viernes, 30 de septiembre de 2011

ANIVERSARIO LUCTUOSO. Miles Davis.


MILES DAVIS.


Miles Davis hubiera podido dormirse en sus laureles después de "Birth of the Cool" (1949), disco histórico que marcó el fin de una época y el principio de otra y de "Kind of Blue" diez años después, el disco más vendido en la historia jazzística y obra maestra del arte universal, sumando a su carrera episodios intermedios y sobresalientes como sus 4 discos del 56 con uno de los más grandes quintetos de la historia, su participación en "Somethin' else" (1958) de Cannonball Adderley, "Sketches of Spain" (1959) y su versión de Porgy and Bess" con Gil Evans como orquestador y de cualquier modo hubiera pasado a la historia como uno de los grandes revolucionarios del arte del Siglo XX, pero era un artista inconforme que siguió buscando rutas nuevas hasta su muerte en 1991 y todavía produjo dos obras maestras reconocidad unánimemente "In a Silent Way" (1868) y "Bitches Brew) 1970), además de muchas grabaciones que sin alcanzar la altura de  éstas, tenían la marca de su genio, Teo Macero, su productor durante su larga estadía en la disquera Columbia describió su espíritu revolucionario así:


"Todas las personas que han tocado con él...tarde o temprano, comienzan a sonar un poco agreivas, pero de pronto se echan atrás, se establecen en una cadencia, y se quedan allí. En cambio Miles siempre va de un lado a otro, avanzando constantemente. Y todos los demás retroceden...Puedes volver a escuchar a Bill Evans y a Cannonball cuando vivía; no hacían nada experimental...Coltrane fue el único. Creo que Coltrane era el que más se asemejaba a Miles rspecto a la dirección de su música...A todos los demás músicos los escuchas y dices: ¿Qué están haciendo? Yo ya oí todo eso antes. Pero a Miles jamás lo has oído antes...Miles Davis era la fuente, era Miles Davis, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Joe Zawinul, Chick Corea, Bill Evans; todas esas personas vienen de un solo grupo, McLaughlin también; él se convirtió en algo único con Miles. Con Miles, todos tocan lo mejor que pueden todo el tiempo"*

jueves, 29 de septiembre de 2011

CANCIONES FAVORITAS. El Boiler.




EL BOILER.
Nina Galindo: Intérprete.
Carlos Arellano: Compositor.



En los ochentas, en medio del "boom" del rock en español, se escuchaba en el radio "Nunca Dejaré que te Vayas", canción intimista, sentida e inspirada del cantautor poblano Carlos Arellano, una balada que abordaba el tema de la convivencia en pareja y el sinnúmero de dificultades que tal situación plantea, al tiempo que era una declaración de amor conmovedora, esa pieza me hizo buscar los discos que el susodicho tenía grabados y empecé a seguir sus pasos.



En 1993, se editó el disco "Antropofagia Amorosa" de Nina Galindo y la primera canción del álbum que me atrapó, fue "El Boiler", dí por hecho que el autor era Roberto Ponce o Roberto González o Jorge García o Catana o cualquiera de los compositores de cabecera de Nina y fue hasta hace dos semanas que mi hija me recordó ésta canción, favorita de favoritas, que tuve la curiosidad de investigar quién es el autor, muy grande fue mi sorpresa al descubrir que era el entrañable Arellano, que tan buenas canciones nos regaló hace treinta años o casi.


El Boiler puede ser un blues, no tiene el ritmo ni la estructura de un blues, pero sí, su espíritu melancólico y atormentado, es una balada triste y desamorada, desengañada y desesperada, y lo mejor de ella es la letra, poseedora de varias virtudes: la protagonista es una mujer, pero la canción la escribe un hombre y aún así, resulta bastante creíble y convincente; utiliza figuras literarias eficaces para crear el ambiente de tristeza y desesperación; la comparación del boiler con el hombre que se fue es genial (ninguno de los dos escapaz de dar calor a una mujer);
Lo que podríamos llamar "el hilo narrativo", mantiene todo el tiempo el interés del escucha; la casa desolada, el rito de la limpieza, el boiler defectuoso, los santos, amuletos y otros consuelos divinos, la mota, el alcohol y otros consuelos terrestres, la afortunadísima "mejor este blues que nada en la boca" y la resolución que contrasta oscuridad y luz, ¡una gran canción por donde se le quiera ver!.

lunes, 26 de septiembre de 2011

VOCES DE MÉXICO. Margie Bermejo.


MARGIE BERMEJO.
"Mamacita del Mayab".
1996.


Margie Bermejo empezó a cantar profesionalmente a los 13 años y formaba parte del grupo de cantantes mexicanas mujeres que hacían música ye-ye, ¿qué qué diablos es eso?, hacían covers de las canciones de cantantes gringas como Doris Day, Brenda Lee, Sue Thompson, Joannie Sommers, Peggy March, Doodie Stevens, Eddie Hodges y otras, la competencia de Margie eran cantantes como Julissa, Angélica María o Mayté Gaos, ésta última fue la más exitosa de las cantantes ye-yé, críticos e historiadores dicen que la mejor cantante era Margie, pero ella nunca se conformó con las baladitas de éxito fácil y recibir apodos como la "Reina de la música Ye-Ye" le producía mucha aversión.

Las distracciones que no le permitían a Margie, ser una cantante pop exitosa eran: el folclor latinoamericano, el bossa nova, el jazz y cualquier otro género que implicara un reto y un aprendizaje, así que "se perdió" para la canción comercial y se dedicó a cantar con sus hermanos en el grupo Contemporáneo, que cultivaba los géneros que a ella emocionaban, a participar en comedias musicales y a la actuación, de modo que su carrera discográfica empezó realmente en1979, cuando Radio Educación produjo "Las Cosas Sencillas" y desde entonces la señora Bermejo nos regala nuevas producciones con cierta regularidad y con mucha calidad.


Cuando el siglo ya agonizaba, Margie dió un giro a su carrera discográfica, hizo una pausa, puso a descansar al jazz, a los tangos, al folclor latinoamericano y otros géneros recurrentes en su carrera, se volcó hacia los compositores mexicanos más de su gusto e hizo un disco donde reunió a hacedores de canciones como: Jaime López, Jorge Reyes y Liliana Felipe, músicos sinfónicos como Arturo Marquéz y coló a uno de sus autores favoritos que es Astor Piazzola.




El experimento tuvo un resultado redondo, la voz de Margie, habitualmente solemne, un tanto dramática y preocupada por mostrar su "buena educación", se "desolemniza" y se vuelve fresca y despreocupada cuando tiene que abordar piezas como la que inicia el disco y le da título, un rap escrito por Ofelia Medina, la actriz luchadora civil y musicalizada por Jorge Reyes, el autodefinido etnomúsico que falleció hace dos años y que es conocido y admirado en muchos sitios del orbe.


Hay dos canciones de Liliana Felipe, la caústica y humorística compositora favorita de las Divas Mexicanas como Eugenia León, Susana Zabaleta o Astrid Hadad, una letra de la misma Margie con música de Arturo Márquez para presumir a la gente con la que se junta y la muy famosa "Chilanga Banda", rap chilango de Jaime López de su disco clásico "Odio Fonky" y llevada al conocimiento masivo por Café Tacuba.

martes, 20 de septiembre de 2011

MÚSICA MEXICANA CONTEMPORÁNEA. Jeanette y Eblen Macari.


JEANETTE Y EBLEN MACARI.
"Aires". 
2000.

 

Los hermanos Macari están en la música desde niños, en los setentas hacían música juntos, se sentían atraídos por muchos tipos de sonoridades planetarias: música árabe, brasileña, renacentista, jarocha y en general de todo el folclor mexicano y latinoamericano, pero además tenían un espíritu vanguardista que los llevaba a darles a éstas que hoy se llaman "músicas del mundo", diversos tratamientos.

Jeanette se inclinó por el canto y estudió ésta disciplina en el Conservatorio Nacional de México y actuación en Londres, combinando las dos disciplinas en los espectáculos que ella misma imagina, produce y presenta, mientras que Eblen se interesó en el estudio de la guitarra, en los ochentas grabó una serie de discos en los que tocaba éste instrumento, explorando sus sonoridades con tratamientos electrónicos y se integró al grupo de músicos inclasificables que hacían la música underground mexicana de esos tiempos.



Sus caminos se separaron por mucho tiempo y de acuerdo con las notas del disco, "se debían" uno al otro éste disco que pudieron grabar hasta que empezó el siglo presente, tomaron canciones folclóricas mexicanas, canciones del siglo XVI de influencia morisca, música sefardita, composiciones de Eblen, una que otra del folk latinoamaricano (Violeta Parra fue la elegida) y hasta musicalizaron poesía del XVI.

La voz de Jeanette, educada en el bel canto y los acompañamientos guitarrísticos de Eblen, a veces "al natural", a veces procesados, crearon un sonido contemporáneo y al mismo tiempo antiguo, porque las estructuras y estilos conservan su esencia, una fórmula muy usada en las fusiones numerosas de la actual música globalizada, los Macari ya lo hacían hace varias décadas en distintos espectáculos, la mayoría de ésas fusiones no tienen imaginación, las que hacen los Macari sí la tienen, hay creatividad en los covers, que no son otra cosa, de la música tradicional rescatada y hay mucha calidad en los dos intérpretes, la una con la voz, el otro con sus arreglos y ejecución de guitarra.



miércoles, 14 de septiembre de 2011

ROCK MEXICANO. Los Humanos.



LOS HUMANOS.
"Instinto Animal".
1996.


Piro o Porfirio Pendas (está mejor Piro), nació en Cuba y de muy "chavito" vino a vivir a México, a muy temprana edad ya sabía lo que quería hacer, así que evitó pérdidas de tiempo en vocaciones equivocadas o impuestas y se dedicó a estudiar canto y música, en los ochentas, formó Dangerous Rhythm que después se castellanizó y se convirtió en Ritmo Peligroso, un grupo de rock que hizó su contribución al movimiento del Rock en Español que estaba de moda, con la difusión de grupos Argentinos, españoles y mexicanos.
 
Cuando al Peligroso Ritmo se le acabó su tiempo, hizo un disco solista en Londres y a su regreso a México, grabó este álbum con una nueva banda que no duró mucho y sólo grabó "Instinto Animal" que aquí presentamos para seguir documentando la Historia Fragmentaria del Rock Mexicano, con la esperanza de que un día podamos unir fragmentos y crear la Historia General del Rock Mexicano en Blogs. 



La banda reunida por Piro estaba integrada por músicos muy competentes y gran experiencia: en el bajo, Rafael Primo; en batería Yeyo Hernández; la voz de Piro; Icar Smith en guitarras y Nacho Acosta en teclados e hicieron un rock sin aspavientos ni pretenciones grandielocuentes, como dijeran los Rolling "es sólo rock and roll, pero me gusta", las letras son todas de Piro, sobrias, sin intelectualismos pretenciosos, sin caer en la simpleza y la pobreza de vocabulario, ni en el recurso fácil de las letras "desmadrosas" para ocultar que no se sabe escribir.

Piro cuenta historias cotidianas en un lenguaje accesible y se da el lujo de una que otra metáfora, una que otra alegoría, uno que otro giro poético, todo con mucha "naturalidad" y la música, es también sencilla y roquera sin equivocación, no pretende hacer "fusión" de nada ni reinventar el rock, el resultado, es un disco agradecible, que no es la gran maravilla pero que, en el momento en que salió, marcaba una ruta para el casi siempre extraviado rock nacional. 

 


lunes, 12 de septiembre de 2011

ROCK MEXICANO. Dr. Fanatik.


DR. FANATIK.
"Martes hoy, martes, mañana".
1997.

 

José Arturo Fagoaga parece ser el nombre oficial del Dr, Fanatik, extraño personaje que tiene en su personalidad y en su obra algo de Zappa, el Capitán Beefheart, Jesusa y Liliana, los escritores de la "onda", Jodorowsky y toda la cultura underground mexicana, a su vez a sido inspiración para roqueros iconoclastas como Botellita de Jerez, La Cuca y otros mal hablados irreverentes que han aparecido en el panorama rocker mexicano.

Fanatik tiene la irremediable costumbre de crear grupos de rock efímeros, a los que invita a diversos músicos, hacen algunas presentaciones, llegan a grabar algúno que otro demo y desaparecen, alimentando la leyenda del excéntrico personaje que con estas actitudes, se empeña en seguir bajo tierra, parece ser inmune a la tentación de ser famoso y aunque pasen los años y ya no sea un jovenzuelo, se empeña en actuar como tal, rebelde e irreverente.



Martes hoy, martes, mañana, es un repaso de canciones que compuso y tocó con diversas agrupaciones creadas por él y que tenían nombres como: Cabeza, Manola Elegante, Chula-Chula, Dos Fotos y tu Acta de Nacimiento, La Suciedad de las Sirvientas Puercas, donde prticipó Saúl Hernández, cuando era músico frecuentador del ambiente underground, Groovy People and the Love Freak, Matrimonio Gay y Chog-Chogs. 

Xavier Velasco escribió para la presentación del disco: "Asistido por el poder de sus cojonudos conjuros, el doctor Fanatik ha recibido en su clínica a varios personajes del mexrock. La terapia es sencilla: el doctor inventa una banda para sus nuevos discipulos y los alienta a sacar las plumas que caracterizan a los pros del gremio. Electificado, emponzoñado, emputecido, el alumno es reina por una, dos, nueve noches de fuerte alteración sensorial. Después vuelve al universo de la gente normal...



Quien mucho cuida la retaguardia nunca roza la vanguardia. Miren, si no, a estos pobres roqueros - machines que dánselas de jevifierros pero, apenas la ven venir, fruncen todito el fonfón (esperando, eso sí, mejores ofertas), ¿cómo explicar que. a semejante antipontífice lo redéen y acosen rucas ricas en jugos y muy pobres de complejos? ¿es verdad que comanda los orgiones? ¿Que los tiene más grandes que Ultraman?, ¿qué Martes hoy, martes mañana es un conjuro afrodisiaco? Estas preguntas y las demás (que by the way son un chingo) delatan que a lo largo y ancho de los últimos quince años, fundando grupos como quien sólo se ha propuesto iluminar mortales por el corto tiempo que se merecen, haciéndose acompañar por gatilleros...que a lo largo de su apostolado, han escalado las diversas jararquías del Averno..."







jueves, 8 de septiembre de 2011

ROCK MEXICANO. Bandido.




BANDIDO..
"Bandido".
1973.


 

A principios de los setentas había en México varias bandas de rock que tenían como modelo y ejemplo al jazz-rock que estaban haciendo en Estados Unidos muchos grupos y en Inglaterra unos cuantos, una de éstas agrupaciones era Bandido, formada en 1971 en Guadalajara, Jalisco, con músicos que ya habían estado en otros grupos y que contaban con gran experiencia, al juntarse lograron un sonido que estaba indiscutiblemente influido por el mencionado Jazz-rock pero sobre todo por Blood, Sweat and Tears.

Cuentan las crónicas de la época que un día, Francisco Guerrero, conocido entre la banda rocanrolera como "Kiko" propuso a sus compañeros trasladarse a la Gran Chilangotitlán (Cd. de México), para tener más espacios donde tocar y mayores opciones de grabar un disco, su debut oficial, el que quedó registrado en los anales de la Historia fue en el Teatro del Ferrocarrilero, muy cerca de mi querido barrio Tlatelolco, después y gracias a ésta presentación, fueron invitados al Festival de Avándaro, mítico festival que suele ser considerado como "el Woodstock Mexicano".



La música de Bandido era de excelente calidad, la base rítmica impecable, los arreglos de metales complejos y creativos, los teclados, no le pedían nada  a los de los grandes tecladistas gringos y el cantante "Kiko", tenía un timbre extraordinariamente parecido al de David Clayton Thomas, el vocalista canadiense de Blood, Sweat and; Tears y por si fuera poco, todas las canciones que componían, tenían letra en inglés, por aquella creencia, muy en boga en esos tiempos de que el rock sólo podía escucharse bien en ese idioma.

En 1972, grabaron un EP con "El Tema de Bandido" y "Freedom Now" y para el año siguiente, el LP. que aquí comentamos, una joya de la discografía roquera mexicana, con una banda que para muchos críticos e historiadores es la mejor de la historia o en el peor de los casos está entre las tres mejores, un disco que pudo haber tenido trascendencia mundial, si no hubiera sido por el pequeño pecado que a la distancia histórica se convierte en gran pecado, de parecerse demasiado a los que grababa Blood, Sweat and Tears.






martes, 6 de septiembre de 2011

JAZZ. Bitches Brew,



MILES DAVIS.
"Bitches Brew".
1970.



Miles Davis fue siempre un explorador de los sonidos y ser un explorador lo llevó a ser un descubridor y ser un descubridor lo llevó a ser un revolucionario que no llevó a cabo una revolución y luego se fue a casa para disfrutar su fama y su trascendencia histórica, él no podía hacer eso, porque era un adicto a la música y no podía estar lejos de ella y porque su espíritu inquieto no le permitía estar por mucho tirmpo haciendo lo mismo, a sus músicos, siempre los estaba exhortando a hacer algo diferente y en las presentaciones (normal) y en el estudio de grabación,sólo les daba una guía general del rumbo de la música y lo mejor es que, no lo hacía verbalmente sino tocando, de modo que sus  acompañantes, estaban obligados a seguirlo y a la vez a expresarse con libertad..

A fines de los sesentas y principios de los setentas, el rock cimbro a la cultura americana y reorientó los mercados del disco en forma radical, las empresas discográficas, tenían a sus mejores vendedores de discos entre los rockstars, que vendían no miles de discos, como los grandes músicos de jazz, sino centenas de miles de discos en un santiamén, generando enormes ganancias, obviamente que hasta los jazzistas que vendían mejor sus producciones estaban en desventaja y empezaron a ser relegados, esta situación molestaba sobremanera a Davis, quien no podía creer que un montón de "músicos" rudimentarios, con una misma y repetida fórmula tuvieran tanta aceptación con su pseudomúsica, mientras que la verdadera, la que hacían los conocedores y los virtuosos, fuera rechazada.

 Portada doble original, inspirada en el arte de cubierta de "Abraxas" de Carlos Santana.


Desde fines de los cincuentas, había sido figura central de la cultura y el arte norteamericanos y a menudo era requerido para opinar sobre otros músicos, discos de reciente lanzamiento  o géneros y subgéneros que aparecían y sus opiniones solían ser lapidarias, cuando era cuestionado sobre uno u otro grupo de rock o sus individualidades, era común que mostrara desprecio, su más reiterada respuesta era "siguen en lo mismo".

Pero al tiempo que despreciaba al rock y los roqueros, también los admiraba secretamente y deseaba estar relacionado con ellos, de esta situación surgió su amistad con Jimi Hendrix y con Sylvester Srewart, alias Sly, únicod músicos de la escena del rock que le merecían respeto, además algunos de sus músicos como Chick Corea, Herbie Hancock, Dave Holland o Joe Zawinul, que eran mucho más jóvenes que Miles, sentían, simpatía por el rock y lo incoporaban a su música.
 



En este contexto nació Bitches Brew, el multi aclamado álbum que revolucionó al jazz, tratando de mostrar a los músicos de rock como con sus instrumentos y sus ritmos, también se podía hacer "buena" música, para el efecto formó una banda con artistas que él conocía y habían trabajado con él, estaba la banda con que grabó "In a Silent Way": Wayne Shorter en sax; Joe Zawinul en piano eléctico; Chick Corea, también en Piano electrificado; John McLaughlin, en la guitarra eléctrica; Dave Holland, en el bajo; además agregó a un clarinetista que era Bennie Maupin, Harvey Brooks en el bajo eléctico, Lenny White en batería, que también tocaba Jack DeJohnette y para completar, incluyó a un grupo de percusionistas, con ellos Miles declaró "Yo pude reunir a la más grandiosa banda de rock", en este mensaje se podía leer entre líneas: yo sí puedo incursionar en sus terrenos, ustedes jamás podran entar en los míos.
.


El año pasado, al cumplirse 40 años del histórico lanzamiento de "Bitches Brew" se hicieron varias ediciones conmemorativas, ésta es una de mediano precio y mediano esplendor e incluye: las seis piezas que conformaban el álbum doble original, seis bonus tracks, y un DVD de una presentación de Noviembre de 1969, totalmente recomendable para bolsillos modestos.