martes, 30 de noviembre de 2010

MIS CLÁSICOS. George Harrison.


GEORGE HARRISON.
1979.




Cuando escuché All things must past, quedé impresionado de la capacidad de Harrison como compositor de canciones, el bajo perfil que mostraba en los Beatles, detrás de Lennon y McCartney, no permitía apreciar esta habilidad, el álbum triple, primero de Harrison después de la separación del grupo, se convirtió de inmediato en uno de mis favoritos desde entonces y hasta el día de hoy.


Después, pasaron los años y los discos de mi Beatle favorito y yo no les puse atención, estaba ocupado explorando otras manifestaciones musicales vastas y apasionantes, hasta que decidí volver a tener un disco del olvidado, este fue el elegido, que en ese tiempo, era la más reciente producción de George Harrison y se llamaba así justamente.

La primera sorpresa que recibí, fue descubrir que el tono solemne, hasta cierto grado triste de las canciones que había escuchado antes aparecía muy poco y en esta grabación, había piezas más festivas, menos cargadas a la solemnidad religiosa y más dedicadas a celebrar la vida.
Poco a poco fui develando, canción por canción, la obra completa y gradualmente me fueron gustando, cada día más todas y cada una de las canciones, hasta llegar al momento en que todo el álbum, nota por nota, me resultaba sumamente placentero, mis primeras favoritas fueron Blow Away y Soft touch, después Love Comes to Everyone y Here Comes the Moon, que es como la hermana de Here Comes the Sun, grabada con Beatles.

En el disco no hay nada de experimentos novedosos, nada de estructuras intrincadas ni sonidos que no hubieramos escuchado antes, sólo sencillas, sentidas y hermosas canciones como las que supo hacer siempre el Beatle solitario.
En el video, la canción del álbum que de inmediato llamó mi atención, Blow Away, canción de amor del Beatle amoroso, quien murió creyendo en este sentimiento, como en el deseo de Cat Stevens: Quizas algún día pudieramos morir enamorados.* que Harrison llevó a cabo al pie de la letra.

*
En Foreigner Suite, de 1973.






lunes, 29 de noviembre de 2010

CANCIONES FAVORITAS. The Inner Light.


THE INNER LIGHT.
George Harrison.


The Inner Light fue el primer sencillo de The Beatles con una canción de George Harrison, quien se había interesado en la religión y la música hindúes, intereses que están claramente reflejados en la estructura de la canción, la utilización de instrumentos musicales de la India y en el texto mismo, que fue tomado del Dao De Jing, que es el texto principal de la religión daoísta.

Para este redactor, es la mejor canción, no de Harrison con The Beatles, sino de todas las que grabó el cuarteto, por encima de las más geniales piezas de Lennon y McCartney, tiene una melodía sencilla y hasta cierto punto triste, pero también muy bella y la inclusión de la sítara, como instrumento principal, le dan un toque que emociona y por si fuera poco, siento que cuando Harrison "el Beatle místico", cantaba este tipo de canciones, estaba iluminado de algún modo, por esa religiosidad que le permitía sentirse en presencia de algo divino.

La canción apareció después, en edición de CD, en el "Past Masters Volume Two", que es una de las dos recopilaciones de los sencillos de los Beatles, puestas a la venta en este formato.


La Luz Interior


Sin cruzar mi puerta
puedo conocer todas las cosas de la tierra

sin asomarme a la ventana
podría conocer las sendas del cielo
más lejos viaja uno,

menos conoce,
menos conoce.

Sin cruzar tu puerta

puedes conocer todas las cosas de la tierra

sin asomarte a la ventana

puedes conocer las sendas del cielo

más lejos viaja uno,

menos conoce,
menos conoce.


Llega sin viajar,

velo todo sin mirar.

míralo todo sin ver.

Traducción tomada de: "Los Beatles, Canciones Ilustradas" de Alan Aldridge, Emecé Editores, Buenos Aires 1998.

The Inner Light


Without going out of my door
I can know all things of earth
With out looking out of my window

I could know the ways of heaven .
The farther one travels
The less one knows

The less one knows
.

Without going out of my door
.
You can know all things of earth

Without looking out of my window

You could know the ways of heaven

The farther one travels
.
The less one knows

The less one knows
.

Arrive without travelling

See all without looking

See all without doing.






jueves, 25 de noviembre de 2010

martes, 23 de noviembre de 2010

LOS ESPERADOS. Lord Sutch.


LORD SUTCH AND HEAVY FRIENDS.
1970.




A principios de los setentas, este disco era toda una leyenda, su protagonista era un sujeto llamado David Sutch, admirador de "Screamin'" Jay Hawkins (él se hacía llamar "Screamin' Lord Sutch) y Little Richard , fue uno de los primeros rockers que uso el pelo largo, se vestía en forma estrafalaria (como podrá verse en la portada del disco) y hacía de sus presentaciones verdaderos "performances" con ataúdes y otros efectos necrófilos.

En el disco que estamos comentando, toda esa parafernalia no se podía apreciar, pero en la portada del álbum se anunciaba al Lord Lamentoso que nadie sabia quién era, ni de dónde lo habían sacado y sus Amigos los Pesados y hay que recordar que en esos años "pesado" tenía una connotación rebelde, iconoclasta, escandalosa, irrespetuosa, no complaciente, no comercial, anegrado y todo lo similar que a usted se le ocurra, resultando que los cuates pesados del Noble Gritón, anunciados en la misma cubierta eran: Jimmy Page, John Bonham, Jeff Beck, Noel Redding y Nicky Hopkins; y en su disco de 1972, estaban también: Keith Moon, Ritchie Blackmore, Matthew Fisher (sí, el que tocaba el órgano en Procol Harum) y Víctor Brox (pionero del blues inglés y parte del repertorio del primer "Jesus Christ Superstar").

No sé como le hacía el Lord "pirata" para tener esos cuates ni como los convenció para que tocaran en su disco, pero lo que es innegable, es que era la mayor reunión de rockstars que se había visto, no recuerdo si en esos años mozos escuché el disco, lo que es muy probable, porque lo editaron en México, pero si así fue, ya no me acordaba de que iba.

Con el tiempo leí y escuché opiniones y reseñas acerca de él y la mayoría coincidian en que era un disco de regular para abajo, desde el punto de vista musical, pero que era un hito histórico y pieza de coleccionistas por la tumultuosa y famosa compañía de Sutch, estos comentarios, despertaban mi curiosidad pero, no había podido conseguir el disco ni prestado, hoy encontré a alguien que me lo prestó y aquí va mi opinión.

La mayoría de las composiciones aparecen firmadas por Sutch y Jimmy Page, en algunas colaboran otros de los invitados y ninguna es un portento, ni de inventiva, ni de creatividad, no hay experimentos de ningún tipo, es simple y llanamente un disco de Rock 'n' Roll, un divertimiento rocanrolero entre amigos en el que por supuesto destaca, la calidad interpretativa y conocimiento que los invitados a la fiesta tienen del género que escogieron para ganarse la vida, allí están los riffs y solos de guitarra de Page y Beck, el piano de Hopkins, el bajo de Redding y las percusiones inmensas de Bonham.

Lista de canciones.

  1. "Wailing Sounds" (Page/Sutch)– 2:38
  2. "'Cause I Love You" (Bonham/Edwards/Page/Sutch) – 2:46
  3. "Flashing Lights" (Page/Sutch) – 3:14
  4. "Gutty Guitar" (Sutch) – 2:33
  5. "Would You Believe" (Cee) - 3:20
  6. "Smoke and Fire" (Sutch) - 2:38
  7. "Thumping Beat" (Page/Sutch) – 3:07
  8. "Union Jack Car" (Page/Sutch) – 3:03
  9. "One for You, Baby" (Sutch) – 2:44
  10. "L-O-N-D-O-N" (Sutch) – 2:56
  11. "Brightest Light" (Cee/Sutch) - 3:57
  12. "Baby, Come Back" (Page/Sutch) - 2:31

Aquí se descarga el disco.














viernes, 19 de noviembre de 2010

EL DEBUT DE QUICKSILVER. LOS DISCOS DE 1968.


 

QUICKSILVER MESSENGER SERVICE.
Quicksilver Messenger Service
1968.





Estos mensajeros del flower power, del mundo nuevo y del amor son una de las bandas más originales de toda la historia del rock, formada por músicos folk que fueron desplazando el espectro musical hacia la sicodelia y el llamado rock ácido, producto de su asentamiento en la mítica Frisco de fines de los sesentas.

El mencionado periplo de un género a otros, la mentalidad colectiva que se sintetizaba en la palabra "búsqueda" y la apertura y actitud de los oyentes hacia toda propuesta musical nueva que tuviera el sello "juvenil" (en el jazz había mucha inovación sin la audiencia masiva del rock) se concatenaron para que John Cipollina en guitarra; David Freiberg guitarra, bajo y viola; Greg Elmore en los tambores y Gary Duncan guitarra y voz, produjeran este sonido que aún dentro del rock ácido y en comparación con otras bandas del género sonaran inimitablememnte.





Este es su disco debut, uno de esos debuts por demás afortunados, como muchos otros en el rock, con músicos creadores de sonoridades nuevas, mucho empuje, inspiración y fé en lo que estaban haciendo y en el caso del rock de estas épocas se consideraba algo en verdad trascendental, mucho más allá de ganarse un buen varo. Desde "Pride of Man", la canción de inicio, el escucha sabe que está ante algo especial, los coros, las formas de cerrar cada estrofa, la utilización de las guitarras (en el Quick rasgo característico) le avisan que no va a escuchar más de lo mismo.

Y para que el goce vaya en aumento, se liga con "Light your mirrors", fina pieza de orfebrería musical con las guitarras otra vez resaltando inmensamente, ambas piezas de inicio preparan la entrada de "Dino´s Song", bella balada de esas simples pero que no les falta nada para conquistar al oído y luego un rolón inconmensurable que se llama "Gold and Silver", haciendo honor al nombre, más orfebrería en metales preciosos, esta vez en una pieza instrumental que devela todos los secretos del sonido Quick en lo que concierne al uso de las guitarras.

Y el cierre que mantiene la tensión placentera, la fuerza combinada con la delicadeza en dos piezas, la primera, otra balada muy roquera al estilo de la canción de Dino y la larguísima "The Fool", otra lección de como hacer piezas largas, al estilo del jazz, sin ser aburridos, sin cansar y al contrario, generar el deseo en el auditorio de que jamás termine. 


martes, 16 de noviembre de 2010

sábado, 13 de noviembre de 2010

RESEÑA. Concierto de Massive Attack.


MASSIVE ATTACK EN EL METROPOLITAN.




El miércoles 10 del presente, acudí al Teatro Metropólitan, uno de los bastiones de OCESA, la empresa que en las últimas décadas ha traído a México una gran cantidad de muy buenos conciertos, llegué dos horas antes porque no me gusta manejar cuando ya cayó la noche y porque siempre estoy pensando que voy a encontrar una cantidad de tránsito infranqueable.

Mientras esperaba a mi acompañante e invitadora me entretuve observando al ejército de revendedores de boletos que pululaban por todo el frente del teatro, ante la complacencia de un nutrido grupo de policías que no escuchaban a estos "trabajadores ilegales" repetir la misma cantaleta ad infinitum "¿te sobran o te faltan? te los compro y te los vendo" y les resultaba imposible identificarlos de tan bien camuflados que estaban (gritaban a voz en cuello :¡boletos, boletos! ¿cuántos quieres?), escena natural y cotidiana en estas tierras invadidas hasta el cuello por la más escandalosa corrupción que nación alguna haya padecido.

Cerca de las nueve de la noche hizo su aparición mi acompañante, experta en hacerme esperar, parece que disfruta pensando que me tiene dando vueltas y vueltas como Chuck Berry en su célebre canción, atacado por la impaciencia, pero incapaz de devolverle una y harto después de escuchar por lo menos 50 veces la inquisición de los representantes del "mal necesario" llamado reventa, entramos al recinto musical, ella no sé, pero yo, con la expectativa de escuchar a esta banda que ahora sé que es de Bristol, Inglaterra, pero que jamás había escuchado a pesar de que hace 22 años están en actividad (también me acabo de enterar de esto), y tan sólo con la promesa: "Te va a gustar".

Cuando entramos ya estaba cantando una chava, solita con un tecladito, una cajita de ritmos y una guitarra, nada mal para empezar a calentar el concierto, después veriamos que era una de la invitadas de la banda para este concierto y para algunos discos y pocos minutos después salió al escenario Massive Attack y todo el público se puso de pie, para no volver a sentarse hasta que la audición terminó, mientras yo me hacía la pregunta pendeja que me hago cada vez que estoy en esta situación ¿para qué diablos pagan un asiento si no lo van a utilizar? y si algún desorientado como su servidor quiere disfrutar el espectáculo desde la comodidad de su asiento, ¡ya se chingó! y más aún si uno tiene la desgracia de ser minusválido, de capacidades diferentes o algún otro eufemismo utilizado para lo que en mi infancia era un inválido y no puede estar de pie, ¡ya se chingó doblemente!, por lo menos yo tengo el consuelo de pararme a ratos.

Pero es hora de pasar a lo estrictamente musical y resulta que la desconocida banda (para mí), tiene un sonido poderoso muy cargado a la música electrónica, con unas percusiones protagónicas, polirítmicas y contundentes (literalmente), haciendo una mezcla de la ya mencionada tecno, más unos toques de jazz, ciertos momentos raperos, una influencia jamaiquina fuerte que importa Horace Andy, de quien se dice es toda una leyenda en su nativa Jamaica y quien es otro de los vocalistas invitados y una vena soulera que me resultó muy placentera y que protagonizaba Deborah Miller, una morenaza muy heavy en cualquier sentido que elijas y con una voz muy poderosa, otra vocalista invitada.

A la mitad del concierto y con tantos vocalistas, me sentía como en tocada de la Sonora Santanera, escuchando a una banda numerosa que además tiene catálogo de vocalistas que va utilizando según la rola que se interpreta y por si fuera poco el maestro Andy tiene un aire de Carlos Colorado impresionante y baila como la leyenda santanera.

Resumiendo, el encuentro con esta banda a la que según me enteré le adjudican la etiqueta de inventores del trip hop (sea lo que sea esto), pero que ellos rechazan, fue una experiencia placentera e inédita, tantos estilos ensamblados tan bien y vestidos de un ambiente oscuro que me hizo recordar un memorable concierto en este mismo recinto con la "jefa" Lisa Gerrard y los Dead Can Dance o los discos de Portishead, fue reconfortante, energizante y actualizante, ¿a quién se le ocurre hacer música dark que también suene a otra media docena de géneros o estilos? dicen que a un tal Garnt Marshall, alias Daddy G y quien es el líder del Ataque Masivo.

Y por último, hay que hacer mención especial a la escenografía y luces, muy original y económica, una especie de tablero electrónico proyectado atrás del grupo con juegos de luces, letreros, imágenes, potenciado por una buena dirección de luces escénicas encajaban perfectamente con el sonido tecno-industrisl-vanguardista de la banda.


miércoles, 10 de noviembre de 2010

GRANDES GUITARRISTAS. Mick Ronson.


MICK RONSON.
1946-1993.




La revista Rolling Stone colocó a Mick Ronson en el lugar 64 de su polémica lista de los 100 mejores guitarristas del rock de todos los tiempos, para quienes lo hemos escuchado por décadas y peleado por un reconocimiento mayor no estamos de acuerdo con este lugar, pero haiga sido, como haiga sido, el hecho de que esté entre los 100 mejores de la historia, entre varios miles, habla de su calidad.

Se hizo famoso como guitarrista, pero tocaba varios instrumentos, el más notable después de la guitarra fue el teclado de cualquier tipo, pero además cantaba, componía canciones, hizo labores de arreglista y de productor, todos los terrenos de la industria roquera del disco los pisó y conoció a fondo.



Tocó con muchos de los más conspicuos músicos de la escena del rock, Dylan, Van Morrison, Lou Reed, Morrisey, son algunos, pero su trabajo sobresaliente, el que lo hizo famoso e inmortal fue su pertenencia a la banda de David Bowie, con la que grabó media docena de discos, todos geniales, todos clásicos y en ellos Ronson no era un complemento o acompañante intrascendente, sino todo lo contrario, fue siempre contributente mayor al sonido que en cada placa develaba el camaleón.

Ronson siempre estuvo a la altura del genio de Bowie y lo complementó con el propio, por eso hoy lo recordamos recomendando el video que se llama "Ziggy Stardust and the Spiders of Mars" de Motion Picture y que contiene la gira de Bowie, Ronson y compañía para presentar el disco más célebre de los que hicieron juntos en él también se puede ver la que tal vez sea su mejor actuación, pero de no ser así, es un escaparate perfecto para ver de que lugar tenía Ronson entre los grandes de la guitarra.











viernes, 5 de noviembre de 2010

miércoles, 27 de octubre de 2010

EL FOLK-ROCK INGLÉS. The Incredible String Band.



THE INCREDIBLE STRING BAND.
1966.


El otro pilar en que estaba sostenido el Folk-Rock británico de los sesentas-setentas, era The Incredible String Band, nacida en Edimburgo, Escocia, como un trío de música folkroquerasicodélica, que era la única forma de estar en todos los géneros que les gustaban a Mike Heron, Robin Williamson y Clive Palmer, alineación de la Increíble al grabar su disco debut.

Mike Heron y Robin Williamson, fundadores y sustento de "La Increíble Banda de Cuerdas" no fueron modestos al decidir este nombre para su banda, pero tampoco mentian, su concepto de banda de rock-folk-sicodélico-orientalista-místico-celta, era realmente increíble con un sonido "acústico", rara vez se incluían instrumentos eléctricos, que recogía el folclor de su tierra , la música celta, el rock sicodélico, la música hindú y la música árabe.

Pero no sólo musicalmente, la obra de la Increíble, era un coctel, también temáticamente y en la construcción de sus letras, el pragmatismo era la línea a seguir y sus canciones incluían, leyendas escocesas y celtas, temas bucólicos, misticismo oriental, discursos jipiosos, canciones de amor y otros temas, siempre vestidos de las sutilezas, finezas, arcaísmos y bellezas de las mezclas de sonidos tomados de cualquier parte del mundo y cualquier tiempo, por Heron y Williamson, que fueron siempre la Increíble, pues todos los músicos que los han acompañado, han sido, más o menos, pasajeros.



Las grabaciones más aclamadas por críticos e historiadores son las dos que siguieron a este debut, allí está presente toda la esplendorosa creatividad de estos edimburgueses, son los discos que todo mundo conoce y de los que se habla, están en las listas de los mejores de la historia del rock, pero en este, está el origen, la semilla, el indispensable génesis de la obra extraordinaria de esta banda.

Y como origen, es el disco más "puro" de la banda, el más folk, el más escocés, con la magia de las historias y la música antiguas, propias de las sociedades tradicionales, rurales y supersticiosas, el polo opuesto al progreso, la técnica, la ciencia y la certeza, aún no aparecían las cítaras, la música árabe y el rock, era un grupo de folk que dejaba caer de pronto uno que otro pincelazo anunciador de lo que vendría, pero por lo pronto, alientos y cuerdas tocados rústica pero divinamente.

Aquí descarga el disco.







martes, 26 de octubre de 2010

jueves, 21 de octubre de 2010

martes, 19 de octubre de 2010

¿EL INVENTOR DEL COUNTRY-ROCK?


GRAM PARSONS.
"G P".
1973.



El post sobre New Riders sirvió para introducirnos en el género que se conoce como "country-rock", uno más de los hijos de la sicodelia y la expansión del rock a fines de los sesentas y principios de los setentas, el grupo más notable de éste híbrido fue The Byrds, para ir ubicando y otros cultivadores de él, los comentados New Riders y Flying Burrito Bothers, otras bandas cercanas al territorio country eran Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead y de un modo u otro todos los representantes del "sonido Costa Oeste".

Gram Parsons participó en un disco de Byrds y fue integrante de Flying Burrito Brothers, pero su verdadera aportación al género del que muchos consideran padre, se dió en su carrera como solista, muy corta y con dos álbums del que el primero es "G P" y el segundo "Grievous Angel", este último no alcanzó a verlo en las tiendas por su pematura muerte, a los 26 años, a causa de una sobredosis de sustancias estimulantes, en 1973.

Nació en Florida en una familia donde el dinero abundaba e Ingram, verdadero nombre de Parsons, fue a las mejores escuelas, pero el gusto por la música descubierto en un concierto de Elvis, hizo que Gram dejara inconclusos sus estudios de Teología y se dedicara a formar bandas de rock, de las que las más famosas fueron la "International Submarine Band" y "Flying Burrito...", después de andar rocanroleando se aficionó a la música country y este hecho definió su estilo como músico y compositor de canciones sórdidas plagadas de historias de perdedores, drogos, alcohólicos y mujeres de todo tipo.

Juan Vitoria, autor del libro llamado "Los 100 mejores Discos del Rock" incluye "G P" en esta centena destacada y dice a propósito de Parsons y su capacidad para fusionar géneros, lo siguiente:

"...en "G P" notamos la influencia del beat británico que planea sobre las composiciones y arreglos country de "A Song for You", "She" y "The New Soft Shoe", tres de las mejores canciones que se han compuesto nunca...Todo el disco es una delicia, la tenue voz de Parsons, su misticismo campestre y las prestaciones que combina en clásicos como "Cry One More Time", dejando claro que también acoge emocionalmente al R&B, le valen para dejar una precisa amalgama de perfumes acústicos y elécticos."

A Gram se le considera un revolucionador del género "country" por filtrar en él pinceladas precisas de rock sicodélico y revolucionador del rock al permearlo de música ranchera y prácticamente crear un género nuevo, nunca vió fronteras en la música y por si fuera poco "descubrió" a Emmilou Harris, la gran diva de la música ranchera gringa, quien se hizo conocida por su participación en los dos discos de Parsons, mismos a los que dió un toque delicado y angelical.

Aquí se descarga el disco.








miércoles, 13 de octubre de 2010

ROCK MEXICANO. Tony Rayola.


TONY RAYOLA.
1987.




Alvarado y González.
Ésta es una curiosidad discográfica, poco conocida, editada en 1987, en pleno boom del "Rock en tu Idioma", en forma independiente en el sello Magog-Momia, y está registrado como el primer disco de su catálogo, casi estoy seguro de que también fue el último, seguramente tuvo una distribución muy limitada y un tiraje mínimo.

Yo lo conseguí en "El Chopo" y no creo que haya habido otro lugar donde se haya vendido, hace algunas semanas lo recordé y revisíté, dándome cuenta de que no era tan malo como en aquellos tiempos me pareció, es un disco cantado en inglés, raro en su momento histórico; su género musical va del tecno- rock al progresivo, raro en su momento histórico y suena más setentero que ochentero, fuera de su momento histórico.


Haz Cick en la imagen para ampliarla.


Tony Rayola, nombre del grupo que quién sabe a quién se le ocurrió y por qué se le ocurrió, la información adjunta no lo dice, era en realidad un dueto, formado por Carlos Alvarado, quien no era ningún desconocido en el ambiente roquero mexicano, todos sabemos que había sido con Jorge Reyes, el alma de Chac Mool y Jesús González quien si era un ilustre desconocido (al menos para mí), nunca antes lo registré en grupo o grabación alguna, ni tampoco después.

Pero el caso es que ambos hicieron media docena de canciones sin grandes pretenciones, en el estilo tecno, la mayoría y una (Rayola's Revenge) que es la que vale más la pena, un acercamiento a un rock progresivo de gran calidad y el objetivo de comentarlo es sólo contribuir a la reconstrucción que parcialmente hacemos en muchos blogs, de una historia del rock mexicano y si alguien se avienta a la titánica tarea de hacer la reconstrucción no parcial, no tengo inconveniente en que se sirva de este artículo.

Aquí se descarga el disco.


martes, 12 de octubre de 2010

EL DESLIZAMIENTO DE LOS RANCHEROS ÁCIDOS.


NEW RIDERS OF THE PURPLE SAGE.
"Powerglide".
1972.



Nicky Hopkins dejó una obra sobresaliente para la historia del rock, pero además su participación en una cantidad increíble de proyectos, discos y grupos lo convirtió en el "enlace", siguiendo la carrera de Hopkins, se puede hacer una historia parcial, pero significativa del rock, tanto inglés como gringo.

Nicky ya tenía una historia importante y un curriculum impresionante, cuando fue a Norteamérica y se incorporó a la escena sanfranciscana, allí conoció y tocó con los principales grupos del rock ácido y el "sonido costa oeste": Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service y Grateful Dead y de la relación con el "Muerto" y con Jerry Garcia en particular, surgió su participación en este disco de otro grupo que hizo su propia leyenda, menos contada que la de los mencionados, pero no menos importante.

El nombre de la banda es más que significativo acerca de sus influencias y gustos, eran los nuevos jinetes, porque pretendían hacer un nuevo tipo de música ranchera (country la llaman los gringos) y no por ser un grupo de música country, eran ajenos a la influencia del rock en general y de la sicodelia en particular, por eso eran los nuevos jinetes de algo que hiciera referencia a la parte alucinada de su música, la parte ácida y sicodélica y de allí salió la idea de la "savia púrpura", o algo que sonara loco, alucinado, profundo y trascendental y ese tipo de combinaciones de palabras eran infalibles para dar esa idea.


Haz click sobre la imagen para ampliarla.


David Nelson, guitarrista de los New Riders, era amigo de Jerry Garcia y de pronto hasta echaban la paloma juntos y John Dawson, otro de los jinetes llegó a tocar con el muerto en alguna ocasión, de modo que la gestación de la banda se dió prácticamente en el vientre del "Muerto", sus mienbros se conocieron por ser fans del "Agradecido" o eran amigos de Garcia y en sus inicios se dieron a conocer en Frisco, como teloneros recurrentes y asiduos de la legendaria banda de las canciones de veinte minutos, con solos de guitarra de cinco.

Powerglide es el segundo disco de la banda y en él, aparecen como invitados de lujo, Nicky Hopkins y Jerry Garcia, para darle otro toque al sonido ranchero-blusero-sicodélico de los Jinetes, y lo presentamos para que escuches otra vertiente de la sicodelia, conozcas a otra banda fundamental y sigamos repasando la historia de Hopkins.

Descargar aquí.


DISCOS SIMILARES.


CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL.











GRATEFUL DEAD.
Anthem of the Sun.









GRAM PARSONS.