LOS DISCOS DE 1967. Canned Heat.

CANNED HEAT

"Canned Heat"

1967

Tener catorce o quince años, andar descubriendo caminos de todo tipo, estar buscando una identidad era la cotidianidad de su servidor en los años '69 y '70 del siglo de las luces (de neón, por supuesto que hablo del siglo XX) y ese estado de gracia de la adolescencia tiene la peculiaridad de agudizar los sentidos, todo es sensualidad y todo se percibe con una intensidad que por desgracia se va perdiendo.

En esa situación etérea y alucinante me encontraba cuando descubrí a este quinteto que desde entonces es una de las bandas de música más entrañables e influyentes con que me he topado en la vida, Canned Heat me movió primero por el impresionante ritmo de su sonido, después por el feeling para interpretar un género que me era del todo desconocido, así que de paso les debo mi iniciación en el gusto por el blues que hasta la fecha no me abandona.

Ya instalado en mi asiento de fan, empecé a identificar a los cinco sujetos que de forma tan rotunda hechizaban mis oídos: Bob Hite, el gigante gordo que cantaba sin pedirle nada a los bluesmen negros; Alan White, la antítesis de Hite, menudo de cuerpo y voz, con un timbre casi infantil que era uno de los sellos inconfundibles del grupo, además de ser el armoniquista, el que producía esos sonidos fantásticos de la armónica blusera; Adolfo de la Parra, baterista nacido en la Ciudad de México y por tanto mi paisano, un loco que se fue al "otro lado" a aporrear tambores y ganar un lugar de insustituible en el "Calor Enlatado"; Larry Taylor, el bajista virtuoso que era el hombre experimentado, el que tenía más horas de vuelo, una especie de director musical y el increíble guitarrista Henry Vestine.

Desde entonces escucho con regularidad a este grupo de Blues y Boogie, maestros blancos de la música negra, al principio en forma dispersa, en antologías hasta que me hice el propósito de tener a mi disposición toda su discografía y en ese afán encontré este disco debut, y donde aparecen varias de las piezas que los hicieron famosos, algunas de su autoría y otras de la de los grandes maestros, pero todas interpretadas con gran energía y maestría, en este disco aparecido antes de la presentación del Heat en el Festival de Monterey, aparece como baterista Frank Cooke,quien salió pronto para ser sustituído por De la Parra, pero ya están los elementos característicos de la banda: las voces de Hite y Wilson, la guitarra punzante de Vestine y el bajo magistral de Larry Taylor, quien era entonces y fue por mucho tiempo, el mejor bajista de blues del mundo.

El repertorio del disco, aparece equilibrado:seis piezas clásicas del Blues, de autores legendarios como Muddy Waters, Elmore James, o Willie Dixon y otras cinco compuestas por los miembros del grupo en forma colectiva, un gran debut, un gran disco de Blues blanco y una joya discográfica infaltable en toda fonoteca.

LOS DISCOS DE 1967. Between the buttons.

THE ROLLING STONES.

"Between the Buttons"

1967

"Between the buttons" pertenece a una trilogía "stoniana", que testifica sobre una de las épocas más creativas de "la banda más grande...", tiene como antecedente al muy famoso y aclamado "Aftermath" y es el antecedente del no menos célebre "Their Satanic Majesties Request", los tres son parte de una renovación en la música de los "stones", quienes abandonaron un tanto la "pureza" blusera y su inconfundible estilo R&B británico, para incursionar en la hipnótica e irresistible sicodelia con sus sonidos extraños, puertas abiertas a la imaginación y la explosión creativa.

Existen dos versiones de este álbum, como era costumbre de la época, la británica y la norteamericana y la diferencia entre las dos es que en la americana se incluyen "Let's Spend the Night Together" y "Ruby Tuesday", que en el Reino Unido aparecieron como single, a cambio de: "Back street girl" y "Please go home" y la grabación se realizó en ambos países, en medio de dos giras de los Stones en cada lado del mundo, la versión que más se ha vendido en México es la norteamericana por supuesto.

Esta, la más conocida por nosotros abre con "Let's Spend... de forma inmejorable, con esta enormísima canción, quintaesencia del sonido Rolling, con un Jagger apasionado y pleno de energía y esa música desesperada, ideada por la banda y le sigue "Yesterday Papers", oscura y de bajo perfil y antes de que el ánimo decaiga, viene la elegante, fina, delicada y sensible "Ruby Tuesday", la otra cara de la moneda del single y del talento de Jagger y Richards.

Hay canciones que se hicieron clásicas del cancionero "rollingestoniano" como "Connection" y la delicada y hermosa "She Smile Sweetly", ya declaradas por el público "patrimonio de la humanidad", a pesar de la UNESCO, otras como "Cool, Calm & Collected", le dan variedad al disco con su arreglo como de bar o de música de cabaret.

La segunda parte del disco o lo que era el lado B del LP, tiene joyas del tamaño de "All Sold Out", poco destacada por la crítica, pero consistente e inmejorablemente bien lograda, seguida por la experimental "My Obssesion" y por otra poco apreciada que también es una gran pieza de la discografía stone y se llama "Who's Been Sleeping Here", ¿la recuerdas querido lector? con Jagger en su mejor forma y toda la banda en gozosa comunión.

La conclusión llega con una pieza que suena "stoniana decaída", sin esa fuerza característica, pero que bien escuchada, resulta un Blues "a la Rolling" muy sentido, luego aparece "Miss Amanda Jones", que es un homenaje al gran maestro de los cinco "rollings", el gran Chuck Berry, amado y venerado por ellos y muchos músicos jóvenes del Reino Unido y para cerrar con broche de oro "Something Happened to Me Yesterday", con el sello stone, pero con deuda importante con otra institución inamovible del Rock británico que son The Kinks.

La portada es obra del fotógrafo Gered Mankowitz, quien realizó la foto en el neblinoso Londres, a las 5.30 de la mañana para lograr ese hermoso fondo de amanecer y después con ingeniosos trucos creó ese efecto disolvente que la convirtió en una de las mejores portadas del año, como dato extra, se dice que para Jagger, el disco no le despertaba grandes expectativas y lo consideraba un disco malo, con una sola pieza de calidad.

LOS DISCOS DE 1967. Grateful Dead.

GRATEFUL DEAD.

"The Grateful Dead"

1967

Esta es la banda que representa más ampliamente el concepto del Rock Ácido, surgida y encumbrada por los hippies en San Francisco, Cal. la cuna de ese movimiento y de los conciertos de rock concebidos como ceremonias casi religiosas en donde músicos y oyentes nadaban en ácido lisérgico, la droga mágica de los hijos del flower power. 

Los grateful fueron unos de los más entusiastas participantes en el "Verano del Amor", como se conoce al período de gran esplendor de la macrocomuna hippie sanfranciscana, apoyando a los comedores y dormitorios, pero sobre todo, tocando gratis casi todos los días, fueron los proveedores del soundtrack , la música de fondo de ese momento histórico, vivido por miles de jóvenes gringos en 1967, amándose, compartiendo todo, escuchando música que parecía interminable y tuvo su momento más alto con el Festival de Monterey. 

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El Verano del Amor pretendía ser, algo así como, la inauguración de una contracultura opuesta a la dominante, una nueva y a la vez vieja forma de vivir, la gran contradicción de los hippies, oponerse a la deshumanización de la sociedad moderna, regresando a las formas sociales tradicionales, es decir que era un movimiento revolucionario que concebía el avance hacía atrás y entre tantos cambios que bullían en el cerebro de estos jóvenes y tantas inauguraciones, nació este género roquero hecho bajo efecto del ácido, con sonidos alucinantes y para ser escuchados bajo estimulación sensorial artificial, el experimento que se suponía, era un atajo para llegar a formas superiores de la autoconciencia. 

La grabación que hoy presentamos en sociedad, es el debut discográfico del "Muerto" en la que ya aparecían los que serían los elementos constitutivos del sello de la banda: dos baterías, piezas maratónicas (para suscitar la catarsis) y solos de guitarra también larguísimos, ejecutados por el líder "muerto" Jerry Garcia y una amalgama de rock, blues, jazz, música ranchera y folk, el disco es histórico, no sólo por ser el debut de una banda histórica sino porque también podría llamarse, parafraseando a Miles Davis, "Birth of the Acid Rock".

LOS DISCOS DE 1969. Stonedhenge.

TEN YEARS AFTER

"Stonedhenge"

1969

En el mismo año del Festival de Woodstock, pero en en el mes de Febrero se publicó "Stonedhenge", no sabían Alvin Lee y compañía lo que significaría para su carrera dicho festival, el que los dió a conocer en la Unión Americana y en el mundo, su disco anterior era el grabado en vivo que lleva por nombre "Undead" y que era un adelanto de la memorable actuación de la banda en Woodstock, pero sobre todo, mostraba a una banda de Blues-Rock británica extraordinaria.

Y es que tocar el Blues parece cosa fácil: mismas estructuras, ritmos y usos de los instrumentos como lo han hecho ya, cientos de músicos, pero Alvin Lee, Leo Lyons, Chick Churchill y Ric Lee, la formación clásica de Ten Years After, siempre tuvieron algo especial: la mirada desprejuiciada y el abordaje del Blues desde otra cultura y otro espacio geográfico.

Para empezar, los cuatro eran excelentes músicos de Blues, con un sonido impecable, nada del sonido "sucio", "grasoso" o "rasposo" de los músicos afroamericanos o de sus compatriotas blancos que hacían hasta lo imposible por sonar "negros", los Ten tuvieron siempre un sonido claro, limpio, impecable y ese es uno de los grandes méritos de Alvin Lee como guitarrista, que era sumamente veloz, pero también lograba un sonido diáfano con su instrumento.

Para la grabación de "Stonedhenge" se asociaron con el productor Mike Vernon, quien les sugirió un viraje hacia el Jazz sin abandonar la base blusera, precisamente para aprovechar y resaltar las virtudes de los instrumentistas e hicieron esta joya, que tiene una pieza con todos los requisitos de una composición del mejor Jazz, en especial el swing que logran y el desempeño virtuoso e ilimitado de cada músico, quienes además incluyeron en el disco cuatro piezas de poca duración que son "solos" instrumentales de cada uno de ellos.

También hay un corte de larga duración que es una cátedra de como tocar buen Blues y un jam al estilo del Jazz donde cada instrumento tiene su oportunidad de lucir en solitario, destacan las partes de Lee y de Churchill en guitarra y órgano que los muestran como músicos de alta competencia. En 2002 se remasterizó el disco y se incluyeron varios bonus: tomas alternas de piezas del disco y dos invaluables extras: "I'm going home" la clásica de los Ten y "Boogie on", que los muestra como ejecutantes extraordinarios de ese ritmo, en resumen, un disco de alta recomendación y si es en esa edición de CD de 2002, aún es mejor.

LOS DISCOS DE 1966. Face to face.

THE KINKS

"Face to Face"

1966

Con "Face to Face" se inició la llamada "época de oro de los Kinks" que se extiende hasta 1971, con una serie de grabaciones excepcionales: "Village Green", "Arthur" o "Lola", todas más o menos en los límites del "álbum conceptual", la característica observación social de ácida mirada y crítica devastadora que entiéndase, no estaba en los terrenos de la canción de protesta, sino del comentario agudo e inteligente de la vida social inglesa, en todos los niveles sociales y todos los espacios.

Se dice que Ray Davis, el líder y compositor principal de la banda, pasaba por un momento difícil que lo tenía al borde del colapso nervioso y el trabajo de composición de las canciones del disco le sirvieron de terapia, con lo que salíó ganando, pero no más que el disco y que la música de los Kinks, que dió un salto cualitativo notable, el estado de exaltación que experimentaba Davis, produjo una de las colecciones de canciones poproqueras más notables de todos los tiempos.

Y la sacudida emocional alcanzó también a la música que se volvió más rica, más imaginativa, con efectos especiales no usados antes e instrumentación también extraña en los discos de la legendaria banda, no es gratuito que cronistas e historiadores consideren a menudo a "Face to Face" la obra maestra de Ray Davis y los Kinks.

En esta obra clásica del rock están piezas fundamentales como "Sunny Afternoon" o "Fancy", además de producir un fenómeno nunca visto antes ni después; antes de la salida del disco, dos de las piezas contenidas en él, ya se habían convertido en éxitos: "House in the country" grabada por esa banda enorme que se llamaba "The Pretty Things" y "Dandy" que fue gran éxito mundial en la versión de los "Herman's Hermits".

Así que, queridos lectores, me complace revisitar y volver a disfrutar este disco que no tiene tiempo ni espacio; no fue hecho para alguna generación en especial y que me resulta entrañable, no sólo por los méritos ya enumerados, sino también por ser la banda de Ray Davis una de mis preferidas de toda la vida.

LOS DISCOS DE 1969. Supersnazz.

THE FLAMIN' GROOVIES

"Supersnazz"

1969

Los Groovies eran o probablemente siguen siendo (tengo noticias de que siguen rocanroleando), un grupo de rock 'n' roll, boogie, blues y R & B, géneros de raíces profundas, música básica pero llena de sentimiento y estos californianos eran la imagen viva de la energía, el sentimiento, el ritmo y la maestría, la enorme maestría que mostraban en el manejo de sus instrumentos, los tiempos y el ritmo.

En los Groovies, no hay sofisticaciones, no hay efectos especiales ni variedad de instrumentos, pero con las guitarras y los tambores hacían una música magistral y virtuosa.

Sus cuatro primeros discos, que son los que conozco: Sneakers, Supersnazz, Flamingo y Teenage Head, son simplemente geniales, con composiciones propias o covers sensacionales, que tienen la extraña virtud de tener el sello de los Flamin', sin dejar de ser las piezas clásicas que son.

Y como estamos repasando los discos de 1969, corresponde homenajear al primero de sus discos L.P. que para muchos conocedores es el mejor  y se llama "Supersnazz", una obra fuera de lo común en el contexto en que se produjo: los fundadores de la banda, estaban deslumbrados por los sonidos de la "Ola Inglesa", eran fans de los Beatles y otros grupos del otro lado del Atlántico.

Nacieron en San Francisco, la Meca del "hippismo" y en la época en que este estaba en su apogeo, es más, el disco que nos ocupa se publicó en 1969, el año estelar del movimiento, el del verano del amor, el del Festival de Woodstock, cuando los sonidos de la sicodelia resultaban irresistibles y no había banda que no se dejara seducir por ellos, pero los Flamin' no.

Ellos hicieron un disco de Rock and Roll cincuentero, Blues y R&B, con piezas propias y algunos covers de impecable ejecución, Cyril Jordan (guitarra, vocales), Roy Loney (guitarra, vocales), George Alexander (bajo, armónica, vocales), Tim Lynch (guitarra, armónica, vocales) y Danny Mihm (batería) eran todos excelsos ejecutantes de sus instrumentos, compositores de canciones consistentes y potentes y así como divirtiéndose, jugando, hicieron un gran disco que sorprende a cada momento con detalles virtuosos de los guitarristas, la base rítmica y hasta el canto, si es un disco de revival, pero con un sound absolutamente de la época, después vendrían otras grandes obras y una segunda vida de los Groovies, ya instalados en Europa, pero esa... esa es otra historia.

CANCIONES FAVORITAS. Revolver.

TAXMAN

Autor: George Harrison 

Intérprete: The Beatles

"Taxman" es una puerta, la que abrió a la expansión la música "beatle" y se dice que la canción que empezó la revolución de la música popular, más importante en muchas décadas, es la pieza con que abre "Revolver", el primer disco con el que The Beatles dejaron su primera época de músicos "pop" sobresalientes, para convertirse en maestros revolucionarios del arte de hacer y grabar canciones, sí, leíste bien mi querido lector(a), porque desde entonces grabar discos cambió de un conocimiento técnico a todo un concepto sónico de gran complejidad.

La pieza dedicada a los cobradores de impuestos que ya diezmaban las formidables ganancias de los cuatro "nuevos ricos", fue compuesta por George Harrison, quien no componía con la fecundidad de John y Paul, pero que cada vez aportaba más canciones al acervo "beatlesco" e invariablemente sus piezas eran joyas deslumbrantes.

Es una canción de protesta contra el sistema y en especial contra el sistema tributario que según palabras de George: "si andas por la calle, te van a cobrar impuestos por los pies", se dice que Lennon colaboró de forma importante en la composición, aunque es esencialmente una canción de George muy sui generis porque en ella George toca la cortante guitarra de acompañamiento, enmarcada por la exacta y emotiva sección rítmica de Paul con el bajo y la batería de Ringo y el "solo" de guitarra es ejecutado por... nada menos que McCartney y tal vez sea el único caso de una canción de ellos en donde Harrison cedió la guitarra principal a Paul.

Hablando de la grabación, "Taxman", tiene dos trucos importantes que se hicieron totalmente manipulando las grabaciones: la voz doblada de George que le da un sello especial y contrasta con los coros de Paul y John y la repetición del solo de guitarra al final, que no volvió a tocar Paul, sino que fue idea del productor, otra peculiaridad de la grabación es que se escucha la cuenta previa al inicio de la grabación.

LOS DISCOS DE 1968. Twain Shall Meet.

THE ANIMALS

"THE TWAIN SHALL MEET"

1968

La reunión de dos a que alude el título de este disco memorable, supongo que se refiere a la música negra y al naciente rock británico y si no es así, no importa, el disco es uno de los grandes de todas las épocas, su antecesor "Vientos de cambio" era un aviso de la evolución que se acercaba, en el rock, en la expresión juvenil y en la cultura en general y los Animales, banda imprescindible en la famosa Ola Inglesa, invasión o alguna de las formas en que se bautizó al muy creativo movimiento musical juvenil británico de fines de los sesentas, fue uno de sus protagonistas.

The Animals, tenía a uno de los grandes vocalistas británicos de esa época, porque ser uno de los grandes significaba entonces: cantar "a lo negro", entender, sentir e interpretar de la forma más fiel, al estilo de los grandes cantantes norteamericanos de Blues, Soul o cualquiera de las manifestaciones musicales afroamericanas, el susodicho entonador de canciones era Eric Burdon, quien muy bien acompañado, creó una serie de éxitos radiofónicos, una serie de álbums memorables y un estilo de experimentación musical históricos.

Los Animales abrevaban en la música negra, pero sin renunciar a su propia cultura musical de gran tradición y en los tiempos de que hablamos, Burdon había refundado la banda, trasladándose a la capital de la cultura hippie, la famosa "Monterey" que homenajea y reseña el famoso festival, da fé de estas andanzas por la costa oeste norteamericana.

La inspiración del rock ácido, la música oriental, y el bagaje que ya poseía Burdon, crearon este disco extraordinario y entrañable, recomendado para todo oyente, porque es novedoso, creativo, delicioso y entrañable.

LOS DISCOS DE 1969. Stand up.

JETHRO TULL

"Stand Up"

1969

Si "This Was" es una obra maestra del blues-rock británico, "Stand Up", no es su continuación y esto resulta raro en una banda que empezaba su carrera; ¿por que no seguir con algo que era popular, innovador y podía ser explotado un rato más? Parece que la respuesta es que Ian Anderson tomó el control total del concepto Jethro, componiendo, arreglando y diseñando, paso a paso uno de los "sounds" o conceptos musicales más originales de toda la historia del Rock.

El delicioso blues a lo Jethro que distingue al álbum debut de la banda ya no aparece o está perfectamente camuflado, en cambio, hay muchos elementos variados y de diversos orígenes amalgamados por la mente libre y creativa de Mr, Anderson: el folclor celta ocupa mayores espacios, la música de cámara se revela como influencia importante, la cosmovisión que reflejan las letras, con raíces en el folclor, el costumbrismo, los mitos y un mundo mágico desaparecido por la irrupción de la sociedad industrial y urbana, son todos elementos que en este disco definieron al Jethro Tull histórico.

Hay joyas como "Fat Man" donde Anderson toca una mandolina, instrumento totalmente inusual en el rock, una especie de balada tradicional tocada solo con la mandolina, percusiones y la voz, extraordinaria y novedosa; está también "Bourée", que es la Bourée en Do menor de J.S. Bach, con un tratamiento de Jazz-rock y no aparecido en el rock antes, la flauta de Anderson, virtuosa y emotiva, apoyada solo por una sección rítmica de bajo y batería que le imprimen su sello contemporáneo.

En "Stand Up" está también una canción llamada "We used to know", que no tuvo gran trascendencia, a pesar de ser una gran canción, hasta que The Eagles, banda norteamericana que alguna vez fue "telonera" del Jethro en sus giras por norteamérica, la recicló, para no decir que la plagió y la convirtió en la célebre "California Hotel". Anderson nunca inició acción legal contra este plagio y tuvo la gentileza y caballerosidad de sólo denunciarlo y aún considerarlo un tributo, ¡bofetada con guante blanco!, pues finalmente el Hotel California fue un fenómeno y éxito en el nivel planetario.

El resto del disco está lleno de sorpresas y piezas de extremo preciosismo que habrían de aparecer reiteradamente en la historia de la banda, "Reason for waiting" es una de ellas y favorita de quien escribe, pero en general es un disco muy parejo en su calidad y es difícil distinguir las mejores partes, el primer gran disco clásico de una banda clásica.

Y por último, otro aspecto para destacar, es la ilustración de la funda, una ilustración de James Grashow, quien era conocido como ilustrador de libros para niños e hizo un diseño que también contribuyó a esa gran revolución que significaron las portadas de los discos de Rock.

LOS DISCOS DE 1966. 96 Tears.

QUESTION MARK AND THE MYSTERIANS

"96 TEARS"

1966

En casi un siglo de emigración masiva de mexicanos a los Estados Unidos, la situación ha cambiado mucho, de los primeros emigrantes discriminados y sobrexplotados a la gran cantidad de empresarios, profesionistas, funcionarios públicos, deportistas y hasta gobernantes mexicanos o de padres mexicanos que actualmente triunfan en Norteamérica, hay un abismo.

En el rock, la situación no ha sido distinta, a los roqueros mexicanos les ha costado trabajo extra destacar en el medio gringo, pero aún así, una gran cantidad de paisanos han puesto su nombre en los anales históricos del rock norteamericano, mi amigo Asael de "La Crema Rock", publicó una lista bastante completa al respecto.

Pero un grupo pionero en este aspecto fue ¿ (o sea question mark) o signo de interrogación and The Mysterians, en los discos aparecía indistintamente ¿ and The Mysterians o Question Mark and the Mysterians, como si fuera el grupo de los Mistariosos y su líder Question Mark, ingenioso juego de palabras que se les ocurrió a estos chavos, hijos todos de mexicanos que formaron una banda de rock-blues muy exitosa que llegó al sitio número 1 de las listas de popularidad con la canción que dió título a su disco más conocido de 1966.

Pero Los Misteriosos no eran un grupo de un solo éxito, sino una banda de rock y sobre todo de blues muy consistente, su disco más conocido, el que se llamaba precisamente 96 tears, ha sido considerado por distintos críticos e historiadores, como uno de los grandes discos de la historia del Rock, se ha vuelto una grabación "de culto" bastante difícil de conseguir y muy codiciada por los coleccionistas.

El susodicho disco, es un agasajo de principio a fin, con piezas compuestas por los Misteriosos que eran: Bobby Balderrama, Frank Rodríguez, Frank Lugo, Eddie Serrati y el líder, cnatante y principal compositor Rudy Martínez, complementadas con algunos covers extraidos del blues o del soul, su versión de la legendaria "Stormy Monday", incluida en el disco en cuestión resulta sobresaliente.

LOS DISCOS DE 1968. Crown of Creation.

JEFFERSON AIRPLANE

"Crown of Creation"

1968

El cuarto disco de estudio de Jefferson, es el que tuvo mayor éxito comercial, llegando al número 6 en las listas de los más vendidos y es uno de esos ejemplos de discos comercialmente exitosos y a la vez, de gran calidad artística, equilibrio y fuerza emotiva, desde que empieza con la bella "Lather", compuesta por la no menos bella Grace Slick, el extraño aire de "In Time" de espíritu decididamente sicodélico y alucinado, la combinación de instrumentos acústicos y eléctricos la voz protagónica y corista de la Divina Gracia, y la guitarra de Kaukonen en plan maestro y acidez memorable..

En "Triad" de David Crosby otra vez la voz de Grace hace magia y el arreglo minimalista le permite el lucimiento; "Star Track", recupera el sonido inigualable del Aeroplano, con Marty Balin, a punto de apearse del avión en la voz principal, revelándose como vocalista excepcional, los coros de Grace y el sonido eléctrico del antiguo Aeroplano, el de "Surrealistic... y "Takes off"; en "If you feel" hay un nuevo impulso con el regreso de Grace como cantante principal, la guitarra de Kaukonen en solos memorables, la riqueza sónica de esta banda incomparable potenciada... anunciando la muy corta pero magistral "Crown of Creation", del estilo del que después sería su himno "Volunteers" con momentos de gran intensidad alternados con los de exquisita calma y dulzura.

Aparece como una una especie de continuación de "After Bathing at Baxter's", el disco que dejó atrás el estilo folk de la banda y la convirtió en un emblema de la música "ácida", de la sicodelia y el sonido San Francisco, es sin duda uno de los grandes discos del Aeroplano,a la altura de sus dos antecesores y del mencionado "Volunteers".

LOS DISCOS DE 1967. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

THE BEATLES

"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".

1967

Para muchos, es el disco más importante de la historia del Rock, para otros, el más influyente, otros piensan que es el más revolucionario y algunos más, el más creativo, su portada fue innovadora y paradigmática, ha sido parodiada, copiada y reverenciada desde hace más de cuarenta años y en muchas publicaciones de esas que compendian lo más importante de un año, aparece como un icono del año 1967.

La concepción del disco tiene sus historias que rayan en el mito, la más conocida es la que nos dice que Brian Wilson, ese genio desperdiciado que lidereaba a los Beach Boys, quedó muy hondamente impresionado cuando escuchó "Rubber Soul" de The Beatles, lo consideró una obra maestra de la música popular y de cualquiera, le pareció que era la obra que innovaba al Rock y un paso adelante en su desarrollo, a la luz de esta inspiración, decidió hacer un disco que lo superara.

Y así creó el también mítico "Pet Sounds", que al ser escuchado por Paul McCartney, sirvió de referencia y competencia, Paul al igual que Wilson, decidió que él sabía como podría ser superado "Pet Sounds", del que dijo que era "el mejor disco vocal que se había hecho" y siguiendo la idea, pensó a Sgt Pepper... como un disco conceptual, o lo que es lo mismo, un disco donde todas las canciones estuvieran unidas por el mismo concepto, o por el mismo hilo temático.

Otro antecedente de su grabación, es el hartazgo al que habían llegado los cuatro de Liverpool, de las presentaciones en vivo y la decisión de abandonarlas para siempre para concentrarse en cuerpo y alma a las grabaciones de estudio, una coincidencia más fue que tenían al productor perfecto para un proyecto así, George Martin, genio de la experimentación sónica en el estudio, y este no es un dato irrelevante, puesto que el trabajo de Martin creando "efectos especiales", representa un alto porcentaje en el carácter revolucionario del álbum y en su desbordante creatividad.

Todas estas circunstancias, más el signo de los tiempos, la erupción de imaginación que produjo la sicodelia y toda la música joven que se hacía en esos momentos, se conjuntaron para crear esta indiscutible obra maestra del arte universal, clásica en forma inmediata, señaladora de nuevos caminos, representativa de una época, documento histórico y objeto entrañable para millones de personas que de una u otra forma lo incorporamos a nuestra vida y nuestra historia personal.

LOS DISCOS DE 1968. A Long Time Coming.

THE ELECTRIC FLAG.
"A Long Time Comin'"
1968.

Después de su fructífera sociedad con Al Kooper, y de producir una obra maestra del blues blanco, Mike Bloomfield, fundó esta banda que es una de las pioneras del Rock-Jazz, sin la sofisticación y complejidad de los debuts de Chicago y Blood Sweat & Tears, "A Long Time Comin'", es rock, blues y toques de jazz en estado puro, sin sutilezas, sólo la fuerza y la pasión de un grupo de amantes de esos géneros.

Este es el disco con el que debutó The Electric Flag, fue grabado en 1967 y apareció en las tiendas al año siguiente, abajo del nombre del grupo aparece la leyenda: An American Music Band. y es una especie de advertencia de lo que el público va ha escuchar.

La leyenda apuntaba en dos sentidos, advertir que la grabación contenía música nacida en los Estados Unidos, jazz, blues y rock, además de distinguirse, de algún modo, de la avalancha de grupos ingleses que invadía a la Unión Americana.

La banda fue formada por Mike Bloomfield y la inició, invitando al tecladista Barry Goldberg y a Harvey Brooks, que también tocaba guitarra como Bloomfield, pero que allí sería el bajo, Bloomfield había conocido a ambos cuando grabaron Highway 61 revisited, el famoso disco de Dylan.
los invitados de Mike, invitaron a su vez, a un baterista excepcional que a pesar de tener sólo 19 años, ya tenía un curriculum impresionante, su nombre: Buddy Miles, la alineación se completó con Nick Gravenites, el que sería después un compositor de canciones excepcional, para que cantara y en la sección de metales entraron al quite, Peter Strazza y Marcus Doubleday.

Todos los miembros de la banda tenían, unos más que otros, habilidades como compositores y la unión de todos los talentos, crearon muy buenas canciones, además de los tratamientos sonoros que le dieron a cada una, la grabación es ya una clásica de la música americana y del blues hecho por blancos.

LOS DISCOS DE 1968. Child is Father to the Man.

BLOOD SWEAT AND TEARS

"Child is Father to the Man".

1968

Al Kooper empezó su carrera musical a muy temprana edad, a los quince años, ya tenía su primera banda y a los 16, ya había escrito su primera canción que fue éxito de ventas: "This Diamond Ring", grabada por Gary Lewis & The Playboys; ya hemos hablado de su afortunado encuentro con Mike Bloomfield y de la fructífera sociedad que mantuvieron por algún tiempo y que produjo varios de los álbumes de blues hechos por blancos más notorios de la historia.Pero la historia de estos extraños amantes blancos del blues, no termina allí y tiene una de sus ramificaciones en la carrera posterior de Al, quien al disolver su sociedad con Bloomfield, formó la banda conocida como Blues Project, un quinteto que también tuvo trascendencia histórica con tres álbums de estudio destacados y varios en vivo, de un blues fresco e innovador.




Dice el propio Kooper, que de chavo, a los dieciseis años vió por primera vez a la banda de Maynard Ferguson y que de inmediato lo atrapó la fuerza y la intensidad de la sección de metales y desde entonces tenía la idea de formar parte de una banda de blues, jazz y rock en donde la sección de metales fuera primordial, de modo que al salir de Blues Project se dió a la tarea de formar la histórica y legendaria Blood Sweat & Tears, con la que irónicamente sólo grabó éste, su álbum debut y no vivió con ellos la esplendorosa carrera que vendría después..

La combinación del rock-blues, ya muy común en ese momento, con toques finísimos de jazz en un formato de banda de rock con un tecladista excepcional y una sección de metales que aportaba el sabor jazzero, más las ya maduras composiciones de Kooper dieron lugar a uno de los álbums debut, más celebrados de la historia, exhuberante de sonoridades, emotivo, fuerte y delicado, creando una amalgama de géneros rayando en la perfección y muy probablemente haya sido la grabación que inauguró un nuevo género: el bautizado como jazz-rock (el "Chicago Transit Authority es de 1969), que habría de dar frutos de excelente calidad a fines de los sesentas y principios de los setentas.

A esta banda histórica, hija de la iniciativa y la inspiración de Kooper, le habrían de seguir la pista y el ejemplo grupos del peso del mencionado Chicago, Pacific, Gas & Electric, Cold Blood, Electric Flag (la banda de Mike Bloomfield con la misma idea que ésta), Flock, If y muchas más.