CANCIONES CLÁSICAS FAVORITAS DE 1970 (Segunda Parte).

CANCIONES CLÁSICAS Y FAVORITAS DE 1970

(Segunda Parte)

LET'S WORK TOGHETHER (CANNED HEAT). 1970 fue un año muy productivo para Canned Heat, además de "Future Blues", sacaron al mercado un disco en vivo llamado "Live in Europa" y el muy célebre "Hoocker 'n' Heat", álbum doble con John Lee Hoocker que revivió la carrera de éste e hizo que las nuevas generaciones se interesaran en él. Para la grabación de "Future Blues" tuvieron que buscarle sustituto a Vestine, quien dejó al grupo temporalmente, el reemplazo fue Harvey Mandel, guitarrista de primera que estuvo en la lista de candidatos para suplir a Mick Taylor en los Rolling Stones y fue el último disco que grabó Alan Wilson, pues murió mientras se grababa el disco con Hoocker, unos meses después de concluido el Blues del Futuro.

La razón de que este sea un álbum singular está: en el repertorio conformado por grandes piezas de blues ejecutadas magistralmente, pero sobre todo al sonido "grasoso" o "rasposo", dirían otros, que le imprimieron a la grabación, el bajo de Larry Taylor y la guitarra de Harvey Mandel, quien estaba allí en ausencia de Vestine haciendo un trabajo impecable y creativo, para que sepas con exactitud de que hablamos cuando decimos "sonido grasoso", basta con escuchar "Let´s work together" o "Sugar Bee" y notar que el sonido de bajo y guitarra no se escucha "limpio" sino con cierta distorción, con cierta suciedad, al estilo de los músicos afro y poco utilizado por los "blanquitos" que preferían los sonidos claros y limpios.

BLACK NIGHT (DEEP PURPLE)."In Rock" es otro de los grandes acontecimientos del año 1970 para el rock británico y mundial. Como álbum de transición entre el Purple de sus primeros tres discos y el que sobrevive en este nuevo siglo, presentó grandes innovaciones y sorpresas: en primer lugar, las incorporaciones de Roger Glover como bajista y de Ian Gillan como cantante y la nueva química asociativa que éstos lograron con la guitarra de Blackmore, y en segundo lugar, el consecuente vuelco hacia el rock duro, aún con tintes progresivos y sicodélicos, pero ya encaminado inevitablemente hacia el hard.
"Black night" se publicó en Junio de 1970 como single y posteriomente agregado a la edición de los 25 años de "In Rock" como bonus track, desde su primera publicación nació clásica con su poderoso riff la no menos potente voz de Gillan y el aviso de los tiempos venideros, un rock duro y "metalico".

ARE YOU READY? (PACIFIC, GAS AND ELECTRIC). Charlie Allen era un cantante soulero que le daba a Pacific, Gas and Electric ese sonido negro que la distinguió, la banda estaba formada por exelentes músicos que además amaban al Blues, el Gospel, el Soul y toda la música del alma, de su disco de 1970 la pieza con el nombre del álbum fue éxito mundial, universal y atemporal.

AIMLESS LADY (GRAND FUNK RAILROAD). Una más de esas infalibles canciones dedicadas a las damas misteriosas, fascinantes, entrañables e inalcansables, es el gran número de un álbum lleno de buenas piezas en el momento en que el trío histórico conquistaba el mundo, con su rock sencillo sin complicaciones pero irremediablemente escuchado, gustado, adoptado y guardado para la vejez, muchas veces quisimos defenestar al Grand Funk por su falta de finura y virtuosismo, pero precisamente el virtuosismo de los Grand era llegar a las víceras.

MOTHER (JOHN LENNON) Uno de los acontecimientos traumáticos para el Rock en 1970, fue la separación oficializada de los Beatles, el terrible golpe para los fans del cuarteto de Liverpool, se aliviaría con los discos individuales de John, Paul, George y Ringo que no tardaron en aparecer, en ese mismo año se editaron "All Things Must Pass" de George, "McCartney" de Paul y "Plastic Ono Band" de Lennon, los tres nacieron históricos, estaban destinados a ser clásicos y ya eran de los discos más importantes del año, antes de ser grabados, sólo por ser las primeras grabaciones individuales de los Beatles después de su separación.

Mother fue la canción que se escuchó con más fervor, Lennon seguía convocando emociones y nobles sentimientos, su inagotable sufrimiento y su vocación de mártir le dieron la inspiración para ésta nueva clásica que completa "Julia" la primera pieza dedicada a su mamá, "Mother" se incluyó en una versión más corta en "Shaved Fish" de 1975.

INMIGRANT SONG (LED ZEPPELIN). Escrita por Jimmy Page y Robert Plant, con ella se abre el "Led Zeppelin III" y tiene como tema una historia de los vikingos precristianos, aquellos que conocieron los ingleses y otros pueblos europeos por las incursiones guerreras y saqueadoras, la canción comienza con la frase: "Venimos de la tierra del hielo y la nieve", letra de Pant que nació en su mente en Junio de 1970 durante sus conciertos en Islandia, la letra inicial tomó el rumbo de la historia de Leif Ericson (970-1020), explorador islandés al que se considera como uno de los primeros que llegaron a América del Norte.

El riff de Page imita los remos de las naves vikingas y el inicio vocal refiere a los supuestos gritos guerreros de estos guerreros legendarios, la pieza resultó la más popular del disco, ha sido usada para películas y frases de Plant en la canción se hicieron célebres por distintas razones " The hammer of the gods will drive our ships to new lands", el "Martillo de los Dioses" ha sido usado para nombrar a la música zepeliana.

AGAIN AND AGAIN (THE GREATEST SHOW ON EARTH). De la banda británica de nombre kilométrco que grabó sólo dos discos "Horizons" fue el más exitoso, las canciones tratan temas del momento, la naturaleza, la iluminación, el amor, la posibilidad de un mundo mejor y tienen toda esa ingenuidad y candidez de los grupos de esa época, música dulce y mensajes "positivos", exaltación de los más nobles sentimientos humanos y fé ciega en la redención humana, todo eso que había en el rock poco antes de que llegaran las generaciones de desilusionados y furiosos encabezados por los punks.

La que más conocimos en México fue la que bautizó al álbum y su único gran éxito medido por popularidad y ventas fue “Real Cool World” pero mi favorita es "Again and again" dulce, melancólica, con instrumentos no eléctricos en el inicio, cambio de ritmo vertiginoso y agresivo para concluir serena y esperanzadora.

SON OF YOUR FATHER (SPOOKY TOOTH). Escrita por Bernie Taupin y Elton John apareció en "The Last Puff". Uno de los grandes discos británicos de Rock y de fines de los sesentas es "Spooky Two" de Spooky Tooth, pieza maestra de la composición, la ejecución, la capacidad para captar el momento histórico e incorporar gran cantidad de elementos de diversos origenes.
De modo que todo lo que hizo esta banda de suprema calidad, después de el "Two", fue inevitable, absurda y lastimosamente subestimado, la muestra es el que podría ser oficialmente considerado el siguiente registro magnetofónico de Spooky, haciendo la aclaración de que en medio de los dos está "Ceremony". Pero si se hacen a un lado los prejuicios y se desmitifica un poco al antecesor, se descubre que "The Last Puff" no tiene nada de "obra menor" y sí mucho de sobresaliente, desde el excelente cover de "I'm the Walrus", siguiendo con "The Wrong Time", su maravillosa intensidad y todos y cada uno de los tracks hasta "Song of your father" mi favorita.

BLACK MAGIC WOMAN (SANTANA). "Abraxas" es el álbum perfecto de Santana, en el que todo está excesivamente cuidado: el equilibrio entre fuerza y delicadeza, entre todos los componentes genéricos del sound y los papeles que van desarrollando los instrumentos, inclusive hay un equilibrio perfecto entre las partes cantadas y las instrumentales, de modo que da la impresión de fluir sin contratiempos ni tensiones, no es uno de esos discos que angustian al oyente o exacerban sus emociones, no es tampoco el disco para poner a trabajar a las neuronas, es simple y llanamente un disco para disfrutarse de forma relajada y placentera, sin que se tenga la impresión de que está uno rebajando su nivel como escucha y entregándose al comercialismo y la autocomplascencia, perdiendo la exigencia, que es lo mínimo que tiene que conservar un buen melómano.

Por supuesto que de este disco salieron muchos éxitos para toda la vida, o muchas piezas que se hicieron clásicas: "Black Magic Woman", "Oye como va", "I hop you're feeling better", "Samba pa' tí" o "Icident at Nashabur", con la aclaración de que las dos últimas son enteramente instrumentales, factor que suele hacer a las piezas menos populares, pero eso no fue obstáculo para que se hicieran de muy buenos lugares en las listas de ventas.

AFTER MIDNIGHT (ERIC CLAPTON). Después de haber estado en el Olimpo y de ser considerado el guitarrista más importante del Rock británico, a muy temprana edad, Eric Clapton se la creyó demasiado, no soportó el peso de la fama, se enamoró de la mujer equivocada, tomó demasiadas drogas o evidenció su frágil estructura síquica, puede ser una, dos o todas, pero el caso es que su prometedora carrera se estaba despeñando a fines de los sesentas.
Dejó Cream, le tuvo fé ciega a Blind Faith, se disfrazó de Derek y estuvo casi retirado hasta que sus amigos unieron esfuerzos para prestarle un hombro donde se apoyara y le organizaron el famoso "Rainbow Concert" donde Pete Townshend, Rick Grech, Jim Capaldi, Ron Wood, Steve Winwood y otros tocaron con Eric, para juntar dinero que sirviera para sanear las finanzas "claptonianas" y para su rehabilitación. El resultado de esta etapa fue el regreso de Clapton a la música y este disco extraordinario, para mi gusto el mejor de Clapton solista y en él salieron por lo menos dos clásicas "After midnight" y "Blues Power". 

LOLA (THE KINKS). En 1970 se publicó "Lola versus Powerman and Moneygoround" que tenía mucho de disco conceptual y que abordaba el tema de la industria musical con todos sus apéndices: críticos, prensa, editores, sindicatos y directivos de las disqueras, como era acostumbrado se lanzaron dos singles del disco "Lola" y "Apeman", las dos tuvieron gran éxito en ventas y en el recibimiento de la crítica.
Lola tiene de especial que es tal vez la primera canción que tiene como personaje a un transvesti y su tratamiento es como solía ser por obra de Ray Davis, jocosa y ácida, el muchacho que se prenda de quien conoce en un club y aún sabiendo o al menos sospechando que es hombre no niega su gusto por la fascinante Lola.

BRIDGE OVER TROUBLED WATER (SIMON AND GARFUNKEL). Otro gran acontecimiento del año 1970, fue el último disco de estudio de Simon and Garfunkel, con Paul Simon en pleno dominio de las técnicas y trucos de la composición, los arreglos y la producción en general,  tomando como base la fórmula ya más que probada de las piezas muy orientadas hacia el folk, letras muy "literarias", las famosas e infalibles armonías vocales que eran el sello inconfundible del dueto y una combinación de piezas de Simon, de alto impacto, variadas, melódicas, excelentemente bien arregladas, para conquistar a cualquier público.

Como resultado, el disco estuvo paseando por los lugares más altos de las listas en un lado y otro del océano, iluminando y emocionando al planeta con canciones impecables en su hechura que gustaban a chicos y grandes e incluso que podían ser clásicas que versionara medio mundo, por supuesto que el gran hit fue la que le dió nombre al disco y que ahora es ya una clásica inmortal.

LOVE GROWS (EDISON LIGHTHOUSE). Fue grabada en estudio con músicos de sesión, compuesta por los productores Tony McCaulay and Barry Mason, cuando se publicó en Enero de 1970 y llegó al primer lugar en el Reino Unido más el 5 en Estados Unidos, tuvieron que armar una banda que apareciera en TV y presentara la exitosa canción, el grupo se formó con músicos de estudio, su frontman era un cantante de estudio llamado Tony Burrogs y su repertorio se armó con canciones de diferentes grupos, por supuesto que la banda no vivió mucho y pasó al olvido, pero "Love Grow" se convirtió en una clásica que sigue viva.

CANCIONES CLÁSICAS DE 1970. Las mejores canciones de 1970.

CANCIONES CLÁSICAS DE 1970

LAYLA (DEREK AND THE DOMINOS). Con el tiempo se convirtió en la canción más conocida de Eric Clapton, el disco se llamaba "Layla and other assorted love songs" porque la pieza del título la compuso a Patty Boyd esposa de George Harrison y no era una canción de amistad a la esposa de su amigo, sino una canción de amor apasionado porque Eric estaba perdidamente enamorado de la dama, en un principio la canción no tuvo nada de especial pero cuando se supo la historia de amor que contenía se volvió una clásica.

MY SWEET LORD (GEORGE HARRISON). Con la separación de los Beatles vino All things... el esperadísimo primer disco solista de Harrison que se publicò despuès del de McCartney, George no contaba con el curriculum musical de Lennon y McCartney, pero era un compositor sobrio, serio y no carente de talento, hay que recordar que Harrison acababa de regresar de una larga estancia en la India, en donde se empapó del misticismo y la religiosidad de ese pueblo y regresaba a su quehacer musical, cargado de la vibra que ese estado de gracia generaba en su interior, el hombre estaba iluminado, en armonía y muy creativo, de modo que la música que grabó en esas circunstancias tenía un toque especial.
De todas las canciones que asombraron al mundo llenas de religiosidad y amor, destacó "My Sweet Lord" clásica instantánea y éxito mundial, hasta la fecha se identifica con la obra de Harrison más que ninguna otra.

HORIZONS (THE GREATEST SHOW ON EARTH). "El Espectáculo más grande sobre la tierra" era un nombre más que megalómano  pero aún así, la banda no defraudaba, formada por los hermanos Garth y Norman Watt Roy - en algún lugar de Inglaterra - como dijo Harrison, tenían como modelo a bandas norteamericanas del tipo de Blood, Sweat & Tears o Chicago, así que se dieron a la tarea de reclutar ejecutantes de metales, mientras ellos se hacían cargo de guitarra, bajo y voces, otro apoyo fundamental era Mike Deacon en el órgano,

El resultado de grabar Horizons, fue una especie de catálogo de lo que se hacía en esos tiempos, a ratos suena a "Hair" el musical sobre los hippies, en otros suena a Flock o a Blood, Sweat... y a varios grupos, pero a pesar de las influencias notorias la banda tiene personalidad propia y la visión que les daba la cultura musical europea. En Mèxico la pieza "Horizons" se escuchaba mucho en la radio y fue un éxito para los oyentes mexicanos.

NO MATTER WHAT (BADFINGER) "No Matter What" fue el super éxito de Badfinger, en un principio, fueron caminando con el talento que como compositor tenía Ham, autor de esta pieza, pero ya para este segundo disco todo el grupo se reveló con talento para la composición, todas las canciones del disco son de buena a excelente calidad, sin embargo, este fue un álbum poco reconocido en UK, pero con gran éxito en Norteamérica, al grado de que muchos escuchas, entre ellos yo, pensamos por mucho tiempo que Badfinger era un grupo gringo.

Su letra es muy sencilla y sin rebuscamientos, una simple canción de amor y amistad, pero musicalmente, está muy bien construida, mezclando las canciones melódicas del tipo beatle con el hard rock vigente, tiene una dulzura que se mezcla con energía pura en un contraste imposible de ignorar, la canción te llega por varios frentes, por su ritmo, por su melodía o por su letra, pero te llega. 

HOMEWORK (THE J. GEILS BAND). John Geils amaba el blues y a muy corta edad, empezó a formar bandas para tocarlo, en su natal Boston se encontró con el complemento perfecto, dos músicos negros que se habían metido en los cuerpos de dos blancos, uno de ellos, cantante fuera de serie, era Peter Wolf, al otro, armoniquista excepcional, se le conocía como Magic Dick, aunque en realidad se llamaba Richard Salwitz y con ellos formó la banda que los llevaría a la inmortalidad, The J. Geils Band.
En el disco con que debutaron, de 1970, aparece esta canción que es un blusazo de la autoría de Othis Rush, Al Perkins y D. Clark, maestros negros del género que escarba en el alma y mueve al cuerpo, los amigos del señor Geils, hicieron una versión insuperable, llena de ritmo y energía, con la voz de Wolf en su mayor potencia blusera y toda la banda gozando el maravilloso acontecimiento de tocar el blues.

LADY D' ARBANVILLE (CAT STEVENS). Esta es una de las más bellas canciones que he escuchado en mi vida, la música, triste y dulce, la letra, una obra maestra del buen decir ¡que bella descripción de la muerte y de la tristeza que esta provoca!

Dos años antes Cat Stevens, cuando ya empezaba a ser conocido y había hecho llegar algunas de sus canciones a las listas de popularidad, enfermó de tuberculosis y pasó más de un año entre hospitales y reposo en casa y parece que ese período de descanso forzoso, le permitió reformular su posición ante la música y las canciones, compuso una gran cantidad de piezas que se alejaban del tono Pop que hasta ese momento lo había caracterizado y al volver a la actividad, las presento a Paul Samwell-Smith, el bajista de The Yardbirds, quien hizo mejor carrera como productor que como músico, éste produjo "Mona Bone Jakon", uno de los grandes discos de 1970.

VEHICLE (THE IDES OF MARCH). The Ides of March, nunca fue un grupo extraordinario, ni hizo discos históricos, el mejor de ellos es precisamente Vehicle, pero pasaron a la historia con esta canción inmensa que pegó con tubo en todo el mundo, en los mismos tiempos en que Chicago y Blood Sweat & Tears llevaban a lo sublime este formato de banda con metales y bases en el blues.
Su caractarística de canción potente y rítmica, con un acompañamiento de metales, un bajo persistente y una voz muy blusera, hicieron de ella un acontecimiento mundial, la letra es la de una canción de amor de su época,el extraño que se sabe atractivo, promete a la joven que corteja, llevarla a donde quiera y cumplirle todos sus deseos: llevarla a cualquier lugar en su sedán, convertirla en estrella de cine o simplemente que siga siendo como es y él pueda conquistarla, la frase que se volvió clásica fue esa especie de plegaria donde declara su amor a la mujer amada, y para enfatizar sus convicciones le dice al Dios poderosísimo de todos los cielos que él sabe cuánto la ama.

SWEET JANE (VELVET UNDERGROUND). "Sweet Jane" es una de las más inspiradas y perfectas composiciones de Reed, aunque oficialmente este firmada como de la autoría del grupo completo, es obvio que es una pieza "louridiana", con esa rítmica casi minimalista, esa furia, esa rebeldía y esa pasión que Lou tiene y que en la juventud era aún más violenta.

Personajes típicos de Reed, oscuros, marginados, traumados o desadaptados y retratos de un "american way of life" en decadencia, sin el romanticismo ni la ingenuidad, tan sólo la vida cruda y real, las emociones brotando como borbotones de sangre y un cierto matiz sepia, como si la historia fuera el regreso a una escena ya pasada, sin duda mi canción favorita de Velvet que aunque la escuche cientos de veces me sigue emocionando y me eriza la piel.

THE MAN WHO SOLD THE WORLD (DAVID BOWIE). El segundo álbum de Bowie y ya estaba el primer cambio en la carrera de este hombre que no podía quedarse donde estaba, había en el equipo dos personajes fundamentales, Tony Visconti como productor en este y muchos discos más, constituyendose en parte indispensable del sonido Bowie. El otro personaje importantísimo era Mick Ronson, el guitarrista de extraordinarias cualidades sin quien los discos de esta etapa no hubieran sonado así, Ronson les imprimía un sello muy especial, con Bowie, sin Bowie y a pesar de Bowie.

De este disco salió a la inmortalidad la canción que da nombre a toda la obra y que años después tuvo se segundo aire cuando Kurt Cobain y compañía, lo grabaron en la última grabación de Nirvana, curiosamente no es uno de los discos con más canciones exitosas pero sí es, uno de los más completos y disfrutables por su homogeneidad y consistencia.

TEACHER (Jethro Tull).  Benefit ha sido desde hace más de treinta años mi disco favorito del Jethro y uno de mis consentidos de toda la vida, con esas historias terrenales y divinas a la vez y la extraña mezcla de sonidos perfectamente ensamblados en un estilo incomparable, donde se unen armoniosamente el sonido duro del rock y las suaves baladas folk o los sonidos medievales; los instrumentos eléctricos con su fuerza y energía y los acústicos, suaves y delicados, difícilmente puedo decidir cuál es mi canción favorita del álbum, pero "Teacher" lleva una pequeña ventaja a las demás.
Es una de las grandes canciones de Anderson, con un riff que engancha, la voz cavernosa, las intervenciones esporádicas o en solos de la flauta, un bajo exacto que guia, y la letra de uno de los grandes compositores del rock inglés, con un lenguaje vasto y evocador de imagenes e historia que no se queda en lo descriptivo, sino que escarba en la naturaleza humana para encontrar su esencia.

LET IT BE (THE BEATLES). La famosísima canción compuesta por Paul McCartney tuvo como inspiración como muchas otras en un sueño, Paul soñó a su madre fallecida en 1956 y ésta le decía que todo iba a estar bien, los Beatles como grupo estaba agonizando, la empresa Apple no funcionaba bien y había muchos problemas así que la "mamá Mary" aconsejaba que dejara los problemas y se resolverían solos, en el sueño Paul escuchaba "let it be" y esa frase fue su estribillo, se publicó como single junto con "You know my name" el 6 de Marzo de 1970, no hay que explicar su éxito en el momento y hasta la fecha, una clásica universal. 

 

 

GREEN EYED LADY (SUGARLOAF). Jerry Corbetta y Dave Riordan son los autores de este superéxitazo del año 1970, lanzado como single e incluido en el álbum "Sugarloaf" de la banda del mismo nombre, clàsica instantánea que desde entonces aparece en todas las recopilaciones del año, de los setentas y de la historia del Rock.
La banda impactò al mundo con su sonido sicodèlico y de hard rock, despuès de su primer disco grabaron "Spaceship Earth" y no hubo más, pero su sonido se quedó para la historia, la banda norteamericana es un grupo clásico que siguiò en activo hasta mediados de la década, inolvidable para las generaciones setenteras.

SPILL THE WINE (ERIC BURDON & WAR). Se publicó como single en Mayo de 1970 y en pocas semanas llegó al número 3 de las listas, forma de medir las piezas más exitosas del año.

Con la finalización de la década, también se acabaron The Animals, fue entonces cuando Eric, se dejó seducir por la tierra prometida de la paz, el amor y las flores, emigró a la costa oeste norteamericana, se empapó de la vibra amorosa y el ácido, encontró a la banda ideal para que acompañara a su voz y grabó un álbum maravilloso, un clásico instantáneo y uno de los grandes discos de la historia de la música.

War, al contrario de Animals, era una asociación de grandes músicos, especialistas virtuosos de sus instrumentos y amantes celosos de la música negra, todos habían tocado Blues y Música Soul, pero en el momento estaban inmersos en la experiencia de mezclar el Blues, el Rock, la Sicodelia y el Funk, rama de la música afroamericana que estaba en su apogeo.

PARANOID (BLACK SABBATH) lanzada como sencillo, con "The Wizard" como lado B, en el UK en julio de 1970, se dice que se compuso e incluyó en el segundo disco de Black Sabbath como relleno y luego elegida para nombrar al disco que originalmente se llamaba "War Pigs", la disquera cambiò el nombre para "no herir suseptibilidades" y confundir a los activistas contra la Guerra de Vietnam, la banda inglesa fue una de las pioneras del metal y su sonido fue novedoso y aceptado en el nivel planetario, "Paranoid" fue uno de los grandes éxitos mundiales y desde entonces, clásica del Rock universal.

ALL RIGHT NOW (FREE). Canción escrita por Andy Fraser y Paul Rodgers para el exitoso "Fire and Water" de 1970, disco de la banda Free, la canción llegó al número 2 de singles en el Reino Unido y el 4 en Estados Unidos, además fue éxito número 1 en varios países.

"Fire and Water" que ya era su tercer disco, se volvió un clásico casi instantáneo, abriéndose paso con "All Right Now", con un riff de esos memorables y una fuerza fresca y demoledora, fue un exitazo que permitió a escuchas y críticos poner la debida atención a todo el disco, que tiene joyas como "Mr. Big" y "Don´t Say Your Love me", con grandes dosis de Blues en el panorama hard que domina al disco y en donde Rodgers, demuestra su valía.
Free fue uno de los ejemplos más representativos del hard rock británico y en especial del hard londinense, conviviendo con propuestas cercanas pero únicas como la de Ten Years After o la de Bolan y su T Rex, develaron uno de los momentos más emotivos y esperanzadores del rock en el Reino Unido, una especie de reivindicación de las virtudes primitivas del género, un regreso a los tiempos románticos en que el rock era pura fuerza, emoción y rebeldía.

 

LOS DISCOS DE 1966. Takes Off.

JEFFERSON AIRPLANE

"Takes Off"

1966

"Takes Off", el histórico disco debut de la legendaria banda de Rock Ácido Jefferson Airplane, sirve el día de hoy para hacer homenaje a Paul Kantner, fallecido en días recientes, fue el líder de uno de los grupos icónicos del Verano del Amor, de la mítica San Francisco de 1967 y de la cultura sicodélica, la banda se formó en 1965 en la Meca del hipismo teniendo como base la unión de Marty Balin y Paul Kantner, reclutaron a Signe Toly Anderson como cantante, Jack Casady en el bajo, Skip Spence en batería y Jorma Kaukonen en la guitarra líder.

Balin era cantante de Pop, Kantner estaba en la música folk, Kaukonen tocaba Blues y la base rítmica se acomodaba a lo que fuera, la mezcla cuajó y el resultado fue un sonido híbrido de Blues, Folk, Rock, Pop y la cultura sicodélica que fue la semilla del Rock ácido, debutaron en público el 13 de Agosto de 1965 con el nombre que los hizo famosos.

Al año siguiente grabaron su primer disco con canciones de Balin y Kantner mayoritariamente y colaboraciones de Skip Spence y de Kaukonen, la cantante Anderson grabó con el Airplane sólo este disco, después llegó Grace Slick y transformó la imagen, el sonido y las composiciones de la banda, de paso cambió la vida de Kantner con quien tuvo una hija y un buen tiempo de unión.

El disco que abrió la creatividad del Jefferson lanzó este primer aviso de lo que vendría, una explosión de imaginación y un éxito extraordinario que los llevó a ser la banda mejor pagada de Norteamérica en el '67, incluye dos covers "Tobacco Road" de Loudermilk, la pieza folk que se volvió favorita de varios grupos que la recrearon y "Let's get together" de Chester Powers, mejor conocido como Dino Valenti el líder de Quicksilver Messenger Service, quien compuso esta canción que se volvió un himno juvenil de la época hippie.

LOS DISCOS DE 1967. Big Brother and the Holding Company.

BIG BROTHER AND THE HOLDING COMPANY

1967

El presente artículo tiene como fin, recordar el aniversario 73 del nacimiento de Janis Joplin, que sucedió el 19 de Enero de 1943, así que estamos festejando. 

El núcleo original que fundó Big Brother and the Holding Company, nombre muy ad hoc con la época, títulos con conotaciones sicodélicas o con muchas palabras, nada de The... y ya, sino todo un concepto o una idea, estaba formado por Peter Albin, guitarrista de Blues y Folk y Sam Andrew, guitarrista con formación en el Jazz y la música de concierto, después de conocerse y tocar juntos decidieron... ¡pues hacer una banda! tal como el perspicaz lector supuso y reclutaron a James Gurley, con las guitarras completas buscaron un baterista, el invitado fue Chuck Jones, condenado al anonimato porque muy pronto fue sustituido por el pintor y batería de Jazz David Getz.

Con esta alineación empezaron a tocar en el salón de baile Avalon en San Francisco como una banda diferente o incompleta, según como quiera verse, porque no tenían un o una cantante y hacían música instrumental con fuertes influencias de Jazz y pincelazos progresivos, entendiéndose esto como avangard o música contemporánea, pues aún no se acuñaba el término progresivo.

Alguien les sugirió a la texana Janis Joplin y ella aceptó la invitación, en un principio el estilo de Janis no impresionó a los Big, no era lo que esperaban, les parecía muy convencional, una cantante de música folk o country o Blues muy suave, dicen que en un año de estar juntos, Janis mostró todo su potencial y ellos le bajaron a sus pretenciones intelectuales y encontraron el medio perfecto.

Su presentación en el Festival de Monterey fue el momento clave, la banda impresionó al público, su primer disco no había sido bien recibido y pasó bastante desapercibido pero el Festival los puso bajo el reflector y "Cheap Thrills" su segundo disco fue éxito total, de su primer ensayo hay mucho que rescatar: el tono de las piezas, entre dolidas y angustiadas; la energía del grupo y la voz impresionante de Janis y fue a demás el sello de la diva hasta su temprana muerte.

Peter Albin: bajo eléctrico.
Sam Andrew: guitarra eléctrica.
David Getz: batería.
James Gurley: guitarra eléctrica.
Janis Joplin: voz. 

DAVID BOWIE. Young Americans.

DAVID BOWIE
"Young Americans"
1975

A Bowie se le acusó de mercenario, comercialista, calculador y perseguidor de billetes cuando salió a la venta "Young Americans", venía de hacer una serie de discos muy personales, honestos, novedosos y en muchos momentos innovadores, cuando tuvo la ocurrencia de hacer un disco empapado hasta la médula de funk, en momentos en que el género tenía un resurgimiento con tintes muy comerciales.

Resulta que estaba nuestro protagonista haciendo gira norteamericana para presentar ante el público estadounidense, su álbum "Diamond Dogs", que era entonces el más reciente y resurgió en su interior, una vieja afición por la música soul-funk, acostumbrado a hacer lo que tenía ganas de hacer, llamó a Tony Visconti, su productor de cabecera y se pusieron a grabar el disco 

Dicen las crónicas de la época, que el disco casi en su totalidad, fue grabado en diez días de Agosto de 1974 y las posteriores sesiones fueron para afinar detalles, mezclar o completar la grabación de alguna canción, lo mismo se dice de la composición de las piezas que fueron creadas por David en corto tiempo.

La ruptura estilística fue contundente, y Bowie baila y nada en aguas hipotéticamente desconocidas como pez en "su agua", crea su propia concepción del funk y hasta encontró un estilo adecuado para cantar, con su característica maleabilidad, pero con una teatralidad exagerada, interpretando la pasión dolida de la música soul desde sus múltiples habilidades histriónicas, un ejemplo contundente y una joya de la voz "bowiana" es "Can you hear me".

"Fascination" es la joya del disco, febril, con un Bowie apasionado y un impulso potente de los coros ortodoxamente "funk", es una composición de David y Luther Vandross, aún muy joven participando como co autor de la pieza y en los coros de la mayoría de las canciones que Bowie cuidó y potenció como la sustancia "funkera" que le estremecía cada célula desde su más tierna adolescencia.

Hay un "cover" "Across the Universe" con la participación del mismísimo Lennon en guitarra y coros y una pieza estelar, el primer número uno en las listas americanas que alcanzó Bowie, la famosa, estaba destinada a serlo "Fame", compuesta por David, John Lennon y Carlos Alomar, que como siempre, aportaba un porcentaje significativo de la calidad del sonido Bowie, tanto como el extrañado Mike Ronson, aunque con un estilo guitarrístico muy diferente.

"Young Americans" tuvo ventas extraordinarias, fue destrozado por las críticas periodísticas, los seguidores más rígidos del camaleón abjuraron de él y de su obra y a Bowie le importó muy poco, tal vez sabía que con el tiempo sería un clásico rotundo que iría desplegando sus encantos ocultos sin prisa, año tras año, renovándose en el tiempo, como si fuera regrabado cada que fuera necesario.

LOS DISCOS DE BOWIE. Station to station.

DAVID BOWIE

"Station to Station"

1976

El dìa de ayer falleció David Bowie y este artículo es un homenaje a su genio, además del agradecimiento por su música y su entrañable presencia por varias décadas en nuestras vidas.

Según el propio Bowie: "Station to Station", fue "un llamado para volver a Europa" y esto significaba que su furor "soulero" y "funk", habían terminado y volteaba a su continente y lo que estaba sucediendo en el ambiente "roquero" y musical en general y lo que más le impactó de esa actualidad musical, fue el "kraut", como se le llamó a la rebelión roquera, a la invasión bárbara proveniente de Alemania, que cuestionaba al pulcro y elegante y virtuoso rock que estaban haciendo en el Reino Unido, mezcla de sicodelia y "progresión", léase: todo o casi todo el rock británico que volaba en las alturas de la complejidad y la sofisticación y todo el "progresivo" que se hacía en Italia principalmente, muy permeado por el folk, la música de cámara. el Jazz y el toque progre de los instrumentos electrónicos.

El salvaje, primitivo y a la vez, vanguardista y propositivo "kraut rock" impresionó a Bowie y lo acercó a la vieja Germania, donde poco después se refugiaría para hacer su famosa "trilogía de Berlín" y el disco que sugestivamente se llama "Estación a estación", es un parteaguas, la llegada a un sitio y el cambio de ruta en otro sentido, se acabaron las canciones muy convencionales, las armonías "correctas" y los métodos normales de componer y poco a poco se van introduciendo las abigarradas "texturas" sónicas, creadas en el estudio y que serían la característica de la trilogía, creadas por el gran genio de las texturas, Brian Eno.

Con el indispensable Carlos Alomar en la guitarra; Dennis Davis en batería; George Murray en el bajo; el extraordinario tecladista Roy Bittan, quien tocó en grabaciones de una cantidad impresionante de "rock stars" y fue muy conocido como el tecladista de planta de la E Street Band de Bruce Springsteen; y otros músicos menos notables, Bowie hizo uno de sus grandes y aclamados discos, en una época en la que se suponía tendría un bajo rendimiento creativo, por su extrema adicción a las sustancias estimulantes, sacó, como muchas otras veces, ventaja de su situación concreta y convirtió los posibles obstáculos en creatividad.

Para muchos críticos e historiadores, con esta grabación, Bowie dejó de ser un compositor exquisito de canciones "pop" para convertirse en un músico de altura, con todos los merecimientos y con su talento haciendo erupción, al parecer en esa época, empezó a romper ataduras y con la asociación que tuvo con Eno, completó su liberación.

CANCIÓN NAVIDEÑA. Jethro Tull.

JETHRO TULL.

"A Christmas Song".

 Autor: Ian Anderson.

Intérprete: Jethro Tull.

Jethro Tull publicó en 2003 su disco llamado "Christmas Album" con canciones nuevas relacionadas con la Navidad y el Invierno y otras ya grabadas o escritas con anterioridad, la idea fue hacer un álbum temático con cosas relacionadas , arreglos tradicionales y por supuesto con el sello andersoniano. Aparecen como siempre las historias que dicen algo de la naturaleza humana, su maldad y su bondad, los ejemplos de vileza y los de sublime nobleza, todo en nuestra forma de ser y vivir.

La canción de navidad no es sólo "feliz navidad y todos contentos", el señor Anderson como de costumbre pregunta, investiga en nuestros más recónditos anhelos, nuestros lados más oscuros y nos hace pensar, nos guste o no, sobre la Navidad, su significado, la historia que se celebra y después de inquietarnos nos cambia la jugada: no se preocupen, no me hagan caso, disculpen si soy desconsiderado, sigan festejando, Santa! rola la botella, y que siga la fiesta!

Por esto y por mucho más, ésta es canción dedicada a la Navidad, signifique lo que signifique para cada quien, muchas bondades y la mejor parte de la humanidad haciendo que sea un poco más pequeña nuestra congénita maldad a fines de este año difícil, para el otro y para todos los de nuestra vida.

CANCIÓN DE NAVIDAD.

Una vez en la ciudad de Real de David
en un solitario pesebre
donde una madre celebra a su bebé.

Harías bien en recordar las cosas que el dijo más adelante.
Cuando están celebrando ustedes mismos las fiestas de Navidad,
van a reír cuando les diga que tomen una ruta de la carrera.

Se están perdiendo el punto principal, que estoy seguro  no necesitan hacer
que el espíritu de la Navidad no es lo que se beben.

Entonces, ¿cómo se puede comer cuando tu propia madre está hambrienta?,
y ¿cómo se puede sonreír cuando las razones para sonreír son erradas?

Y si les arruiné sus placeres siendo un desconsiderado
recuerden, si lo desean, que ésta es sólo una canción de Navidad.
(Hey! Santa! Pásanos esa botella, ¿quieres?)

CHRISTMAS SONG.

Once in Royal David's City
stood a lonely cattle shed,
where a mother held her baby.

You'd do well to remember the things He later said.
When you're stuffing yourselves at the Christmas parties,
you'll just laugh when I tell you to take a running jump.

You're missing the point I'm sure does not need making
that Christmas spirit is not what you drink.

So how can you eat when your own mother's hungry,
and how can you smile when the reasons for smiling are wrong?

And if I just messed up your thoughtless pleasures,
remember, if you wish, this is just a Christmas song.
(Hey! Santa! Pass us that bottle, will you?)

CANCIÓN NAVIDEÑA. 4 / 3 / 1943

4 / 3 / 1943

Autor e intérprete: Lucio Dalla

No dice en ningún verso que esta sea una canción navideña, pero el ingenio de Dalla hizo una  obra de arte con un texto que puede ser una parábola, o un poema de amor o una autobiografía, todas las posibilidades caben en ella, la historia tiene como nombre la fecha de su nacimiento y la usó para cambiar el nombre original que fue censurado por considerarse una falta de respeto a Cristo (El niño Jesús), aunque la referencia a Jesucristo es obvia.

Dalla creó una historia de una adolescente que se embaraza de un hombre que sólo vió una vez y de quien no supo ni el nombre, y en su fantasía maternal se siente como esas representaciones de la virgen María con el niño en sus brazos como una bendición invaluable.

Agrega que el infante de la historia bautizado como Jesús por su madre, queda huérfano muy niño y toda la gente del puerto que lo conoce le llama Niño Jesús ( Gesú Bambino) y aún en su vida adulta es un hombre común que se emborracha, juega a las cartas y peca como cualquiera, pero sigue siendo Niño Jesús para todos, había en la letra original otra referencia Cristo, en vez de decir la gente del puerto, decía las prostitutas y los ladrones, pero una vez más, le cayó la censura.

Por estas razones me gusta como canción navideña, el nacimiento del niño para venir al mundo y cambiar algo, dejar alguna huella y ser recordado, como cualquier persona, con nuestra historia, nuestros hechos, nuestros amores, nuestro paso por el mundo que nos tocó vivir.

3 / 4 / 1943

Dice che era un bell'uomo
e veniva, veniva dal mare...
parlava un'altra lingua...
però sapeva amare;

e quel giorno lui prese mia madre
sopra un bel prato..
l'ora più dolce
prima di essere ammazzato.

Così lei restò sola nella stanza,
la stanza sul porto,
con l'unico vestito
ogni giorno più corto,

e benché non sapesse il nome
e neppure il paese
m'aspetto' come un dono d'amore
fino dal primo mese.

Compiva sedici anni quel giorno
la mia mamma,
le strofe di taverna
le cantò a ninna nanna!

e stringendomi al petto che sapeva
sapeva di mare
giocava a far la donna
col bimbo da fasciare.

E forse fu per gioco,
o forse per amore
che mi volle chiamare
come nostro signore.

Della sua breve vita, il ricordo,
il ricordo più grosso
e' tutto in questo nome
che io mi porto addosso.

E ancora adesso che gioco a carte
e bevo vino
per la gente del porto
mi chiamo Gesù bambino.

E ancora adesso che gioco a carte
e bevo vino
per la gente del porto
mi chiamo Gesù bambino.

3 DE Marzo de 1943.


Dicen que era un buen hombre
y venía, venía desde el mar
hablaba otro idioma
pero sabía amar

Y aquel día él tomó a mi madre
sobre un gran prado
la hora más dulce
antes de ser asesinado

Así ella quedó sola en el cuarto
que da hacia el puerto
con su único vestido
cada días más corto

Y aunque no supo el nombre
ni tampoco su país
me esperó como un don de amor
desde el primer mes

Cumplía quince años 
aquel día mi mamá
y con estrofas de taberna
me cantó canciones de cuna

Y apretándome al pecho
que sabía, sabía a mar
jugaba a ser la virgen
con el niño en sus brazos

Y tal vez fue por juego
o tal vez por amor
que quiso llamarme
como a Nuestro Señor

De su corta vida
el recuerdo, el recuerdo más vivo
está en el nombre
que yo llevo conmigo

Y todavía me saluda la gente
allá en el puerto
y aunque ahora juego a las cartas
y me emborracho
la gente sigue llamándome "niño Jesús"

Y todavía me saluda la gente
allá en el puerto
y aunque ahora juego a las cartas
y me emborracho
la gente sigue llamándome "niño Jesús"

CANCIONES FAVORITAS. All the young dudes.

"All the young dudes"

Autor: David Bowie

Intérprete: Mott the Hopple

1972

La banda británica Moot the Hopple tuvo un éxito importante en los años finales de los sesenta, su primer álbum tuvo mucha aceptación, el segundo fracasó comercialmente y fue acusado por los críticos de "comercialista", de renunciar a su vena blusera y a inicios de los setenta la banda estaba en crisis y a punto de disolverse.

Moot tenía entre sus fans a David Bowie en pleno ascenso, haciendo discos importantes, convirtiéndose en un acontecimiento y en plena etapa de creatividad, en 1972 estaban a punto de separarse y Bowie les ofreció una canción que relanzara su carrera, el primer ofrecimiento  "Suffragette City" , fue rechazado por Ian Hunter, líder de la banda y grabaron "All the young dudes" recién compuesta por Bowie y exclusiva para ellos, el mismo David la produjo y fue el gran éxito de la historia de la banda, fue una clásica inmediata y adquirió el aura de ser un himno juvenil, el gran himno del movimiento "glam" y otros motes, el autor al ser interrogado dijo que esa no fue nunca su intensión.

Bowie escribio All the young... en el mismo tema del mundo apocalíptico a punto de desaparecer, en la coyuntura de la civilización decadente que además enfrenta peligros extraterrestres, estos eran los temas de sus discos anteriores y de gran éxito, pero las creaciones se van de las manos de sus creadores y son apropiadas por la masa que las pone en los sitios donde quedan para siempre.

ALL THE YOUNG DUDES

Well Billy rapped all night about his suicide
How he kick it in the head when he was twenty-five
Speed jive don't want to stay alive
When you're twenty-five.

And Wendy's stealing clothes from Marks and Sparks
And Freedy's got spots from ripping off the stars from his face
Funky little boat race.

Television man is crazy saying we're juvenile deliquent wrecks
Oh man I need TV when I got T Rex
Oh brother you guessed
I'm a dude dad.

All the young dudes (Hey dudes)
Carry the news (Where are ya)
Boogaloo dudes (Stand up Come on)
Carry the news.

All the young dudes (I want to hear you)
Carry the news (I want to see you)
Boogaloo dudes (And I want to talk to you all of you)
Carry the news

Now Lucy looks sweet cause he dresses like a queen
But he can kick like a mule it's a real mean team
But we can love oh yes we can love.

And my brother's back at home with his Beatles and his Stones
We never got it off on that revolution stuff
What a drag too many snags.

Now I've drunk a lot of wine and I'm feeling fine
Got to race some cat to bed
Oh is there concrete all around
Or is it in my head
Yeah.

I'm a dude dad
All the young dudes (Hey dudes)
Carry the news (Where are ya)
Boogaloo dudes (Stand up)
Carry the news.

All the young dudes (I want to hear ya)
Carry the news (I want to see you)
Boogaloo dudes (And I want to relate to you)
Carry the news
All the young dudes (What dudes)

Carry the news (Let's hear the news come on)
Boogaloo dudes (I want to kick you)
Carry the news.

All the young dudes (Hey you there with the glasses)
Carry the news (I want you)
Boogaloo dudes (I want you at the front)
Carry the news (Now you all his friends).

All the young dudes (Now you bring him down cause I want him)
Carry the news
Boogaloo dudes (I want him right here bring him come on)
Carry the news (Bring him here you go)
All the young dudes (I've wanted to do this for years)
Carry the news (There you go)
Boogaloo dudes (How do you feel)
Carry the news.