LOS DISCOS DE 1972. Foghat.

FOGHAT

"Foghat"

1972

Después de la desaparición de Savoy Brown esta banda británica que tenía un sonido muy americano y tenía más éxito en la Unión Americana que en la isla, tres de sus integrantes: Dave Peverett, Tone Stevens y Roger Earl se asociaron con Rod Price y armaron la banda Foghat, que tuvo tanto o más impacto que Savoy, con las mismas orientaciones, Blues, Hard Rock y Boogie, su primer disco tiene el nombre de la banda y apareció en 1972.

Dave Peverett a quien le gustaban los apodos de bluesman se autobautizó como "Lonsome" Dave asumió el liderato de la nueva agrupación, ya libre de la hegemonía de Kim Simmonds y se  reveló como el compositor principal y el vocalista, su primer álbum anunció ya la extraordinaria carrera que dibujó esta banda británica con el alma americana, después vendrían otros tres discos en crecimiento cada vez mayor, esta primera probada no tiene objeción y no le estorba a nadie en su discoteca.

La lista de canciones y autores a continuación:

 

"I Just Want to Make Love to You" (Willie Dixon) - 4:21
"Trouble Trouble" (Dave Peverett) - 3:20
"Leavin' Again (Again!)" (Peverett, Tony Stevens) - 3:36
"Fool's Hall of Fame" (Peverett) - 2:58
"Sara Lee" (Peverett, Rod Price) - 4:36
"Highway (Killing Me)" (Peverett, Price) - 3:51
"Maybellene" - 3:33 (Chuck Berry)
"A Hole to Hide In" (Peverett, Price, Roger Earl) - 4:06
"Gotta Get to Know You" (Deadric Malone, Andre Williams) - 7:44

JAZZ. I sing the body electric.

WEATHER REPORT

"I sing the body electric"

Weather Report estuvo desde el principio en movimiento constante, en su segundo disco dejaron la banda Moreira el percusionista y Mouzon en la batería y se incorporaron Eric Gravatt en tambores y Dom Um Romao en percusiones, pero además hubo invitados de lujo que enriquecieron las ideas y los sonidos, Ralph Towner apareció con su guitarra por primera vez en esta agrupación en la pieza "The Moors", también fue invitado un coro y una pequeña sección de metales.

Otra novedad es que el segundo, era un disco medio de estudio y medio en vivo, la primera cara del L.P. se grabó en estudio y la segunda en vivo en conciertos efectuados en Japón, las composiciones se dividieron otra vez entre Zawinul, Shorter y Vitous, la música es una fusión audaz en ese tiempo y ahora, rock, progresivo, jazz, funk y destellos de muchos tipos, el nombre del disco salió de un poema de Walt Withman y de un cuento de Bradbury, música de vanguardia que sigue siendo para oídos y mentes que hayan decidido ampliar sus perspectivas.  

LOS DISCOS DE 1972. Mama Lion.

MAMA LION.

"Preserve Wildlife"

1972.

 

Lynn Carey nacida en 1946, como hija de un actor, inició su carrera siendo actriz y modelo, pero esta bella dama también tenía talentos musicales, tocaba la guitarra, componía canciones y cantaba, pero no como muchas que siendo mujeres guapas, graban discos que los admiradores de su belleza van a comprar indefectiblemente.

Ya desde fines de los sesentas Lynn cantaba en distintas bandas, pero fue hasta 1972 cuando, al convertiese en la vocalista del grupo Mama Lion, logró notoriedad en esta faceta, acababa de morir Janis Joplin y el eco de su voz aún resonaba y de cierto modo se había creado una corriente de rock-blues con cantantes blancas de piel y negras del alma, jóvenes amantes del blues que habían asimilado la forma de cantar de las afroamericanas.

Con un timbre de voz entre "la sacerdotisa" Pense y de la "bruja cósmica" Janis, se unió al selecto grupo de cantantes blancas de blues que llenaban una parte del espectro discográfico y caminó junto a Grace Slick, Julie Driscoll y Lydia Pense, todas consentidas de este blog, a Lynn la tenía un poco olvidada, pues siempre me pareció una copia descarada de Janis, pero ahora que hemos estado revisando los discos del año 1972, vale la pena rescatarla para los que no la conocen y recordarla a quienes admiraron algún día su obra como cantante y por supuesto, su belleza.

La banda de Lynn, era bastante competente, sin utilizar metales lograba un sonido pesado y muy blusero gracias a los teclados de Jim Howard; y el liderazgo conjunto del bajo Neil Merryweather y el guitarrista Rick Gaxiola, la batería estaba a cargo de Coffi Hall, solamente grabaron este disco, el más conocido y su debut, además de uno que salió en 1973.

"Preserve Wildlife", no es un disco que haya marcado rumbos, ni supera a ninguno de Janis, Lydia o Julie, la sanísima trinidad del blues blanco y femenino, y sin embargo es un disco hecho con oficio, cantado más que decorosamente y muy disfrutable.

LOS DISCOS DE 1972. Live Cream II.

 CREAM.

"Live Cream II".

1972.

Después de los cuatro discos de estudio que grabó Cream (o los cuatro y medio, porque "Wheels of Fire" era doble y tenía un disco de estudio y otro en vivo),y con el histórico trío ya disuelto, pero con el eco de sus aportaciones al rock, su enorme éxito y su legado, todavía muy vivo y consistente, se lanzaron al mercado dos discos live de Cream, la extraña mezcla, el blues sui generis, y la magia rotunda que generó el afortunado encuentro de Clapton, Baker y Bruce, especialmente atractivo en sus grabaciones directas.

Por ser un documento histórico sobre uno de los grupos fundamentales del rock inglés, del rock sesentero y del rock universal, "Live Cream II", no puede faltar en una antología de discos editados en 1972, aunque las grabaciones que en él aparecen se hayan registrado en 1968, por supuesto que la selección de las piezas tiene un aire claro de greatest hits y están en ella "Sunshine of your love" y "White room", los dos superéxitos de ventas que tuvo el trío; piezas supremas como "Desert cities of the heart" y "Tales of brave Ulysses", el track list se completa con "Steppin' out" y "Politician", en resumen, un disco en vivo de Cream, con nada de menos ni nada de más que otros discos de Cream, lo que siempre resulta suficiente, por lo menos.

LOS DISCOS DE 1972. Jazz Blues Fusion.

JOHN MAYALL.

"Jazz Blues Fusion".

1972.

Hay dos discos de John Mayall grabados en vivo que son dos maravillas, uno de ellos "The Turning Point", es un concierto de 1969 con la propuesta blusera de Mayall en todo su esplendor, mezcla de su amor al Blues tradicional y las raíces musicales de su tierra, la Gran Bretaña, empezando por su voz muy blusera por la emoción y la pasión, pero muy distinguible de las de los grandes bluesmen del Delta del Mississippi y de Chicago; sus incorporaciones de instrumentos poco usuales en el blues, en el caso de The Turning... este papel lo desempeña la flauta, tocada magistralmente por Johnny Almond y por la estructura en sí de las piezas, enraizadas profundamente en el blues y a la vez, en todo el folk inglés, irlandés y escocés.

El otro disco en vivo que se escucha siempre con gusto y delectación es "Jazz Blues Fusion" de 1972, grabado en su gira norteamericana de ese año en Boston y New York, muy emparentado con The Turning... y a la vez con marcadas diferencias, en 1968, Mayall viajó a California e hizo contacto, no sólo con las grandes figuras del Blues negro, sino también con los jóvenes amantes blancos de la música del alma, allí conoció a Bob Hite y a toda su banda a la que le "robó" a su bajista excepcional, Larry Taylor quien participa en la grabación que comentamos e inició una larga estancia en Norteamérica.

Allí armó una nueva banda con el referido Taylor y cuatro músicos afroamericanos, experimentados y provenientes del Blues tradicional y el Jazz, de modo que, el tono blues-folk-sicodelia del "Punto Cambiante", se transformó en una deliciosa fusión entre Blues y Jazz, un largo jam session. teniendo como base las composiciones de Mayall y a partir de ellas se desarrolla el jam en el más puro sentido del Blues y su hijo, el sofisticado Jazz, con el propio Mayall tocando lo que se le pusiera enfrente: armónica, guitarra y piano; una pequeña sección brass con Blue Mitchell en trompeta y Clifford Solomon en diversos sax; Freddy Robinson en al guitarra de acompañamiento y Ron Selico con todo tipo de percusiones, un combo de excelente sonido y perfecta compenetración.

El disco que me parece, no es muy reconocido y poco mencionado es uno de los grandes del Blues en vivo y si lo ponemos junto a otros memorables del Blues de rostro pálido, no le pide nada a Super Session, Let it Rock o el propio The Tuening Point.

LOS DISCOS DE 1972. Talking Book.

STEVIE WONDER.

"Talking Book".

1972.

El nombre de Stevie Wonder está ligado al éxito, la fama, los reconocimientos y las ventas millonarias de discos, al contrario de muchos músicos afroamericanos (no dije negros para ser políticamente correcto), que a pesar de su genialidad, sólo fueron reconocidos después de su muerte en el peor de los casos y en su retiro, en el mejor de ellos. Wonder ha recibido en vida: veinticinco premios Grammy, veinte premios diversos, que incluyen un Oscar, Comendador de las Artes y las Letras (Francia), Salón de la Fama del Rock, Salón de la Fama de Compositores, Personaje del Año, Embajador de la Paz y otros.

Wonder también ha sido el creador de una treintena de canciones que se convirtieron en éxitos rotundos y ha vendido más de 100 millones de discos en su vida, y en todo esto tienen que ver, por supuesto su genio musical, pero también su contexto el inesquivable contexto, condicionante, para bien o para mal de nuestras vidas.


Stevland Hardaway Judkins, nombre oficial de Stevie, nació en 1950 y para cuando inició la dácada setentera era ya, una de las grandes promesas-realidades de la música soul, la parte más difícil de la lucha por los derechos civiles ya había pasado, la industria musical no sólo no rechazaba a los músicos afro, sino que los buscaba por ser productores de jugosas ventas de discos y ya existía Motown, la disquera de la música soul, funk y anexas, por autonomasia.


Y aunque empezó a grabar discos a muy temprana edad, es en esta década cuando floreció el talento de otro planeta que tiene y es también la dácada de sus mejores trabajos: Music of my Mind, el que estamos comentando y Songs in the Key of Life, son tres joyas de la discografía "wonderiana", y de toda la música soul y las tres nacieron en los setentas, la época gloriosa de Stevie Wonder.

Siguiendo los pasos de Ray Charles, Wonder amalgamó todo su saber musical y todas sus influencias en un estilo rico y variado, transracial y desprejuiciado, para Stevie, la mezcla de los estilos negros y blancos, como para Ray, no era una traición a nada y sí, un engrandecimiento de la música, además de un acto de fidelidad a ella.


En el contexto personal, Stevie atravesaba por un momento difícil, debido a su separación de Syreeta Wright, después de un breve matrimonio y es ésta separación la que marca la tónica del álbum, que es un tratado del amor, sus tristezas y alegrías, su principio y su fin, y fue realizado bajo el influjo de las sensaciones y pasiones que desata el sentimiento amoroso, sea feliz o desdichado, porque se ha comprobado mil veces que los artistas enamorados o atormentados producen a menudo sus mejores obras.


Y aquí aparecen las mencionadas aleaciones de la música soul, dolorosa y profunda, con los elementos, cuidadosamente escogidos del arte musical blanco, hay mucho "Soul", "Funk", coros salidos de las profindidades del Continente Negro, teclados furiosos y plañideros, odas al amor y maldiciones, pero al final, entre la enorme decepción, aparece la fé de Mr. Wonder en el sentimiento humano por excelencia y entre estos ires y venires, Stevie encontró los arreglos que hablan como el título del disco, de la paz, la furia, el desasosiego, la esperanza, la euforia y la resignación de un modo tal que si las piezas no tuvieran letras, todas las pasiones enlistadas seguirían siendo reconocibles.

LOS DISCOS DE 1972. So far.

FAUST.

"So Far".

1972.

El disco debut de Faust daba, por encima de cualquiera otra impresión, la de ser un disco caótico y no por falta de ideas o talentos, sino porque esa era la intención, porque es "el disco" del Kraut, su manifiesto explícito e implícito, su compendio y síntesis.

Las comunas juveniles alemanas de Munich, Colonia, Düseldorf, Frankfurt y Hamburgo, eran muy distintas de las norteamericanas pacifistas y naturalistas, las alemanas fueron el producto de la congregación de estudiantes universitarios, intelectuales anarquistas y artistas radicales, muy politizados y muy activos, en ellas germinó la semilla de grupos como la Fracción del Ejército Rojo o la Banda Baader-Meinhof, pero también la de los grupos de rock alemanes más notables y más radicales.

Ese radicalismo, dicen los historiadores, dislocó los conceptos vigentes en el rock inglés y "gringo", y a la vez los incomodó, los hizo despertar y les dió impulso, la invasión bárbara germánica, como en tiempos del Imperio Romano, cambió al sistema, el elegante, fino y sofisticado rock, sobre todo inglés, tuvo que recordar, al escuchar el krautrock, que el rock era iconoclasta de nacimiento.

Para su segundo disco Faust, ya no tenía la virulencia del primero ni el caos como guía, estructura y fin y sin perder el espíritu rebelde-exploratorio-experimentador, plasmaron una obra maestra donde, siguiendo sus principios, al mismo tiempo que los llevaban adelante, se mostraron como músicos altamente competentes y no solo manifestantes que protestan.

Por ejemplo: el disco empieza con "It's a rainy day, Sunshine girl", hipnótica, con una guitarra frenética y minimalista reforzada por el canto repetitivo de principio a fin, en ella los "Faust", se refieren a las vanguardias musicales europeas del siglo XX, como el mencionado minimalismo y de paso reivindican a uno de los pocos rockers anglos con los que podían identificarse, sí, por supuesto que hablamos de Lou Reed.

Luego, parecen decirle a las bandas progresivas de toda Europa: ¿quieren una muestra de rock progresivo, ortodoxa, equilibrada y virtuosa? aquí tienen "On the way to Abamae", pero no piensen que vamos a seguir con eso, era solo una muestra, lo nuestro es lo que sigue y viene una pieza que para nada desentonaría en su disco debut, "No harm" se llama la susodicha.

Después un track que reivindica al funk, ese ritmo grasoso, abiertamente sexual, retador y barriobajero, "So far", la que contradiciendo las normas de cómo hacer un disco, dando nombre al álbum sin ser la más llamativa, la que va a pegar, la que se hizo para single y criterios por el estilo, "So far" es funk, pero funk a lo Faust.

Ya entrados en calor, la desquiciada "Mamie is blue", obsesiva y deprimente; la burlona, lunática y "zappiana" "I've got my car and my TV"; el jazz perezoso y descuidado, abiertamente provocador de "Picnic on the frozen river"; "My lack space", dadaísta, minimalista, noísta, absurdista y toda la gama de las vanguardias artísticas del siglo; y cierra con "...In the spirit", extraña e inclasificable, un detalle no siempre observado es que, prácticamente no hay espacio silencioso entre una pieza y otra de manera que el disco suena como una única y larga suite  de locos y para locos.

 

 

 

 

 

LOS DISCOS DE 1972. Machine Head.

DEEP PURPLE.

"Machine Head".

1972.

"Machine Head", según las crónicas, es el sexto disco de la histórica banda inglesa de rock Deep Purple, y a la vez, es el tercero de Deep Purple II, que no existe como tal, pero que podría ser el nombre de la segunda etapa del grupo, bastante distinguible de la que abarcó sus tres primeros discos.

A mí me gustan los susodichos tres primeros por encima de todo lo que siguió, por ese abordaje tan original de la sicodelia, por sus destellos de "progresividad", su ambiente oscuro y su consistente dominio del hard rock, ¿todo eso en una sola banda?, así es, Deep Purple nació con estrella, saltando la niñez y siendo grande desde el principio, después, solo administró la fama, el talento y a un público insólitamente fiel.

El momento de la transformación que les valió ser considerados como una de las tres bandas-diosas-madre del heavy metal e infinidad de subgéneros, se produjo cuando ingresaron Ian Gillan y Roger Glover, el último un bajista con más recursos y definición que Simper y Gillan, definitivamente la mejor adquisición que pudieron hacer, nada más y nada menos que uno de los más importantes vocalistas de la historia del rock.

Supongo que Glover y Gillan que venían de una banda más pesada, se entendieron con Blackmore e hicieron una alianza en la que redujeron espacios para los barroquismos de Lord y su órgano mientras que Paice se acomodó a las circunstancias, pero el caso es que se perdió a uno de los grupos más interesantes y prometedores del rock inglés de la transición sesenta-setenta y nació una de las grandes leyendas del rock hasta nuestros días.

Pero volviendo a Machine Head, es el disco que más se ha vendido de Purple y puso en el mapa y la historia a "Smoke  on the water", una de las piezas de rock pesado más conocidas con su riff que es también uno de los inconfundibles de toda época, dicen los conocedores del género metálico que "Machine Head" es un paradigma, que vino a cambiar al rock e influyó el nacimientos de muchas bandas vertebrales y señaló nuevos rumbos para que el heavy creciera y viva hasta el presente.

LOS DISCOS DE 1972. Can't buy a thrill

 STEELY DAN.

"Can't buy a thrill".

1972.

Éste disco es importante hoy, pero en 1972, cuando salió para ponerse en manos y oídos de los catadores de música, no lo fue, casi nadie entendió el disco en sí y nadie entendió lo que anunciaba, la semilla que portaba y el buen augurio que para la banda que lo hizo significaba, el mundo del rock vivía la euforia de formas altamente sofisticadas de hacer música como el progresivo y algunos grupos del glam (Yes, Genesis, Pink Floyd, King Crimson, Jethro Tull, Roxy Music o David Bowie) y al mismo tiempo, el regreso a formas más básicas, encarnadas por cantautores rescatadores de la poesía y una música cuasi bucólica, artesanal y "natural" (Jackson Browne, Don McLean, Neil Young, Paul Simon) y a nadie le llamó la atención un grupo que parecía uno más de la inmensa oleada de la Costa Oeste.

Pero Steely Dan era otra cosa,. formado por Donald Fagen y Walter Becker, dos músicos muy creativos, excelentes instrumentistas y con una larga experiencia como músicos de estudio, esa Universidad de la música de donde han salido artistas excepcionales, se habían descubierto dotes de compositores, ya eran instrumentistas múltiples y consolidados, conocían a otros músicos de los que deambulan por los estudios de grabación y sabían de principio a fin, como se hace un disco, de modo que el paso necesario, lógico e inevitable era, grabar un álbum de canciones de rock.

Además de lo ya mencionado, estaba también, la habilidad que tenían para pasar de un género a otro y también para mezclarlos, y así aparecían en una mixtura muy equilibrada que tenía: las melodías del Pop, los ritmos del Rock, la complejidad y finura del Jazz, el festejo del Funk y la habilidad circense para ir de un lugar a otro, sin red y sin caídas.

En todas las piezas de este aparente disco de Rock-pop, hay algo de lo antes mencionado:

En "Do it again", la mezcla de ritmos y un elegante toque de Jazz latino; en "Dirty work",  el aire funk, el devenir preciso de la canción y el breve pero gran solo de sax; en Kings, la anticipación casi exacta de lo que algún día sería el sound Steely Dan; en "Midnight cruises", un viaje al country rock del que hacían C, S, N and Y, como muestra de la maestría que poseían para abordar cualquier género; otra cadenciosa pieza de fino jazz latino-cool en "Only a fool would say that"; la canción hecha para ser hit instantáneo, "Reelin' in the years"; "Fire on the hole", con su solo de piano excepcional y su aire de Blues, que de pronto se va al Caribe; y el cierre es con tres piezas consistentes, imaginativas, dinámicas y con gran swing: "Brooklin", "Change of the guard" y "Turn that heartbeat over again", cada una con sus chispazos de originalidad y genialidad, manifestadas en, coros, solos instrumentales, cambios de ritmo y estructuras complejas y abigarradas que siempre tienen una solución perfecta. 

LOS DISCOS DE 1972. Harvest.

NEIL YOUNG.

"Harvest".

1972.

 

"Harvest" es una especie de coda y cambio de rumbo del movimiento country-rock, en su vertiente Costa Oeste, con episodios épicos y de gran brillantez: los discos de The Byrds, Buffalo Sprinsfield y Crosby, Stills, Nash & Young representan estos momentos memorables y con todas estas formaciones tuvo que ver Young.

Dicen los anales históricos que en 1971, Young se trasladó a Nashville para presentarse en el programa de Johnny Cash, sumo sacerdote del country y que por azares del destino, estuvieron en la misma emisión, Linda Ronstadt y James Taylor, su viaje a Nashville obedecía también a la misión de grabar un nuevo disco (cuarto como solista) e invitó a los notables personajes a participar en él, al mismo tiempo armó una banda con músicos de estudio a la que llamó The Stray Gators, el improvisado grupo estaba formado por: Ben Keith, guitarra "steel", Kenny Buttrey, Batería, Tim Drummond, bajo, Jack Nitzsche, piano y guitarra "slide".

Ya entrados en la grabación, Neil invitó también a sus antiguos compañeros David, Stephen y Graham, los famosos, C, S & N y el productor Elliott Mazer, contrató a la London Symphony Orchestra que ya sabía desde entonces que acompañar a grupos de rock o grabar clásicos del rock con arreglos orquestales era negocio muy rentable y con este personal, Mazer y Young, se lanzaron a plasmar el disco más vendido de la historia del compositor canadiense. 

"Harvest" es un parteaguas en la vida de Young, le permitió ver el guiño del éxito comercial en un momento en que no estaba conforme con lo que estaba haciendo, no porque fuera de mala calidad o contrario a sus principios, sino porque quería cambiar y ese álbum fue el laboratorio para experimentar las diversas rutas posibles y deseables: su primero y único super éxito comercial y número uno de las listas de popularidad, el anuncio de su obra en los setentas, las temáticas en sus letras, de la ternura al desasosiego, de la euforia a la rabia y en medio de estas emociones potenciadas, el retrato de una Norteamérica agotada, perdida y megalómana.

Neil Young nunca imaginó el éxito de esta grabación y como buen artista marginal, contracultural y celoso de su independencia y genuinidad, renegó siempre de él, expulsó para siempre de su repertorio "en vivo" a "Heart of Gold" e hizo todo lo posible por borrar la imagen que pudiera haberse generado en torno a él y a su obra por culpa de "Harvest" y fue tal la aplicación que puso en esto que, marcó toda su carrera posterior y le adjudicó un sello personal e inconfundible, el sello Neil Young de "On the Beach", "Zuma", "Rust Never Sleep" y otras grabaciones celebradas y canonizadas por críticos, público e historia.

Pero el hecho de que "Harvest" no le guste a Young, no significa que no tenga valor estético o social, el personaje inspirado, genial y sabio que se llama Neil Young no sabe hacer malos discos, ni solo ni acompañado y siempre aparece, le guste o no, la chispa de genialidad, la frase profunda, el arreglo desconcertante y disfrutable, la pieza emotiva hasta las lágrimas o la euforia y sobre todo, la honestidad de este artista que toda su vida ha dicho lo que piensa y ha tocado lo que le gusta.

LOS DISCOS DE 1972. Gumbo.

DR. JOHN.

"Gumbo".

1972.

 

New Orleans es una de las ciudades con mayor riqueza histórico-musical en todo el mundo: fundada en 1718 por colonos franceses, cedida a España en 1764 y recuperada para Francia por Napoleón en 1800 fue vendida a Estados Unidos por el propio Napoleón en 1803, en la famosa compra de Louisiana.

Hasta aquí ya se habían sumado: la influencia francesa en costumbres, arquitectura, idioma y música, la española con su rica amalgama latina, ibérica y arábiga. además de que habría que agregar la tradición anglo, traida por los colonos británicos, pero aún faltaba la influencia más poderosa, la que cohesionó a todas las otras y abrió un abanico de las más variadas tonalidades y matices, esa fue la influencia africana (del África subsahariana, porque la norafricana ya estaba). 

New Orleans, tiene en su historia haber sido la cuna de varios géneros musicales norteamericanos, el cajún, el zydeco los más conocidos, la música de bandas con instrumentos de aliento metálicos (New Orleans Brass) y tiene el honor de ser considerada ni más ni menos que la cuna del Jazz, con la milagrosa mezcla de las bandas de metales de corte militar que también tocaban en bailes, los pianistas de ragtime y las percusiones africanas que llegaron a la ciudad con los miles de esclavos oriundos de ese continente y que juntos crearon el primer estilo propiamente jazzístico, conocido como el estilo New Orleans, precursor del famoso Dixieland.

En New Orleans nació uno de los grandes maestros del Blues, pianista excepcional y mezclador de géneros que empezó con la guitarra pero un mal día, recibió un balazo en un dedo, durante un pleito en uno de los antros de "mala muerte" en donde tocaba y que son los sitios donde se hacen los grandes, entonces cambió al piano y con este instrumento se volvió inmortal.

 Nacido hace más de 70 años, creció a la sombra de las mencionadas influencias: blues, música de banda de su tierra, zydeco, boogie woogie y rock, géneros que ha ido fusionando de forma casi natural hasta conseguir un estilo de blues que se aleja en muchos momentos de lo que el escucha común conoce como "el Blues" (Muddy Waters, B.B. King, Willie Dixon y un gran etcétera).

Gumbo es uno de sus grandes discos ¿cuál no? con toda la variedad de sus influencias, con toda su maestría al piano, con su voz de sacerdote vudú (en New Orleans hay mucha población haitiana y se practica mucho el vudú) y con la siempre acertada compañía de músicos que como él, sienten la música en el alma y la tocan con el corazón.

También están varios de sus grandes éxitos: Iko Iko, una pieza maestra como sacada de una ceremonia vudú; Big Chief, Mess Around, donde Mr. Rebennack, verdadero apellido del Dr. demuestra su virtuosismo al piano; Junko Partner y Tipitina, además de la sobrosísima Those lonely lonely nights, el álbum incluye, al principio una pieza de Huey Smith y al final un medley (popurri) de canciones de este que es uno de los idolazos del Dr. y de quien tiene mucho en su forma de tocar el piano, otro alumno de Smith podría ser Fats Domino, para que te des una idea.

LOS DISCOS DE 1972. Some Time in New York City.

JOHN LENNON Y YOKO ONO / PLASTIC ONO BAND.

"Some Tme in New York City".

1972.

 

La composición y grabación de "Some Time in New York City", tuvo como contexto la mudanza de John Lennon y su idolatrada Yoko a los Estados Unidos, concretamente a la ciudad de New York, donde y desde su llegada, empezaron a tener problemas con las autoridades por sus manifestaciones políticas a favor o en contra de diversos sucesos, ya estaban encarrilados en la actividad de hacer protestas públicas y además empezaron a frecuentar a Abbie Hoffman, subversivo de tiempo completo que era todo un ícono de la rebelión juvenil anti guerra de Vietnam, esta "perniciosa" compañía, acentuó el incipiente activismo político de la famosa pareja.

Por otra parte, Yoko empezaba a revelarse como "compositora" de canciones y el álbum doble se considera el primero que hicieron juntos, con el consiguiente deteriodo de la calidad artística en comparación con los dos discos anteriores (no puedo evitarlo, Yoko me resulta muy antipática y la considero un fraude gigante que creció con la complicidad e ingenuidad de John); la banda que acompañó a la pareja en la grabación del disco de estudio fue Elephant's Memory, que por esos días gozaba de regular popularidad como banda de rock sicodélico.

Para el segundo disco del "doblete", se incluyó parte de un concierto que se realizó el 15 de Diciembre de 1969 con invitados especiales (special guest) con nombres del tipo de Eric Clapton, George Harrison o Keith Moon (primeras tres piezas) y otro parche de otras tres piezas de otra presentación ocurrida en junio de 1971 con una agrupación que llamaron Plastic Ono Mothers y que como supones querido lector, era la unión de la banda  de la señora Ono y su esposo desconocido, más las mismísimas Mothers of Invention del genio del vigésimo siglo, Frank Zappa.

El repertorio compuesto por canciones de John, de Yoko y de John y Yoko, es el catálogo completo de las causas justas a las que había que adherirse si se pretendía ser un activista social que se respetara: a favor del feminismo, contra la discriminación, a favor de la lucha de las Panteras Negras, contra el encarcelamiento de John Sinclair, a favor de Angela Davis, contra la represión y maltrato de los presos políticos en las cárceles, a favor de la independencia irlandesa, contra la matanza de independentistas en Irlanda del Norte, en Enero de 1972.

No es el mejor disco de Lennon y es bastante irregular, por la intromisión de Yoko y el extraño pastiche que hicieron con el segundo disco (suena a recolección de cintas desechadas), pero tiene un valor histórico doble: muestra a Lennon en la época en que volvía a estar vivo y muy activo, gracias a la doble causa de su activismo político (un tanto ingenuo y disperso) y a su amor por Yoko (un tanto ingenuo y concentrado) y es también un testimonio de la época y la agitación política que se desbordaba por todos los rincones de la Unión Americana y el mundo.

Y para agregar un plus al valor histórico, están los dos trozos de concierto, extraños e históricos que de no haber sido incluidos en el Some Time...tal vez nunca se hubieran hecho del conocimiento público.