

Cohen llegó tarde a la música, en 1967 a los 33 años con su primero y clásico disco "Songs of Leonard Cohen", cuando ya había publicado sus poemas desde 1954, es decir que su primera vocación era la poesía y la literatura en general, la música lo proyectó y lo hizo famoso, así sus textos fueron conocidos por quienes no lo leían pero si escuchaban sus canciones, desde entonces y hasta la actualidad Cohen no dejó de escribir y hacer canciones, su disco póstumo fue hacho como una despedida, tal como Bowie en este mismo año.

Esta canción es de 1985, con ella iniciaba "Various positions", y es una de mis favoritas, poesía y canción amorosa impecable y bella, el amor desde un momento de baile con imágenes conmovedoras y bellas, como si el mundo en el que vivimos fuera bello, emicionante y lleno de amor, la fantasía que muchos soñamos y que lo más probable es que no veremos.  






"BAILA CONMIGO, HASTA QUE EL AMOR TERMINE".

Baila conmigo hasta tu belleza con un violín ardiente
Baila conmingo a través del pánico hasta que esté seguro
Elévame como a una rama de olivo y sé la paloma que me lleve a casa.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta que el amor termine.


Oh, déjame ver tu belleza cuando los espectadores se hayan ido.
Déjame sentirte moviéndote como lo hacían en Babilonia.
Muéstrame lentamente los únicos límites que conozco.
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta
que el amor termine.

Baila conmigo hasta la boda, ahora, baila y baila.
Baila conmigo tiérnamente, un tiempo interminable.
Ambos estamos bajo nuestro amor, los dos arriba
Baila conmigo hasta el fin del amor.
Baila conmigo hasta
que el amor termine.
 
Baila conmigo por los niños que preguntan si pueden nacer
Baila conmigo entre las cortinas que nuestros besos han gastado.
Levanta una carpa protectora ahora, aunque cada hilo esté roto.
Baila conmigo hasta el fin del amor.

Baila conmigo hasta que el amor termine.

Baila conmigo hasta tu belleza con un violín ardiente
Baila conmingo a través del pánico hasta que esté seguro

Tócame con tu mano desnuda o hazlo con tu guante
Baila conmigo hasta el fin del amor
Baila conmigo hasta
que el amor termine. 
Baila conmigo hasta el fin del amor.





"DANCE ME TO THE END OF LOVE"


Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic 'til I'm gathered safely in
Lift me like an olive branch and be my homeward dove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.


Oh let me see your beauty when the witnesses are gone
Let me feel you moving like they do in Babylon
Show me slowly what I only know the limits of
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.

 
Dance me to the wedding now, dance me on and on
Dance me very tenderly and dance me very long
We're both of us beneath our love, we're both of us above
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love.

 
Dance me to the children who are asking to be born
Dance me through the curtains that our kisses have outworn
Raise a tent of shelter now, though every thread is torn
Dance me to the end of love.

 
Dance me to your beauty with a burning violin
Dance me through the panic till I'm gathered safely in
Touch me with your naked hand or touch me with your glove
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love
Dance me to the end of love 



jueves, 3 de noviembre de 2016

DISCOS FAVORITOS. Tempest.




BOB DYLAN
"Tempest"
2012






Si escuchaste "Love and Theft" de 2001, esa joya discográfica del premio Nobel de este año y te quedaste con las ganas de escucharlo eternamente, en 2006 vino "Modern times" otra fina obra de orfebrería musical y teníamos a un Dylan una vez más resucitado, reciclado y reinventándose de nuevo, esos dos discos deliciosos de un Bob Dylan nadando como pez en el agua, con los géneros que le encantan y conoce como su vida: Blues, Country y Folk con sus inevitables aires roqueros fueron el antecedente del que vamos a comentar hoy.



Fue grabado en los estudios Groove Master en California para su sello eterno Columbia con su banda de gira en los últimos tiempos y David Hidalgo de Los Lobos quien tocó guitarra, acordeón y tres, la guitarrita cubana que le gustó a Dylan para incluirla en las grabaciones, no vendió tanto como sus discos de 2009 pero tuvo una recepción favorable de la crítica que consideró a "Tempest" como uno más de sus grandes trabajos junto a otros consagrados de su carrera, las letras de las canciones tienen como característica la oscuridad entre sus acostumbrados textos siempre impactantes.











jueves, 27 de octubre de 2016

DISCOS FAVORITOS. Songs for Drella.




LOU REED Y JOHN CALE
"Songs for Drella"
1990


Hace tres años falleció Lou Reed, su inesperada muerte después de una cirugía cuando tenía 71 años de edad dejó al mundo del Rock huérfano de uno de sus padres, el artículo sobre su disco dedicado a Warhol tras su fallecimiento junto con John Cale es un recuerdo del tercer aniversario de su partida.
 

Desde 1972 Lou Reed y John Cale no habían hecho ningún trabajo juntos, contando de la separación de Velvet Underground y que cada uno tomara rumbos distintos, en 1987 falleció Andy Warhol y los reunió este acontecimiento, la muerte de su mentor de juventud inspiró la idea de homenajear o reconocer o lo que sea al personaje extraño y fascinante al que debían tanto.

El disco es uno de esos llamados "conceptuales" porque narran una historia y todas las piezas están comunicadas por el mismo asunto, personaje o biografía, la nueva colaboración de los dos ex Velvet mezcló los talentos de ambos extrañados durante muchos años y compusieron quince canciones que hablan de Warhol desde distintas perspectivas y visiones de quienes lo conocieron muy bien a él y a otros personajes del entorno del artista.





El título "Songs for Drella" es lo mismo que "Canciones para Andy Warhol" porque Drella es un sobrenombre de Andy conocido por la gente cercana a él, es una combinación de Drácula y Cinderella (Cenicienta) de modo que si uno no sabe eso jamás se imagina que es un disco dedicado a Warhol, antes de grabar las piezas se presentaron en distintos foros en 1989, Reed tocó guitarra y cantó, Cale tocó teclados, viola y también cantó, no hay arreglos complejos y creativos al estilo de Cale sino el sonido crudo y directo de Lou, después de la grabación del álbum Cale juró no volver a trabajar con Reed, una vez más había desacuerdos y incompatibilidades entre los dos geniales artistas, nada fuera de lo normal.
La lista completa de las canciones es:
  1. Small Town: 2:04
  2. Open House: 4:18
  3. Style It Takes: 2:54
  4. Work: 2:38
  5. Trouble with Classicists: 3:42
  6. Starlight: 3:28
  7. Faces and Names: 4:12
  8. Images: 3:31
  9. Slip Away (A Warning): 3:05
  10. It Wasn't Me: 3:30
  11. I Believe: 3:18
  12. Nobody But You: 3:46
  13. A Dream"- 6:33
  14. Forever Changed: 4:52
  15. Hello It's Me: 3:13